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Octubre 27, 2011

VI CONVOCATORIA DE ARTES PLÁSTICAS “MULIER MULIERIS” 2012

cabeceraw3art_u.jpgDestinatarios: Podrán presentar proyectos, de forma individual o colectiva, artistas de cualquier sexo, edad y nacionalidad.
Tema: Las mujeres desde una perspectiva personal o global.
Organiza: Museo de la Universidad de Alicante.
Recepción de obras: del 14 de noviembre al 22 de diciembre de 2011
Más información: www.mua.ua.es

La creación artística puesta al servicio de la libertad, la participación y la transformación social se convierte en una de las máximas aspiraciones que alienta esta convocatoria.

Mulier, Mulieris, que se enmarca dentro de los actos de celebración del Día Internacional de las Mujeres, apuesta por la pluralidad. Está abierta a artistas de cualquier sexo, edad y nacionalidad que, a través de la utilización de cualquier medio expresivo, aborden temáticas en torno a las mujeres.

La voluntad del MUA es conformar una plataforma para interpretar, reflexionar, cuestionar y modificar determinadas realidades que afectan al género femenino. Una oportunidad para la producción de nuevos significados y el descubrimiento de formas distintas de ver y de construir el mundo.


PRIMERA. Objeto
Abordar temas relativos a las mujeres desde la creación plástica con el fin de propiciar un contacto entre cuestiones sociales y cultura visual actual.
Favorecer la difusión de la obra de las/os artistas seleccionadas/os, que será expuesta de forma colectiva en los espacios del Museo de la Universidad de Alicante e incluida en un catálogo.
La exposición se incluirá dentro de la programación de actividades que con motivo del Día Internacional de las Mujeres se celebren en la Universidad de Alicante.
Se habilita una dotación económica para la adquisición de obra, sujeta a las retenciones marcadas por la legislación vigente.
Las obras premiadas quedarán en propiedad del Museo de la Universidad de Alicante a fin de integrar su colección de arte. La adquisición incluye los derechos de reproducción de las obras, que el Museo de la Universidad de Alicante se reserva.

SEGUNDA. Participantes
Podrán presentar proyectos, de forma individual o colectiva, en cuyo caso deberán nombrar un o una representante, artistas de cualquier sexo, edad y nacionalidad.
El autor o autora podrá presentar la obra y/o un proyecto detallado de la misma en el que se especifique:
• Memoria de la propuesta
• Datos personales de la/el artista o las/os artistas así como fotocopia del DNI
• Curriculum Vitae
• Ficha técnica de la obra: técnica, dimensiones, año y valor, así como imágenes de la misma para su reproducción en el catálogo.
Los autores y autoras se comprometen a autorizar su reproducción mediante los soportes que edite el Museo de la Universidad o a instancias de terceras personas para su divulgación.
• Toda la documentación adicional que la/el artista o las/os artistas consideren oportuna.

TERCERA. Características de las obras
Se podrá presentar una sola obra. En caso de no poder enviarla, se presentará un proyecto lo más detallado posible a fin de que el jurado tenga una visión completa del mismo.
El tema guardará relación con el objeto de la convocatoria.
La técnica será libre.
Los formatos de las obras estarán condicionados al espacio que el Museo de la Universidad de Alicante haya establecido para su exposición.
En caso de tratarse de obras con particularidades en el montaje, habrán de acompañarse las instrucciones correspondientes.

CUARTA. Recepción de obras
Los y las concursantes presentarán, junto con la obra y/o el proyecto, un ejemplar de la documentación completa en soporte digital y/o una copia en papel en el Museo de la Universidad de Alicante, Campus de la Universidad de Alicante, 03690 San Vicente del Raspeig (Alicante), durante el período del 14 de noviembre al 22 de diciembre de 2011 inclusive, en horario de 9:00 a 20:00 horas de lunes a viernes y de 10:00 a 14:00 horas los sábados.

QUINTA. Resolución
El jurado, designado por la Universidad de Alicante, realizará una primera selección de obras basándose en los dossiers y/o en los trabajos presentados, para posteriormente solicitar las obras preseleccionadas en el caso de que no hubiesen sido enviadas.
La resolución se hará pública en enero de 2012 y los seleccionados serán informados por teléfono, fax o correo electrónico.

SEXTA. Exposición y catálogo
El Museo de la Universidad de Alicante se encargará del montaje de la exposición así como de la edición de un catálogo de la muestra, del que se remitirán ejemplares a todos los participantes seleccionados.

SÉPTIMA. Retirada de la obra
Las obras no seleccionadas podrán ser retiradas a petición de sus autores/as, a partir del día siguiente al del fallo del jurado, y hasta el 28 de febrero de 2012.
Las obras seleccionadas y no adquiridas por el MUA podrán ser retiradas en un plazo de quince días a partir de la clausura de la exposición.
Vencido el plazo de devolución, se entenderá que tanto las obras seleccionadas como las no seleccionadas han sido abandonadas por su autor/a, por lo que pasarán automáticamente a la propiedad y libre disposición del Museo de la Universidad de Alicante.

OCTAVA. Responsabilidad
El Museo de la Universidad de Alicante velará por la buena conservación de las obras mientras permanezcan en su poder.

NOVENA. Aceptación de las bases
La organización se reserva el derecho a modificar o tomar iniciativas no reguladas por estas bases siempre que sea para mejorar la dinámica de la convocatoria.
La participación en esta convocatoria supone la aceptación de estas bases, así como de las decisiones del jurado.

Octubre 26, 2011

Talleres online de Arte Multimedia

DanielPalacios_Waves_MONTAJE_namoc02_u.jpgVisions of Art: Contemporary Art e-learning platform
www.visionsofart.org
info@visionsofart.org

Visions of Art presenta:
4 talleres a distancia de Arte Multimedia
Imparten: Daniel Palacios, Mario Asef, Andrea Coyotzi y Roberto Cárdenas
Fecha límite de inscripciones: 9 de Noviembre de 2011

Berlín – Iberoamérica
info@visionsofart.org


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01. Instalaciones Interactivas: Introducción a la programación y electrónica con Arduino
Del 17 de Noviembre al 15 de Diciembre de 2011
Información completa:
http://www.visionsofart.org/interactivos.html

El curso teórico-práctico abordará el uso de la tecnología en el arte, sirviendo como una iniciación a la programación para usos creativos y a la electrónica digital aplicada al arte. Los participantes desarrollarán una pieza interactiva que se discutirá tanto a nivel estético, conceptual, tecnológico y en relación con el usuario

Imparte: Daniel Palacios
Duración: Del 17 de Noviembre al 15 de Diciembre de 2011
Fecha Límite de Inscripción: 9 de Noviembre de 2011
Costo: Un taller: €145 (200 dls.) / Dos talleres 125€ c/u, 3 Talleres 110€ c/u
Para inscribirse llenar la siguiente solicitud: http://www.visionsofart.org/admisiones/forma-de-aplicacion.html


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02. La construcción del espacio acústico: Taller de Arte Sonoro
Del 14 de Noviembre al 16 de Diciembre de 2011

Información completa: http://www.visionsofart.org/artesonoro.html
El taller se centra en el estudio del sonido como medio de expresión y comprensión del entorno. Se impartirán clases introductorias al arte sonoro, acompañadas de ejercicios de escucha y un trabajo final de composición.

Imparte: Mario Asef
Duración: Del 14 de Noviembre al 16 de Diciembre de 2011
Fecha Límite de Inscripción: 9 de Noviembre de 2011
Costo: Un taller: €145 (200 dls.) / Dos talleres 125€ c/u, 3 Talleres 110€ c/u
Para inscribirse llenar la siguiente solicitud: http://www.visionsofart.org/admisiones/forma-de-aplicacion.html


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03. Video instalación: Exploraciones Narrativas y nuevos medios
Del 19 de Noviembre al 17 de Diciembre 2011

Información completa: http://www.visionsofart.org/videoinstalacion.html

En este taller teórico práctico, abordaremos la video instalación como una extensión narrativa del video-arte, estudiando la utilización de recursos espaciales.
En los apartados teóricos del taller, se analizará el papel del sujeto y su posición como productor, espectador y usuario. En el apartado práctico se realizarán piezas que combinen el uso de video en con otras disciplinas, tomando en cuenta el video en su carácter espacial-objetual.

Imparte: Andrea Coyotzi Borja
Duración: Del 19 de Noviembre al 17 de Diciembre de 2011
Fecha Límite de Inscripción: 9 de Noviembre de 2011
Costo: Un taller: €145 (200 dls.) / Dos talleres 125€ c/u, 3 Talleres 110€ c/u
Para inscribirse llenar la siguiente solicitud: http://www.visionsofart.org/admisiones/forma-de-aplicacion.html


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04. VJ & Live Cinema : Aplicaciones artísticas del video en vivo
Curso de teoría y práctica del video en vivo
Del 18 de Noviembre al 20 de Diciembre de 2011

Información completa: http://www.visionsofart.org/vj.html

En este curso se mostrarán los elementos básicos de la producción de video en vivo (VJ / Live Cinema) orientado al arte contemporáneo, haciendo una revisión sobre el estado actual de la escena audiovisual.

En este terreno, el video en vivo cobra importancia como respuesta a una exigencia dentro del medio audiovisual y los discursos de apropiación, postproducción, cultura remix e hiperconsumismo que se encuentran presentes en el lenguaje del arte actual.

Imparte: Roberto Cárdenas
Duración: Del 18 de Noviembre al 20 de Diciembre de 2011
Fecha Límite de Inscripción: 9 de Noviembre de 2011
Costo: Un taller: €145 (200 dls.) / Dos talleres 125€ c/u, 3 Talleres 110€ c/u
Para inscribirse llenar la siguiente solicitud: http://www.visionsofart.org/admisiones/forma-de-aplicacion.html

r _ Nieves Torralba

CartellexpoNT_u.jpgDel 26 de octubre de 2011 al 8 de enero de 2012

La Nau Centre Cultural de la Universitat de València
Sala Oberta

www.uv.es/cultura
www.facebook.com/lanauuv
www.twitter.com/lanauuv

r, título de esta exposición, se nos ofrece como una cifra, como signo (dicho sea sin olvidar -muy al contrario- su cualidad icónica) que introduce un juego semántico en la percepción del conjunto de obras que ahora se presenta. Se trata de un juego indeterminado, sugerido únicamente por ser esta letra la inicial de una serie de palabras que se van convocando (raíz, rama, rito, recuerdo, roturar…) y de cuyas múltiples connotaciones (pues tal es el ámbito de intervención de esta propuesta) la artista espera propiciar una recepción activa de lo expuesto por parte del espectador, confiando en las posibles asociaciones de toda índole (emotiva, intelectual…) que pudieran despertarse o activarse en su pensamiento.

Hablando con la artista, me explicaba de qué modo suele trabajar –en un primer momento- delante de las plantas (analizándolas, estudiándolas, interiorizándolas), para luego elaborar su propia versión de las mismas, como recomendara Henri Matisse proceder a sus alumnos ante los modelos. Una versión que no pretende ser copia, ni tampoco interpretación (expresiva, manierista), sino que busca establecerse como verdad plástica per se, autónomamente, sin necesidad de una validación referencial (analógica) concreta –en línea con la máxima propuesta por Paul Klee: “el arte no reproduce lo visible; hace visible”.

La simplificación de la morfología de las plantas, donde todo queda reducido a unos elementos primordiales, es el resultado de su voluntad de conseguir una síntesis formal elocuente, válida en sí misma -como hemos dicho ya-; bella por sus propiedades graficoplásticas y compacta en su definición. Los encuadres empleados (en los que los motivos ocupan una buena parte de la superficie, como si de monumentales fragmentos se tratara) son indicativos de la fijación e interés –antes comentados- con los que la artista se/nos aproxima a las flores, y contribuyen a potenciar esa sensación de rotundidad en sus dibujos; todo se ofrece a la vista con el mismo grado de nitidez y concreción, sin concesiones hacia lo fenoménico ni a efectismos de índole retórica. El modelado de los tallos es formulario y elemental, pero suficiente para sugerir esa corporeidad de la que la artista no quiere privar a su flora; a pesar de la innegable homogeneidad de su definición (fruto de una paciente labor donde la suma de líneas va urdiendo la escala el grises que sugieren el volumen), una contemplación detenida de este tratamiento nos permite advertir, sin embargo, el itinerario seguido por su mano a la hora de pensar (conceptualmente), recorrer (sensorialmente) y construir (gráficamente) las formas.

Sus dibujos parten siempre del supremo contraste entre el negro del grafito o la intensidad tonal que le proporciona la punta de plata y el blanco del papel. El modelado, aun con variadas gradaciones debidas a la diferente presión e insistencia ejercida con aquellos utensilios y a las distintas calidades que cada uno de estos materiales le proporciona, es firme, casi me atrevería a decir duro, en la línea de aquella definición volumétrica que fuera característica de cierta figuración del tiempo de las vanguardias.

Junto al empleo de procedimientos tan tradicionales como la punta de plata o el grafito, Nieves Torralba se ha servido también de la tecnología digital para dibujar/imprimir sus trabajos, ampliando con ello el horizonte de sus posibilidades a diferentes niveles.

De igual manera, los dibujos que la artista ha realizado directamente sobre las paredes de la sala de exposiciones se benefician de la incorporación de esa tridimensionalidad como un elemento más de la obra; aspecto éste significativo, por cuanto añade de ilusión ambiental a su proyecto, convirtiendo el conjunto en una suerte de jardín envolvente que, a nivel dialéctico, establece un contexto muy idóneo para el caso. La convivencia de distintos planteamientos en torno a una misma temática permite que advirtamos el alcance de su propuesta desde una perspectiva ciertamente enriquecedora.

Víctor Zarza
Comisario


LUGAR: La Nau Centre Cultural de la Universitat de València
Sala Oberta
Universitat, 2
46003 València.

FECHA: Del 26 de octubre de 2011 al 8 de enero de 2012
HORARIO DE VISITA: de martes a sábado de 10 a 14 h. y de 16 a 20 h. Domingos de 10 a 14 horas.

ENTRADA LIBRE

ORGANITZA: Universitat de Valencia

PRODUCE: Fundació General de la Universitat de Valencia

COLABORA: Bancaixa Ayuntamiento de Valencia La Imprenta

COMISARIO: Víctor Zarza
COORDINADOR GENERAL: Norberto Piqueras

www.uv.es/cultura

www.facebook.com/lanauuv
www.twitter.com/lanauuv

Octubre 21, 2011

“MONUMENTOS CIEGOS” de Fernando Sánchez Castillo

ECAT-monumentosciegos_u.jpgECAT – ESPACIO CONTEMPORÁNEO ARCHIVO DE TOLEDO
Trinidad 10, 45002 - Toledo (España)
TEL: +34 925252374 - FAX: +34 925239000
Hasta el 20 de noviembre de 2011

www.jccm.es
www.espacioecat.es
ecat@jccm.es
facebook.com/ecat.contemporaneo
@ECAToledo

Madrid vivió una situación paradigmática dentro de la península, debido a un asedio que se prolongó durante casi toda la contienda.
Desde el comienzo de la guerra, los monumentos y fuentes de mayor significación y valor histórico, fueron cubiertos con sofisticadas estructuras que sirvieron de eficaz protección.

La Junta de protección, reconstrucción y saneamiento de Madrid, ideó ingeniosas edificaciones a base de ladrillo sacos terreros y hormigón para amortiguar los efectos de los bombardeos.

Las fuentes de Cibeles, Neptuno, Apolo,… las estatuas ecuestres de la Felipe III y IV en la Plaza Mayor y de Oriente requirieron específicas e inventivas soluciones arquitectónicas y de ingeniería. Nunca hasta la fecha, se planteó con tal concisión la preservación de la identidad cultural de ninguna ciudad como en aquel entonces.
Durante tres años, el paisaje de la ciudad cambió por completo. La Cibeles fue apodada como “La Linda Tapada” y muchos madrileños no conocieron el bello interior de su caparazón hasta el final del conflicto.
Podríamos decir que se concibieron casi edificios temporales con gran carácter escultural contemporáneo para proteger el arte y la identidad del pasado.

Basándome en materiales fotográficos y planos obtenidos de particulares y fundamentalmente del Archivo Moreno (custodiado en el archivo de Patrimonio Nacional). He recopilado información suficiente para iniciar la construcción de: Iglesias de San Andrés, Palacio Miraflores, Palacio de Torrecilla, Museo del Prado y edificio de la Telefónica. Dichos materiales han estado dispersos y sin organizar porque después de la guerra los protectores de los monumentos, e incluso los fotógrafos dedicados a estos menesteres fueron perseguidos y represaliados.

No puedo olvidar que en las actuaciones citadas, los artistas de la época tuvieron un papel fundamental, en la decisión de que proteger y como hacerlo. El no olvidar dicha responsabilidad por parte del artista contemporáneo es una cuestión fundamental del proyecto.

Fernando Sánchez Castillo

C.V.
Fernando Sánchez Castillo
Madrid 1970

Individuales // 2011 // Método del Discurso,CAC Malaga, Spain, Solo Exhibtion 2011 / El lugar de la Memoria, Sala Juan de Egenau, Univerisidad de Chile, Santiago de Chile // 2010 // Space of Resistance: Peace to the Man of Bad Will, Skissernas Museum, Lund, Sweden. Táctica, Episodios Nacionales, PhotoEspaña, Sala Minerva, CBA, Madrid // 2009 // Divertimento, Galeria Juana de Aizpuru, Madrid, Spain. Carpe Diem, Lisbon. Portugal / Los Reyes no son los Padres, Espai 4, Mallorca, Spain // 2008 // The Unresolved…, Vleeshal, Middleburg, Netherlands / Didactica, Galeria Juan Silió, Santander, Spain // 2007 // Abajo la inteligencia, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, MUSAC, León, Spain / École Régionale des Beaux-Arts de Rouen, Rouen, France / The Wanås Foundation, Knislinge, Sweden / Parti de la Peur, Centre d’Art Contemporain, Geneva, Switzerland / El Tesoro del Caudillo, DNB, Amsterdam, Netherlands / El Tesoro del Duque de Alba, ABN Amor, Amsterdam, Netherlands // 2006 // Leder het zijne, Stedelijk Museum Schiedam, Rotterdam, Netherlands / Manu Militari, Centre d’Art Santa Mònica, CASM, Barcelona, Spain / MARTa, Herford Museum, Herford, Germany / Cuaderno de ciudad, Universidad Pública de Navarra, Pamplona, Spain // 2005 // Retour a la Normale, Stephane Ackermann Art Agency, Luxemburg , Luxemburg // 2004 // Notas para la educación estética de la burguesía, Galería Juana de Aizpuru, Madrid, Spain

Colectivas // 2010// Afuera, CCE, Cordoba, Argentina, by Gerardo Mosquera / The People United Will Never Be Defeated, TENT,Centrum Beeldende Kunst, Rotterdam, Netherlands / Libertad, Igualdad, Fraternidad, Centro Huarte de Arte Contemporáneo, Huarte, Spain / Monument to Transformation, Galerija Miroslav Kraljevic, Zagreb, Croatia / Ejercicios Memoria. La Panera, Lleida. By J.V Aliaga // 2009 // Bourdeaux Biennale, France, Curated by Didier Fiuza Faustino / Colossal, Museum Kalkriese, Bramche-Kalkreise, Germany / Monument to Transformation 8, Tranzit, Prague Gallery, Prague, Czech Republic / LIF, SECC, Zaragoza, Spain / Mi Vida, Col Musac, Műcsarnok Kunsthalle, Budapest, Hungary / Huésped, Collecctión Musac en el MNBA, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Brazil / Imaginar Histoiar, Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles, Spain // 2008 // 7+1, Museo De Arte Contemporánea de Vigo - MARCO, Vigo, Spain / 3 Biennale of Bucharest, Romania / Borders, Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Netherlands


SIGUIENTES PROYECTOS EXPOSITIVOS DE LA IV CONVOCATORIA

Basado en hechos reales // Miguel Soler Núñez // 1 de diciembre de 2011 / 29 de enero de 2012

Let Me Kiss You // Aitor Saraiba // 9 de febrero / 8 de abril de 2012


www.espacioecat.es
ecat@jccm.es

Horario de apertura al público:
Mañanas de lunes a domingo de 11.00h a 14.00h
Tardes de lunes a viernes de 17.00h a 19.30h.
Sábados de 17.00h a 20.00h
Festivos de 11.00h a 14.00h

Visitas guiadas: ecat@jccm.es

ecatjccmcopia_u2.jpg






Octubre 20, 2011

PROYECTO VIVERO. Convocatoria

Viver_de_projectes_600_u.jpgSe abre una convocatoria para participar en el programa Proyecto Vivero
Hasta el 15.11.2011

ACVic Centre d’Arts Contemporànies
http://acvic.org

Proyecto Vivero ofrece apoyo a creadores, a nivel individual o colectivo, para el desarrollo de proyectos, buscando y facilitando la conexión de éstos con el ámbito social y cultural. Está dirigido a proyectos iniciados desde el arte, la comunicación, el diseño, la gestión cultural, la arquitectura, la educación y de manera especial a proyectos culturales de carácter transdisciplinar que puedan tener una repercusión en el contexto social.

PV se adecua al objetivo de promover el fomento de proyectos creativos aplicados al espacio social desde la perspectiva de la innovación y el uso de las nuevas tecnologías, impulsando a los creadores a articular iniciativas a través de la autogestión, la búsqueda de oportunidades en el contexto de la sociedad del conocimiento y la posibilidad de llevar a cabo proyectos que tengan una incidencia en el espacio social.

Proyecto Vivero es un programa de ACVic con la colaboración de VIT Vic Innovació Tecnològica.

LABORATORIO Y ESPACIO DE INVESTIGACIÓN
Se articula a partir de establecer un programa de residencias temporales acompañado de formadores y tutores con el objetivo de hallar vías de definición, realización y desarrollo de los proyectos. Combina técnicas de formación, instrucción y entrenamiento, entendiendo el proceso de proyección como un recorrido práctico que cuenta con el apoyo de especialistas y colaboradores, a la vez que involucra a los participantes en un proceso bidireccional de manera que cada cual participa también como formador. Formar para transmitir y compartir con los demás el conocimiento que uno tiene y formarse para llevar a cabo un proyecto.

ACVic plantea a través de este programa la posibilidad de ensayar en la combinatoria de tres fases implícitas en el desarrollo de proyectos: la formación, la producción y la financiación con la finalidad de promover proyectos que se basen en la autogestión. El Centre hará lo posible para que esta combinación sea fructífera, acompañando a los proyectos participantes en la obtención de sus objetivos en todos los tres niveles.

La finalidad es facilitar espacio de trabajo y formación, apoyo técnico, conceptual y a la vez dar visibilidad a los proyectos con el fin de buscar vías para llevarlos a cabo. Suma tres conceptos: el de compartir espacio de trabajo con la posibilidad de genera proyectos en coproducción entre los residentes, el de asesoramiento, seguimiento en la producción y búsqueda en la difusión y, en última instancia, orientará o facilitará la búsqueda de financiación para los proyectos.

En el caso de que los proyectos requieran ayuda para elaborar un plan de negocio, asesoramiento fiscal o financiero se contará con la colaboración de ImpeVic (Institut Municipal de Promoció i Economia de Vic).

COMUNICACIÓN Y DIFUSIÓN
Con el fin de facilitar la comunicación de proyectos ACVic organizará temporalmente presentaciones abiertas o dirigidas a un grupo de invitados, en función de la tipología del proyecto. Se ofrecerá apoyo para buscar diversas opciones para llevarlos a cabo, desde el apadrinamiento, las donaciones o aportaciones parciales en el caso de proyectos de carácter social, la contratación de servicios en el caso de proyectos de carácter empresarial, o la cofinanciación entre aportaciones privadas y subvenciones públicas.

En función de los proyectos, esta fase contará con la colaboración de Impevic con el fin de incentivar que los emprendedores puedan desarrollar sus proyectos empresariales.

OBJETIVOS
- Estimular que creadores y emprendedores emergentes puedan iniciar proyectos.
- Dar visibilidad a colectivos o personas que trabajan en el territorio en el contexto de la cultura y la economía creativa.
- Iniciar servicios complementarios que refuercen las iniciativas incipientes y existentes en el contexto.
- Fomentar la relación entre estos creadores con el fin de estimular la relación entre ellos y promover el auto aprendizaje y la autogestión de nuevos proyectos.
- Detectar ámbitos de profesionalización en la relación cultura y ciudad
- Generar entornos de trabajo que se abran a un amplio abanico de posibilidades en las que el arte, la arquitectura, el diseño, la gestión cultural puedan hallar vías de acción.
- Generar un espacio que combine la creación de proyectos y la formación, a través del aprendizaje compartido, el auto aprendizaje y la autogestión.

A QUIEN SE DIRIGE
- Se dirige a creadores de diversas disciplinas que quieran adaptarse a la demanda de activar un proyecto cultural de carácter transdisciplinar que pueda tener incidencia en el contexto social.
- Individuos o colectivos con un proyecto y con la disponibilidad de compartir conocimientos en una doble vertiente: ofrecer y recibir.
- Temporalización variable en función del proyecto.

RECURSOS
- Los proyectos seleccionados podrán disponer de espacio en ACVic y utilizar las instalaciones del VIT, adecuándose a la normativa y especificidades que se acuerden una vez escogidos los mencionados proyectos.
-Los proyectos tendrán derecho a un mínimo de dos sesiones de tutoría con profesionales especializados. Estas se podrán incrementar a partir del intercambio. (En función de que la persona o colectivo seleccionado pueda ofrecer un tipo de conocimiento que permita tutorizar otros proyectos o formar parte del programa de formación abierta de ACVic).
- En caso de impartir formación a través de cursos o talleres se remunerará.
- ACVic dará visibilidad a los proyectos que participen en el vivero a través de la web, mediante las actividades de comunicación organizadas temporalmente y en función del proyecto podrá participar en actividades programadas desde el centro.

ESPACIO Y EQUIPAMIENTO
Espacios de ACVic: el espacio está compartido y equipado con mesas y sillas, cocina, cámara de fotos, vídeo, equipo para la edición de vídeo digital y equipo de sonido.
Espacios del VIT: espacio compartido equipado con mesas y equipos informáticos (PC y Mac). El uso de este espacio se ofrece a aquellos proyectos que incorporen elementos basados en las nuevas tecnologías.

COMITÉ DE SELECCIÓN
Tres personas designadas por ACVic Centre d’Arts Contemporànies y dos personas designadas por VIT Vic Innovació Tecnològica.

CONDICIONES DE PARTICIPACIÓN
Rellenar y enviar el formulario en la web http://acvic.org con el siguiente material en un solo documento en pdf antes del día 15 de noviembre de 2011:
- Referencia a otros trabajos realizados acompañados de imágenes y currículum resumido.
- Descripción detallada del proyecto que se quiere llevar a cabo, especificando los objetivos y el plan de trabajo.
- Descripción de los conocimientos o habilidades que puede aportar en un contexto de formación.
ACVic podrá utilizar todas las imágenes generadas del proyecto para la comunicación específica y las publicaciones derivadas del conjunto de la programación.

Proyecto Vivero es un programa de ACVic con la colaboración de VIT Vic Innovació Tecnològica.

ACVic Centre d'Arts Contemporànies es resultado de la cooperación entre el Ajuntament de Vic, Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació de la Generalitat de Catalunya y H. Associació per a les Arts Contemporànies.


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PROJECT NURSERY. Open call

Open call to participate in the program Projecte Nursery
Up to 15.10.2011

ACVic Centre d’Arts Contemporànies
http://acvic.org

The Project Nursery is a program which offers support to artists' projects, individually or collectively, facilitating the connection of those in a social and cultural environment. The program is open to projects from the fields of art, communication, design, cultural management, architecture, art education and particularly from transdisciplinary cultural projects which could have an impact on social context.

PN seeks to promote the development of creative projects applied to social space from the perspective of innovation and the use of new technologies, encouraging artists to engage in initiatives through self-management, seeking opportunities in the context of the information society, and the possibility of carrying out projects which will have an impact on the social space.
Projecte Nursery is a program of ACVic with the collaboration of VIT Vic Innovació Tecnològica.

LABORATORY AND RESEARCH SPACE
It is organised through a temporary residencies programme with trainers and tutors, to seek ways of defining, implementing and developing projects. Combining techniques of training and instruction , understanding the project's process as a practical itinerary with the support of specialists and collaborators, involving participants in a two-way process where everyone participates as a trainer. Training to transmit and share one's own knowledge, and how to carry out a project.

ACVic, through this programme, makes it possible to try out the combination of the three stages implicit in the experimentation and generation of ideas: training, production and funding to promote self-managed projects. ACVic will ensure all available help to make this combination work, but makes no promise or assurance that participating projects will entirely achieve their goals.

The intention of this programme is to provide work space, technical and conceptual support, and to give visibility to projects while looking for ways to realise them. 
To meet this goal a shared workspace will be offered through the programme with the possibility of generating projects in co-production between resident; assessment and monitoring of the research and production stages and further advertising (coaching) and ultimately, guiding and facilitating fund-raising.
In the case of projects that require help to develop a business plan, financial or tax advice will be supported by ImpeVic (Institut Municipal de Promoció i Economía de Vic).

COMMUNICATION PROJECT
To facilitate communication projects ACVic will organise presentations, either open or directed at a number of guests, depending on the type of project. To fund projects, support will be offered to find several options, including sponsorship, donations or partial contributions in the case of social projects, contracting services for entrepreneurial projects, or co-financing from private contributions and public subsidies.

Depending on the projects, this phase will include collaboration of ImpeVic to encourage entrepreneurs who can deploy their business projects.

OBJECTIVES
- Encourage entrepreneurs and emerging artists who can initiate projects.
- Give visibility to groups or people working locally in the context of culture and creative economy.
- Initiate complementary services to strengthen existing and emerging initiatives in the context.
- Foster relationships between artists to stimulate networking and promote independent learning and self-management of new projects.
- Detecting economic possibilities in the relationship between culture and city.
- Building work environments open to a wide range of possibilities where art, architecture, design, culture management can find ways of action.
- Generate a space that combines the creation of projects and training, through shared learning, self learning and selfmanagement.

ADDRESSED TO
- Aimed at artists from various disciplines who wish to adapt to the demands of initiating a cross-disciplinary cultural project which may impact on social context.
- It is seeking individuals or groups with a project, available to share knowledge in a double way: to provide and to receive it.
- Residencies may last between 1 month and 1 year. 


RESOURCES
- The selected projects will use an ACVic space and the facilities of the VIT, adapting to the rules and specifications agreed once projects have been chosen.

- The selected projects will be entitled to a minimum of two tutoring sessions with professionals. These may be increased by means of a knowledge exchange scheme. (Depending on experience, the selected artist/ group may offer to supervise other projects, or be part of the open education programme at ACVic).
- In case of training courses or workshops, they will be remunerated.
- ACVic will give visibility to the projects involved in the nursery through the Web, through communications activities, and may include projects in the centre's scheduled activities.


SPACE AND EQUIPMENT
ACVic spaces: A shared space equipped with tables, chairs, kitchen, photographic camera, video-camera, video and sound editing suite.
Areas of VIT: A shared space equipped with tables and computers (PC and Mac). The use of this space is offered to projects incorporating elements based on new technologies.

SELECTION COMMITTEE

Three appointed by ACVic Contemporary Arts Center and two persons designated by VIT Innovation Vic.

CONDITIONS FOR PARTICIPATION
Fill in the form and send http://acvic.org with the following material in a single PDF document by the 15th of November, 2011.
- Reference to other works, accompanied by images and brief curriculum .
- Detailed description of the project to be carried out, specifying objectives and work plan.
- Description of knowledge or skills to participate in a training context.
ACVic may use all images generated by the project's for communications and publications arising from the development of the programme.

Nursery Projects is a project of the LAB programme of ACVic and with the collaboration of VIT Vic Innovació Tecnològica.

ACVic Centre d’Arts Contemporànies is the result of the cooperation between the Ajuntament de Vic, Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació de la Generalitat de Catalunya and H. Associació per a les Arts Contemporànies.

Octubre 19, 2011

Colección MACBA
1395 Days without Red (2011)

1395_u.jpgUn proyecto de Šejla Kamerić y Anri Sala en colaboración con Ari Benjamin Meyers

Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA)
19 octubre 2011 – 9 enero 2012
www.macba.cat

1395 Days without Red es un proyecto cinematográfico de Šejla Kamerić y Anri Sala en colaboración con Ari Benjamin Meyers. Concebido, desarrollado y filmado conjuntamente, ha dado lugar a dos películas independientes que se presentan, por primera vez, como instalaciones separadas y de modo simultáneo en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA). Estas películas suponen una oportunidad única para ver cómo, partiendo de unos mismos materiales, la lectura personal de cada artista y su manera de trabajar, no solo los materiales fílmicos sino también el espacio, vehiculan dos formas completamente diferentes de entender un mismo proyecto.

1395 Days without Red profundiza en la experiencia del sitio de Sarajevo, que tuvo lugar desde el 5 de abril de 1992 hasta el 29 de febrero de 1996; un periodo en el que, según cifras de la ONU, la población de la ciudad se redujo de 435.000 a 300.000 habitantes. Durante ese tiempo unas 10.000 personas fueron asesinadas y más de 56.000 resultaron heridas por las balas de los francotiradores y la explosión de granadas. Miles de viviendas y edificios públicos (incluidas la universidad y la biblioteca, que albergaba más de dos millones de volúmenes) fueron destruidos en uno de los asedios más largos de la historia de Europa. Ambas películas nos muestran el trauma que supuso para los habitantes de Sarajevo. 1395 Days without Red plantea un viaje al pasado desde el presente, a partir de una serie de recorridos diarios que recrean la ruta de la «Avenida de los Francotiradores» en el Sarajevo actual. Un viaje temporal que habla de la universalidad de las emociones más allá de la localización geográfica y a través de la memoria colectiva de una ciudad. El sitio de Sarajevo duró 1.395 días.


1.395 días sin rojo (2011)
Una película de Šejla Kamerić
Vídeo monocanal, color, sonido, 60 min 24 s

1395 Days without Red (2011)
Una película de Anri Sala en colaboración con Liria Bégéja
Vídeo monocanal, color, sonido, 43 min 46 s


A partir de un proyecto de Šejla Kamerić y Anri Sala en colaboración con Ari Benjamin Meyers


Colección MACBA. Fundació Museu d'Art Contemporani de Barcelona. Obra coproducida por Artangel (Londres) y la Fundació Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA); Museum Boijmans Van Beuningen (Rotterdam) / con el patrocinio de Han Nefkens, H+F; Manchester International Festival / Whitworth Art Gallery (Manchester); Festival d’Automne (París); Arts Council England; European Cultural Foundation; Film Fund Sarajevo; Marian Goodman Gallery (Nueva York) y Hauser & Wirth (Londres/Zúrich).

Adquisición 2010

© 2011, Artangel, Šejla Kamerić, Anri Sala, SCCA/pro.ba


Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA)
Plaça dels Àngels, 1
08001 Barcelona
www.macba.cat
http://twitter.com/MACBA_Barcelona


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1395 Days without Red, 2011. Un proyecto de Šejla Kamerić y Anri Sala en colaboración con Ari Benjamin Meyers. Foto: © Milomir Kovačevic Strašni
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Octubre 18, 2011

AULA A LA DERIVA.
Plataforma de contextos de aprendizaje en torno a prácticas culturales colaborativas.

imagen_aulaaladeriva_u.jpgProducen: Cristian Añó (Sinapsis), Oriol Fontdevila, LaFundició, Javier Rodrigo (Transductores), Sitesize.

Organiza: Acció Cultural Metropolitana, Ajuntament de Sant Boi, Associació d’Amics d’El Prat, Associació CandeL’Hart, Centre d’Art de Tarragona, Centre d’Imatge La Virreina, Centre d’Art Torre Muntadas, Col·lectiu Ateneu Santboià, Fundació Antoni Tàpies, Open-roulotte.

Con el soporte de CoNCA, Consell Nacional de la Cultura i les Arts.



Aula a la deriva desarrolla un programa de espacios de aprendizaje y debate en colaboración con un conjunto de iniciativas distintas que tienen lugar en Barcelona y su entorno y que implican modos de hacer colaborativos en relación con las prácticas culturales y artísticas.

La posibilidad de vincular momentos de reflexión con experiencias que se encuentran en proceso de desarrollo la entendemos como una oportunidad para generar aprendizajes significativos e intercambios, tanto entre los mismos agentes implicados en los proyectos como los participantes externos; pudiéndose generar, asimismo, aportaciones en torno a aspectos relacionados con la participación cultural, la intervención comunitaria, la investigación colaborativa y las pedagogías críticas.


Procesos de trabajo/ espacios de aprendizaje:
Entre octubre y diciembre de 2011 se llevarán a cabo un conjunto de derivas (espacios de aprendizaje) en relación con los siguientes proyectos y contextos. Las dinámicas de trabajo y focos de interés se adaptan a las diferentes idiosincrasias y se contará con distintos agentes invitados en cada caso.

- Ateneu Santboià. Sant Boi del Llobregrat.
- Abierto por reflexión. Centre d’Art de Tarragona.
- CandeL’Hart. L’Hospitalet de Llobregat.
- Open-roulotte. Projecte d’Intervenció Integral Can Mas i Ajuntament de Ripollet. Ripollet.
- Programa de soporte a la creación. Torre Muntadas y Associació d’Amics de l’Art d’El Prat. El Prat de Llobregat.
- Prototipos en código abierto – Arts Combinatòries. Fundació Antoni Tàpies. Barcelona.
- Zonas de contacto. Virreina Centre de la Imatge. Barcelona.


Programa detallado:
El calendario de los espacios de aprendizaje públicos se concreta progresivamente en:
www.aulaaladeriva.net


Inscripción a los procesos de trabajo / espacios de aprendizaje.
Inscripción gratuita.


Subscripción al newsletter


Contacto:
hola@aulaaladeriva.net


Aula a la deriva es una plataforma formada por Cristian Añó (Sinapsis), Oriol Fontdevila, LaFundició, Javier Rodrigo (Transductores) y Sitesize; un conjunto de agentes que llevamos a cabo proyectos proyectos colaborativos de producción cultural.

ESTACIÓN EXPERIMENTAL
Investigaciones y fenómenos artísticos

Inv-1_u.jpg28.10.2011 – 09.04.2012
www.laboralcentrodearte.org

Estación Experimental explora cómo el arte y la ciencia se acercan y se entrecruzan a través de la obra de aquellos artistas para los que la razón de su trabajo es un impulso irrefrenable que les conecta con la parte más pura de la investigación científica. Desviándose de las directrices preestablecidas en el arte contemporáneo, estos creadores comparten en su trabajo una cierta fascinación por temas extra-artísticos, por lo que sucede dentro del campo de lo real pero también en el más allá.
Investigación formal, pseudo-ciencia, ciencia-ficción y sucesos paranormales son los terrenos experimentales en los que se mueve y materializa la obra de estos autores, que no renuncian a su capacidad de investigar, y ésta puede expandirse fuera de los límites de la creatividad artística como es entendida en lo contemporáneo. Esta búsqueda en terrenos paralelos, que abarca de la realidad a la mentira, es extraordinariamente interesante y se mueve en un circuito marginal por su propia dificultad de ubicación. No es lo mismo un artista interesado en la última tecnología, aplicable a su obra para la consecución de resultados estéticos, que otro que se inclina por la investigación donde el experimento es la obra en sí misma, y esa investigación convierte el estudio de artista en laboratorio y campo de pruebas, de errores y resultados.
Tanto el dispositivo artístico como el científico nos transportan a lugares de cambios y descubrimientos, ya sea con un propósito real o imaginario. Hablamos de la creación como lugar de experimentación, y en eso, ciencia y arte tienen un fin común, llevando a cabo experimentos que cuestionan lo hasta ahora conocido, buscando una nueva frontera.

Comisarios: Andrés Mengs y Virginia Torrente
Artistas: Julio Adán, Guillem Bayo, Alberto Baraya, Luis Bisbe, Ingrid Buchwald, Carlos Bunga, Caleb Charland, David Clarkson, Björn Dahlem, Karlos Gil, Faivovich & Goldberg, O Grivo, João Maria Gusmão y Pedro Paiva, Lyn Hagan, Ilana Halperin, Kiluanji Kia Henda, Esther Mañas y Arash Moori, Milton Marques, Alistair McClymont, Rivane Neuenschwander y Cao Guimarães, Jorge Peris, Paloma Polo, Rubén Ramos Balsa, Ariel Schlesinger, Alberto Tadiello, Jan Tichy, Ben Woodeson, Raphaël Zarka.
Publicaciones: Junto a la exposición se ha publicado un catálogo bilingüe español-inglés con un ensayo de Pablo Martín Pascual
Coproducción:


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Con la colaboración de:


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Actividades paralelas:
Concierto inaugural. 28 octubre a las 20.30 horas.
O Grivo, formado por Marcos Moreira y Nelson Soares en el año 1990 en Belo Horizonte, Brasil, trabaja desde su constitución en la creación de instrumentos musicales surgidos en muchos casos a partir de elementos ajenos a la música, activados por sistemas mecánicos y eléctricos que exploran la parte física del sonido y sus proveniencias más dispares.


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LABoral Centro de Arte y Creación Industrial es un espacio multidisciplinar que favorece el intercambio artístico y fomenta la relación entre sociedad, arte, ciencia, tecnología e industrias creativas. Es un proyecto abierto y dinámico, dirigido a todos los públicos, en el que conviven las expresiones artísticas más actuales con actividades educativas y formativas.

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial
Los Prados, 121
33394 Gijón (Asturias)
T. +34 985 185 577
F. +34 985 337 355
info@laboralcentrodearte.org
www.laboralcentrodearte.org
http://laboralcentrodearte.tv


[Imagen: Alistair McClymont. The Limitations of Logic and Absence of Absolute Certainty, 2010]

Octubre 17, 2011

OTOÑO 2011

IMATGEEXPO_u2.jpgForever
Dora García, Joe Scanlan, Isidoro Valcárcel Medina

Bòlit-La Rambla

El riu segueix el seu curs_ Maa tere manalen
Tere Recarens

Bòlit-SantNicolau

Del 21 de octubre al 11 de diciembre de 2011
Inauguración: jueves 20 de octubre de 2011, 19.30 h

www.bolit.cat

El próximo jueves 20 de octubre a las 19.30 h tendrá lugar la inauguración de la programación de otoño de Bòlit, Centre d’Art Contemporani. Girona, que incluye dos exposiciones. Por un lado, la exposición colectiva internacional Forever en Bòlit-LaRambla y, por el otro, la individual El riu segueix el seu curs_Maa tere manalen (El río sigue su curso_Maa tere manalen) de la artista de Arbúcies Tere Recarens en Bòlit-SantNicolau. Asimismo, en Dadespai se presentará una instalación de la artista de Girona Alicia Kopf y se abrirá el Arxiu actiu (Archivo activo), una propuesta participativa y en proceso. Finalmente, en noviembre se celebrará una nueva edición de Òrbita Bòlit, este año con la colaboración de la Casa de Cultura de la Diputación de Girona.


EXPOSICIONES

Forever es una exposición comisariada por Sílvia Dauder que ya se presentó la primavera pasada en la galería ProjecteSD de Barcelona y que reúne trabajos de Dora García (Valladolid, 1965), Joe Scanlan (Circleville, EE. UU., 1961) e Isidoro Valcárcel Medina (Murcia, 1937). La muestra hace referencia a la idea de temporalidad y al lenguaje en relación con los límites del objeto del arte. Son obras cuya experiencia es siempre accesible y cambiante, de manera que el observador tiene que completar cada trabajo para que alcance más significado y profundidad en el tiempo.

La exposición El riu segueix el seu curs_Maa tere manalen, que Tere Recarens (Arbúcies, 1967) presenta en Bòlit-SantNicolau, incluye dos proyectos con los que se acerca a las nociones de identidad y pertenencia desde la experiencia. En ambas obras, la artista ha entrado en contacto con comunidades pequeñas de distintos lugares, en esta ocasión Turquía y África, con el fin de explorar elementos simbólicos vinculados a la identidad y el territorio. El primero de los proyectos ha sido ganador de una de las becas KREAS de ayuda a la creación, producción, exhibición y difusión de las artes del Ayuntamiento de Girona.


ARXIU ACTIU

En paralelo, en Dadespai se abrirá Arxiu actiu, consistente en un archivo progresivo y consultable sobre la creación gerundense donde el usuario podrá acceder in situ a documentación de los creadores de Girona que desarrollan prácticas artísticas contemporáneas de forma profesional. En este contexto, se presentarán la instalación y el libro Maneres de (no) entrar a casa de Alicia Kopf (Imma Àvalos, Girona, 1982) y hay programadas dos actividades más: la presentación de la nueva convocatoria Art Jove 2012 de la Agencia Catalana de la Juventud de la Generalitat de Catalunya y una nueva edición de IGAC Container, con la participación de la artista Núria Güell (Vidreres, 1981).


ÒRBITA BÒLIT

En noviembre llega una nueva edición de Òrbita Bòlit, una línea de trabajo del centro que quiere propagar su actividad más allá de sus espacios expositivos habituales. En esta ocasión se han programado, en el Auditorio Josep Viader de la Casa de Cultura de la Diputación de Girona, la presentación Enclavament Artmediatic. Art [1970-1990] TV, a cargo del historiador de los media e investigador Antoni Mercader y una mesa redonda bajo el título Arte e internacionalización, que contará con la participación de Pep Dardanyà, director de Can Xalant. Centre de creació i pensament contemporani de Mataró; Irene Jimeno, miembro de SingCat; Lucila Mallart, gestora cultural; Tere Recarens, artista, y Eva Sòria, coordinadora de artes visuales del Institut Ramon Llull, moderados por Rosa Pera, directora de Bòlit.


ACTIVIDADES

PRESENTACIÓN: revista Bonart. Número del mes de noviembre
27 de octubre de 2011, 19 h
Dadespai
Presenta: Ricard Planas, director de la revista Bonart
ACTIVIDAD VINCULADA a El riu segueix el seu curs_Maa tere manalen

MESA REDONDA: Galerías de arte contemporáneo: retos y actitudes en el siglo XXI
9 de noviembre de 2011, 19 h
Dadespai
Con las intervenciones de: Sílvia Dauder (ProjecteSD), Huc Malla (galería Cadaqués Dos), Marian Mascort (galería El Claustre), Albert Moré (galería Presenta), Ramon Sicart (galería Sicart) y Dolors Ventós (galería Dolors Ventós). Modera: Ricard Planas, director de la revista Bonart
ACTIVIDAD INTEGRADA en Forever


Visitas guiadas
Horarios a convenir
Inscripción previa obligatoria


Descargar nota de prensa en inglés


Más información en www.bolit.cat / info@bolit.cat / @BolitGirona / 972 427 627


Organizado por

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CONVOCATORIA PARA LA SOLICITUD DE TALLERES AVAM DESTINADOS A LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA 2012-2013

tAvam_u.jpgTalleres disponibles a partir del 1 de enero de 2012: 1 de 47 m2; 1 de 34 m2; 1 de 33m2; 1 de 30 m2.
Plazo presentación de solicitudes a partir del 17 de octubre de 2011 y hasta el 18 de noviembre de 2011

www.avam.net

CONVOCATORIA PARA LA SOLICITUD DE TALLERES AVAM DESTINADOS A LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA 2012-2013

El objetivo de esta convocatoria es facilitar el acceso de los creadores a espacios de trabajo en la ciudad de Madrid, para el desarrollo de su actividad profesional en condiciones accesibles, atendiendo así a la demanda del sector.

La puesta en marcha del programa TALLERES AVAM es el resultado de la estrecha colaboración entre AVAM y el Ayuntamiento de Madrid, a través del Área de Las Artes y la EMVS, para facilitar a los creadores espacios profesionales específicamente destinados a la producción del trabajo artístico, en conexión con la comunidad artística en el ámbito local, autonómico, nacional e internacional.



1.- Objeto


El objeto de la presente convocatoria es ofrecer a los artistas plásticos y visuales el acceso a talleres de uso temporal, con servicios de carácter opcional, así como plantear actividades que potencien el intercambio, la visibilidad, la promoción y la formación continua.

Servicios y actividades:
Asesoramiento tecnológico
Formación tecnológica
Cursos profesionales
Visitas profesionales del ámbito artístico, cultural y político
Open Studios / Jornadas de puertas abiertas
Presentación de proyectos en otros espacios artísticos
Talleres de artista con la comunidad

Las características y condiciones de uso de dichos talleres son las siguientes:

Ubicación física de los talleres: Avenida de Los Poblados s/n, esquina calle del doctor Tolosa Latour. 28041 Madrid.

Número de talleres: 4.

Dimensiones:
· Taller nº 1: 47 m2
· Taller nº 2: 30 m2
· Taller nº 3: 34 m2
· Taller nº 4: 33 m2

Prestaciones de cada uno de los talleres: conexión eléctrica, luz natural y luz eléctrica blanca cenital, conexión a Internet (wi-fi), agua corriente, calefacción y aire acondicionado, puerta de carga y descarga (a excepción del taller nº 4), puerta de acceso a zona común, mobiliario básico (cajonera, sillón, taburete, mesa fija). Los artistas usuarios de los talleres podrán aportar los materiales y equipos necesarios para su trabajo. Los aseos y ducha se encuentran en una zona común a los 4 talleres. Los planos y características técnicas pueden consultarse en www.avam.net

Prestaciones del área de recursos tecnológicos para artistas: este área esta destinada, bajo petición, a todos los artistas, beneficiarios o no de los talleres, que necesiten el uso o el asesoramiento profesional tecnológico para el desarrollo de su producción artística. El área tecnológica dispone de técnico especializado opcional, dentro de los horarios y las condiciones establecidos por AVAM.

Periodo de uso de cada taller: mínimo de 3 meses y máximo de 15 meses. En un periodo comprendido, en cualquier caso, entre el 1 de enero de 2012 y el 31 de marzo de 2013.

Horario de apertura y cierre de los talleres: Horario de mañana y tarde ininterrumpido. Para el acceso a los talleres por necesidades profesionales en horarios excepcionales, será imprescindible la notificación por parte del interesado, y la autorización específica de AVAM.

Coste de uso de los talleres: Los beneficiarios deberán sufragar las prestaciones de los talleres, mediante una aportación económica mensual a AVAM.

· Taller nº 1: 350 euros/mes
· Taller nº 2: 225 euros/mes
· Taller nº 3: 255 euros/mes
· Taller nº 4: 225 euros/mes

Las aportaciones se incrementarán anualmente según el IPC.

TALLERES AVAM ofrece un descuento del 10% a artistas socios de AVAM.

A los costes anteriormente mencionados, se sumarán los consumos mensuales de electricidad y agua de cada taller.

Fianza: El beneficiario de cada taller deberá abonar con carácter previo al uso del mismo, la cantidad correspondiente a dos mensualidades a AVAM, que le serán reintegradas a término de uso, en caso de no existir daños en los talleres o dependencias comunes a los mismos imputables al usuario.

Acceso al uso de los talleres: Una vez asignados los talleres por la comisión de valoración, cada uno de los beneficiarios firmará con AVAM un documento que les autorizará el uso, con las condiciones y obligaciones indicadas en la presente convocatoria y de acuerdo con la resolución de la comisión de valoración. La autorización de acceso al uso de los talleres tendrá lugar a partir del 1 de enero de 2012, para los primeros beneficiarios.



2.- Beneficiarios.

Podrán solicitar el uso de los talleres los artistas o colectivos de artistas plásticos y visuales que requieran de un taller o estudio para trabajar en su obra, realizar un proyecto artístico específico o iniciar un proceso de investigación y experimentación artística.

En el caso de personas físicas (artistas), los solicitantes deberán tener una formación o trayectoria artística acreditada en el campo de las artes plásticas y visuales.

En el caso de personas jurídicas (colectivo de artistas), su objeto social debe tener relación con la producción contemporánea en el campo de las artes plásticas y visuales, con trayectoria acreditada.



3.- Plazo y lugar de presentación de solicitudes.

Desde el 17 de octubre de 2011 hasta el 18 de noviembre de 2011, ambos incluidos.

Al cierre de dicho plazo no se admitirá ninguna solicitud ni información complementaria a los formularios ya registrados. En el caso de envío postal se tendrá en cuenta como fecha de entrega la registrada en la oficina postal correspondiente.

La petición se realizará por medio del FORMULARIO DE SOLICITUD, a través de www.avam.net/talleresavam/formulario.html El formulario también podrá recogerse en AVAM / Extensión AVAM - Matadero Madrid, Paseo de la Chopera 14, 28045 Madrid, de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 horas (excepto festivos); así como en el mostrador de recepción de Matadero Madrid, Paseo de la Chopera 14 o Paza de Legazpi 8, en horario de martes a viernes de 16:00 a 22:00 horas.


Documentación a presentar:

1. Formulario de solicitud cumplimentado con los siguientes datos: nombre, apellidos, fecha de nacimiento, nacionalidad, dirección, localidad, provincia, código postal, teléfonos, correo electrónico, y página web (opcional). En el formulario de solicitud el solicitante deberá indicar las opciones de fechas idóneas de utilización de los talleres durante el periodo 2012-2013 (indicar fechas en meses naturales). Asimismo deberá indicar el o los talleres que se solicitan, por orden de preferencia.

2. Fotocopia DNI o pasaporte en el caso de personas físicas.

3. Fotocopia CIF, en el caso de persona jurídica.

4. Declaración responsable del pago mensual del taller asignado.

5. Currículo vitae (un máximo de 1.000 palabras) para las personas físicas. Memoria de las actividades y/o proyectos realizados (un máximo de 1.000 palabras) de los últimos dos años, en el caso de colectivos o personas jurídicas.

6. Documentación complementaria de obra reciente. No se aceptarán originales, ni documentación adjunta como catálogos, folletos, obras originales, etc. En caso de proyectos audiovisuales, el artista podrá aportar un DVD acompañando al dossier.

7. En el caso de presentar para su realización un proyecto concreto, el artista deberá aportar una memoria del proyecto a desarrollar.

8. La documentación complementaria debe presentarse en tamaño folio o DinA4, ocupando un máximo de 10 hojas; si el envío se realiza por correo postal deberá estar encuadernado. Se desestimarán las solicitudes que no se ajusten a esta norma, por cuestiones de organización y valoración.

9. La solicitud y dossier adjunto deberán de presentarse en español.

Lugar de presentación:

1. En mano o por correo postal a nombre de "Convocatoria TALLERES AVAM 2012-2013" a la dirección: AVAM / Extensión AVAM en Paseo de la Chopera 14 - 28045 Madrid, en horario de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 horas. Así como en el mostrador de recepción de Matadero Madrid, Paseo de la Chopera 14 o Paza de Legazpi 8, en horario de martes a viernes de 16:00 a 22:00 horas.
No se atenderán las solicitudes presentadas en mano con posterioridad al 18 de noviembre de 2011 y fuera de los horarios señalados, o con sello postal posterior a esa fecha en el caso de envío postal.

2. Mediante envío electrónico: La documentación requerida puede ser enviada por correo electrónico a correo@avam.net En este caso, la documentación se enviará mediante un archivo en formato pdf, o comprimido zip. No se tendrá en cuenta ninguna solicitud electrónica recibida después de las 24:00 horas del día 18 de noviembre de 2011, ni los archivos superiores a 2 Mb.

Recepción de solicitud y documentación adjunta:

La recepción de la solicitud y documentación, se confirmará desde AVAM mediante e-mail para envíos por correo electrónico y correo postal, para las entregas en mano se emitirá un resguardo. En caso de no recibir dicha confirmación, deberá entenderse que la documentación no ha sido recibida en las oficinas de AVAM. No se atenderán las reclamaciones en este sentido realizadas después del 18 de noviembre de 2011.



4.- Comisión de valoración para la concesión de talleres.

Para la evaluación y selección de las solicitudes presentadas, se constituirá una comisión de valoración formada por:

· Presidente: El Presidente de AVAM, o persona con cargo de la junta directiva de AVAM en quien delegue.

· Tres vocales:
- El Director General de Proyectos Culturales del Área de Las Artes del Ayuntamiento de Madrid, o persona en quien delegue.
- La Directora de AVAM, o persona en quien delegue.
- Un Artista, de reconocido prestigio, designado por la comisión de seguimiento AVAM/Área de las Artes del Ayuntamiento de Madrid.
- Secretario: La Coordinadora de AVAM, con voz y sin voto.

El Presidente de la comisión de valoración ostentará el voto de calidad.

Una comisión técnica integrada por 2 técnicos de AVAM, y 2 técnicos del Área de las Artes asesorará a la comisión acerca de la viabilidad de las solicitudes, en base a la naturaleza del trabajo o proyecto a realizar y de acuerdo con las características espaciales y técnicas de los talleres.

La comisión de valoración de las solicitudes podrá entrevistarse con los solicitantes o recabar información complementaria de los mismos, con el fin de poder desarrollar mejor las funciones que le han sido encomendadas.

La decisión de la comisión de valoración será inapelable.



5.- Plazo de resolución de la convocatoria.

La Comisión de valoración examinará y evaluará las solicitudes y la documentación presentada de acuerdo a los criterios que se establecen en el punto 6 de la presente convocatoria.

Una vez valoradas las solicitudes, la comisión de valoración emitirá el resultado en el plazo máximo de 30 días, contados desde el día que finalice el plazo de presentación de las solicitudes.

Finalmente la comisión elaborará un listado con los artistas seleccionados, estableciendo para ello un calendario de ocupación de los talleres durante el periodo comprendido entre el 1 de enero de 2012 y 31 de marzo de 2013, ambos incluidos, así como una lista de espera para casos de renuncia.

La resolución será comunicada a cada uno de los solicitantes seleccionados por escrito y se dará a conocer por medio de www.avam.net



6.- Criterios de valoración.

La Comisión de valoración tendrá en cuenta, a la hora de valorar las solicitudes, los siguientes criterios:

- Calidad y coherencia de la trayectoria profesional o del proyecto a desarrollar.
- Necesidades espaciales y técnicas para el desarrollo del trabajo en base a las condiciones físicas de los talleres.



7.- Seguimiento del uso de los talleres y obligaciones de las personas beneficiarias.

Para realizar un correcto seguimiento de los talleres, informar a la comisión de seguimiento AVAM/Las Artes, e incorporar la información en la memoria anual del programa TALLERES AVAM, un responsable de AVAM realizará entrevistas periódicas personales a los artistas usuarios de los talleres.

Los artistas y/o colectivos seleccionados en esta convocatoria se comprometen a:

1. Aceptar la resolución de la comisión de valoración. Para ello, deberán comunicar por escrito la aceptación del taller concedido en el plazo de 5 días hábiles, contados a partir de la notificación de adjudicación temporal de taller. De no ser así, se entenderá que el artista renuncia, por lo que se entenderá decaído en su derecho, pudiendo concederse el taller al suplente que figure en primer lugar, y así sucesivamente.

2. Cumplir las normas generales y particulares de los talleres, de acuerdo con horarios, calendario, y las instrucciones de AVAM, además de mantener un comportamiento cívico en la convivencia y provechoso en los talleres.

3. Desarrollar su trabajo en el plazo y condiciones previstas en la convocatoria. En caso contrario, la autorización de uso de los talleres podrá ser revocada automáticamente por AVAM.

4. Abonar a AVAM el coste de uso del taller dentro de los cinco primeros días de cada mes, mediante domiciliación bancaria.

5. Rembolsar a AVAM mensual o bimensualmente, según el caso, el gasto corriente de agua y electricidad.

6. Utilizar el espacio de los talleres exclusivamente para dar cumplimiento a los fines comprendidos en estas bases. Cualquier cambio de destino o de uso de los talleres dará lugar a la resolución automática de la autorización de uso de los talleres. En ningún caso el taller podrá tener otro uso que el de espacio destinado a la producción artística; no estando autorizado su uso como almacén, depósito, vivienda, espacio de exposición, centro de reunión; etc.

7. Respetar las instalaciones, tanto del taller como de los espacios comunes, haciéndose cargo de la fianza correspondiente, que será devuelta una vez haya concluido el periodo de utilización y verificado el buen estado de las instalaciones. Si fuera necesario por parte del artista beneficiario pintar, agujerear o realizar cualquier otra modificación del espacio durante su uso, es necesario solicitar el permiso específico para tal fin, asumiendo éste su recuperación posterior. A término de contrato, será obligatorio y responsabilidad del artista, dejar el espacio limpio y recogido, hacerse cargo de la basura generada, no dejar mobiliario personal ni restos materiales u otros objetos. En caso contrario se valorara económicamente el deterioro del espacio, y su recuperación se realizará con cargo a la fianza. Si ésta no fuera suficiente para cubrir los daños, se requerirá la cuantía correspondiente.

8. Permitir la entrada al taller a los profesionales por indicación de AVAM para realizar reparaciones urgentes y necesarias o de mantenimiento del espacio.

9. Colaborar con AVAM para la realización de actividades específicas organizadas con el objetivo de fomentar la convivencia de los talleres con el vecindario.

10. Participar con el asesoramiento y coordinación de AVAM, en las actividades destinadas a mostrar los procesos de producción desarrollados en los Talleres AVAM 2012-2013, a los profesionales del ámbito cultural (críticos, comisarios, gestores, directores y técnicos de espacios expositivos y museos, técnicos de la administración en materia cultural, periodistas culturales de medios generalistas y especializados, etc.).

11. Autorizar a AVAM a mostrar una parte o la totalidad del proyecto o trabajo realizado por los artistas beneficiarios de los talleres, de común acuerdo con los mismos, a través de su página web y en sus memorias anuales.

12. Citar TALLERES AVAM 2012-2013 en caso de la difusión y divulgación de la obra producida en los talleres, mediante la fórmula: "El presente proyecto ha sido realizado en los TALLERES AVAM 2012-2013".
Las personas o colectivos seleccionados en esta convocatoria no estarán autorizados a:

1. Destinar los talleres a fines distintos a los contemplados en estas bases.

2. Ceder o facilitar el uso del taller a persona o entidad distinta a la autorizada.

3. Realizar trabajos que necesiten el uso de productos tóxicos, maquinaria industrial que genere ruidos por encima de lo permitido o supongan un peligro para el espacio y el propio artista. Esta norma se encuentra sujeta a las condiciones de seguridad y físicas de los talleres.

Quedará sin efecto, la autorización de uso de los talleres, previa audiencia al interesado, cuando el beneficiario incurra en alguna de las siguientes causas:

- No realizar la actividad que motiva la autorización de utilización del taller.

- Incumplir sin causa que lo justifique las condiciones establecidas en la presente convocatoria.



8.- Devolución de la documentación presentada por los solicitantes.

Para la devolución por correo postal de la documentación enviada, se deberá incluir un sobre de tamaño adecuado y correctamente franqueado, con la dirección postal en la que se desee recibir, o bien acudir a la oficina de AVAM, en horario de 10 a 14 horas, durante los 30 días hábiles posteriores a la comunicación del fallo. Transcurrido ese periodo de tiempo, AVAM no se hará responsable de la documentación depositada.



9.- Interpretación y aceptación de las bases.

Cualquier duda que pueda surgir en relación a la interpretación de estas bases será resuelta por AVAM.

La participación en la presente convocatoria supone la aceptación plena de las normas que la regulan. El incumplimiento de cualquiera de las obligaciones que se fijan en las presentes bases supone la suspensión inmediata del acuerdo, con independencia de la responsabilidad a que pudiera dar lugar.



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AVAM - Artistas Visuales Asociados de Madrid
Paseo de la Chopera 14
28045 Madrid
Tel. /Fax: 913913293
correo@avam.net
www.avam.net

Octubre 14, 2011

Posgrado on-line UOC: Artes, medios digitales y cultura popular UOC-LABoral

Imagen_acompanamiento_w3art_u.jpgFormación de posgrado 2011-2012
Programas de Cultura Digital en la UOC
Últimos días de matrícula. Inicio de curso: 19 de octubre
www.uoc.edu/masters

El posgrado en Artes, medios digitales y cultura popular UOC-LABoral ofrece las bases para comprender y analizar los cambios y transformaciones en la relación entre cultura y sociedad y aporta conocimientos clave sobre las nuevas producciones artísticas y culturales contemporáneas transformadas por las tecnologías de la información y comunicación, el dinamismo de las industrias culturales y los procesos de globalización.

La complejidad y la gran velocidad de los cambios en la cultura actual obliga a realizar una aproximación que sea capaz de aunar las perspectivas académica y profesional en las instituciones, industrias y sistemas culturales. En el contexto de los cambios y las transformaciones de la cultura en la Sociedad del Conocimiento es fundamental generar herramientas de análisis adecuadas para investigar, desarrollar e innovar en el ámbito social y cultural.

Este posgrado ofrece una formación que integra diferentes perspectivas de análisis para comprender e innovar en la relación de la cultura con la sociedad, la tecnología, la economía, los medios de comunicación y las artes. Para ello contaremos tanto con los estudios de caso más relevantes como con la colaboración de destacados especialistas del mundo de las artes y la cultura, la investigación, los medios o la industria, analizando en tiempo real aspectos que trabajaremos a nivel teórico, metodológico o práctico.

El programa se enmarca en el ámbito profesional de las artes y las humanidades, así como la comunicación avanzada, pero a la vez entra en clara conexión con el contexto de las industrias creativas y la gestión cultural. El curso se dirige, pues, tanto a los investigadores interesados en el estudio de las artes y la cultura en el mundo actual como a los profesionales y los creadores que trabajan en torno a las artes, la cultura, los medios de comunicación y las industrias creativas.


Este Posgrado consta de dos especializaciones:

- Cambios en cultura y sociedad UOC-LAboral

- Arte y cultura digital UOC-LABoral

Dirección académica: Pau Alsina

Octubre 11, 2011

EN EL PRIMER CÍRCULO. UN PROYECTO DE IMOGEN STIDWORTHY

Primercirculo_u.jpgComisarios: Paul Domela e Imogen Stidowrthy

Artistas: Caroline Bergvall, James Colemanm, Phil Collins, Jasper Coppes, Danica Dakić, Thierry De Cordier, Fernand Deligny, Werner Feiersinger, Andrea Fisher, Dominique Hurth, Christopher Knowles, Aglaia Konrad, Rashid Masharawi, Paul McCarthy, Asier Mendizabal, Rabih Mroué, Palle Nielsen, Willem Oorebeek, Bas Princen, Alejandra Riera, Salome Schmuki, Imogen Stidworthy, Antoni Tàpies, Matthew Tickle, Hajra Waheed, Wang Bing

Fundació Antoni Tàpies, Barcelona. Hasta el 5 de febrero de 2012 - www.fundaciotapies.org

La exposición En el primer círculo pone en relación algunos trabajos de Imogen Stidworthy con las obras de veinticinco artistas contemporáneos, entre ellos Antoni Tàpies. El conjunto de obras, seleccionadas por el comisario Paul Domela y por la misma Stidworthy –que participa en el proyecto como artista y comisaria a la vez– trazan una cartografia a través de la cual se despliega una reflexión extendida sobre el hecho linguístico, en la que se exploran aspectos como los encuentros y los conflictos de comunicación que genera el lenguaje, y los malentendidos provocados por la transferencia de significados entre lenguas, así como las ideas de opacidad y de resistencia relacional. El lenguaje impregna la exposición a través de imágenes, materiales, gestos y documentos. El título de la exposición hace referencia a la novela homónima de Aleksandr Solzenicyn (1968).

En el primer círculo es la segunda fase del proyecto Die Lucky Bush, exposición de Imogen Stidworthy realizada en diálogo con Paul Domela y Edwin Carels (comisario, MuHKA) en el Museo de Arte Contemporáneo de Amberes en 2008. En respuesta a una invitación con carta blanca para realizar una exposición en la primera planta del museo, Stidworthy utilizó su instalación I Hate (Documenta 12, 2007) como punto de partida para realizar una muestra que abordaba cuestiones como la voz y el lenguaje con trabajos de una treintena de artistas. Ambas exposiciones se pueden considerar como una extensión de su práctica artística, pues cada una forma un paisaje de trabajos que tratan y plasman encuentros, conexiones y conflictos entre lenguajes.

Paul Domela es director de programas de la Bienal de Liverpool. Es cofundador de la European Biennial Network, miembro de las juntas directivas de la Escuela de Arte y Diseño de Liverpool, de la International Foundation Manifesta, de la Biennial Foundation y del International Curators Forum, y participa igualmente en la publicación Art and the Public Sphere.

Imogen Stidworthy es una artista que realiza vídeos, obras sonoras e instalaciones sobre aspectos del lenguaje como el sonido de la voz, la pérdida y la adquisición del lenguaje, así como los procesos de traducción. Su obra ha formado parte de exposiciones importantes como Documenta 12 (2007), y recientemente ha presentado muestras individuales en Arnolfini (Bristol), Galerie Akinci (Ámsterdam) y Matt’s Gallery (Londres).


Comentarios a las obras que conforman la exposición, a cargo de Paul Domela e Imogen Stidworthy:


CAROLINE BERGVALL - via (48 traducciones de Dante), 2000
(10 min 2 s, audición continua)

En via (48 traducciones de Dante), Caroline Bergvall despliega 47 traducciones al inglés del terceto que abre el Infierno de Dante Alighieri, conforme su orden de archivamiento en la British Library hasta mayo de 2000. Dante se aproxima al primer círculo del infierno, acompañado por Virgilio que le hace de guía. Las traducciones están ordenadas alfabéticamente y van seguidas del nombre del traductor y la fecha de traducción; esta simple regla permite una cadencia de repetición y variación que frustra nuestras ansias de progresión. Cada traducción es un fragmento de la historia de la literatura, lo cual saca a la luz hasta la más ínfima variación entre las distintas interpretaciones culturales. La claridad de las propias palabras se ve perturbada por el débil sonido de los fractales vocales, canibalizados a partir de la voz de Bergvall: la variación 48.


JAMES COLEMAN - Pato–conejo, 1973

James Coleman reflexiona sobre la naturaleza de la percepción y de la imagen. La imagen del pato-conejo de ambivalente percepción no es ambigua, pero es una, por así decir, «imagen bi-estable». No existe una realidad verdadera o falsa de la imagen, sólo un cambio en lo que vemos. Ludwig Wittgenstein estableció una célebre distinción entre ver algo y ver algo como; vemos al pato o al conejo, pero no a ambos a la vez. Para Coleman, «se trata claramente de dos imágenes, las ambigüedades son el resultado de la percepción que insiste en resolver dichas imágenes». Al proyectar la imagen como una serie de diapositivas, nos obliga a realizar cada vez un nuevo visionado.


PHIL COLLINS - Zašto ne govorim srpski (na srpskom) (Por qué no hablo serbio), 2008 (36 min, proyección continua)

El trabajo de Phil Collins a menudo plantea la pregunta «¿Qué significa hablar?». ¿Cómo conforma el lenguaje la experiencia, y qué significa que el lenguaje se vuelva tabú o que se renuncie a él? Esto es lo que le ocurrió al serbocroata tras la guerra de Kosovo. Collins pide a una amplia muestra de personas que describan sus experiencias en el idioma que han estado reprimiendo durante varios años. Su documental remite al cinéma vérité y al cine de la era yugoslava. Nos induce, en particular, a escuchar, a oír cualquier matiz de jadeo o vacilación. Como contrapunto, vemos secuencias de los campos de refugiados de 1999 –el momento histórico que los personajes de la película están discutiendo.


JASPER COPPES - Александр Солженицын, В Круге Первом. Роман. Москванаука (Alexandr Solzhenitsyn, En el primer círculo. Novela. Moscú: Nauka), 2011

Para Jasper Coppes, la simulación es una estrategia en el ámbito de las intervenciones escultóricas para cuestionar cómo definimos los objetos y los espacios, y cómo nos relacionamos con ellos. Aquí ha insertado una página en un libro, prestando minuciosa atención a la imitación precisa, con el fin de camuflar su presencia. La inserción de una ficción en otra juega con la fusión de figura y fondo, su presencia como una obra de arte casi indetectable. Coppes no está tan interesado en el descubrimiento o la ocultación, como en una manera de activar una cuestión ontológica.


THIERRY DE CORDIER - Gargantúa, 1996

Gargantúa incorpora cabello humano, un trozo de plato, pedazos de cuero y tela cosidos entre sí y formando una bola. En La vida muy horrorosa del gran Gargantúa, padre de Pantagruel de Rabelais (1534), Gargantúa es un gigante grotesco que dedica su tiempo a comer, defecar y fornicar. En aquel entonces, la novela adquirió notoriedad por su humor crudo y subido de tono, aunque también dio a luz un nuevo lenguaje, y muchas de las palabras inventadas por Rabelais acabaron incorporándose al lenguaje cotidiano. Gargantúa de De Cordier restringe este nacimiento del lenguaje, devolviéndolo a una forma primordial y comprimida al extremo, a un mundo que se niega a nacer, o se mantiene en silencio.


DANICA DAKIĆ - Emily, 2010 (4 min 27 s, proyección continua)

Danica Dakić se interesa en los aspectos corporales y políticos del lenguaje y la identidad. En Emily, diversas formas de lenguaje se encuentran en un contexto de aprendizaje. Vemos a una chica recibiendo una lección de lenguaje de signos y escuchando la voz de su maestro, que alterna instrucciones y alabanzas. Oímos cómo las instrucciones acusmáticas perfeccionan su gramática espacial y la fonología de las manos, y enlazan la expresión facial con la ubicación y el movimiento. La imagen es un primer plano que atrae nuestra atención hacia el enfoque de sus ojos en el punto ciego de nuestra propia posición parcial –entre lo sonoro y lo visual.


FERNAND DELIGNY (varios autores)

A principios de la década de los sesenta, el educador francés Fernand Deligny fundó una comunidad para niños autistas en el pueblo abandonado de Monoblet (Cévennes, Francia). El pensamiento y los escritos de Deligny se basan en sus experiencias de convivencia con los niños, en especial en la relación de éstos con el lenguaje (algunos de ellos no tenían siquiera un lenguaje). El pueblo no era un lugar de tratamiento o investigación, sino un espacio para vivir, y los niños y adultos llevaban a cabo juntos las tareas de la vida cotidiana. Deligny y otros adultos elaboraron mapas de los movimientos de los niños mientras ejecutaban sus tareas o vagaban por el campo. Estos mapas no estaban pensados para el análisis, sino como herramientas para la concentración: una forma de ser-en-relación, sin tratar de comprender. Fueron también estratégicos para decidir dónde colocar la mesa de cocina con respecto al fregadero, o la despensa de madera con respecto a la tabla de cortar. Así, la organización del pueblo respondía a la condición y a las necesidades de los niños.


WERNER FEIERSINGER - Sin título, 2010; Sin título, 2010

Las esculturas de Werner Feiersinger pasan por un intenso proceso de reducción, refinamiento, mezcla y modelado, para lograr cierta economía de la forma. Se parecen a objetos cotidianos, tales como herramientas, mobiliario urbano y detalles arquitectónicos. El interés de Feiersinger en la arquitectura y el diseño modernistas y en la escultura minimalista influye profundamente en su lenguaje formal, pero hay algo en su pura claridad que resulta irónico, incluso engañoso. Trabaja meticulosamente a mano la apariencia de un objeto industrial. La escultura sugiere funcionalidad del mismo modo que un nombre designa un objeto –tal vez, aquí, un tobogán, una langosta o un cepillo para zapatos–. A veces lúdicas, otras amenazantes, las esculturas nos recuerdan algo, pero no está claro el qué. Feiersinger sondea nuestro sentido del reconocimiento, multiplicando las asociaciones.


ANDREA FISHER - Inscripción, 1994

Andrea Fisher aborda la duplicidad de la imagen fotográfica en su representación de los horrores de la guerra y el genocidio. Se apropia de imágenes documentales que hablan del sufrimiento humano y las cosecha para lograr una visceralidad que no se preste a ninguna ambigüedad de lectura. Al mismo tiempo, esto es también una reescritura, una reinscripción en la memoria de un indeleble cuerpo dolorido, en contra del distanciamiento temporal y el orden histórico. El cuerpo lacerado remite a la barra de metal truncada que atraviesa la estancia, que nos separa de la autoridad de la imagen y que nos confronta con la imposibilidad de la traducción. Fisher ha aludido a la asimbolia, la pérdida del lenguaje para aprehender el significado de signos y símbolos y de nuestras experiencias en el mundo.


DOMINIQUE HURTH - Futuros suprematistas fallidos, 2010

Dominique Hurth se interesa en el encuadre de objetos y eventos en documentos, archivos y exhibiciones. En 1987, el aviador alemán Mathias Rust esquivó la defensa aérea soviética y aterrizó en la Plaza Roja. Su hazaña fue interpretada en el Oeste como un acto de crítica política, mientras que en el Este dañó irreparablemente la reputación de los militares, ayudando a Gorbachov a sacar adelante sus reformas. La supuesta intención de Rust de construir un puente imaginario tuvo consecuencias imprevistas. Futuros suprematistas fallidos toma una fotografía de prensa del aterrizaje para cuestionar el vínculo entre la imagen y su causalidad.


CHRISTOPHER KNOWLES - Diseños y nombres, 1980

Christopher Knowles es un poeta y artista cuyo discurso se caracteriza por una sintaxis y un ritmo inusuales. En sus poemas y obras vocales, Knowles cambia aleatoriamente el orden de las palabras para crear extensas y múltiples variaciones de un tema. Su excepcional capacidad de organización matemática es característica del autismo, que le fue diagnosticado cuando era niño. En sus «mecanografías», las letras y las palabras se organizan en complejas secuencias matemáticas, dibujando formas e imágenes de carácter geométrico.


AGLAIA KONRAD - Hormigón y muestras iii Carrara, 2010 (19 min 23 s, proyección continua)

Las fotografías de ciudades y aglomeraciones urbanas de Aglaia Konrad tratan del tiempo, el carácter y las infraestructuras de la ciudad. Sus imágenes de la arquitectura adquieren también una dimensión escultórica. En el silencioso escrutinio de las formas de Hormigón y muestras iii Carrara, los espacios y la luz de la famosa cantera de mármol son examinados con una intensidad casi tierna. Con sus vertiginosos acantilados y sus profundidades rocosas, el lugar parece hostil, incluso infernal. Mediante el uso de vistas aéreas y fotogramas, se describe una forma de protoarquitectura, compuesta por una combinación de efectos naturales y humanos. Las torres, terrazas, fachadas y aperturas reflejan la geología, el clima, dos mil años de explotación de las canteras y de cambios en las condiciones técnicas, económicas y artísticas.


RASHID MASHARAWI - Esperando, 2002
(14 min 47 s, proyección continua)

El cineasta palestino nació en el campamento de refugiados de Shati, en 1962. Sus películas comienzan a menudo con una realidad documental desarrollada a través de una línea narra¬tiva ficticia, que destaca con gran intensidad las condiciones de vida de los palestinos. El cortometraje Esperando se filmó durante la sesión de cásting del largometraje Esperando (2005); en ella, Masharawi busca a actores para un nuevo Teatro Nacional Palestino en Gaza, que será construido por la Unión Europea. Masharawi viaja a los campamentos de refugiados para pedir a los aspirantes a actores que representen la espera. Experimentamos su frustración, ya que todos se esfuerzan por escenificar su vida cotidiana, pese a su deseo de contar otra historia.


PAUL MCCARTHY - Bocadillo de ketchup, 1970-2011

En esta obra Paul McCarthy invierte el cubo, el símbolo por excelencia del minimalismo, del vacío etéreo a un corpus visceral que rezuma consumo. Una pila de placas de vidrio desprende ketchup de entre sus capas. Es su primer trabajo con ketchup, una toma doble de sabor. Transparencia de nobles principios junto con la banalidad de una salsa de tomate de marca. Ketchup Sandwich (bocadillo de ketchup) es una expresión coloquial que alude a lo que una familia americana puede comer cuando no hay nada más en casa. McCarthy se refiere también a los efectos especiales; pensamos en la sangre, pero como él mismo ha señalado es salsa de tomate, y deberíamos ser capaces de apreciar la diferencia.


ASIER MENDIZABAL - Sin título (Sin título, Kalero), 2009

Esta configuración de fotografías documentales y elementos escultóricos nos remite a un momento de «mala interpretación» en el parque de una ciudad vasca. A consecuencia de una decisión judicial, la policía confundió una escultura modernista con un monumento en memoria de un miembro de eta. La obra representa los fragmentos que quedan tras su sumaria destrucción, la elocuencia muda del pedestal vacío de hormigón y de las piezas de acero despedazado –los escombros resultantes del paso del espacio estético al ideológico.


RABIH MROUÉ - Casa antigua, 2006
(1 min 15 s, proyección continua)

Las performances, el teatro y la obra videográfica de Rabih Mroué abordan la controvertida historia de la guerra civil libanesa y el papel de la ficción y la memoria personal en la consti¬tución de la «verdad». En Casa antigua, la demolición de una casa se proyecta hacia delante y hacia atrás, como una réplica de la meditación de Mroué acerca de la alternancia entre la memoria y el olvido. Se nos recuerda la estructura espacial y relacional de la memoria plas¬mada en el tejido urbano de una ciudad. El lenguaje y la memoria tienen una arquitectura. Frente a la reconstrucción de Beirut, se encuentra la irreversible pérdida de memoria a raíz de la demolición de la ciudad, y la imposibilidad de olvidar a los muertos.


PALLE NIELSEN - The Høje Gladaxe adventure playground, 1969

La fotografía documenta una acción autónoma de Palle Nielsen con padres y residentes de Høje Gladsaxe, Copenhague, para construir un parque infantil en un barrio de nueva planta para el que no se ha planeado ninguna instalación lúdica. Como artista especializado en áreas de juego, Nielsen ha trabajado a menudo con colectivos y activistas para dar forma a diseños mediante los cuales trata de establecer un modo distinto de comunicación, especialmente entre adultos y niños. Al liberar el juego de sus recintos cerrados, esta comunicación llevaría a una sociedad cualitativamente diferente, más igualitaria y democrática.


WILLEM OOREBEEK - Desvanecimiento de Babel, 2003

Willem Oorebeek se interesa por el material impreso. En su serie «Desvanecimiento», retira de la circulación imágenes encontradas y les añade una capa de tinta negra, que a un tiempo destruye y conserva la imagen. En el episodio bíblico, Dios castiga la audacia y confunde su poder partiendo el lenguaje –de una a muchas lenguas. Desvanecimiento de Babel lleva una reproducción de una pintura de Breughel hasta el límite de la invisibilidad. Mientras buscamos Babel, nos convertimos en parte de un juego de apariencias, con los ojos yendo de un lado para otro entre capas de imágenes. El desvanecimiento del grabado transforma una ventana que ofrecía una vista de una torre en una sutil estratificación de capas de tintas, un topología de minúsculas diferencias. Hay que mirar de cerca. Debajo de la tensa piel de la imagen buscamos restos figurativos, restos que se revelan el juego de la luz sobre su superficie.


Jon Thompson mirando “Las torres de Babel”: desvanecimiento, 2006
(4 min 46 s, proyección continua)
Mientras documentaba su exposición Bigger, Higher, Leader! (s.m.a.k., Gante, Bélgica, 2006), Willem Oorebeek vio que su amigo Jon Thompson, el artista y escritor, miraba la obra Las torres de Babel: desvanecimiento. La obra consiste en cinco copias de la pintura de Breughel, sobreimpresa de manera similar en litografía en offset. Las minúsculas diferencias en el papel y la tinta offset de cada reproducción afectan al modo en el que se absorbe la nueva capa de tinta, creando diferencias entre las imágenes. La cámara sigue a Thompson mientras mira la superfície de cada imagen, antes de pasar de una a otra.


BAS PRINCEN Reja ii, 2009, y Valle (Jing’an), 2007
Bas Princen observa el nuevo paisaje urbano.

Su forma de encuadrar, manipular y recompo¬ner la imagen apunta a la ambigüedad que subyace a nuestras suposiciones acerca de lo dado y lo fabricado, lo que se construye y lo que se destruye. Princen se formó como arquitecto y, conceptualmente, sus fotografías están a menudo vinculadas a determinadas referencias arquitectónicas y urbanas que conforman el corpus de la profesión de arquitecto. Por otra parte, podemos leer sus fotografías en cuanto que constituyen los sitios y lugares que aparecen en la imagen, extraídos de los procesos sociales, culturales y económicos que los atraviesan y los sustentan.


ALEJANDRA RIERA Documentar la contemporaneidad del arte.
Un año a la escucha de las vibraciones
, 2011

Alejandra Riera trabaja en la intersección de la fotografía, el documental y el arte. Sus presentaciones suelen tener la calidad procesual e incompleta del gesto como una forma, incluyendo críticas en primera persona que se nutren de teoría y filosofía. En el texto Un año a la escucha de las vibraciones, reflexiona sobre una propuesta realizada por un grupo de artistas para grabar un programa de radio sobre el mutismo, en un intento de llevar el medio hasta sus límites. El rechazo de esta aparente imposibilidad por la emisora de radio abre una serie de preguntas para Riera, que exploran contradicciones tales como el sonido de la firma, el mutismo de la pantalla en el cine y la censura del silencio.


SALOME SCHMUKI - En el primer círculo, cuaderno, 2011

En el trabajo de conceptos de la legibilidad, Salome Schmuki investiga aspectos de la tipo¬grafía que influyen en la lectura y sus procesos, y toma en consideración las dificultades a las que se enfrentan los lectores disléxicos. Ha aplicado sus ideas en el diseño y la maquetación de un cuaderno para En el primer círculo que contiene textos e imágenes relacionados con la exposición, así como más información sobre su proyecto alrededor de la dislexia. El cuaderno está a la venta en la librería. Además, una de las fuentes tipográficas que ha utilizado aparece en el cartel y la invitación de la exposición.


IMOGEN STIDWORTHY - Sacha, 2011 (5 min, proyección continua)

Sacha reflexiona sobre la forma en que se nos lee y se nos posiciona en el espacio social, a través de la escucha. Vemos a Sacha van Loo, un analista de escuchas telefónicas de la policía de Amberes, descifrando una grabación de voz. Habla con fluidez siete idiomas y reconoce cientos de acentos y dialectos. Su poder auditivo se debe en parte a su ceguera, que canaliza su conocimiento del mundo principalmente a través del sonido. La escucha es la condición de su ser. Es receptiva y empática, una inmersión sensible en las sutilezas de las personas y de los lugares; o, en su trabajo de vigilancia, un medio de control. En el proceso burocrático de determinar la culpabilidad o la inocencia, la escucha penetra, anulando las fronteras entre lo público y lo privado para identificar a los sujetos.

La obra v03, 2011 (4 min, audición continua)
La obra v03 aborda la transmisibilidad de la experiencia. Escuchamos las voces de dos veteranos de guerra que lucharon en las Malvinas, en Irak y en Bosnia; ambos sufren un trastorno de estrés post-traumático (tept). Escuchamos las palabras de la esposa de uno de ellos, cuya vida está dominada por la deshabituación de conflictos remotos. Sus palabras son conducidas a través de transductores hasta materiales físicos, de modo que el mismo material hace de resonador: los componentes de una lámina de vidrio antiexplosivos y las piezas sin montar de una instalación temporal de una antena parabólica. El estado fragmentario de estas herramientas de protección y comunicación halla su reflejo en las palabras intermitentes emitidas por los altavoces que soportan nuestra imagen del conflicto.


Topografía de una voz, 2008–2009

Topografía de una voz intenta describir un acento, el scouse, con el que se habla en Liverpool (Reino Unido). Se representan doce grabaciones de la frase scouse «Get here!» (¡Ven aquí!) a través de distintas formas de transcripción. Cada transcripción es parcial, condicionada por los términos de la traducción: espectrogramas (ondas digitales que registran los decibelios, la longitud de onda y la duración), el ipa (alfabeto fonético internacional), los comentarios de los hablantes y las explicaciones de un entrenador de voz profesional. Entre líneas, podemos atisbar los estereotipos no escritos. Por el contrario, los hablantes –habitantes del lugar, actrices e inmigrantes recién llegados– modulan y habitan el sonido a su manera, desafiando las presuposiciones acerca de la relación entre geografía, voz y sujeto.


ANTONI TÀPIES - Craneo 376, 1987

Craneo 376 tiene una cierta carencia de forma, como si se derrumbara bajo su propio peso, empujando el cráneo hacia la mandíbula. Se ha estampado en él el número 376, sugiriendo un catálogo de los que siguen a la espera de ser identificados. Percibimos dos marcas adicionales: una cruz colocada en un cuadrado aparece grabada en la superficie y un hueco penetra en diagonal a través de la parte frontal, como si se tratara de una herida de ejecución. Tàpies emplea la alusión para despertar nuestras asociaciones y ampliar nuestro conocimiento. Recordamos sus estudios de budismo y su uso frecuente de la cruz. El cráneo vehicula la meditación sobre la muerte, pero este cráneo es también una señal para los muertos, que nos remite a la excavación del silencio, a los muchos que están pendientes de recuento.


MATTHEW TICKLE - Quiasmo, 2003

El quiasmo es una figura retórica en donde el orden de las palabras de la primera frase se invierte en la segunda para crear un nuevo sentido. En Quiasmo se alude a la simetría entre las posiciones de cuatro unidades de flash fotográfico y a la geometría del quiasmo óptico, la parte del cerebro donde los nervios ópticos se cruzan parcialmente. Las unidades se conectan a un contador Geiger, que dispara un flash cuando es golpeado por una partícula de radiación de fondo, haciendo visible lo invisible. La corriente de detección se produce de forma totalmente aleatoria, mientras que nuestro deseo de orden proyecta ritmos esporádicos y, a la velocidad adecuada, mensajes codificados. Quiasmo crea una cadena de acontecimientos a partir del momento en que el sensor detecta una partícula hasta que el ojo la recibe, implicándonos como sujetos constituyentes.


HAJRA WAHEED - Estudios arquitectónicos, 2011

El interés de Hajra Waheed en los códigos y las operaciones de seguridad y vigilancia surge, en parte, del hecho de haberse criado en el complejo residencial de Saudi Aramco. En Estudios arquitectónicos, hay elementos del dibujo que se refieren al avión espía U-2 derribado sobre territorio ruso el 1 de mayo de 1960, combinando números de serie y detalles recortados de aviones impresos en Mylar, y planos de planta de 16 mezquitas históricamente importantes impresos en papel avejentado. Parece que estemos contemplando documentos históricos, fusionando lo real con lo imaginario. Los U-2 no sólo llevaban a cabo misiones de vigilancia visual, sino también auditiva, durante las cuales registraban los datos en una cinta Mylar; nos vienen a la mente zumbidos, y la política global contemporánea resuena a través de los intrincados detalles y las conexiones diagramáticas.


WANG BING - Hombre sin nombre, 2009
(97 min, proyección a las 10.15, 12.00, 13.45, 15.30 y 17.15 h)

El documentalista Wang Bing sigue durante cuatro estaciones la vida de un hombre que vive en una morada semejante a una cueva, al margen de la sociedad. No habla ningún idioma. Lo vemos extendiendo una pequeña cosecha sobre una parcela de tierra, preparando una comida, recogiendo estiércol; parece sustentarse en un precario modo de vida. Un poderoso sentido del tiempo terrestre impregna cada uno de sus actos, aparentemente indiferentes a cualquier tipo de sociabilidad. El tiempo se convierte en materia, y Wang nos sintoniza con esta veloci¬dad, que evoca sutiles divergencias entre lo que vemos y lo que proyectamos.



Departamento de prensa y comunicación
AlexandraLaudo
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[En el primer círculo. Un proyecto de Imogen Stidworthy. Fotografía: Núria Solé. © Fundació Antoni Tàpies, 2011-2012.]

Octubre 10, 2011

MÁSTER DE COMISARIADO

IMG_4679_u.jpgTipología y horario: título propio, presencial, viernes de 16:00 a 20:00 y sábados de 10:00 a 14:00 h.
Duración: noviembre 2011 - noviembre 2012. 60 créditos ECTS
Precio: 5.667,09€ [se ofertarán 4 becas de media matrícula]
Profesores: Peio Aguirre, Juan Antonio Álvarez Reyes, Montse Badia, Juan Bosco Díaz Urmeneta, Estrella de Diego, Olga Fernández, Anna Mª Guasch, Carles Guerra, Javier Hontoria, Fernando Infante, Ana Martínez Collado, Neus Miró, Inmaculada Murcia, Manuel Olveira, Luis Puelles, Esther Regueira, Miguel Ángel Rivero, Rocío Robles, Manuel Segade
Organizan: Universidad Internacional de Andalucía y Centro Andaluz de Arte Contemporáneo
Colabora: Royal College of Art, Londres
Más información: Tlf: 955037083/ www.caac.es

INFORMACIÓN SOBRE PREINSCRIPCIÓN

Hasta ahora no se impartía en España ningún Máster en Comisariado que pudiera compararse a los principales modelos internacionales que se desarrollan en Europa y Estados Unidos. Este es, por tanto, el primer Máster de estas características dirigido principalmente a un público de habla hispana, organizado conjuntamente por una universidad y un centro de arte -lo que permite aunar las enseñanzas teóricas y prácticas-, además de sumar la experiencia en este campo de una de las instituciones internacionales pioneras en el sector. Así, se combinan tres aspectos fundamentales: en primer lugar, la especialización en las tareas necesarias para el desarrollo de la actividad comisarial, incluyendo un fuerte acento en la especificidad de la profesión. En segundo lugar, la ampliación de conocimientos en torno al arte contemporáneo y los discursos que lo interpretan. Y por último, la realización de proyectos prácticos de comisariado en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo.

El inicio de la formación académica en torno a la práctica del comisariado contemporáneo data de principios de los 90 (el Whithey’s Curatorial Program en 1991 y el Royal College of Art’s Curating Contemporarry Art MA en 1992, seguidos por Bard College’s Center for Curatorial Studies y el Appel’s Curatorial Training Programme en 1994). Este desarrollo coincide con las transformaciones que tienen lugar en el campo artístico en relación con un nuevo panorama económico, caracterizado por la llamada economía de servicios y el auge de las industrias culturales. En este escenario, el crecimiento del número de las exposiciones temporales provocó que éstas se convirtieran en un medio fundamental para el arte contemporáneo.

A lo largo de las dos últimas décadas en España, ciudades y autonomías se han ido dotando de infraestructuras específicas, construyendo museos y centros de arte contemporáneo. Sin embargo, el necesario esfuerzo dedicado a los "contenedores" no ha ido acompañado de una igualmente necesaria atención a los "contenidos". Urge, por tanto, completar el esfuerzo realizado a nivel de infraestructuras y empezar a dotar a estos centros de profesionales actualizados, que sepan de arte y sus discursos, pero también del mundo del arte, que se hayan ejercitado en las habilidades profesionales, sociales y de gestión que todo comisariado requiere, así como en la resolución de problemas de orden práctico que toda exposición origina. Es importante asimismo que los nuevos comisarios estén al día en la reflexión contemporánea en torno a la recepción, al trabajo en contextos locales y a la creación de públicos y contrapúblicos. Un Máster en Comisariado de Arte Contemporáneo, hasta ahora inexistente en España, con vistas a formar a un nuevo tipo de profesionales dentro del sector artístico, se dibuja por tanto como una necesidad.


[Montaje de la obra de Olafur Eliasson, Your welcome reflected, 2003, para la exposición Máquinas de Mirar.]

Octubre 07, 2011

COLECCIONISMO Y FETICHISMO: OBJETOS, RITUALES, MERCADO Y ARTE.

coleccionismofetichismow3art_u.jpgSEMINARIO ONLINE
Duración: el 20 de Octubre al 18 de Diciembre del 2011 (8 semanas)
Fecha límite de inscripciones: 14 de octubre
Información detallada: http://www.tallermultinacional.net/c-f
Formato de inscripción: http://www.tallermultinacional.net/formato-de-inscripcion
Mayores informes: Tel. +52 (55) 5518 7710 / Skype: taller.multinacional / info@tallermultinacional.org

El curso propone una genealogía del consumo trazada como un recorrido sociológico, desde el cual se aborda el coleccionismo como tradición colonialista; a partir del análisis de diferentes hábitos sociales relacionados con fenómenos fetichistas como el empleo y acumulación de objetos, diversas prácticas de mercado, el uso de estimulantes, alimentos y/o sustancias, y sus repercusiones en procesos de transformación políticos y culturales.

En este contexto se observará el desarrollo de métodos de circulación, disposición y exhibición de objetos y/o mercancías, tanto en la tradición de instituciones como museos, bancos, mercados, como en contextos privados. Para generar finalmente una discusión en torno a la obra de arte como fetiche o como productor de conocimiento.


Objetivos:
*Aportar los elementos teóricos necesarios para el análisis hacia el coleccionismo y el fetichismo como fenómenos socio-culturales dentro del marco del arte contemporáneo.
*Propiciar la reflexión sobre diferentes aspectos de la relación cultura y consumo desde una perspectiva estética.
* Los asistentes podrán aplicar y proponer en su propia práctica, las ideas generadas a partir de la discusión, generar nuevos puntos de partida así como líneas de investigación con respecto a la incidencia del consumo a nivel cultural y específicamente hacia la obra de arte.


Temario Detallado en: http://www.tallermultinacional.net/c-f


Dirigido a: Estudiantes de arte, artistas, investigadores, historiadores, curadores de arte, coleccionistas, interesados en las prácticas artísticas contemporáneas.


Para más información contactarse a:
info@tallermultinacional.org / skype: taller.multinacional / +52 (55) 55187710


Formato de inscripción: http://www.tallermultinacional.net/formato-de-inscripcion


Opciones de Pago:
- Un solo pago de $2,700.00 para México (o USD $ 245 otros países)
- Dos pagos cada uno de $1,450.00 para México (o USD $ 130 otros países)
* Pregunta por nuestro sistema de mensualidades fijas sin intereses.



CRISTINA OCHOA: Artista Visual, ha realizado Estudios de Arquitectura y Artes Visuales en La Pontificia Universidad Javeriana y en la Universidad Nacional en Bogotá, Colombia. Ha trabajado como artista y curadora durante varios años, Ha exhibido su obra tanto en Colombia como internacionalmente, en diferentes eventos. Ha gestionado proyectos culturales independientes. Actualmente se encuentra en México como becaria del PEC en SOMA, y becaria en el diplomado de gestión y manejo de proyectos culturales, y del diplomado en Derechos de Autor, en la UNAM. Su línea de investigación abarca: Historia del consumo y el coleccionismo, Estética del arte contemporáneo, Apropiación, Cultura Remix, y lo multidisciplinario en las prácticas artísticas contemporáneas. Su Obra abarca diferentes lenguajes, desde la plástica, las acciones, intervenciones en espacios específicos, circuitos sociales cerrados, performance, video.


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AULA VIRTUAL de TALLER MULTINACIONAL es un proyecto cuyo propósito es brindar a la comunidad hispanoparlante interesada en las artes visuales un programa educativo en línea que contribuya a dinamizar y reflexionar sobre la práctica artística.
http://www.tallermultinacional.net/

Itinerarios 2011: ‘Vídeo y fotografía desde la cámara de fotos' impartido por David López Espada y Toni Catalá

734x316_u.jpgKREA Expresión Contemporánea, Obra Social de Caja Vital Kutxa, continúa con la labor comenzada en 2007, adentrándose en las últimas miradas del mundo de la imagen. Lo hace a través de Periscopio, el evento que convierte una vez más a Vitoria-Gasteiz en la capital otoñal del fotoperiodismo.



Fechas
Del 2 al 5 de noviembre

Horario
Miércoles - Viernes: 16:00 - 21:00
Sábado: 10:00 - 14:00

Lugar
Instituto Mendizabala Institutua. Carretera Lasarte s/n. 01007 Vitoria - Gasteiz, Álava

Precio
40 € | 30 € con tarjeta Caja Vital Kutxa

Plazas limitadas


NOTA
David López Espada y Toni Catalá realizarán una selección entre todas las inscripciones recibidas. Para ello será necesario enviar un breve curriculum (2 hojas máximo) y un portfolio (10-15 imágenes) o vídeo en baja resolución a administracion@kreared.com junto con la ficha de inscripción antes del 19 de octubre.

DESCRIPCIÓN

Taller teórico y práctico.

2 de noviembre
- Presentación del taller y de los alumnos.
- Cámara DSLR, conceptos básicos de video, para poder grabar correctamente.
- Creación de proyecto: idea, guión y ejecución.
- Saldremos a la calle a grabar imágenes y fotografías, para editar, montar y procesar los días siguientes.

3 de noviembre
- El lenguaje audiovisual.
- Creación y desarrollo del proyecto grabado el día anterior.
- Time lapse (vídeo y foto).
- Montaje, edición y exportación (formatos).

4 de noviembre
- Workflow: Ajustes fundamentales (cámara, sistema y photoshop/programa).
Gestión de color for Dummies.
Procesado raw mediante "objeto inteligentes".
Revelados múltiples (con una sola exposición).

5 de noviembre
- Ajustes zonales y correcciones.
- Conversión B/N.
- Copia final (preparación).
- Dudas y preguntas.


David López Espada (Madrid,1969) ha cursado estudios de fotografía en Nueva York con Shauna Churo y con Dan Durkholder, así como cursos en Madrid con Jose María Mellado. Trabaja desde hace casi dos décadas con la prestigiosa fotógrafa Isabel Muñoz. Se encarga del escaneado, revelado, copiado, gestión digital y procesado en blanco y negro y color. Acostumbrado a trabajar en las circunstancias más variadas dentro del estudio y en localizaciones, realizó la transición del laboratorio clásico en blanco y negro, hacia el ordenador y el laboratorio digital. Destaca su facilidad de uso así como la impresión en grandes formatos, negativos digitales para la elaboración de Platinotipias, fusionando las técnicas tradicionales con las actuales. Ha impartido talleres en la Escuela EFTI de Madrid, en el Macuf, en PhotoEspaña, en Cobertura photo, y en Mad Photo entre otros y cursos de verano de la Universidad de El Escorial. También realiza colaboraciones para, entre otras, la agencia Vu (Paris), Grupo Zeta o La Liberation.

Toni Catalá. Tras cursar diseño en Valencia se desplaza a Madrid para formarse en la escuela de fotografía EFTI.Este Ingeniero de Sistemas pronto empieza a interesarse de forma profesional por el mundo de la imagen. Después de una corta estancia en la capital se forma en varios estudios como el de Isabel Muñoz, Manolo Yllera o Mónica Sánchez-Robles. En años posteriores centra su interés en el cine cursando en la escuela Septima Ars el Master de Dirección en Fotografía Cinematográfica. Tras esta experiencia varios serán los trabajos que desempeñará como realizador de vídeo y operador de cámara. Fotógrafo freelance desde muy joven este alicantino apuesta por proyectos visuales acordes con las nuevas tecnologías digitales. Actualmente se dedica al área de postproducción en cine y retoque digital.


Más información:
http://www.kreared.com/es/actividades/cursos-y-conferencias/itinerarios-2011-video-y-fotografia-desde-la-camara-de-fotos-impartido-por-david-lopez-esp

Octubre 06, 2011

ACTIVIDADES OCTUBRE – DICIEMBRE 2011 EN EL MUSEO NACIONAL DE ARTES DECORATIVAS

IMAGEN-DEF_u.jpgExposiciones temporales

Actividades infantiles, adolescentes, y adultos

Visitas guiadas a la exposición permanente y a la exposición temporal “Grafistas. Diseño gráfico español. 1939-1975”.

Actividades extraordinarias.

Programación especial Navidad.

PROGRAMACIÓN DE ACTIVIDADES EN EL MUSEO NACIONAL DE ARTES DECORATIVAS
OCTUBRE - DICIEMBRE 2011


EXPOSICIONES TEMPORALES

Grafistas. Diseño Gráfico Español 1939-1975.

27 de octubre 2011 – abril 2012

La exposición mostrará la evolución del diseño gráfico en España a través de la obra de la generación de los pioneros que, en circunstancias adversas, pusieron las bases de un nuevo tipo de comunicación visual.
Se analizarán los episodios e hitos representativos de la historia del diseño gráfico español.

(OTRA) MIRADA. Creaciones de alumnas del Máster de Diseño Textil y de Superficies del IED Madrid.

7 de Octubre - 20 de noviembre

Las piezas históricas del MNAD cobran vida bajo la mirada de jóvenes diseñadores que las convierten en contemporáneas. Las alumnas del Máster de Diseño Textil y de Superficies del IED Madrid, dirigidas por Inés Aguilar e Iván Martínez de La casita de Wendy, interpretan objetos de la colección permanente del Museo Nacional de Artes Decorativas.

“Memoria 2.0”. Presentación de los trabajos realizados por los alumnos de la Escuela de Diseño Industrial Arte 12 de la Comunidad de Madrid.

Diciembre

Por segundo año, la Escuela de Arte 12 de Diseño Industrial y el Museo Nacional de Artes Decorativas colaboran en el desarrollo del proyecto «Memoria», una reflexión sobre la importancia de la herencia del pasado como fuente de conocimiento e inspiración para construir el futuro.

La exposición es el último eslabón de una colaboración que ha consistido en el diseño por parte de los alumnos del Ciclo de Mobiliario y Modelismo Industrial, de un prototipo inspirado en un objeto del Museo (una silla plegable de brazos, fabricada en la época de Felipe II).



ACTIVIDADES INFANTILES

3 - 8 Años

Cuentacuentos: Pajarito blanco y sus amigos
Escrito e interpretado por Valeria Pardini.

Era de noche y desde lo alto del cielo cayó un huevito. El huevito se rompió y de dentro salió Pajarito Blanco. Así comienza el viaje de Parajito Blanco. ¡Un viaje con sorpresas! En el camino conocerá unos zapatos que hablan, un toro con miedo, una paloma con calcetines y muchos otros personajes más. Todos se harán amigos de Pajarito Blanco.
¡Ven a conocer a “Pajarito Blanco” y sus raros amigos!

S22 y D30 de octubre a las 12.30h.
D6, S12, D20 y S26 de noviembre a las 12.30h.
D4 de diciembre a las 12.30h.

Taller infantil: Piensa con las manos.
Diseñado y ejecutado por Jorge Mayer y Adriana Rodríguez.

Dicen que para tener una vida completa debemos “Tener un hijo, plantar un árbol y escribir un libro”. En este taller creativo podemos ayudar a los más jóvenes de la familia a cumplir el tercer requisito. A través de un juego de huellas sobre papel crearemos cada uno nuestras propias ilustraciones y en base a ellas, una historia original. Imagina tu primer libro ilustrado.

S22 y S29 de octubre a las 12:30 h.
S12 y S26 de noviembre a las 12:30 h.
S10 de noviembre a las 12:30 h.


8 - 12 Años

Taller: Yo hablo en gráficos ¿y tú?
Diseñado y ejecutado por Lucía Aragón y Javier Alonso.

¿Has oído alguna vez la frase “Esta imagen vale más que mil palabras”? ¿Has escuchado hablar a un semáforo o a un cartel? Probablemente no, pero seguro que sabes lo que te dicen.

El diseño gráfico utiliza las imágenes como un lenguaje, con mucha más fuerza que miles de palabras. Muchas cosas las entendemos por intuición, pero otras tenemos que aprenderlas… igual que estudiamos otro idioma. Descubre este lenguaje secreto y como nació.

S22 y S29 de octubre a las 11.00 h.
S5 y S19 de noviembre a las 11.00 h.
S3 Y S17 de diciembre a las 11.00 h.

Para participar en las actividades es imprescindible reservar con antelación (tfno: 91 532 64 99, ext. 303. De 10 a 14.30, de lunes a viernes).

A lo largo de los talleres se tomarán fotografías que serán utilizadas con fines educativos y de divulgación. La inscripción en los talleres supone la aceptación de este requisito.

Con motivo de la celebración de la exposición temporal “Grafistas. Diseño gráfico español. 1939-1975”, a partir del mes de noviembre ampliaremos la oferta de actividades para público infantil (3-7 años). Podréis consultar fechas y horarios en nuestra página web (http://mnartesdecorativas.mcu.es).



ACTIVIDADES PARA ADOLESCENTES

13 - 18 Años

Taller: Yo hablo en gráficos ¿y tú?
Diseñado y ejecutado por Lucía Aragón y Javier Alonso.

¿Has oído alguna vez la frase “Esta imagen vale más que mil palabras”? ¿Has escuchado hablar a un semáforo o a un cartel? Probablemente no, pero seguro que sabes lo que te dicen.

El diseño gráfico utiliza las imágenes como un lenguaje, con mucha más fuerza que miles de palabras. Muchas cosas las entendemos por intuición, pero otras tenemos que aprenderlas… igual que estudiamos otro idioma. Descubre este lenguaje secreto y como nació.

S22 de octubre a las 12.30 h.
S5 de noviembre a las 12.30 h.
S3 Y S17 de diciembre a las 12.30 h.

Para participar en las actividades es imprescindible reservar con antelación (tfno: 91 532 64 99, ext. 303. De 10 a 14.30, de lunes a viernes).

A lo largo de los talleres se tomarán fotografías que serán utilizadas con fines educativos y de divulgación. La inscripción en los talleres supone la aceptación de este requisito.



ACTIVIDADES PARA ADULTOS

• Pieza del mes de octubre: La notación musical en las Artes Decorativas.
Marta Ruiz Vicente. Licenciada en Historia del Arte y Musicología.

Domingos 9, 16, 23 y 30.
13:00 h.

La notación musical es el nombre genérico de cualquier sistema de escritura utilizado para representar gráficamente una pieza musical. En Occidente y en ciertas culturas orientales, se ha tratado de fijar en el tiempo la volatilidad de los sonidos a través de este procedimiento, que ha introducido numerosos cambios en las actividades musicales y en la forma de entenderlas.
El MNAD, además de poseer folios de cantorales que explican este fenómeno, custodia piezas curiosas e infrecuentes que, pese a no relacionarse con lo musical por sí mismas, se pueden ver, oír y estudiar gracias a la notación que aportan. Porque la escritura no sólo es útil para los músicos prácticos, sino que se convierte por sí misma en un valioso objeto de estudio para la iconografía musical y las artes visuales, permitiendo obtener respuestas y numerosas conclusiones.


Pieza del mes de noviembre y diciembre: Vida cotidiana en el siglo XVIII: la cocina de azulejos del MNAD.
Manuel Alonso Santos. Licenciado en Historia del Arte

Domingos 6, 13, 20 y 27 de noviembre
Domingos 4, 11 y 18 de diciembre
13 hs.

En el siglo XVIII en las casas principales se comienzan a diferenciar las zonas privadas de las de servicio: por ejemplo, la cocina ocupaba una zona aislada, accesible desde el exterior para evitar el trasiego de personal y mercancías por la vivienda. En este contexto, llaman la atención los paramentos murales decorados como el que se conserva en el MNAD, realizados en las fábricas de azulejos de Valencia y pintados con trampantojos que, a modo de espejo idealizado, ilustran la moda y las costumbres de la época.



VISITAS GUIADAS

• Visitas guiadas a la colección permanente
Los guías voluntarios del MNAD ofrecen visitas gratuitas para público individual los domingos a las 11.30 horas.
Las visitas para grupos se realizarán los martes, miércoles, jueves y viernes previa petición de hora a partir del 20 de septiembre (tfno: 91 532 64 99. Ext. 101).

• Visitas guiadas a la exposición “Grafistas. Diseño gráfico español. 1939-1975”.
A partir del 29 de octubre, se ofrecerán visitas gratuitas para público individual los sábados y domingos a las 11.00 horas.
Las visitas para grupos se realizarán a partir del 1 de noviembre los martes, miércoles, jueves y viernes previa petición de hora (tfno: 91 532 64 99. Ext. 302).

Durante el período navideño (21, 22, 23, 27, 28, 29 y 30), se ofertarán de manera extraordinaria visitas gratuitas para público individual a las 18:00 hs. No será necesaria reserva previa.

Con motivo de la celebración de la exposición temporal “Grafistas. Diseño gráfico español. 1939-1975”, a partir del mes de noviembre ampliaremos la oferta de actividades para público adulto. Podréis consultar fechas y horarios en nuestra página web (http://mnartesdecorativas.mcu.es).



ACTIVIDADES EXTRAORDINARIAS

A lo largo de la mañana del próximo lunes 3 de octubre (de 9:30 a 14:30 hs), hablaremos sobre los usos de este tipo de cocinas, sobre su especificidad en el ámbito de la cerámica valenciana del siglo XVIII, sobre las gentes de la época y sobre el protocolo en torno al chocolate.

Para ello contaremos con la participación de Carmen Abad (Universidad de Zaragoza), Manuel Alonso (Museo Nacional de Artes Decorativas), Jack de Beurville (Asociación de Amigos del Musée de la Céramique de París) y Jaume Coll (Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias “González Martí”).

¡Os esperamos!

Aforo limitado. Es necesaria confirmación previa en el tlf: 91 532 64 99 (Ext 303. De lunes a viernes de 9:30 h. a 14:30 h.).

RUTA DE LOS PALACIOS: UN VIAJE EN METRO A LA HISTORIA.

Jueves 20, viernes 21 y sábado 22

Viaja en la máquina del tiempo de Metro de Madrid al pasado y descubre cómo fue la vida en los Palacios durante los siglos XVIII, XIX y XX. Enseña tu billete de metro o abono de transportes en las fechas señaladas en la taquilla del museo y podrás visitar el museo de manera totalmente gratuita, así como conseguir regalos y participar en las siguientes actividades:

• Juego de pistas: El coleccionista de objetos.

Juego de pistas autoguiado destinado a resolver por las salas del museo diferentes misterios y enigmas relacionados con las colecciones que custodia.

• Proyección de fotografías estereoscópicas.

Una de las salas del museo, acogerá una proyección que transportará a los visitantes a la vida del Madrid de fines del S. XIX y comienzos del s. XX. Este fascinante viaje al pasado se realizará a través del visionado de una selección de la colección de fotografías estereoscópicas (anaglifos) que custodia el museo.



SEMANA DE LA CIENCIA

VISITA TALLER SOBRE CONSERVACIÓN PREVENTIVA: CUIDAMOS EL MUSEO.
8-12 años.

Taller diseñado y ejecutado por Irene Navarro Díaz-Malaguilla.

Actividad desarrollada en colaboración con el Instituto de Patrimonio Cultural de España (IPCE).

12, 13, 19 y 20 de noviembre
11:30 hs.

El MNAD participará, como los últimos años, en la XI edición Semana de la Ciencia 2011, una iniciativa de la Comunidad de Madrid, a través de la Dirección General de Universidades e Investigación y de la Fundación madri+d para el Conocimiento, con la que se pretende involucrar a los ciudadanos en la ciencia y la tecnología.

La actividad planteada se centrará en la conservación preventiva y las ciencias auxiliares a las que acuden los profesionales de museos en su tarea de proteger los bienes culturales de las múltiples amenazas a las que se enfrentan a diario.

A lo largo de la actividad se tomarán fotografías que serán utilizadas con fines educativos y de divulgación. La inscripción en esta actividad supone la aceptación de este requisito.

Imprescindible reservar con antelación (tfno: 91 532 64 99, ext. 303. De 10 a 14:30, de lunes a viernes).



PROGRAMACIÓN ESPECIAL NAVIDAD

ACTIVIDADES INFANTILES

Entre el 21 diciembre y el 5 de enero tendrán lugar las siguientes actividades destinadas a publico infantil:

Cuentacuentos (entre 3 y 8 años)
Consultar fechas y horario en nuestra página web (http://mnartesdecorativas.mcu.es).

Taller infantil (entre 8 y 12 años)
Consultar fechas y horario en nuestra página web. (http://mnartesdecorativas.mcu.es).

APERTURA EXTRAORDINARIA VESPERTINA (17:00 h. a 20:00 h.):
Durante el período navideño, a las aperturas vespertinas de los jueves se sumará la apertura de tarde los día 21, 23, 27, 28 y 30 de diciembre.

VISITAS GUIADAS A LA EXPOSICIÓN “GRAFISTAS. DISEÑO GRÁFICO ESPAÑOL. 1939-1975”.
Durante el período navideño (21, 22, 23, 27, 28, 29 y 30 de diciembre), se ofertarán de manera extraordinaria visitas guiadas gratuitas para público individual a las 18:00 h. No será necesaria reserva previa.



Descargar programación completa.


Museo Nacional de Artes Decorativas

C/ Montalbán, 12
28014 Madrid
Tel. 91 532 64 99
http://mnartesdecorativas.mcu.es
http://www.facebook.com/home.php?#!/pages/Madrid/Museo-Nacional-de-Artes-Decorativas/307453706024?ref=ts&ajaipe=1&__a=6

Horario:

De martes a sábado de 9:30 a 15:00 h
Apertura vespertina jueves 17.00 a 20.00 h
21, 23, 27, 28 y 30 de diciembre.

Domingo y festivos de 10:00 a 15:00 h

Cerrado: todos los lunes, 1 de enero, 1 de mayo, 6 de enero, 1 de mayo, 9 de septiembre,
24, 25 y 31 de diciembre.

Tarifas:

Entrada general: 3 euros
Entrada reducida y gratuita consultad la página Web.

Cómo llegar:

Autobuses Plaza de Cibeles: 1, 2, 5, 9,10, 14, 15, 20, 27, 34, 37, 45, 51, 52, 53, 74, 146,150 y 202
Autobuses Puerta de Alcalá: 1, 2, 9, 15, 19, 20, 28, 51, 52, 74, 146 y 202
Metro: Banco de España y Retiro (línea 2)
Cercanías: Recoletos

Aparcamiento público: C/ Montalbán

Octubre 05, 2011

INMERSIONES 2011

cartel_inmersiones_2011_u.jpgInmersiones 2011. Congreso de creadores emergentes. Abierta la convocatoria hasta el 15 de octubre bajo el tema de análisis “Arte. Ciudad. Naturaleza”.

Desarrollo de actividades en noviembre y diciembre de 2011.
Coordinan la actividad: Cristina Arrazola e Iñaki Larrimbe
Organiza Asamblea Amarika

Más información:
Inmersiones2011@gmail.com
http://inmersiones2011.blogspot.com/
www.amarika.org/blog

Imagen: "El tronco en el armario" de Manuel Pérez de Arrilucea. Fotografía de Rafael Lafuente.

Inmersiones” es, esencialmente, un congreso de creadores emergentes que se desarrolla desde el año 2008 en Vitoria-Gasteiz durante los meses de diciembre y enero. Es el único encuentro de estas características que se produce actualmente en los territorios del País Vasco y Navarra.

Inmersiones” presta asistencia y atiende principalmente a los creadores y colectivos emergentes del País Vasco y Navarra: artistas jóvenes y/o ocultos, necesitados de formación, relaciones, medios, atención y visibilidad.
En palabras del artista Iñaki Larrimbe, creador del formato y primero de sus coordinadores, se trata de “mapear la producción artística cercana para hacerla visible, propiciando la necesaria inmersión de las gestorías públicas, y del ciudadano, en el entramado de las prácticas contemporáneas que están bajo la superficie” (Catálogo 2008, página 7).

Inmersiones 2011” surgirá de los procesos de reinvención colectiva del propio formato “Inmersiones” y de los trabajos de diseño y producción en equipo propuestos por los propios creadores y colectivos. Estamos hablando, por tanto, de un “comisariado colectivo”.
Los/las artistas y colectivos de “Inmersiones 2011” formarán parte activa en la construcción de esta edición: colaborarán en su concepción y en su realización material a través de un comisariado colectivo (grupo motor) tutorizado por miembros de la Asamblea Amarika.
Gracias al desarrollo de una serie de talleres-laboratorio y encuentros previos a las actividades se dará forma y contenido a “Inmersiones 2011” que tendrán como objetivo idear un repertorio de posibles actuaciones futuras entorno al arte y la naturaleza que puedan ser desarrolladas en “la capital verde”.

El interés de la Asamblea Ciudadana (Asamblea Amarika) que organiza “Inmersiones” es, por tanto, ampliar el debate abierto con el nombramiento de la Ciudad de Vitoria-Gasteiz como capital ecológica europea desde una perspectiva crítica y propositiva. Y así, desde el arte y la creatividad, analizaremos nuestra relación como ciudadanos con la naturaleza. Por eso los talleres de construcción del congreso, así como el congreso mismo, tendrán como motivo central la cuestión Arte-Naturaleza-Ciudad.

UNA CONFERENCIA DE ANTONI MUNTADAS ABRE LA SEXTA EDICIÓN DEL CURSO DE INTRODUCCIÓN AL ARTE CONTEMPORÁNEO DE MUSAC

Muntadas_u.jpgVI Curso de Introducción al Arte Contemporáneo. Tendencias en el contexto artístico desde la segunda mitad del s.XX hasta la actualidad.
Organizado por MUSAC y la ULE
Fechas y horario: los miércoles a partir del 19 de octubre y hasta el 30 de mayo, de 18.00 a 20.00 h.
Destinado a público general interesado en el arte contemporáneo, estudiantes de Historia del Arte y Bellas Artes, no se requieren conocimientos previos. Convalidación de créditos lectivos para estudiantes de la ULE.
40€ matrícula general / 30€ para estudiantes, parados y jubilados.
Plazo de inscripción abierto: en www.musac.es y en recepción del museo.
Streaming del curso en: www.musac.es
Actividad inaugural: Conferencia de Antoni Muntadas, Proyectos en espacios públicos e introducción al taller de 2012
19 de octubre de 2011, a las 20.00 h en el salón de actos del MUSAC.
Asistencia libre y gratuita hasta completar aforo.

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León y la Universidad de León colaboran por vez primera en la organización del Curso de Introducción al Arte Contemporáneo que se celebra anualmente en MUSAC, cuyo propósito es acercar el conocimiento del arte contemporáneo y su debate a todos los ciudadanos interesados. Estructurado a través de cinco bloques temáticos coordinados por especialistas de la Universidad de León, la Universidad de Salamanca y MUSAC, el programa para el curso 2011-2012 aborda los cambios producidos en la escena artística y estética a partir de la Segunda Guerra Mundial, un análisis trasversal de diferentes aspectos que convergen en la creación artística, aportando vías de debate sobre el arte de nuestro tiempo. Fruto de la colaboración entre MUSAC y la ULE surge por vez primera el reconocimiento de créditos lectivos para aquellos alumnos de la Universidad de León que completen el curso y presenten una memoria final.

Asimismo, el 19 de octubre, coincidiendo con la jornada inaugural del curso, MUSAC acoge a las 20.00 h. una conferencia de Antoni Muntadas titulada Proyectos en espacios públicos e introducción al taller de 2012, en la que el artista premio Velázquez de Artes Plásticas 2009 repasará y detallará algunos de sus trabajos para el espacio público realizados en diferentes contextos y lugares y presentará el taller que tendrá lugar en MUSAC en enero de 2012.



VI Curso de Introducción al Arte Contemporáneo. Tendencias en el contexto artístico desde la segunda mitad del s.XX hasta la actualidad.

gracenea_u.jpgCoordinación de los bloques temáticos: Joaquín García Nistal (ULE), Belén Sola (MUSAC), Víctor del Río (USAL), Roberto Castrillo (ULE)
Profesorado: Susana Blas, Cabello / Carceller, Jesús Carrillo, Roberto Castrillo, Nieves Correa, Amador Fernández Savater, César G. Álvarez, Joaquín G. Nistal, Ilia Galán, Carles Guerra, Simona Levi, Jorge Luis Marzo, Ángela Molina, Patricia Molins, Antonio Notario, Karin Ohlenschläger, Tania Pardo, Agustín Pérez Rubio, Víctor del Río, Jorge Ribalta, Alberto Santamaría, Belén Sola.

[Imagen: Iñaki Gracenea. Sin título (2005). Colección MUSAC]




PROGRAMA
19 de octubre

19.00 h. Presentación del curso
20.00 h. Conferencia Antoni Muntadas Proyectos en espacios públicos e introducción al taller de 2012

Bloque I. Estética
Coordina: Joaquín García Nistal (ULE).
Este bloque pretende analizar las teorías y cambios en la estética más importantes de la segunda mitad del siglo XX, examinando los nuevos desarrollos teóricos y su reflejo en el arte así como a la inversa, las interacciones entre práctica artística y cambios en la concepción estética desde el final de la Segunda Guerra Mundial hasta la actualidad.
Fechas: 26 de octubre. 9, 16 y 23 de noviembre de 2011.
1. Prejuicios, banalidad y aburrimiento en las artes de hoy. Ilia Galán (Titular de Estética y Teoría del Arte en la Universidad Carlos III de Madrid). 26 de octubre.
2. De la negación de la Estética a la Estética Negativa: las etiquetas del “Arte Contemporáneo”. César G.Álvarez (Doctor en Historia del Arte, profesor titular de Historia del Arte en la Universidad de León, profesor de piano por el Conservatorio de Valladolid, profesor de Historia de la Música en la Universidad de León). 9 de noviembre.
3. La obra de arte y la guerra de los clones: aura y mercancía en la época de la copia. César G. Álvarez. 16 de noviembre.
4. Arte de posguerra: el traslado del centro artístico mundial y el giro en las prácticas artísticas. Joaquín G. Nistal (Profesor asociado en el Departamento de Patrimonio Artístico y Documental de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de León). 23 de noviembre.

Bloque II. Arte y cultura de masas
Coordina Belén Sola (MUSAC).
Avances tecnológicos, conceptuales y cambios culturales que cuestionan las diferencias entre lo “culto”, lo “masivo” y lo “popular”. De la apropiación de lo “pop”, hasta la irrupción de los conceptos de cultura libre y conocimiento compartido.
Fechas: 14 y 21 de diciembre de 2011. 11 y 18 de enero de 2012.
1. Discursos post-fotográficos. La actualidad del documento. Jorge Ribalta (Artista, crítico y comisario independiente). 30 de noviembre.
2. Los nuevos cambios propiciados por los media y los abusos de la industria cultural, Cultura libre, Internet y vuelta a los conceptos de autoria y obra. Simona Levi (Artista multidisciplinar. Directora del centro de agitación cultural Conservas, directora de teatro y de la bienal de artes escénicos y visuales aplicadas IN MOTION del CCCB). 14 de diciembre.
3. Irrupción del género y prestigio de la artesanía en el diseño actual. Patricia Molins (Historiadora del Arte y comisaria). 21 de diciembre.
4. Cultura popular, cultura de masas. Desde el Pop Art al Street Art. Hibridaciones en las técnicas y los formatos. Tania Pardo (Comisaria de exposiciones). 11 de enero.
5. Cine, video, tele e Internet, nuevos y viejos medios audiovisuales que transgreden los formatos tradicionales y exploran nuevas plasticidades. Susana Blas (Historiadora de arte contemporáneo especializada en creación audiovisual). 18 de enero.

Bloque III. Arte y política
Coordina Belén Sola. (MUSAC).
De cómo el arte interfiere con la escena político-social. El arte como el espacio de interrogantes y resistencias a lo establecido y las contradicciones de estas relaciones.
Fechas: 25 de enero. 1, 8, 15 y 29 de febrero de 2012.
1. Mayo del 68 y primeros movimientos contraculturales. Los Situacionistas, y la Internacional Letrista. Carles Guerra (Artista, crítico de arte y profesor asociado de arte contemporáneo en la Universidad Pompeu Fabra). 25 de enero.
2. Feminismos y búsqueda de otras identidades. Cabello / Carceller (Artistas multidisciplinares). 1 de febrero.
3. Cuerpo, voz y acción como espacio de resistencia. Nieves Correa (Artista y comisaria de exposiciones). 8 de febrero.
4. El arte en la España post franquista. Jorge Luis Marzo (Comisario de exposiciones, escritor y profesor de la Escuela Elisava y de la Universidad Pompeu Fabra). 15 de febrero.
5. Arte y activismo. Belén Sola (Responsable del Departamento de Educación y Acción Cultural del MUSAC). 29 de febrero.

Bloque IV. Desbordamientos discursivos, del concepto de arte al espacio social
Coordina: Víctor del Río (USAL).
El arte contemporáneo no ha dejado de explorar sus propios límites desde la crisis de la modernidad que supuso la explosión de las vanguardias históricas, a principios del siglo XX. Comprender los nuevos comportamientos artísticos en el siglo XXI exige tomar conciencia de esa crisis de las representaciones. Las batallas libradas por los nuevos artistas no son tanto una revuelta en contra de la tradición, como una expansión de sus fronteras. En este proceso se genera una nueva literatura sobre el arte y un arte que se hace literario, un contacto con otros elementos tradicionalmente excluidos de su labor, desde la creación sonora al uso de los sistemas de información.
Fechas: 7, 14, 21 y 28 de marzo. 18 de abril de 2012.
1. Arte y literatura. Alberto Santamaría (Profesor de Análisis del discurso artístico y literario y Arte Contemporáneo en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca). 7 de marzo.
2. Objeto artístico y creación sonora. Antonio Notario (Profesor Titular de Estética y Teoría de las Artes en la Facultad de Filosofía de la Universidad de Salamanca, Doctor en Filosofía y Profesor de Piano) 14 de marzo.
3. Desbordamientos: espacio físico y espacio virtual. Karin Ohlenschläger (Profesora, crítica de arte y comisaria especializada en arte contemporáneo y nuevas tecnologías). 21 de marzo.
4. La cultura en la red. Amador Fernández Savater (Co-director de la editorial Acuarela). 28 de marzo.
5. Límites del arte hoy. Víctor del Río (Profesor de Teorías Artísticas de la modernidad y Teoría del Arte Contemporáneo en la Universidad de Salamanca). 18 de abril.

Bloque V. El sistema artístico contemporáneo. El mercado, las instituciones y la crítica.
Coordina Roberto Castrillo (ULE).
Fechas: 25 de abril. 9, 16, 23 y 30 de mayo de 2012.
1. El mercado del arte actual. Galerías, ferias y bienales. Roberto Castrillo (Profesor de Critica de Arte). 25 de abril.
2. Coleccionismo público y privado. Agustín Pérez Rubio (Director del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León). 9 de mayo.
3. La crítica de arte hoy. Ángela Molina (Licenciada en Filología Española y Doctora en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada). 16 de mayo.
4. Las instituciones culturales y la reformulación del espacio público. Jesús Carrillo (Licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Murcia, Master en estudios históricos por el Instituto Warburg de la Universidad de Londres y Doctor en Historia por la Universidad de Cambridge King's College). 23 de mayo.
5. Conclusiones finales. Mesa redonda con la moderación de los coordinadores del curso. Clausura y entrega de diplomas. 30 de mayo.



Conferencia de Antoni Muntadas Proyectos en espacios públicos e introducción al taller de 2012

Muntadas_u2.jpgFecha y hora: miércoles, 19 de octubre a las 20.00h
Lugar: Salón de Actos del MUSAC

Asistencia libre y gratuita hasta completar aforo (110 plazas)

[Imagen: On translation: La Mesa de Negociación, 1998 © Antoni Muntadas. Cortesía MUSAC]



Durante los últimos 30 años, Antoni Muntadas, Premio Velázquez de Artes Plásticas 2009, ha realizado e impartido talleres y cursos complementarios a su trabajo. La conferencia Proyectos en espacios públicos e introducción al taller de 2012 que tendrá lugar en MUSAC, se basará en la descripción comentada de algunos de sus trabajos realizados en diferentes contextos, examinado y enfatizando en el proceso de trabajo propiamente dicho. La conferencia presentará el taller que el artista impartirá en el museo en enero y junio de 2012.

Sobre Antoni Muntadas:
Nace en Barcelona en 1942. Estudió en la Escuela de Ingenieros Industriales. Vive en Nueva York desde 1971. Ha estado trabajando como profesor en la Universidad de San Diego, Escuela de Bellas Artes de Burdeos y Grenoble, Escuela Nacional de Bellas Artes de París, el Instituto de Arte de San Francisco, y la Universidad de São Paulo, entre otros. También ha colaborado con el Visual Studies Workshop de Rochester (USA), el Banff Center de Canadá, Arteleku en San Sebastián, Le Studio National des Arts Contemporains Le Fresnoy (Lille Metropol), y la Universidad Western Sídney.

En el año 2009 recibe el Premio Velázquez de Artes Plásticas y en el 2005 el Premio Nacional de Artes Plásticas de España. Otros premios con los que ha sido galardonado son: Solomon R. Guggenheim Foundation, the Rockefeller Foundation, the National Endowment for the Arts, the New York State Council on the Arts, Arts Electronica in Linz (Austria), Laser d'Or en Locarno (Suiza) y el Premio de Artes Plásticas concedido por la Generalidad de Cataluña.


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Octubre 04, 2011

TC+I Taller Colectivo + Intervención en espacio público

id_taller_madrid_final_a3_u.jpgConvocatoria abierta para participar en el taller Técnicas de construcción y prácticas colaborativas impartido por el colectivo Todo por la Praxis.
Proyecto de iDensitat para Post-it City. Ciudades ocasionales, en colaboración con CentroCentro. Palacio Cibeles.

Fechas
14-19.11.11

Lugar
Solar Campo de la Cebada, Plaza de la Cebada, 16, 28005 Madrid
Matadero Madrid, Paseo de la Chopera 16, 28045 Madrid

Convocatoria abierta hasta el 24 de octubre de 2011.

http://idensitat.net
idtaller@idensitat.net

iDENSITAT, en colaboración con CentroCentro. Palacio Cibeles y dentro del marco de la exposición Post-it City. Ciudades ocasionales y el proyecto TC+I Taller Colectivo + Intervención en espacio público, abre una convocataria para participar en el taller Técnicas de construcción y prácticas colaborativas impartido por el colectivo Todo por la Praxis. Con la participación de Fadhila Mammar, Gaspar Maza, Ramon Parramon, Martí Peran, Antimuseo, Pedagogías Invisibles y la colaboración de la Asociación de vecinos de Avecla y la Asociación de vecinos La Corrala.

TC+I es un proyecto de taller-intervención en un espacio público que facilitará la incorporación de una experiencia concreta en Madrid y se sumará al conjunto de prácticas prospectivas, pedagógicas y experimentales articuladas por Post-it City. Ciudades Ocasionales a lo largo de su itinerancia.

Post-it city. Ciudades ocasionales es un proyecto de investigación sobre los mecanismos de ocupación temporal del espacio público en distintas ciudades del mundo. El conjunto de materiales que componen esta primera edición del proyecto se organiza como un archivo compuesto por distintos casos de estudio en tantas otras ciudades del mundo. Allá donde se presenta el conjunto del archivo se añaden materiales procedentes de una específica pesquisa local. En el caso de Madrid, la cartografía del fenómeno Post-it ha sido planeada por el colectivo Todo por la Praxis en colaboración con Pedagogías Invisibles.

El objetivo del proyecto TC+I es generar un taller colectivo para elaborar un material que permita enriquecer y actualizar el conjunto de la exposición, que conecta con agentes activos en el territorio, que se formaliza en una intervención específica en el espacio y que se suma a una labor continuada tomando una perspectiva de actuación a largo plazo.


Taller Colectivo + Intervención con un doble recorrido

Se proponen dos talleres complementarios e interrelacionados, uno de ellos fundamentado en técnicas de construcción y prácticas colaborativas, y un segundo taller artístico-pedagógico que se realizará en diversos espacios educativos. Ambos talleres contarán con un acompañamiento con el objetivo de tutorizar o complementar su articulación teórico-práctica. El primero de ellos es abierto y se podrá participar a través de una convocatoria. El segundo se articulará en relación con diversos espacios educativos y su participación estará abierta a los profesores y alumnos que formen parte del proyecto. El material generado en ambos talleres se incorporará a la exposición a lo largo de sus procesos.


A. Observatorio de prácticas y usos
- Exploración de los usos autónomos y creativos del espacio público a través del mobiliario urbano.
- Exploración y cartografía de los usos sociales del espacio público en relación con elementos de mobiliario, elementos móviles o espacios (plazas, solares, parques, etc.)


B. Laboratorio de prácticas colaborativas
- Taller Técnicas de construcción y prácticas colaborativas basado en activar prácticas colaborativas y de código abierto sobre materiales, técnicas de autoconstrucción y nuevos usos del espacio. Taller abierto.
- Taller de artístico-pedagógico en el que se trabajará sobre posibles usos de los elementos de mobiliario, artefactos móviles o espacios singulares. El taller se realizará en colaboración con uno o varios espacios educativos, y será dirigido a los profesores y alumnos que formen parte del proyecto.

Ambos talleres se trabajarán a partir de cinco casos de estudio:

1/ Deporte Informal
2/ Comercio y venta ambulante
3/ Eventos y fiestas populares
4/ Solares
5/ Encuentros y asambleas de barrio 15M


Objetivos
- Propiciar que el ciudadano adquiera conciencia individual, participe de forma colectiva y asuma un papel activo en la construcción creativa de la ciudad.
- Construir de manera colectiva elementos urbanos que puedan ser utilizados posteriormente para fomentar el uso social de los espacios.
- Iniciar un proceso de investigación artístico pedagógico que incorpore la participación de centros o espacios educativos y que se articule como taller.
- Poner de manifiesto los aprendizajes invisibles que se producen en el espacio público.

Se abre la convocatoria abierta para participar en el taller Técnicas de construcción y prácticas colaborativas.

14-19.11.11
Solar Campo de la Cebada, Plaza de la Cebada, 16, 28005 Madrid
Matadero Madrid, Paseo de la Chopera 16, 28045 Madrid

Coordinación: Todo Por la praxis
Tutoría: Fadhila Mammar. Con la colaboración de la Asociación de vecinos de Avecla y la Asociación de vecinos La Corrala.
Intervenciones: Martí Peran, Ramón Parramon, Gaspar Maza.

El taller se basa en la activación de prácticas colaborativas y de código abierto sobre materiales, técnicas de autoconstrucción y nuevos usos del espacio. Se plantea por un lado la exploración de los usos autónomos y creativos del espacio público a través del mobiliario urbano y la cartografía de los usos sociales del espacio público en relación con los ejes temáticos propuestos por el proyecto. Y por otro, la exploración de los casos de estudio mediante el contacto con los diferentes agentes y espacios para el posterior diseño y construcción de prototipos que interactúen en el desarrollo de estas actividades.

A quien se dirige: El taller está dirigido a artistas, diseñadores, arquitectos, educadores, gestores culturales, dinamizadores socioculturales, trabajadores sociales, estudiantes de sociología, antropología, arte, arquitectura, educación, así como a un público que vive y participa en proyectos de barrio.

Inscripciones: Para formalizar la inscripción rellenar el formulario de solicitud en la web www.idensitat.net antes del 24 de octubre de 2011. Se seleccionarán los participantes según la documentación presentada. La cuota de participación en el taller es de 25€.


Currículum de los participantes
TODO POR LA PRAXIS

Se definen como un Laboratorio de proyectos estéticos de resistencia cultural, un laboratorio que desarrolla herramientas para la intervención sobre el espacio público. Persiguen el objetivo de generar un catálogo de herramientas de acción directa y socialmente efectivas orientadas a la consecución del derecho a la vivienda y el derecho a la ciudad. Sus proyectos se centran en la temática de la cuestión urbana: ciudad y territorio. Su trabajo se inscribe fundamentalmente en el espacio público desarrollando proyectos con carácter procesual y realizando acciones e intervenciones de carácter temporal. La metodología es múltiple pero se podría catalogar en dos bloques principales: por un lado, las que se apoyan en estrategias de visibilización, y, por otro lado, las que parten de métodos colaborativos de participación.

PEDAGOGÍAS INVISIBLES
Pedagogías Invisibles es un colectivo rizomático de creación e investigación en Educación Artística formado por alrededor de veinte profesionales que trabajan en los siguientes contextos: Educación Formal (Primaria y Secundaria), Universidad, Museos y Centros de Arte y Contextos Especiales. Actualmente están desarrollando el proyecto de investigación Esto no es una clase: procesos disruptivos en la Educación Universitaria, llevan a cabo talleres del programa para familias del ciclo de exposiciones Abierto por Obras de Matadero y presentan y dirigen el programa de Radio Círculo de Bellas Artes sobre Arte y Educación Miradas Invisibles.

FADHILA MAMMAR
Licenciada en Filología Española por la Universidad de Grenoble (Francia) y Túnez, máster en Migraciones, Refugio y Relaciones Intercomunitarias. Es mediadora, y experta en Mediación Intercultural. Es miembro Fundador del consejo del Instituto Universitario de Investigación sobre Migraciones, Etnicidad y desarrollo Social (IMEDES) de la Universidad Autónoma de Madrid. En España fue Directora Adjunta a los Programas de Cuarto Mundo de la ONG Médicos del Mundo. Del 2005 a Enero del 2009 dirigió el Servicio de Mediación Social Intercultural (SEMSI) de la ciudad de Madrid (gestionado por la Fundación General de la Universidad Autónoma de Madrid). Actualmente es docente en Masteres, postgrados, de numerosas universidades así como formadora y consultora en distintas instituciones de España y América Latina en temas de Mediación, Interculturalidad y Migraciones.

ANTIMUSEO
El Antimuseo es un proyecto curatorial que experimenta sobre los mecanismos de legitimación de la obra de arte. Su trabajo se centra en el proceso social donde se produce el valor simbólico y económico de la obra de arte, así como en el análisis de la estructura y límites de la institución arte. En sus diferentes etapas entre 1992-2007, el proyecto ha desarrollado un programa de sitio específico en una antigua fábrica de Madrid, en locales en desuso, viviendas, espacios públicos, y ha investigado sistemáticamente sobre modelos de participación y de contextualizar la obra de arte en tejidos sociales específicos. Desde 2007, el proyecto se ha centrado en proyectos en el espacio público, como el programa del Centro Portátil de Arte Contemporáneo en México, 2009, la exposición Mano a Mano con el General Cárdenas, Ciudad de México 2011, una serie de trabajos de sitio específico en el monumento a este mandatario, o el Antimuseo de Medellín, un dispositivo móvil creado en el marco del encuentro internacional MDE11, en Colombia 2011.

MARTÍ PERAN
Profesor de Teoría del Arte en la Universidad de Barcelona. Crítico y curador de exposiciones, ha participado en diferentes catálogos y libros de arte contemporáneo. Co-editor de Roulotte, colabora en diarios y revistas especializadas (Exit Express, Artforum International). Director del programa internacional Roundabout.Encounter Program entre Barcelona y otras ciudades del mundo (México, Reikiavik, Bangkok, Jerusalén, Santiago de Chile, Estambul). Entre los proyectos más recientes ha presentado Post-it City. Occasional Cities (CCCB, Barcelona, 2008; MAC Santiago de Chile, Centro Cultural São Paulo, 2009); After Architecture (Arts Santa Mònica. Barcelona, 2009).

RAMON PARRAMON
Director de ACVic, Centre D'Arts Contemporànies. Desde 1999 dirige el proyecto de arte Idensitat. Codirector del Máster Diseño y Espacio Público en Elisava/Universitat Pompeu Fabra. Ha participado y organizado numerosos seminarios, talleres y foros de debate sobre arte y espacio social. Ha editado algunas publicaciones como Acciones Reversibles. Arte, Educación y Territorio. (EUMO Editorial/ACVic, 2010); Local/Visitante. Arte y creación en el espacio social (Idensitat, 2010); Arte, experiencias y territorios en proceso (Idensitat, 2008). Su trabajo se desarrolla con un interés hacia proyectos interdisciplinarios y sobre las funciones que puede ejercer el arte en un contexto sociopolítico específico. [www.idensitat.net]

GASPAR MAZA GUTIERREZ
Licenciatura en Geografía e Historia por la Universidad de Barcelona. Postgrado en Educación Social. Departamento de Teoria e Historia de la Educación. Universidad de Barcelona. Doctor en Antropologíasocial Universidad Rovira i Virgili de Tarragona. Trabajó como educador social en el Ayuntamiento de Barcelona Distrito de Ciutat Vella entre los años 1987-2004. Desde el año 2005 trabaja como profesor en el departamento de Antropología de la Universidad Rovira i Virgili de Tarragona donde imparte diversas asignaturas dentro de la licenciatura de antropología así como en el master de Antropología Urbana. En la actualidad es coordinador de las medidas de deporte e inclusión social dentro del Plan Integral de promoción del deporte y la actividad física -Consejo Superior de Deportes- Madrid. Ministerio de Educación política social y deporte.


TC+I es un proyecto de IDENSITAT en colaboración con CentroCentro. Palacio Cibeles y Matadero Madrid.

IDENSITAT es un proyecto de arte que investiga sobre las maneras de incidir en el ámbito del espacio público a través de propuestas creativas en relación al lugar y el territorio desde la dimensión física y social. Constituye una plataforma de producción e investigación en red, en el ámbito de lo artístico, donde experimentar nuevas formas de implicación e interacción en el espacio social. Los proyectos desarrollados en los talleres formarán parte del archivo de Idensitat con la voluntad de encontrar mecanismos de producción para aquellos que se ajusten a dinámicas específicas vinculadas al contexto local.


Para más información: www.idensitat.net | idtaller@idensitat.net

Octubre 03, 2011

Programación OFF LIMITS_ Octubre 2011

5_u.jpgExposición “Arte Útil”
comisariada por el colectivo Democracia y Tania Bruguera
Desde el 4 hasta el 17 de octubre

Presentación de la revista
Nolens Volens Nº 5
4 de octubre, 20h.

Taller “Gentrificación no es un nombre de señora”, impartido por Left Han Rotation
del 18 al 20 de octubre, de 17 a 20h.

Conferencia"An Inner City Life" por Saranjit Birdi / Sampad Exchange Lab. HelloWorld!
19 de octubre, 20h

www.offlimits.es

Exposición “Arte Útil” comisariada por el colectivo Democracia y Tania Bruguera
Inauguración 4 de octubre a las 20h.
Lunes a viernes de 17 a 21.30 h
Jueves 06 de octubre: cerrado
Hasta el 17 de octubre

La exposición “Arte Útil” que se inaugurará el día 4 de octubre a las 20h. en Off Limits
exhibe doce obras en las cuales los comisarios del proyecto, el colectivo Democracia y Tania Bruguera, afirman: "nos interesa remarcar la potencialidad del "arte útil" para crear nuevas vías de relación entre arte y sociedad, incluso la posibilidad cierta de aliarse con movimientos realmente transformadores… pero también tratar sus contradicciones, como la instrumentalización a las que este tipo de proyectos pueden verse sometidos cuando se convierten en sucedáneos de verdaderos cambios sociales y son exhibidos por las instituciones culturales como muestra de progresismo e implicación social."

Los artistas participantes son: Santiago Cirugeda, Todo Por la Praxis, Rubén Santiago, Adrián Melis (Cuba), Bert Theis (Italia-Luxemburgo), Domènec, Ramón Parramon, Reuben Moss (Nueva Zelanda), Unofficial Tourism, Nuria Güell, Publink (Italia) y Olive Martin et Patrick Bernier (Francia).

La presente exposición cuenta con el apoyo del Área de Arte de la Escuela Superior de Arte y Arquitectura de la Universidad Europea de Madrid y la colaboración de Madrid Abierto.

Más información:

http://www.offlimits.es/maelstrom/2011/10/exposicion_arte_util.html



Presentación del quinto número de la revista Nolens Volens
4 de octubre, 20h.

Presentación del quinto número de la revista Nolens Volen publicación que se propone operar en el campo de la edición de proyectos de arte actual. El objetivo es articular esta producción artística con un marco teórico que trate temas controvertidos relativos a la práctica. El formato responde a la elección de un tema monográfico a tratar en cada edición de periodicidad anual.

El presente número de Nolens Volens se articula alrededor de la idea de Arte Útil, enmarcado mayoritariamente entre aquellas prácticas que buscan ser propositivas en un contexto predeterminado, bien enfrentando micropolíticas alternativas de carácter social al "statu quo" impuesto por las políticas dominantes, bien respondiendo a deseos o demandas concretas formuladas por una comunidad o un movimiento.

La presente publicación está editada por el Área de Arte de la Escuela Superior de Arte y Arquitectura de la Universidad Europea de Madrid.

Más información:
http://www.offlimits.es/maelstrom/2011/10/presentacion_de_la_revista_nol.html



Taller “Gentrificación no es un nombre de señora”, impartido por Left Hand Rotation
Del 18 al 20 de octubre, de 17 a 20h.

El colectivo Left Hand Rotation regresa a Madrid para impartir el taller Gentrificación no es un nombre de señora, luego de su desarrollo en Bilbao, Gijón y Brasil.

"Gentrificación es un proceso de transformación urbana en el que la población original de un sector o barrio deteriorado y con pauperismo es progresivamente desplazada por otra de un mayor nivel adquisitivo, como consecuencia de programas de recalificación de espacios urbanos estratégicos."
El taller surge como respuesta al análisis del papel de la cultura en los procesos de gentrificación. Partiendo que no existen dos procesos de gentrificación idénticos en su desarrollo, proponen trabajar desde lo local, desde la especificidad que estos procesos alcanzan en cada contexto, zona, ciudad, para identificar las herramientas que cada comunidad genera para abordar el conflicto global.

El taller constará de dos apartados:

Teórico
- Descripción del término "gentrificación".
- Descripción de los procesos, ejemplos históricos y actuales.
- Recopilatorio de acciones de rechazo generadas contra estos procesos y sus consecuencias.

Práctico
Las aportaciones del taller serán incluidas en una plataforma abierta, incompleta, en continuo proceso de desarrollo y necesariamente colectiva como es, el Museo de los Desplazados.

Para inscripción al taller y más información:

http://www.offlimits.es/maelstrom/2011/10/taller_gentrificacion_no_es_un.html



Conferencia"An Inner City Life" por Saranjit Birdi / Sampad Exchange Lab. HelloWorld!
19 de octubre, 20h.

Conferencia "An Inner City Life" por Saranjit Birdi / Sampad Exchange Lab.
El miércoles 19 de octubre a las 2º horas Saranjit Birdi presentará una selección de sus cortos de animación y danza, seguidos de una sesión de preguntas y respuestas. La obra reciente de este artista de origen indio gira en torno a la investigación de territorios de conflicto como el estereotipo y las libertades públicas o la intercultural.

Esta línea de investigación dio lugar a obras como - Interrogation, Ramble, Capture, Paint Box, and Bombed – A Moonlight Sonata. Algunas de las obras están influenciadas por su cultura de la India y Sikh, en choque con su experiencia británica.

La plataforma de creación contemporánea HelloWorld! es la encargada de promover el diálogo entre el trabajo experimental, las tecnologías digitales y el ámbito de las artes escénicas.

Sita en Madrid, colabora en la programación del Medialab Prado, la espacio cultural Off Limits, el Teatro Pradillo. Ha organizado talleres de producción escénica contemporánea y sesiones abiertas con creadores como Txalo Toloza, Masu Fajardo, Óscar Villegas, etc.

La Plataforma ha llevado talleres de producción colaborativa que tratan de desarrollar una plataforma de trabajo y de desarrollo de proyectos dentro de las artes escénicas con conceptos como el openframeworks, Pure data, processing, OpenGl, realidad aumentada, metaverse, electrónica, aplicaciones robóticas, videojuegos e interactivas.

Más información:
http://www.tea-tron.com/helloworld/blog/



Off Limits
Escuadra 11 bajo, 28012 Madrid
Metro: Lavapiés y Antón Martín
www.offlimits.es

MEDIALAB-PRADO / OCTUBRE 2011

SAMPADCARTEL03_u.jpgMedialab-Prado
Espacio de cultura digital
Plaza de las Letras · C/ Alameda, 15
28014 Madrid
info.m@medialab-prado.es
www.medialab-prado.es

Abierto al público:
L – V de 10:00h a 20:00h
S: 11:00h a 20:00h

Agosto cerrado.

CHARLAS, CONFERENCIAS Y PRESENTACIONES

#REDADA MADRID 9: ¿UNA ENTIDAD DE GESTIÓN PARA LA CULTURA COPYLEFT?
04.10.2011 / 19:00h – 20:30h

Nueva sesión de #redada con la participación de David García Aristegui (programa Comunes en Radio Círculo), Ignasi Labastida (Creative Commons España) y el abogado Javier de la Cueva sobre la posibilidad de crear una entidad de gestión de derechos de cultura libre. [ST]


ARTE BRITÁNICO SUDÁSIATICO: PASADO, PRESENTE Y FUTURO
13.10.2011 / 19:00h

Conferencia de Piali Ray, directora del Sampad, en la que hace un repaso histórico y cultural de las artes asiáticas en Gran Bretaña, a la influencia de Sampad en el cambio políticas culturales y de integración, y el futuro de las artes procedentes de la India, Pakistán, Bangladesh y Sri Lanka. Charla seguida de breve presentación de danza clásica de la India por el artista Divya Kasturi.
Actividad en el marco del Sampad ExchangeLab. [ST]


CAPARTY MADRID 2011
14.10.2011 / 18:00h


Evento para que los usuarios de PGP y CACert para certificar sus identidades presencialmente y firmarse las correspondientes claves públicas. Estos certificados se usan para firmar y cifrar correo electrónico, identificar y autorizar usuarios conectados a sitios web y para la transmisión segura de datos en Internet.


PRESENTACIÓN DEL TRABAJO DEL ARTISTA MULTIMEDIA SARANJIT BIRDI
19.10.2011 / 20:00h

Saranjit Birdi presenta una selección de sus cortos de animación y danza, seguidos de una sesión de preguntas y respuestas. Las obra reciente de este artista de origen indio gira en torno a la investigación de territorios de conflicto como el estereotipo y las libertades públicas o la intercultural.
Actividad en el marco del Sampad ExchangeLab. Acceso libre.
Lugar: Lugar: Off Limits - Calle de la Escuadra, 11 28012 Madrid


PERIODISMO DE DATOS
20.10.2011 / 17:00h

Conferencias y mesa redonda sobre la importancia de las visualizaciones de datos en el periodismo. Con la participación de Xaquín G.V. (The New York Times), Anna Marie Cumiskey (Bureau of Investigative Journalism), Mar Cabra, periodista, y David Cabo (Pro Bono Público). [ST]


HACKS/HACKERS MAD
27.10.2011 / 18:30h

Primera reunión en Madrid de Hacks/Hackers, un punto de encuentro en el que periodistas y programadores trabajan en conjunto para intercambiar conocimientos sobre herramientas digitales, construir nuevos formatos periodísticos, analizar la visualización de grandes volúmenes de datos, etc.
Con Ana Ormaechea (Muy Interesante), María Feijoo (Directora de Comunicación de Antevenio) y Javier Moya (Director de Internet de Harper's Bazaar y Esquire en España). [ST]



TALLERES

INTIMIDADES METROPOLITANAS. TALLER 1: NOMBRAR LO COTIDIANO
11.10.2011 / 18:00h

Primer taller de la serie Intimidades metropolitanas. Un taller de exploración colectiva, un conjunto de sesiones dedicadas a explorar colectivamente el habitar urbano contemporáneo y los conceptos de “lo íntimo”, “lo doméstico” y “lo privado” en el contexto de una urbe polarizada y global como Madrid.
Gratuito. Inscripción previa. Plazas limitadas. Organiza: Grupo de Cultura Urbana (UNED)


CURSO DE DRUPAL. TECNOLOGÍAS PARA SU INSTALACIÓN
18.10.2011 /18:30h

Para usuarios de nivel medio. Asistencia gratuita sin inscripción. Organizado por: Documentados


INTIMIDADES METROPOLITANAS. TALLER 2: SENTIRSE EN CASA
25.10.2011 / 18:00h

Segundo taller de la serie Intimidades metropolitanas. Un taller de exploración colectiva, un conjunto de sesiones dedicadas a explorar colectivamente el habitar urbano contemporáneo y los conceptos de “lo íntimo”, “lo doméstico” y “lo privado” en el contexto de una urbe polarizada y global como Madrid. Gratuito. Inscripción previa. Plazas limitadas. Organiza: Grupo de Cultura Urbana (UNED) .



PERFORMANCES

DOUBLE BILL: EL LENGUAJE DE LA DANZA INDIA
11.10.2011 / 20:30h

Espectáculo de danza en el marco del Sampad ExchangeLab, un evento en el que cuatro artistas británicos de origen indio visitan Madrid para mostrar su trabajo y colaborar con algunos de sus espacios de creación artística y cultural contemporánea de la ciudad. Acceso libre.
Después de la actuación encuentro/charla con las coreógrafas.
Lugar: CNC/Sala Mirador. Calle Doctor Fourquet, 31. 28012 Madrid


ANUSHA SUBRAMANYAM
19.10.2011 / 21:30h

Performance y cena-degustación de comida india en el Restaurante India "Momtaz Mohol". Precio 10€ . Actividad en el marco del Sampad ExchangeLab.
Lugar: Restaurante India "Momtaz Mohol". Calle de Lavapiés, 27. 28012 Madrid



CONVOCATORIAS E INSCRIPCIONES ABIERTAS

INTIMIDADES METROPOLITANAS. UN TALLER DE EXPLORACIÓN COLECTIVA

Serie de talleres sobre la intimidad en el entorno urbano. El grupo de Cultura Urbana (UNED) propone un trabajo colectivo de exploración del habitar urbano contemporáneo, un viaje compartido a los interiores madrileños de nuestro tiempo. Sesiones: Nombrar lo cotidiano (11 de octubre), Sentirse en casa (25 octubre), Hi-Fi Home (8 noviembre), Cuerpos con historia (22 noviembre), Sangre, Agua y Vino (29 noviembre) y De adentro afuera (15 diciembre). Sesiones independientes. Inscripción previa (gratuita). Plazas limitadas.


COLAB (ICPL) JARTUM, SUDÁN. LABORATORIO DE PROYECTOS INTERDISCIPLINARES Y COLABORATIVOS
CONVOCATORIA PARA PROYECTOS

CoLAB es un proyecto que pretende desarrollar un nuevo perfil de creador/investigador mediante la creación de grupos de trabajo capaces de desarrollar proyectos de forma colaborativa e interdisciplinar. Se seleccionarán diez proyectos relacionados con el cine y la cultura audiovisual para su desarrollo colaborativo en el marco del European Film Festival 11 Sudan (EFF11).
Fechas del taller: 28 noviembre - 1 diciembre, 2011.
Lugar: Universidad de Jartum, Sudán.
Presentación de proyectos hasta el 31 de octubre, 2011.


CONTRIBUCIONES PARA PENSANDO Y HACIENDO MEDIALAB-PRADO

Como parte de las actividades del grupo de trabajo Pensando y haciendo Medialab-Prado, hemos iniciado un proceso de recogida de información para que colaboradores y usuarios expliquen qué es para ellos y qué les gustaría que fuera Medialab-Prado. Participa y envíanos tu aproximación.



EN LA FACHADA DIGITAL DE MEDIALAB-PRADO

26.000 PÍXELES

La fachada digital de Medialab-Prado muestra ocho proyectos desarrollados durante el taller 26.000 píxeles, un taller-grupo de trabajo cuyo objetivo ha sido experimentar y generar diseños para la fachada, a partir de una investigación del código creativo y principios de diseño computacional.


CITY FIREFLIES

Videojuego interactivo en la fachada digital de Medialab-Prado a través del cual los ciudadanos deberán eliminar las "amenazas" que aparecen en la fachada. Tráete tu teléfono móvil y comienza a jugar.

Los horarios se publicarán próximamente en http://medialab-prado.es



EN LA SALA

MUESTRA DE PROYECTOS: VISUALIZAR'11. COMPRENDER LAS INFRAESTRUCTURAS
01.07.2011 - 31.07.2011

Muestra de los diez prototipos desarrollados colaborativamente durante el taller intensivo Visualizar'11. Esta exposición da visibilidad a grandes cantidades de datos relacionados con infraestructuras como la alimentación, transporte, energía, redes sociales, empresas o mercados financieros, entre otras.


LÍNEAS DE TRABAJO ESTABLE

Medialab-Prado ha creado una muestra permanente con información de sus plataformas de trabajo estable: Laboratorio del Procomún, Los jueves de Medialab-Prado, Interactivos?, Inclusiva-net, Visualiza y AVLAB. También se puede encontrar información sobre software libre o netlabels. Son proyectos en curso que a través de diferentes instalaciones y puntos de información se exponen en el espacio de Medialab-Prado para poder establecer una relación con el barrio y los visitantes.

Actividades gratuitas.


[ST]= Streaming en directo: http://medialab-prado.es/article/streaming.
Contacto: info.m@medialab-prado.es.
Prensa: difusion@medialab-prado.es.
Programación sujeta a cambios. Para ver información actualizada visita http://medialab-prado.es


[Imagen: Festival Sampad ExchangeLab]


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