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Julio 26, 2012

MÁSTER EN FOTOGRAFÍA DE AUTOR Y PROYECTOS PROFESIONALES

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Octubre 2012 - Junio 2013
Abierto el plazo de inscripción

LENS Escuela de Artes Visuales
Ronda de Toledo 16. Madrid
912 323 868 // 687 947 261
info@lens-fotografia.es

www.lens-fotografia.es





El Máster en Fotografía de Autor y Proyectos Profesionales es un programa de formación en fotografía de nueve meses de duración (550 horas) compuesto por tres experiencias:

• Curso Superior de Fotografía: dos clases semanales de tres horas de duración que nos ayudarán a comprender el medio fotográfico (270 horas).

• Ciclo Anual de Talleres: 20 talleres prácticos de fin de semana para profundizar en nuestro dominio de la técnica fotográfica (280 horas).

• Un tutor individual: Cada alumno tendrá como tutor a un fotógrafo de reconocido prestigio que le guiará en el desarrollo de un proyecto fotográfico de calidad.

Los alumnos del Máster dominarán las herramientas para hacer de la fotografía una carrera profesional partiendo de la calidad de sus proyectos personales, desarrollando un itinerario flexible que se adapta fácilmente a sus inquietudes y capacidades.

El Máster está diseñado como una experiencia de inmersión en la fotografía que ayude a los participantes a enriquecer su mirada y su comprensión del hecho fotográfico y a desarrollar su propio lenguaje.

Las clases del Máster de fotografía tienen lugar en las aulas de LENS en el centro de Madrid y se imparten en lengua española.

Más información en http://www.lens-fotografia.es/master_de_fotografia.php



Destinatarios

Titulados universitarios que quieran complementar sus estudios y ampliar sus perspectivas profesionales con un programa intensivo de formación teórica y práctica en fotografía.

Fotógrafos en activo y aficionados avanzados que deseen realizar una obra personal y proyectos profesionales de calidad.



Método

Grupos reducidos que permiten la personalización del proceso educativo: máximo 12 alumnos por grupo.

Seguimiento individual de cada alumno por parte de un tutor
. Los tutores son fotógrafos de reconocido prestigio que aportan su experiencia y orientan al alumno en el desarrollo de un proyecto fotográfico personal.

Nuestros profesores, además de buenos profesionales, son grandes comunicadores. Entre ellos se encuentran fotógrafos de la talla de Mark Steinmetz, Jose Manuel Navia, Carlos Spottorno, Mónica Lozano, Gerardo Custance, Sofía Moro o Rosell Meseguer, y comisarios y críticos de arte como Oscar Alonso Molina o Marta Dahó.

Una oferta flexible de talleres que permite adaptar el contenido del curso a las necesidades del alumno: el alumno elige 20 talleres prácticos sobre los 35 ofrecidos por la escuela.

Un proyecto educativo individual para cada alumno.

Un proyecto fotográfico personal desarrollado por los alumnos a lo largo del curso.

Un proyecto fotográfico colectivo que culminará con una exposición colectiva en la primavera de 2013.

Un sistema de prácticas que premia el esfuerzo en el proceso de aprendizaje al ofrecer a los alumnos más destacados una experiencia profesional concreta en el mundo de la fotografía.



Inscripción

Los interesados deberán enviar un archivo comprimido con su nombre: en su interior un total de 12 imágenes en .jpg (800 px de ancho), CV y una carta en la que expliquen los motivos por los que quieren realizar el curso a info@lens-fotografia.es

Comienzo de curso: Octubre 2012

Descarga el programa completo en .pdf

Julio 18, 2012

QUAM 2012 | CONVOCATORIA DE PROYECTOS Y COMUNICACIONES

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QUAM 2012 | CONVOCATORIA DE PROYECTOS Y COMUNICACIONES
Abierta hasta el 16.09.2012

QUAM 2012 | MECANISMOS DE POROSIDAD. ARTE, EDUCACIÓN Y TERRITORIO
05-06.10.2012

+ información [www.acvic.org]













CONVOCATORIA ABIERTA PARA PARTICIPAR EN EL FÓRUM QUAM 2012

ACVic Centre d'Arts Contemporànies abre una convocatoria de proyectos y comunicaciones para presentar en el Fórum QUAM 2012 que tendrá lugar el 5 y 6 de octubre de 2012.

Se convocan proyectos en proceso de realización o ya finalizados que, desde las prácticas artísticas, las educativas o las prácticas sociales trabajan los dos ámbitos de interés propuestos para la QUAM 2012. La convocatoria está abierta hasta 16.09.2012.


FORUM QUAM 2012 | MECANISMOS DE POROSIDAD. ARTE, EDUCACIÓN Y TERRITORIO

Seminario y foro de debate sobre prácticas artísticas, procesos educativos y espacio social. Existen una serie de prácticas que ponen en relación el ámbito de lo artístico, lo educativo y de la acción en el espacio social. Este tipo de prácticas han sido incorporadas en los espacios institucionales, tanto artísticos como educativos. Las relaciones entre ambos (espacios institucionales) pueden estar basadas en un espacio de negociación que responde a la necesidad de expandir sus límites y a la voluntad de conectarse con el contexto social. Si lo que se persigue es introducir nuevas dinámicas, las relaciones entre institución arte e institución educativa deben realizarse desde el ámbito de la investigación, la producción y el debate, y no sólo desde el de la exhibición. Cuando se impulsan proyectos que conectan la esfera artística y la educativa hay que tener en cuenta los objetivos propios de cada ámbito, a la vez que los comunes. Diferentes ritmos, diferentes procesos, diferentes resultados pueden, en un momento dado, sintetizar, conceptualizar y formalizar experiencias asociadas a ambos. Maneras de hacer que se multiplican cuando se interrelacionan.

Objetivos
En esta edición de la QUAM se quiere impulsar el análisis y el debate a partir de proyectos que se llevan a cabo en el ámbito de las prácticas artísticas contemporáneas y las prácticas educativas. Algunas de ellas se ponen en relación directa con la ciudadanía a través del espacio público o el trabajo social aplicado a contextos y situaciones temporales específicas. Conocer y debatir sobre propuestas creativas que buscan la transdisciplinariedad entre los ámbitos social, educativo y artístico (cultural).

Ámbitos de interés
- Proyectos planteados tanto desde los ámbitos educativos como los artísticos que busquen implicaciones conjuntas y se sitúen en espacios de porosidad compartida.
- Trabajos que combinan elementos artísticos y educativos que inciden en el espacio público, y que vienen mediados por aspectos relacionales que se establecen entre individuos, grupos o comunidades (sociabilidad) y elementos propios del lugar (simbólicos, históricos o temáticos).
- Proyectos fundamentados en procesos, que aspiran a establecer relaciones a medio o largo plazo con el contexto en el cual se activan, que producen valor simbólico y que se cruzan directamente con otras actividades que se llevan a cabo en el lugar.
- Prácticas que aspiran a socializarse, es decir, proyectos abiertos que pueden ser reapropiados, reproducidos y reformulados.
- Casos de estudio con metodologías pedagógicas innovadoras.
- Miradas interesadas en abrir vías entre las institución artística, la institución educativa y la ciudadanía, para promover interacciones creativas.


CONVOCATORIA ABIERTA | QUAM 2012

- Los proyectos seleccionados en esta convocatoria participarán en el Foro conjuntamente con los invitados.
- ACVIC facilitará el alojamiento y dietas a los seleccionados por los días del foro (5 y 6 de octubre).
- Se expedirá una certificación por parte de la UVic Universitat de Vic que acredite la participación como ponente en el Foro.
- Los proyecto o ponencias podrán formar parte de la publicación digital que se realizará sobre los temas y proyectos propuestos en la QUAM 2012. ACVIC podrá utilizar todas las imágenes del proyecto para la comunicación específica del evento y las publicaciones derivadas del conjunto de los proyectos.

Destinatarios
Artistas, críticos de arte, educadores, pedagogos, investigadores sociales, gestores o creadores interesados en la relación entre políticas culturales, educativas y sociales.

Condiciones de participación
Rellenar y enviar el formulario [acceso a formulario] con el siguiente material en un solo documento en PDF antes del 16.09.2012.
- CV resumido (extensión máxima de 2 páginas)
- Descripción detallada del proyecto y documentación gráfica, si lo requiere (con una extensión máxima de 6 páginas).

Selección de propuestas
Se seleccionarán 6 propuestas para participar en el Foro. El comité de selección está formado por:
M. Carme Bernal, profesora de Didáctica de la Literatura de la Universitat de Vic.
Maite Palomo, coordinadora de ACVic Centre d'Arts Contemporànies.
Ramon Parramon, director de ACVic Centre d'Arts Contemporànies i del proyecto IDENSITAT.
Octavi Rofes, antropólogo y profesor de Arte, Diseño y Sociedad en EINA, centro adscrito a la Universidad Autónoma de Barcelona.
Laia Solé, artista visual y profesora de la Universitat de Vic. Combina la docencia con la realización de proyectos de investigación y creación que exploran las dinámicas del espacio.


QUAM

La QUAM es una iniciativa que, desde sus inicios en 1988, vincula arte y formación. Durante todos estos años y a través de los diversos enfoques que han ido teniendo, los talleres y las conferencias de la QUAM han constituido una oportunidad para la formación complementaria de nuevos creadores, críticos o mediadores vinculados a las prácticas artísticas contemporáneas.

H. Associació per a les Arts Contemporànies, que asume la organización y la gestión desde 1992, ha procurado responder siempre a las necesidades del momento. Esto justifica los cambios de orientación y de forma que se han ido sucediendo en las diversas etapas y que, ante todo, ha perseguido dibujar futuros posibles.

Actualmente, desde 2010, esta actividad ha pasado a formar parte del ACVic Centre d'Arts Contemporànies, un proyecto que se posiciona en una línea de acción centrada en la relación entre la actividad educativa, el territorio y la interacción social. La práctica artística combinada con acciones educativas generan espacios de producción que inciden, interactúan y transforman el espacio social.

QUAM 2012 es una actividad de ACVic Centre d'Arts Contemporànies en colaboración con UVic Universitat de Vic y Escola d'Art i Superior de Disseny de Vic

Julio 12, 2012

Luis Claramunt. El viaje vertical

54_u.jpg13 julio – 21 octubre 2012

Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA)
Plaça dels Àngels, 1
08001 Barcelona
www.macba.cat

La exposición Luis Claramunt. El viaje vertical presenta una amplia selección de obras, realizadas entre principios de los años setenta y finales de los noventa. Si bien Luis Claramunt (Barcelona, 1951 – Zarautz, 2000) es conocido casi exclusivamente como pintor, esta primera retrospectiva del artista trata de mostrar una cosmología compleja, a la vez que unitaria y coherente, que incide en sus series de dibujos, los trabajos fotográficos y los libros autoeditados que complementan y desbordan su trabajo pictórico.

La exposición se organiza por series con el objetivo de mostrar hasta qué punto vivir y pintar eran para Claramunt una única experiencia. Madrid, Sevilla, Bilbao, y sus frecuentes viajes a Marrakech reemplazan Barcelona en una geografía que representa con asiduidad. El viaje vertical ofrece un itinerario a través de su obra que es al mismo tiempo un despojamiento, en el que materia e imagen se aligeran hasta transformarse en caligrafía.


Viaje hacia un despojamiento

Aunque mantiene un montaje cronológico, la exposición comienza con una amplia selección de los dibujos y libros autoeditados de Claramunt, realizados entre 1994 y 1999, que funciona como introducción para interpretar su producción pictórica. Los dibujos condensan una intensa energía creativa y traducen un procedimiento de trabajo que surge de la inmediatez de la percepción y de la mediación de la memoria, tanto de las ciudades, como de sus lecturas. A menudo eran fotocopiados sobre papeles de colores, para primar su cualidad gráfica, el gesto y la secuencia. Estas ediciones, a pesar de su rápida ejecución y su precaria factura, abren nuevas perspectivas al conjunto de su obra y resumen el modo en que el artista se enfrenta al trabajo de la pintura, con intuición y rapidez.

Una pequeña sala dedicada a sus figuras-retratos, inspirados en la lectura de La isla del tesoro, se extiende temáticamente a la sala contigua, donde pueden verse sus cuadros de Barcelona, incluidos sus cuadros de «colgados». Los interiores de tablaos o los paisajes urbanos se presentan en una totalidad abigarrada, mediante un grafismo febril, que escapa de la perspectiva ilusionista para mostrar un entresijo de relaciones, confundiendo la arquitectura con los cuerpos y los objetos. En los cuadros de Barcelona y Sevilla, pintados a mediados de la década de los ochenta, llama la atención el cambio en el uso del color, en unas pinturas ahora casi monocromas, y la concentración en los aspectos estrictamente compositivos de la obra a partir de la mancha como elemento estructurador.

Las series realizadas entre 1986 y 1988 dedicadas a Marruecos y al mundo de los toros representan un punto de inflexión en la producción de Claramunt. En el camino que va de la mancha casi monocroma a la línea, al grafismo seco de sus últimas composiciones de toros, se resume todo un proceso de vaciamiento espacial que le conduce a un protagonismo absoluto de la figura en un espacio más simbólico.

En una sala contigua encontramos sus series de fotos realizadas en Barcelona y Bilbao. A principios de los noventa Claramunt incorporó a su deambular urbano un modo de registro casual, haciendo fotos sin intención aparente. El caminar como práctica artística iba definiendo la forma y el contenido de sus fotografías, escribiendo el texto y buscando su sujeto a la vez. El puerto y las estaciones de tren de Barcelona o la ría de Bilbao, su puente colgante, las fábricas abandonadas o sus calles, aparecen en dibujos y fotografías en escenas despojadas de todo exotismo.


“La pintura en sí ya es la imagen de una realidad”

El trabajo de su última década, en la que el mar cobró gran importancia, como atestiguan sus series Mar Rojo y Mar Negro, de 1997, y Naufragios y tormentas, de 1999, concluye la muestra. En esta serie, la última que llevó a cabo, cabe destacar las Tormentas de hielo, una especie de testamento mudo.

Esta última sala entronca con la primera y cierra el círculo de una vida y un trabajo marcados por la búsqueda de una realidad en la pintura. La obra de Claramunt permite narrar otro tipo de historia del arte contemporáneo, que observa de manera crítica y efectiva la evolución de las imágenes y las gramáticas de una visualidad que actualmente nos resultan lejanas.


Texto publicado bajo una licencia Creative Commons (Reconocimiento-CompartirIgual 3.0 Unported - CC BY-SA 3.0) http://creativecommons.org/licenses/by-sa/3.0/deed.es


Actividades

Jueves 12 de julio, 18.30 h
Visita comentada
A cargo de Nuria Enguita Mayo, comisaria de la exposición
Acceso con la entrada al Museo
Salas del Museo. Plazas limitadas


Visitas guiadas diarias
(incluidas en la entrada)


Publicación

Luis Claramunt. El viatge vertical
. Barcelona: Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), 2012. Textos de Nuria Enguita Mayo, Carles Guerra, Ángel González, Teresa Lanceta, Bartomeu Marí y Francisco Rivas. Única edición en catalán, castellano e inglés.


Exposición organizada por el MACBA y comisariada por Nuria Enguita Mayo.


En paralelo a la exposición, el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) presenta Nonell y Claramunt. Registros de lo urbano, un proyecto coorganizado por el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) y el MNAC.


Más información en www.macba.cat y twitter.com/MACBA_Barcelona


Horarios
De lunes a jueves, de 11 a 20 h
Viernes, de 11 a 22 h
(a partir del 25 de septiembre, laborables de 11 a 19.30 h)
Sábados, de 10 a 22 h
(a partir del 25 de septiembre, de 10 a 20 h)
Domingos y festivos, de 10 a 15 h
Martes no festivos, cerrado
Lunes abierto



[Sin título (de la serie La muela de oro), 1991. Cortesía de la familia Claramunt y de la Galería Juana de Aizpuru. Foto: Jorge Oronoz]

Julio 09, 2012

ARTE E INVESTIGACIÓN 2011

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Del 13 de Julio al 30 de septiembre de 2012

CENTRO CULTURAL MONTEHERMOSO KULTURUNEA
Fray Zacarías Martínez, 2
01001 Vitoria-Gasteiz
+34 945 161 339
www.montehermoso.net

El Centro Cultural Montehermoso Kulturunea presenta los proyectos de producción artística seleccionados en la convocatoria ARTE E INVESTIGACIÓN de 2011. Los ocho proyectos se han producido, en colaboración entre Montehermoso y los y las artistas, durante el periodo 2011-2012.

La inauguración tendrá lugar el 13 de julio a las 20:00 horas, y contará con la actuación del grupo musical Sonora Milagrosa y de Dj Trece.


PEDRO NEVES MARQUES “Where to sit at the dinner table?”

Grabada entre Brasil y Portugal, esta película es una ficción documental que narra dos tramas paralelas. Por un lado, se muestran imágenes que recrean el encuentro entre europeos y nativos americanos en el Brasil del siglo XVI, describiendo la vida animal y vegetal del periodo, así como representaciones sobre la antropofagia del imaginario colectivo. Por otra parte, una voz en off nos habla de la relación histórica entre ecología y economía desde la década de los cuarenta del siglo XX hasta la actualidad, incluyendo la transformación que han sufrido el concepto de ecosistema y la teoría del caos en las competencias individuales del neoliberalismo. (P.N.M.)


CARME NOGUEIRA “El centro en desplazamiento II - La citoyenneté

Iniciado en Berlín, este proyecto plantea un recorrido por distintas ciudades europeas, analizando la construcción del concepto de ciudanía y su relación con la configuración del paisaje urbano y social. El apartado que se presenta en Montehermoso es un recorrido por cuatro enclaves de la ciudad de París. Mediante un análisis de la arquitectura y el urbanismo, la artista nos acerca al modo en que entendemos nuestro entorno, su componente simbólico y sus representaciones.


ÁNGELA PALACIOS “WHY didn’t YOU save ME”

WHY didn't YOU save ME es una colección de nuevas representaciones que muestran elementos de nuestra realidad que reconocemos e interpretamos desde un imaginario personal que depende del contexto cultural, social y político, viéndose por ello cargado de símbolos universales. “En el re-hacer estas imágenes, persigo el momento en que los elementos de nuestra realidad que reconocíamos en la obra se conviertan en forma plástica y aparezca lo abstracto (y cierto extrañamiento)”. (Á.P)


ALEXANDER PROVAN “Popular Legacy”

“Popular Legacy” (Legado popular) es un estudio para un monumento conmemorativo. La exposición y la publicación que la acompaña se componen principalmente de reproducciones de documentos obtenidos de la embajada iraquí abandonada en la antigua Berlín oriental, los materiales relacionados con la historia de la conmemoración en Alemania y la burocracia que rige dicho proceso. Popular Legacy también es un estudio de lo que no es, lo que no puede ser y lo que quizás no debería ser un monumento conmemorativo. Este proyecto contempla la forma en que se consolida el significado histórico y se fija a determinados símbolos, documentos, monumentos, ruinas, procesos y discursos; y cómo dicho significado puede desprenderse de tales formas, al circular por otros medios y con fines divergentes.
(A.P.)


Xabier Salaberria “S.T.”

Los modos de construcción y elaboración de los lenguajes expositivos son el punto de partida de este estudio de Xabier Salabarria. La supuesta neutralidad del cubo blanco, junto con otros imaginarios del movimiento moderno, son cuestionados por el artista, generando una crisis en el modo en que entendemos la relación entre la forma y la función. S.T. es un espacio de reconocimiento y extrañamiento en el que experimentar nuestra relación con el dispositivo expositivo y sus vínculos con otros territorios.


Camila Sposati “Charting Revolution”

Este proyecto presenta distintas cartografías generadas por la artista, en las que incorpora elementos que suelen quedar al margen de la representación habitual del globo terráqueo. De este modo se cuestiona la construcción de un pensamiento científico antropocéntrico y “horizontal”. Visiones como la del cráter de Darvaza (Turkmenistán), lugar donde, en 1971, una enorme bolsa de gas fue descubierta por accidente, sirven de punto de partida a la elaboración de una perspectiva “trasversal” de nuestro mundo.


Belén Uriel “Useful Household Objects Under $10

En 1938 el Museo de Arte Moderno de Nueva York inauguró una muestra que recogía objetos cotidianos cuyo precio era inferior a cinco dólares. Belén Uriel parte de la segunda exposición de ese ciclo para desarrollar un proyecto en torno a los modos de construcción del gusto y su implantación en la sociedad del movimiento moderno. Mediante un ejercicio de deconstrucción y reconstrucción de elementos, la artista nos confronta con el modo en que ideas como el gusto o la distinción se han naturalizado, cuando en realidad responden a intereses políticos y sociales concretos.


Carla Zaccagnini "elements of beauty"

Tomando como punto de partida el ataque de Marie Richardson a la Venus del espejo de Velázquez, la artista ha generado una publicación que recoge documentos de la época y elabora un relato sobre las problemáticas relaciones entre belleza y violencia. El cuerpo femenino se convierte en un contenedor de estas fuerzas en conflicto, como evidencian las propias palabras de Richardson que dan título al proyecto “La justicia es un elemento de (la) belleza así como lo son el color y el trazado sobre el lienzo”.



[Belén Uriel. Useful Household Objects Under $10, 2012. Cortesía de la artista]

Julio 06, 2012

MEDIALAB-PRADO / JULIO - SEPTIEMBRE 2012

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Medialab-Prado
Espacio de cultura digital
Ubicación temporal en Intermediae Matadero Madrid
Paseo de la Chopera, 14
28045 Madrid
info.m@medialab-prado.es
www.medialab-prado.es





LA CIUDAD COMO INTERFAZ ABIERTA
05.07.2012 - 06.07.2012

Taller de investigación de dos días que explora el auge de las nuevas tecnologías y las prácticas de intervención en, y apropiación de, espacios urbanos, y analiza a su vez la reconfiguración emergente de los ensamblajes sociales e infraestructurales que constituyen los cityscapes (paisajes urbanos). En colaboración con el CSIC. [ST] #citopfa


MOVE COMMONS
05.07.2012 / 17:00h

Reunión del grupo de trabajo de Move Commons, una herramienta para iniciativas, colectivos, ONGs y movimientos sociales para que declaren los principios básicos a los que están comprometidos y se auto-etiqueten con un sistema estandarizado. @movecommons


KUNE: REDES SOCIALES Y COLABORACIÓN LIBRE PARA GRUPOS
05.07.2012 / 18:30h

Reunión del grupo de trabajo para trabajar y potencia la plataforma Kune, una herramienta web para fomentar la colaboración, la compartición de contenidos y la cultura libre. Proyecto propuesto y coordinado por Comunes. #kune


DE LA PIEDRA A LA NAVE ESPACIAL: DISEÑO COLABORATIVO DE TIPOGRAFÍA
17.07.2012 - 19.07.2012


Taller de tipografía de tres días de duración impartido por Manufactura Independente, con la colaboración de Rafael Parrilla Vallespín, dedicado a “rescatar” la tipografía de la fachada del edificio de la Antigua Serrería Belga y liberarla bajo licencias abiertas. El objetivo es trabajar conjuntamente en la digitalización, proceso de diseño, empaquetado y publicación de una tipografía inspirada en la original de la fachada. Inscripción abierta.



TALLERES INTERNACIONALES

INTERACTIVOS?'12 DUBLÍN: HACKEAR LA CIUDAD. NECESIDADES ACTUALES Y FUTURAS
11.07.2012 - 26.07.2012

Medialab-Prado y Science Gallery de Dublín coorganizan este taller internacional Interactivos?'12: Hackear la ciudad del 11 al 26 de julio de 2012, en el que se desarrollarán colaborativamente los seis proyectos seleccionados mediante convocatoria internacional dedicados a generar un laboratorio experimental que canalice la cultura hacker y permita a artistas, diseñadores, productores, desarrolladores, analistas de datos, aficionados, científicos ciudadanos, fanáticos de la tecnología, activistas, ingenieros y amantes del DIY y el DIWO tomar el control de la resolución de los problemas que atañen y vinculan a "comunidades de afectados" de todo el mundo.

Lugar de celebración: Science Gallery, Dublín (Irlanda)


INTERACTIVOS?’12 LIUBLIANA: TECNOLOGÍAS OBSOLETAS DEL FUTURO
05.09.2012 - 15.09.2012

Ljudmila, media lab digital de Liubliana, en colaboración con Swiss Mechatronic Art Society, SGMK de Zürich y Medialab-Prado, celebra del 5 al 15 de septiembre el taller Interactivos?'12 Liubliana. Tecnologías obsoletas del futuro, en el que se desarrollarán de manera colaborativa seis proyectos seleccionados mediante una convocatoria internacional. Las propuestas están dedicadas a la exploración de las tecnologías obsoletas con la intención de repensar las cualidades y capacidades de tecnologías anticuadas para dar paso al uso de una tecnología sostenible a largo plazo en nuestro entorno.

Lugar de celebración: Ljudmila, Liubliana (Eslovenia)



CONVOCATORIAS E INSCRIPCIONES ABIERTAS

DE LA PIEDRA A LA NAVE ESPACIAL: DISEÑO COLABORATIVO DE TIPOGRAFÍA
17.07.2012 – 19.07.2012

Inscripción abierta para participar en el taller de tipografía libre. (Ver arriba)


INTERACTIVOS?'12 LIUBLIANA: TECNOLOGÍAS OBSOLETAS DEL FUTURO
CONVOCATORIA PARA COLABORADORES
09.07.2012 – 31.08.2012

Ljudmila, media lab digital de Liubliana (Eslovenia), en colaboración con Swiss Mechatronic Art Society, SGMK de Zürich y Medialab-Prado, abre una convocatoria internacional para colaborar en el desarrollo de los proyectos seleccionados para el taller Interactivos?'12 Liubliana: Tecnologías obsoletas del futuro (5-15 septiembre) en el espacio Medialab Ljudmila de Liubliana, Eslovenia, con la participación de asesores y asistentes.



Actividades gratuitas.



[ST]= Streaming en directo: http://medialab-prado.es/article/streaming. Contacto: info.m@medialab-prado.es. Prensa: difusion@medialab-prado.es. Programación sujeta a cambios. Para ver información actualizada visita http://medialab-prado.es
Twitter: @medialabprado. Facebook: http://www.facebook.com/MedialabPradoMadrid



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[Interactivos?'09 Madrid: Ciencia de garaje]

Julio 04, 2012

Programación OFF LIMITS
Julio 2012

Gabriela_u.jpgNO PROYECTADO SOBRE EL PAPA
Santiago Sierra y Julius Von Bismarck
Del 7 de junio al 13 de julio

“Y YO ENTONCES ME LLEVÉ UN TAPÓN”
Presentación y proyección del documental
12 de julio

www.offlimits.es













NO PROYECTADO SOBRE EL PAPA
Santiago Sierra y Julius Von Bismarck

Del 7 de junio al 13 de julio.
L a V: 16 a 20 h
S: 11 a 14 h

Santiago Sierra y Julius Von Bismarck proyectan un NO en distintas apariciones del Papa durante las pasadas Jornadas Mundiales de la Juventud. Para ello utilizan el "Image Fulgurator", una técnica de proyección de imágenes sincronizadas con el flash de otras cámaras que permite “infiltrar” mensajes en las fotografías y filmaciones de medios y fieles.

Coincidiendo con las pasadas Jornadas Mundiales de la Juventud en Madrid tuvieron lugar diversas acciones en contra de la visita del Papa Benedicto XVI a España. Una de ellas fue diseñada por Santiago Sierra y Julius Von Bismarck, quienes proyectaron un gran NO en las apariciones del Pontífice. Dicha proyección se generó con ayuda de la técnica del “Image Fulgurator”, creada por Bismarck. Se trata de una cámara de 35 mm con un flash sincronizado que proyecta imágenes en superficies planas en el mismo instante en que se dispara el flash de otra cámara.

Exposición enmarcada en la XV edición del Festival PhotoEspaña.


Más información



“Y YO ENTONCES ME LLEVÉ UN TAPÓN”
Presentación y proyección del documental

Jueves 12 de julio, 20.00h

Presentación y proyección del documental “Y yo entonces me llevé un tapón”, una especie de “caja china” de recuerdos superpuestos que desvela muchas claves de cómo se hizo la película por antonomasia del exilio español, “En el balcón vacío”.

“Y yo entonces me llevé un tapón” toma el testimonio de un testigo de excepción, el poeta Tomás Segovia, que participó como actor haciendo el papel de un preso, miembro de las Brigadas Internacionales, a quien los franquistas apresan y fusilan. Pero también recoge el testimonio de otros personajes fundamentales, como el de José de la Colina, respetado crítico de cine, que hizo el papel de un falangista o el de Nuria Pereña, la niña protagonista, ahora adulta.

Todos estos testimonios ayudan a entender las claves de una historia que fue contada en la película “En el balcón vacío”. Filmada entre 1961 y 1962 con actores no profesionales, bajo presupuesto y una cámara de 16mm; en ella se explora la Guerra Civil Española vista a través de los ojos de una niña, Gabriela, quien ya adulta y exiliada en México, recuerda los acontecimientos que la marcaron durante aquella etapa. La película se convirtió en título de culto del Nuevo Cine mexicano y en el manifiesto fílmico del grupo Nuevo Cine. La película parte de los apuntes autobiográficos de María Luisa Elío, esposa del director García Asco. Es a ellos a quienes Gabriel García Márquez dedicó “Cien años de Soledad”.

Más información



[Fotograma de "En el balcón vacío". Gabriela en el exilio francés]

Julio 02, 2012

MUSAC acoge el 6 de julio la jornada “Explorando Paradigmas: género, modernidad y tradición”

Iamaninteriordecorator_u.jpgActividad: Jornada comisarias de mesas de debate y videoarte “Explorando Paradigmas: género, modernidad y tradición”
Fecha: Viernes 6 de julio de 2012
Hora: 17.00 – 21.00 h.
Lugar: Salón de actos de MUSAC
Colaboran: Delfina Foundation, MUSAC, Casa Árabe, Arte Global
Comisarias: Elisa Hernando, Ala´ Younis
Artistas: Ruanne Abou-Rahme; Basel Abbas; Jad Abbas; Manal Al Dowayan; Ahmed Badry; Atef Berredjem; Mahmoud Bakhshi; Amina Menia; Asli Sungu y Fadi Yazigi
Actividad gratuita, entrada libre hasta completar aforo.

www.musac.es/

Crédito de la imagen: Manal Al Dowayan, “I am an Interior Decorator”, de la serie “I am”. Cortesía de la artista

MUSAC acoge el próximo viernes 6 de julio Explorando paradigmas: género, modernidad y tradición, una jornada comisariada de debate y proyección de vídeo-arte en torno a la compleja y rica realidad artística del Medio Oriente y el Norte de África. A través de dos mesas redondas, destacados artistas de la región reflexionarán sobre las fronteras entre tradición y modernidad, y el género e identidad. Paralelamente se proyectará una selección de piezas artísticas en formato vídeo de los artistas Ruanne Abou-Rahme; Basel Abbas; Ahmed Badry; Atef Berredjem; Asli Sungu y Mahmoud Bakhshi que abordan los temas tratados en las mesas. La jornada itinerará los días 9 y 10 de julio a la sede de Casa Árabe en Madrid. Estas jornadas son el resultado de la colaboración entre la Delfina Foundation, promotora de las mismas, MUSAC y Casa Árabe y han sido producidas y dirigidas por Arte Global.

Oriente Medio y el norte de África son un mosaico de civilizaciones, culturas y religiones donde los creadores contemporáneos desarrollan su actividad artística. La diversidad cultural marca el imaginario colectivo de estos artistas que reflexionan sobre aspectos como los conflictos políticos, la identidad, la realidad social y la memoria histórica. El desarrollo y democratización de las nuevas tecnologías ha facilitado que las nuevas generaciones de artistas desarrollen sus discursos desde el plano de la trasgresión, configurando una crítica a los tabúes sociales y a la alienación política.



PROGRAMA DE LA JORNADA
17:00 h. – 18:30 h. Mesa redonda Mujeres: género e identidad.

Comisaria: Elisa Hernando Calero (España)
Participantes: Manal Al Dowayan, Asli Sungu.
Proyecciones tras la mesa redonda:
- Living With The Aliens, Atef Berredjem 2012, video performance, 2’23’’
- Just Like The Father, Asli Sungu, 2006, 12’11’’
- Just Like The Mother, Asli Sungu, 2006, 15’03’’


18:30h – 20:00h Mesa redonda Tradición y modernidad.
Comisaria: Ala´ Younis (Jordania)
Participantes: Amina Menia y Fadi Yazigi
Proyecciones tras la mesa redonda:
- Electricity Meter, Ahmed Badry, 2008, 1’45’’
- Air Pollution Of Iran, Mahmoud Bakhshi, 2008, 6’21’’
- The Zone, Ruanne Abou – Rahme y Basel Abbas, 2011, 15’19’’


20.00. Debate final


La jornada Explorando paradigmas: género, modernidad y tradición, comisariada por Elisa Hernando y Ala´ Younis, se vertebra en torno a dos mesas redonadas; Mujeres: Género e Identidad y Tradición y Modernidad, mostrando la rica y compleja realidad del Magreb y Medio Oriente a través de la obra de los artistas Ruanne Abou-Rahme; Basel Abbas; Manal Al Dowayan; Ahmed Badry; Atef Berredjem; Mahmoud Bakhshi; Amina Menia; Asli Sungu y Fadi Yazigi.

Bajo el título Mujeres: Género e identidad la comisaria Elisa Hernando y las artistas Manal Al Dowayan y Asli Sungu abordarán la situación de la mujer en el contexto de Oriente Medio y norte de África, y en particular los aspectos relacionados con la práctica artística; las temáticas que abordan en su obras; qué lenguajes artísticos son los elegidos para poner de relieve sus discursos y hasta qué punto sus obras suponen una contestación a la situación de las mujeres. Posteriormente se proyectarán videos de Atef Berredjem y Asli Sungu.

La comisaria jordana Ala´ Younis será la responsable de moderar la segunda mesa Tradición y Modernidad, junto con los artistas Amina Menia y Fadi Yazigi. A continuación se mostrarán las vídeo-creaciones de los artistas Ahmed Badry, Mahmoud Bakhshi, Ruanne Abou-Rahme y Basel Abbas. Esta mesa recoge las investigaciones artísticas de estos artistas contemporáneos y sus aportaciones y contribuciones en el ámbito local e internacional. Surgidos en entornos controvertidos, estos artistas, muestran una evolución que abandona la repetición de los estilos artísticos de sus predecesores, para enfrentarse a la creación artística de una manera novedosa.



Sobre los artistas participantes

Ruanne Abou-Rahme, Basel Abbas

Ruanne Abou-Rahme es licenciada en Medios y Comunicación en Goldsmiths College, Londres (2001-2004) y Máster en Cine Independiente de Video y Nuevos Medios de la pantalla de la Universidad de East London, London, Inglaterra (2005-2006). Basel Abbas (Aswatt) recibió su diploma en Ingeniería de Sonido de la School Of Audio Engineering, Glasgow, Escocia (2003-04) y licenciado en Artes de la Grabación de la School of Audio Engineering Institute, de la Universidad de Middlesex, Londres, Inglaterra (2004-05).

Basel Abbas (Nicosia, Chipre, 1983) y Ruanne Abou-Rahme (Boston, Estados Unidos, 1983), viven y trabajan en Ramallah, Palestina. Trabajan juntos sonido, video, imagen y textos, cons instalaciones multidisciplinares y performances audiovisuales. Sus trabajos exploran temas relacionados con el espacio y la narrativa, la subjetividad y la relación entre lo actual, lo imaginado y lo recordado.

Entre sus últimas exposiciones destacan: The Zone, NAE, Nottingham, Reino Unido, 2011; Re. View Videonale, Katowice, Polonia, 2011; House 44, Art Dubai, Dubai, EAU, 2011 o Arabicity, Beirut Exhibition center, Beirut, Líbano, 2010.


Manal Al Dowayan

Manal Al Dowayan (Eastern Province, Arabia Saudí, 1973) estudió cursos de arte en diferentes instituciones en Arabia Saudí, Dubái, Bahréin y Londres. En 2009 fue artista residente en la Delfina Foundation, Londres y asistió al programa Clore Leadership, en 2010 fue artista residente en la Cuadro Fine Art Gallery de Dubái y actualmente, 2011, en The Townhouse Gallery en El Cairo, Egipto. Actualmente es parte del programa British Council International Cultural Leaders.

Ha expuesto en la Bienal de Venecia, Venecia, Italia, 2011 y 2008; National Gallery of Bosnia and Herzegovina, Sarajevo, Bosnia y Herzegovina, 2011; Gallery of Social and Political Art Boston, Estados Unidos, 2006; International Museum of Women San Francisco, Estados Unidos, 2003, entre otras. En el 2012 expondrá en una colectiva en el Museo Reina Sofía, Madrid, España.

Sus obras forman parte de la colección permanente de instituciones como British Museum, Londres, Reino Unido; Jordan National Museum of Fine Art, Ammán, Jordania; Abdul Latif Jamil Foundation, Londres, Reino Unido; Delfina Foundation, Londres, Reino Unido; Abu Dhabi Authority for Culture and Heritage, Abu Dhabi, Emiratos Árabes Unidos; Nadour Foundation, Alemania; Barjeel Foundation, Sharjah, Emiratos Árabes Unidos.

Manal Al Dowayan suele trabajar con fotografía y vídeos de gran belleza estética. El tema principal de toda la obra de la artista es la reflexión sobre el papel de la mujer, especialmente de la mujer en la sociedad islámica. En una cultura fuertemente sexista como la árabe, la mujer se encuentra con grandes dificultades a la hora de encontrar un trabajo y ser independientes. En Arabia Saudí las mujeres constituyen el 55% de los estudiantes, pero solo el 15% de la fuerza laboral.


Ahmed Badry

Ahmed Badry (El Cairo, Egipto, 1979) se graduó en 2003 en la Facultad de Educación de Arte de la Universidad Helwan de El Cairo. El vive y trabaja entre El Cairo, Egipto, y Zurich, Suiza. Durante los últimos tres años Ahmed Badry ha realizado varias residencias de arte incluyendo seis meses en la Cité des Arts en París, tres meses en la Swiss Art Residency of Canton St.Gallen en Roma y dos meses en la Delfina Foundation en Londres. En 2009 ganó el gran premio del vigésimo Salón Joven de El Cairo.

Ha realizado diversas exposiciones en Palace of Arts del Cairo, Egipto, 2010; Darat al Funun, Ammán, Jordania, 2009; The International Summer Academy for Fine Arts, Salzburg, Austria, 2006; Alexandria Atelier, Alejandría, Egipto, 2006; la Bienal de Cerámica de Corea, Corea del Sur, 2003; entre otras.

Ahmed Badry centra su interés artístico en la memoria colectiva visual. Partiendo de su propia experiencia, el artista tiene un gran interés en los signos, señales e imágenes de la vida cotidiana que no suelen ser vistos como elementos creativos. Por ejemplo, le interesa como un billete de autobús se parece a sus señales de tráfico o al logotipo de una importante marca de té. A menudo son cosas muy pequeñas, pero omnipresentes y de gran importancia dentro de la rutina diaria de la gente de su país. Cuando transforma el billete más barato de bus de El Cairo en una pintura a gran escala intenta mostrar su importancia y peso dentro de la sociedad.


Mahmoud Bakhshi

Mahmoud Bakhshi (1977, Teherán, Irán) Licenciado en Escultura por la Universidad de Bellas Artes de Teherán en 2001. Ganó el premio Magic of Persia Contemporary Art, lo que le permitió exponer su trabajo en el Royal College of Art, en Londres en 2009.

La obra de Mahmoud Bakhshi tiene proyección internacional: Irán: New Voices, Barbican Centre, Londres, Inglaterra, 2008; Lion under the Rainbow (contemporary art from Tehran), Atenas, Grecia, 2008; Eastern Expressway, Evangelische Stadtakademie, Frankfurt, Alemania, 2006.

El trabajo de Bakhshi se articula principalmente en torno a dos pilares: cuestiones políticas y sociales. A través de su trabajo busca proponer respuestas directas a situaciones que observa en su contexto más próximo, Irán; y lo hace buscando conexiones con el pasado histórico de su país. Habiendo crecido tras la Revolución y durante el periodo de la guerra Irán- Irak el propio artista reconoce la dificultad de crear obras de arte desvinculadas de su propia realidad personal.


Atef Berredjem

Atef Berredjem (Annaba, Argelia, 1982) se graduó en 2007 en la Academia de Bellas Artes de Argel. Realizó la residencia en Delfina Foundation en 2011 formando parte del proyecto New Cartographies: Algeria-France-UK. Atef Berredjem ha mostrado su obra en instituciones como Juillet, Palais des expositions, (PANAF), Algeria, 2011; ARTifariti, festival internacional, Sahara Occidental, 2009; Centro Cultural Francés, Annaba, Argelia, 2008; Ecole des Beauxarts d’Alger, Argel, Argelia, 2006; Citadelle de Alger, Argel, Argelia, 2005; entre otras. Atef Berredjem comenzó pintando retratos individuales de influencia expresionista, en los cuales trataba sentimientos existenciales de la humanidad. Poco después comenzó a experimentar y cambió su técnica, temática y estilo artístico; le interesan el ensamblaje, escultura, instalación y performance.

Temáticamente se ha centrado en los problemas sociales y derivados de la colonización y la inmigración, tema en el que ha hecho mayor hincapié a lo largo de su obra.


Amina Menia

Amina Menia (Argel, Argelia, 1976) se licenció en el l’Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Argelia. Realizó una residencia en Delfina Foundation, Londres, Reino Unido, en 2009.

Ha expuesto su obra en Centro de Artes Cornerhouse de Manchester, Reino Unido y Galerie Baudoin Lebon, París, Francia, 2011; Musée d’Art Moderne, Algeria, 2010; La Bienal de Pontevedra, Pontevedra, España, 2008; UNESCO, 2003, París, Francia. Es una artista multidisciplinar, sus obras están ligadas al concepto de la estética relacional que poco a poco se ha vuelto más radical e hiperconceptual. Reflexiona sobre los espacios arquitectónicos e históricos tomando objetos de la vida cotidiana, asi mismo, cuestiona la noción tradicional de espacio expositivo. Le gusta trabajar en espacios cerrados, prohibidos, o destruidas.


Asli Sungu

Asli Sungu (Estambul, Turquía, 1975) estudió en la Mimar Sinan University of the Arts, Estambul, Turquía; y en Universität der Künste de Berlín, Alemania. La artista vive y trabaja en Berlín. En 2005 fue becada por el Goethe-Institut con una residencia en Beirut. En 2010 realizó una residencia en la Delfina Foundation en Londres, y participó en el proyecto del Goethe-Institut Journeys with no return. Ganó el premio Blue orange art 2007.

Ha expuesto en la Bienal de Estambul, Turquía, 2011; Münchner Stadtmuseum, Munich, Alemania, 2009; Khyber Institute, Halifax, Canadá, 2008; Deutsche Guggenheim, Berlín, Alemania, 2008; Bienal de Estambul, Turquía, 2007; Goethe Institute, Ankara, Turquía, 2006; Witte de Witt, Rotterdam, Países Bajos, 2006; entre otras.

Asli Sungu es una artista multidisciplinar que trabaja, esencialmente, con video e instalación. Un concepto presente en toda la obra de Asli Sungu es lo erróneo; concepto que la artista usa como metáfora de las estructuras de poder a las que los individuos se enfrentan recurrentemente.


Fadi Yazigi

Fadi Yazigi (Latakia, Siria, 1966) estudió escultura en la Facultad de Bellas Artes de Damasco, donde se graduó en 1988. En 2007 realizó una residencia en Londres en Delfina Foundation.

Ha expuesto su obra en A.M.Qattan Foundation, Londres, Reino Unido; 2011; French Cultural Centre, Damasco, Siria, 2006; Jerusalem Fund, Washington D.C., Estados Unidos, 2000; Artists Museum Gallery Washington D.C., Estados Unidos, 2000; en la Bienal de Sharjah, Emiratos Árabes Unidos,1999; y en Bienal de Latakia, Siria, 1997; entre otras.

Fadi Yazigi trabaja tanto la pintura, en soportes y técnicas diversas, como la escultura, en bronce y en arcilla. El artista creó un lenguaje personal de marcado carácter naíf y primitivista, a través de pequeñas figuras que se encuentran entre lo ingenuo y lo perturbador.

Bajo la apariencia infantil y divertida de sus personajes, el artista realiza una crítica brutal hacia el sufrimiento de los niños, víctimas inocentes de diversas injusticias sociales.



Sobre las comisarias de la jornada

Elisa Hernando

Elisa Hernando (Madrid, España, 1973) Licenciada en Empresariales e Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid, España. Actualmente realiza sus estudios de doctorado. Ha comisariado exposiciones “Diálogos”, National Gallery of Fine Arts, Ammán, Jordania y ALBA Academie Libanaise des Beaux-Arts, Beirut, Líbano, 2010; “Cuadernos de viaje”, Instituto Cervantes, Damasco, Siria, 2009; “Poesía especial”, Torreón Lozoya, Segovia, España, 2008 y “Mitos Contemporáneos” DA2, Salamanca, España, 2006. Elisa Hernando es profesora de la Universidad Nebrija en economía del arte, gestión y tasación. Ha impartido conferencias sobre estos temas en ARCO, Instituto de Empresa, Universidad Autónoma de Madrid, University of Applied Sciencies for Business, Viena, Austria; Academie de Beaux Arts, Beirut, Libano ; Universidad de Cuenca, Ecuador, entre otros. Es socia directora de Arte Global, con clientes como ARCO, Fundación Coca Cola, Fundación Mapfre, Delfina Foundation, Uría Menéndez, JP Morgan, entre otros. Es directora de Arte Global. Entre 2007-2009 fue directora de la Fundación Delfina, España, hasta que la institución cesó su actividad en nuestro país. Actualmente sigue colaborando con Delfina Foundation, Reino Unido.


Ala´ Younis

Ala´ Younis (Kuwait, 1974) se licenció en arquitectura en 1997, por la Universidad de Jordania. Ala´ Younis ha sido subdirectora, directora interina y directora artística de Darat al Funun en Ammán entre 2006 y 2010. Ala´ Younis también ha comisariado los programas de cine para ArabShorts - Independent Arab Film Festival (2009 - 2011) organizado por el Goethe Institut, El Cairo, Egipto, así como programas para la radio cultural en línea RadioApartment22. Realizó su residencia en la Delfina Foundation, Londres, con el apoyo del British Council, en 2010. En 2008 participó en el programa Digital Residencies, invitada por Contemporary Image Collective (CIC) y Townhouse Galler. En 2007 realizó una residencia de dos meses en la F+F School of Art & Media Design de Zúrich, Suiza.



Sobre las entidades colaboradoras

La Delfina Foundation está comprometida con el apoyo y promoción internacional de artistas de Oriente Medio, el norte de África y Reino Unido mediante un programa de residencias y la creación de proyectos. Delfina Entrecanales, su fundadora, posee más de veinte años de experiencia en desarrollar programas de residencias desde su anterior proyecto, Delfina Studio Trust, que fue plataforma de reconocidos artistas que, entre otros, han sido finalistas o ganadores del Turner Prize como Glenn Brown, Martin Creed, Tacita Dean, Jane & Louise Wilson, Catherine Yass.

Entre 2007-2009, la Fundación apoyó a artistas españoles como Ixone Sádaba, Eugenio Ampudia, Ismael Iglesias, Mar Solis, los cuales realizaron proyectos expositivos y de residencias en Reino Unido y Oriente Medio. La Fundación Delfina en España está coordinada por el equipo de Arte Global, siendo la directora Elisa Hernando.

Arte Global (www.arteglobal.es) es una consultoría de arte especializada en la gestión y producción de proyectos artísticos y en el asesoramiento de colecciones. Fundada en 2003 por Elisa Hernando, cuenta con clientes como ARCO, Fundación Mapfre, Ministerio de Cultura, Jordan National Gallery of Fine Arts, Ammán, Jordania, Instituto Cervantes, entre otros.

El Museo de Arte Contemporáneo de Castila y León aspira a ser una herramienta fundamental en la creación de sentido colectivo en torno al arte y la cultura contemporáneos, con la intención de redefinir y vertebrar la idea de museo desde un punto de vista ciudadano cercano al conocimiento y al saber. Así, MUSAC se define, desde su inauguración en abril de 2005, como espacio de pensamiento, diálogo y puesta en común de herramientas críticas de análisis y propuestas de actuación en torno a la relación arte - sociedad en el periodo que abarca la Colección del museo y su programación (1989- actualidad), desde la consciencia de que la contemporaneidad engloba inevitablemente y es la desembocadura de la Historia anterior.

Casa Árabe es un consorcio institucional creado en julio de 2006 mediante un convenio de colaboración subscrito entre el Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo, la Junta de Andalucía, la Comunidad Autónoma de Madrid, el Ayuntamiento de Madrid y el Ayuntamiento de Córdoba.
Sus principales objetivos son reforzar las relaciones políticas bilaterales y multilaterales, contribuir al conocimiento mutuo y fomentar las relaciones económicas, comerciales y turísticas, culturales y programas de formación e investigación sobre el mundo árabe y musulmán.


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