El miércoles 17 de mayo comienza el ciclo Locuras contemporáneas con una presentación a cargo de sus comisarias, Amparo Lozano y Teresa Badia, y la proyección única de Monos como Becky, de Joaquim Jordá, que se celebrarán a las 20 horas en el Salón de actos del Edificio Sabatini.

A través de una selección de obras audiovisuales que presentan las zonas más desconocidas tanto del orden social como de la mente humana, las comisarias pretenden despejar la frontera difusa que hay entre la realidad y su percepción, entre la norma y la excepción.

Locuras contemporáneas ofrece una multitud de puntos de vista acerca de los diferentes desórdenes psicológicos que encontramos en la sociedad actual: desde el análisis de los procesos, metodologías y mecanismos de curación o control del desequilibrio psíquico llevados a cabo por la psiquiatría y la psicología, hasta las reacciones sociales y culturales frente a los trastornos mentales, pasando por los propios mecanismos de la percepción alterada, los procesos de autoexclusión y autodestrucción y los comportamientos extremados derivados de las mecánicas de las sociedades contemporáneas.

Realizados en diferentes formatos, se podría calificar al conjunto de 22 películas dentro de la categoría de cine de no-ficción o documental creativo, caracterizada por la mezcla de hechos reales, entrevistas, etc., con diversos grados de ficción, dramatismo o humor. El conjunto, organizado en 8 programas, podría agruparse conceptualmente en dos grandes bloques: las experiencias interiores y las referentes al entorno y a la relación del individuo con éste.

En el primero están presentes desde alteraciones fisiológicas del cerebro, hasta casos clínicos en los que se muestran distorsiones perceptivas inducidas o heredadas. No faltan testimonios personales, autorretratos de artistas que a modo de autoterapia se presentan a la cámara, narraciones de estados considerados enfermos contextualizados en el entorno que los favoreció o procesos de autoexclusión social. Algunos de ellos son relatos en primera persona; otros, documentos sobre la respuesta de la medicina a la enfermedad mental, así como sobre la experimentación en los métodos de la psiquiatría y la psicología, desde la lobotomía hasta la antipsiquiatría.

En el segundo gran bloque, nos encontramos un muestreo sobre las influencias de los entornos sociales en la alteración de la conducta de los individuos. Aquí hemos incluido filmes sobre, por ejemplo, la histeria colectiva provocada por situaciones reales extremas –como la guerra– o por simulaciones de catástrofes; sobre procesos de aislamiento favorecidos por las tecnologías de la comunicación o la arquitectura, o sobre la angustia potenciada y agilizada por la imposición de un determinado orden social, de la moda, o de sistemas de control del estado (campañas estatales para promover la prohibición de lo que se considera nocivo a nivel individual y colectivo basadas en la autoridad y el pánico social). Quedarían también incorporadas en este apartado todas aquellas estrategias utilizadas, por parte del poder religioso, político y económico, en la promoción de los mecanismos de autocensura, de regulación de comportamientos sociales en forma de proclamas para perpetuar el mutismo y la aceptación de las normativas existentes o de eliminación/anulación de elementos distorsionantes al sistema.

Programa 1
Miércoles 17 de mayo, 20 h.

Joaquim Jordà y Nuria Villazán
Barcelona, España, 1935 / Barcelona, 1938. Viven en Barcelona.

Monos como Becky. 1999, 35mm, b/n y color, v.o.s., España, 96'.
Cortesía de Els Quatre Gats, Barcelona.

Tras saber que el doctor Fulton había realizado una ablación del lóbulo central del cerebro (lobotomía) de una chimpancé llamada Becky y el resultado de su docilidad posterior, el neurólogo portugués Egas Moniz aplicó esta terapia a los esquizofrénicos, lo que le valió el premio Nobel. Este hecho y el atentado mortal de un enfermo contra él sirven a Jordà –quien al igual que otros protagonistas del filme ha vivido la experiencia de la intervención y el tratamiento médico– como punto de partida para, a través de la preparación de una función teatral, plantear una reflexión lírica a favor de las terapias individualizadas y el diálogo con los enfermos frente al uso de psicofármacos y de terapias agresivas. Monos como Becky mezcla las imágenes de esta singular representación teatral con documentales en blanco y negro de testimonios de familiares y conocidos de Moniz, así como con opiniones de psiquiatras, sociólogos y filósofos.

Programa 2
Viernes 19 de mayo, 20 h.
Jueves 1 de junio, 20 h.
Domingo 11 de junio, 13 h.

Jalal Toufic
Líbano, 1962. Vive en Alemania.

Credits Included: a Video in Red and Green. 1995, mini-DV, color, v.o.s., 40'.
Cortesía OVNI, observatorio de vídeo no identificado, Barcelona.
Con la cámara al hombro, Toufic documenta las ruinas urbanas de la Guerra del Líbano: los edificios desaparecidos y los de nueva construcción, las tiendas abiertas y sus carteles y rótulos rotos, la vida de sus ciudadanos, sus escolares –el futuro– y sus psiquiátricos, poblados también por disidentes políticos –las heridas–. Sin dejar de lado un espacio para la poesía –el rojo y el verde– y para la metáfora, en Credits Included también se exhiben sin concesiones los rastros de la catástrofe –una guerra de 15 años de duración– en la vida de una ciudad y de sus ciudadanos, oscilantes entre el progreso, la belleza, el desastre y el olvido.

Pedro Ortuño
Valencia, España, 1966. Vive en Murcia.

Olvidada ciudad de los idiotas. 2005, U-Matic transferido a DV Cam, color, EEUU-España, 10' 30''.
Cortesía del artista.

Un titular de la prensa local durante la dictadura franquista: Olvidada ciudad de los idiotas, da título al último vídeo realizado por Pedro Ortuño, en el que mantiene el interés por la recuperación de la memoria histórica y por la reflexión sobre cuestiones de carácter sociopolítico y cultural en los que viene incidiendo a lo largo de su trayectoria. La voz de varios supervivientes del terrible caso del Psiquiátrico de Valencia habla de la precariedad y del más que dudoso valor terapéutico de los tratamientos a que fueron sometidos; estos "si bien no terminaron por verse engullidos completamente por la dinámica de la institución, tampoco han podido recibir soluciones dignas de mano de la más reciente reforma psiquiátrica" (Ortuño).

Xavier Hurtado
Barcelona, España, 1961. Vive entre Barcelona y Bogotá.

Kirlian Corp. 1996, U-Matic transferido a DV Cam, color, EEUU-España, 10'30''.
Cortesía del artista.
Entre 1992 y 1993, el autor realizó una serie de entrevistas a pacientes esquizofrénicos y paranoicos del psiquiátrico de Sant Boi de Llobregat, Barcelona, cuya edición constituye el material sonoro del vídeo. Acompañan a este un torbellino de imágenes de diverso contenido y procedencia (Super 8, videojuegos o 16 mm.) que ocupan el lugar de los cuerpos de los entrevistados. Partiendo de la noción de delirio como "estructura contenida en sí misma", Kirlian Corp cuestiona el orden de la diferencia –y sus fundamentos ideológicos– dentro del cuerpo social, en un paseo por mundos interiores, territorios del deseo, del miedo, de la esperanza y del significado.

Programa 3
Sábado 20 de mayo, 20 h.
Viernes 2 de junio, 20 h.
Jueves 15 de junio, 20 h.
Jennifer Montgomery
EEUU, 1961.
Threads of Belonging. 2003, 35 mm transferido a mini-DV, color, v.o.s., EEUU, 90'.
Cortesía Video Data Bank, Chicago.

Threads of Belonging presenta a modo de documental la vida diaria en Layton House, una comunidad terapéutica de ficción en la que conviven pacientes esquizofrénicos y sus doctores. Los personajes y hechos presentados están extraídos de historiales médicos y otros escritos de miembros del movimiento antipsiquiatría de los años sesenta. La directora, los actores y el equipo técnico convivieron en la casa donde se rodó la película combinando las pocas escenas del guión con las improvisaciones surgidas durante el rodaje. Asistimos a terapias experimentales, discusiones de método, enfrentamientos de poder y a la convergencia de diversas alteraciones psicológicas en la lucha por el desarrollo y la supervivencia de la comunidad.

Programa 4.-
Domingo 21 de mayo, 20 h.
Sábado 3 de Junio, 20 h.
Viernes 16 de junio, 20 h.

Francesco Jodice & Kal Karman
Nápoles, Italia, 1967/ San Francisco, EE.UU., 1967. Viven en Milán.

Hikikomori. 2004, DVD, color, v.o.s., Japón, 22'.
Cortesía Galería Marta Cervera, Madrid.
Hikikomori, el motivo de la película, es el término que define la reclusión voluntaria que conduce a la completa aniquilación de la comunicación y las relaciones sociales. Los Hikikomori son jóvenes japoneses, habitualmente menores de 30 años y con un buen nivel académico, que deciden no salir nunca más de su casa, e incluso de su habitación. Jodice y Karman documentan esta renuncia absoluta a participar en la vida social y las razones de esta decisión, a la vez que retratan el aislamiento de estos jóvenes, que puede durar unos meses o incluso años. Hikikomori se filmó en Tokyo entre el 3 y el 8 de noviembre de 2004.

Andrés Duque
Caracas, Venezuela, 1972. Vive en Barcelona.
Paralelo 10. 2005, DV Cam transferido a DVD, color, v.o.s., España, 26'.
Cortesía del artista.
Con el documental Ivan Zulueta, 2005, Duque puso de manifiesto, además de su admiración por el cineasta español, su interés por los retratos y su concepción de cómo utilizar los recursos técnicos y narrativos de la cámara. Con el uso de encuadres fijos a la espera de que ocurra algún acontecimiento y, en contraste con otros de movimiento rápido e interrumpido, Paralelo 10 se articula a partir de la curiosidad casi obsesiva que despierta en él Rosemarie; y documenta un ritual diario que esta mujer filipina realiza, durante una hora, en la confluencia de las calles Paral.lel y Entença, en Barcelona. Ella no habla con nadie, pero sabe que por esa esquina pasa el Paralelo 10, una línea geográfica que atraviesa tres continentes y 22 países, entre ellos, Filipinas. Rosemarie asevera: "Hay conexiones por todas partes. Pero están escondidas".

Xavier Hurtado
Barcelona, 1961. Vive entre Barcelona y Bogotá, Colombia.

Fins demá, fins demá no. Que no n´hi ha [Hasta mañana, hasta mañana no. Que ya no hay]. 1993, mini-DV, b/n y color, España, 8'.
Cortesía del artista.
Como en otros de sus vídeos, el autor utiliza la entrevista como la mediación entre dos miradas. A través de las posibilidades de edición digital disponibles en ese momento (D-I) lo grabado es tratado como escritura, y desvinculado de la carga de ser una representación directa de lo real. Paquito, indigente malagueño, eligió por suelo el de la Plaza Castilla de Barcelona y las nubes por su techo y en ese –su– espacio él solo, vive, bebe, ríe, habla y duerme. Conversa consigo mismo desde una exclusión interiorizada y no compartida, en un periodo, –como señala Hurtado– "con un orden neoliberal implacable que entonces se veía venir, y ahora está encima nuestro".

Fred Pelon
Nieuwer-Amstel, Holanda, 1961. Vive en Ámsterdam.

The Dutch Act. 2001, mini-DV, color, v.o.s., Holanda, 24'.
Cortesía Video Data Bank, Chicago.

Esta película experimental rodada en Super 8 explora el mundo de los suicidas y la manera en que Internet es utilizado respecto a este tema tan complejo. Desde el anonimato de las comunicaciones en Internet, chat rooms y listas de correo son lugares de encuentro virtual para muchos individuos que se plantean el suicidio. Asimismo son objeto de los ataques de ‘intervencionistas’ que intentan abortar toda práctica suicida. Pelon investigó entre los años 1998 y 1999 este controvertido tema, incorporándose a algunas de estas comunidades que ofrecen un punto de confluencia del debate político y ético, así como de la acción práctica. Nombres, lugares y direcciones de correo electrónico han sido alteradas para respetar la intimidad de los participantes.

Programa 5
Jueves 25 de mayo, 20 h.
Domingo 4 de junio, 20 h.
Sábado 17 de junio, 20 h.

Ann-Sofi Sidén & Tony Gerber
Estocolmo, Suecia, 1962. Vive entre Nueva York y Berlín. EE.UU., 1961. Vive en Nueva York.

QM, I think I call her QM. 1997, 35 mm transferido a DVD, color, v.o.s., EE.UU., 28'.
Cortesía Galería Barbara Thumm, Berlín.
Agradecimientos: Galería Pepe Cobo, Madrid.

Primera película de Sidén, QM: I think I call her QM investiga la relación entre la ciencia y su objeto de estudio, a la vez que es una reflexión sobre las condiciones de la condición humana y de sus parámetros de conducta. Una criatura envuelta en barro –QM (Queen of Mud)– aparece bajo la cama de una psiquiatra en Manhattan y se convierte en el objeto de sus estudios científicos cuasi-paranoicos. El intenso proceso de observación, análisis y experimentación a que se ve sometida la criatura, y el aislamiento de ambas del mundo exterior, se verá alterado por la fuga de la criatura en un momento de distracción que deja a la psiquiatra ante el drama de un misterio sin resolver: ¿Es QM real o es una proyección mental de una víctima de la manía persecutoria y de la obsesión por el cumplimiento de una misión?

Joe Gibbons
Providence, Rhode Island, 1953. Vive en Nueva York.
Multiple Barbie. 1998, mini-DV, b/n, v.o.s., EE.UU., 9'.
Cortesía Video Data Bank, Chicago.

Rodado con una cámara Fisher-Price PXL2000 Pixelvision, este trabajo de Gibbons presenta al artista como un psicoanalista interrogando en el diván a la muñeca Barbie para explorar en su psique de plástico. El intento de romper el silencio de Barbie, afectada de personalidad múltiple, con el objetivo de reintegrar su personalidad, conduce al psiquiatra a un monólogo obsesivo y “abre la caja de Pandora de la psicopatía” (J.Gibbons), volcado a las fantasías de poder, destrucción y muerte.

Programa 6.-
Viernes 26 de mayo, 20 h.
Jueves 8 de junio, 20 h.
Sábado 24 de junio, 20 h.

Eduardo Chapero-Jackson
Madrid, 1971. Vive en Madrid.

Contracuerpo. 2005, 35 mm transferido a Betacam, color, España, 17'.
Cortesía Prosopopeya Producciones, Madrid.

Tras sus estudios en la Parsons School of Design y en la Universidad de Nueva York, Chapero-Jackson ha realizado su primer cortometraje: Contracuerpo. En él narra las alteraciones físicas y psíquicas de una joven obsesionada por conseguir que su cuerpo adquiera las medidas prototipo de un maniquí, viviendo así el autodestructivo sueño de ser lo que no es. Con un tratamiento visual simbólico e iconográfico, no verbal, este cortometraje nos introduce en el aislado mundo de la protagonista, siguiendo una lógica y estructura narrativa basada en una lógica más intuitiva que racional. "El cine es sobre todo imagen, la psique también, las imágenes pueden enfermar, la enfermedad puede ser imagen" (Chapero-Jackson).

Donigan Cumming
EE.UU., 1947. Vive en Montreal, Canadá.

If only I. 2000, mini-DV, color, v.o.s., Canadá, 35'.
Cortesía Video Data Bank, Chicago.

En 1993, Cumming empezó a realizar retratos en vídeo de personajes socialmente rechazados –enfermos, ancianos, pobres– en sus entornos más íntimos. If only I es uno de estos retratos en el que Colleen, la protagonista, “rota” y en medio de una nueva crisis, nos relata su historia: fue víctima de los abusos sexuales de su padre, está separada de sus hijos, es adicta a la heroína y tiene un historial suicida. Con un tratamiento de imagen frontal y sin concesiones formales, Cumming desafía los tabúes de la representación, llevándonos a las zonas más oscuras de la mente humana, y de sus capacidades.

Anne Charlotte Robertson
A Breakdown (and) after Mental Hospital. 1991, Super 8 transferido a mini-DV, color, v.o.s., EE.UU., 26'.
Cortesía OVNI observatorio de vídeo no identificado, Barcelona.
Diagnosticada como bipolar con desórdenes pos-traumáticos, Anne Charlotte Robertson documenta su maníaco-depresión desde 1981 en sus diarios filmados que registran en conjunto más de 40 horas. A Breakdown (and) after Mental Hospital es un fragmento de éstos. A modo de confrontación con esta alteración psíquica, consigo misma y con el entorno, la artista utiliza la cámara a modo de herramienta terapéutica y referencia biográfica e identitaria.

Programa 7.-
Sábado 27 de mayo, 20 h.
Viernes 9 de junio, 20 h.
Jueves 22 de junio, 20 h.

Virginia García del Pino
Barcelona, 1966. Vive entre Barcelona y México.
Pare de sufrir. 2000, DV Cam transferido a mini-DV, color, México,7'.
Cortesía OVNI observatorio de vídeo no identificado, Barcelona.

El nombre de una iglesia cercana a la vivienda de García del Pino en Guadalajara (México), da título a este vídeo, cuyo formato original era una proyección de diapositivas con sonido. Las imágenes son fotografías que reflejan la sociedad de consumo, la publicidad, el diseño gráfico, las dificultades y los rasgos culturales y religiosos de la ciudad. Estas imágenes se cruzan con el sonido: la lectura por parte de cinco mujeres mexicanas de unas entrevistas a internos de hospitales psiquiátricos de Centro América extraídas de una publicación. Este feedback entre imagen y sonido crea un ritmo fluido, con una voluntad de desdramatizar la narración con toques de humor.

Ximena Cuevas

Ciudad de México, 1963. Vive en México DF.

La Puerta. 2000, Betacam, color, México, 5'.
Cortesía de la artista.

Formada en la industria cinematográfica, en la década de los años ochenta, –combinándolo con la realización de sus primeros trabajos en vídeo– Cuevas trabajó en más de 20 largometrajes y tuvo empleos tan diversos como script, asistente de director, directora de arte y stand-in. Como videoartista, ha abordado de forma crítica aspectos de la cultura cotidiana, los iconos culturales, la dualidad entre los mundos interiores y exteriores o ha indagado en su memoria personal. En La Puerta, realizado a partir de la hospitalización de su madre e inspirado en la cita de T. H. Elliot:"El infierno es uno mismo... no hay nada de lo que escapar ni nada hacia dónde escapar", el rápido movimiento de la cámara por pasillos del hospital transmite una sensación claustrofóbica.

Tran T. Kim-Trang
Saigón, Vietnam, 1966. Vive en Los Angeles, EE.UU.

Ekleipsis. 1998, mini-DV, color, v.o.s., Japón, 22'.
Cortesía Video Data Bank, Chicago.

Nacida en Saigón, Kim-Trang emigró a EE.UU. en 1975. En 1991 empieza a trabajar en sus Series sobre la ceguera, un proyecto de ocho partes que investiga la ceguera y sus diferentes aspectos como metáfora. Como parte de esta serie, Ekleipsis trata sobre la somatización del dolor y el sentimiento de pérdida, con el resultado de pérdida de la visión. Desarrollando en paralelo dos historias –la de la histeria y la de la Guerra de Camboya–, Kim-Tran recoge la experiencia de un grupo de mujeres camboyanas en Long Beach, reconocido como el mayor grupo de personas diagnosticadas con ceguera histérica en el mundo.

Les LeVeque & Diane Nerwen
Cortez, Colorado, 1952. Montreal, Canadá, 1965. Viven en Nueva York.

Dissing D.A.R.E.: Education as Spectacle. 1997, mini-DV, color, v.o.s., EE.UU., 6'.
Cortesía Video Data Bank, Chicago.

D.A.R.E. (Drug Abuse Resistance Education - Educación para la resistencia al abuso de drogas) es un programa educativo dirigido y presentado por policías uniformados en las escuelas de EE.UU. y diseñado para dar a los escolares la información y capacitación para reconocer y resistir al consumo de drogas, legales o ilegales, y a la violencia. En Dissing D.A.R.E LeVeque y Nerwen presentan este programa a modo de vertiginosa exhortación alegórica acerca de la cultura dominante de la imagen frente al contenido, de la histeria frente a la razón, y acerca de la promoción de la paranoia y el pánico social por parte de los cuadros militares.

Toni Serra
Barcelona, España. Vive entre Duar Msuar, Marruecos, y Barcelona.

Minnesota 1943. Serie: The TV Code. Las Cintas Negras, 1995, DV Cam transferido a mini-DV, color, España, 7'.
Cortesía OVNI observatorio de vídeo no identificado, Barcelona.

Este vídeo trata en tres niveles diferentes –imagen, texto y sonido– una confrontación experimental con el conocido test psicológico MMP, desarrollado por la Universidad de Minnesota en 1943 por encargo del ejército americano, y que fue utilizado como test para entrevistas de trabajo en grandes empresas durante décadas. Mezclando sutilmente las preguntas y respuestas a este test con imágenes de la violencia de los medios de comunicación y de los anuncios publicitarios, Serra (cofundador en 1993 de OVNI observatori de video no identificat) traslada al espectador la presión de las normativas sociales y los desórdenes psicológicos que causan a los entrevistados.

Halflifers: Torsten Z. Burns & Anthony Discenza
1968. Vive en Nueva York. New Jersey, 1967. Vive en West Oakland, California.

Aquatics - Rescue Series. 1997, mini-DV, color, EE.UU., 6'30''.
Cortesía Video Data Bank, Chicago.
Aquatics es una de las cuatro cintas cortas que conforman el proyecto The Rescue Series del colectivo Halflifers y que se encuentran dentro de la línea de vídeos performáticos iniciada por los trabajos de Vito Acconci o Martha Rosler. The Rescue Series muestra en clave irónica las ansiedades, profundamente asentadas, provocadas por el miedo a la catástrofe. Cuando este miedo ocupa la psique, las actividades más mundanas y simples se convierten en potencialmente amenazadoras. Dentro de un espacio físico obsesivo, los dos performers preparan, catalogan y representan continuamente situaciones de emergencia en un intento absurdo y desesperado por restaurar el sentimiento de seguridad.

Jason Simon

Vera. 2003, mini-DV, color, v.o.s., EE.UU., 25'.
Cortesía Video Data Bank, Chicago.

Jason Simon trabaja con vídeo, fotografía y películas. Sus trabajos combinan la voluntad de mostrar cosas tanto como la de desnudar conceptualmente la manera en que esas cosas se muestran. Así, analiza y desmenuza los mecanismos, las estrategias y las ideologías que subyacen a la creación de intenciones, gustos y deseos individuales y colectivos. Vera es una entrevista, un retrato que relata el consumismo. La protagonista es una mujer joven americana cuyas pasiones y compulsiones se debaten de forma vertiginosa entre el gasto y la pérdida, entre el gusto y la subjetividad, entre la individualidad y la norma.

Programa 8.-
Domingo 28 de mayo, 20 h.
Sábado 10 de junio, 20 h.
Viernes 23 de junio, 20 h.

Yutaka Tsuchiya
Gunma, Japón, 1966. Vive en Japón.

Peep "TV" Show. 2003, DV Cam transferido a mini-DV, color, v.o.s., Japón, 98'.
Cortesía del artista.

Partiendo de la pregunta de si la realidad es todavía experimentable, Peep “TV“ Show de Tsuchiya utiliza los acontecimientos del 11 de septiembre de 2001 y el despliegue y desarrollo mediático y tecnológico contemporáneo, para presentar el alejamiento y la pérdida de relación con la realidad de unos personajes alienados socialmente a la vez que sumidos en el voyeurismo. La estructura de collage de las escenas, las imágenes y la narración obligan al espectador a replantearse continuamente la veracidad de las mismas, conduciéndole a la misma pesadilla en la que los protagonistas se han sumergido.

Más info: Locuras Contemporáneas