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Septiembre 30, 2011

La élite de las instituciones culturales se reúne en la Cidade da Cultura de Galicia en el “I Foro Internacional de Espacios para la Cultura”

FIEC_cast_u.jpgOrganiza: Cidade da Cultura de Galicia
Lugar: Auditorio de la Biblioteca — Monte Gaiás s/n 15707 Santiago de Compostela
Fechas: 8, 9 y 10 de noviembre de 2011
Aforo: 100 plazas
Más información:
http://www.fiec-cidadedacultura.org
foro.internacional.cultura@cidadedacultura.org
Tel. +34 881997565 – 9 - 14 horas (hora española)
Fax. +34 881 997577

Con el “I Foro Internacional de Espacios para la Cultura” se abre un espacio donde las infraestructuras culturales podrán “cuestionarse” e intercambiar estrategias para afrontar los nuevos retos derivados de un tiempo cambiante.

En las diferentes sesiones se abordarán aspectos como las consecuencias de la evolución que sufrieron en las tres últimas décadas las infraestructuras culturales, pasando de espacios dedicados casi exclusivamente a la exhibición de obras de arte, organización de conciertos o a impartir formación, a centros que programan una multitud de actividades para públicos cada vez más diversos.

Los participantes también abordarán cuestiones como la necesidad de buscar alternativas de financiación en el patrocinio personal o en fórmulas como las coproducciones ante unos presupuestos públicos cada vez más reducidos. El foro reflexionará además sobre la proliferación de centros culturales, con ofertas y proyectos diversos, o sobre la necesidad de incrementar la cualificación de los equipos humanos.


Participantes

La conferencia inaugural correrá a cargo de Ismail Serageldin, director de la Biblioteca de Alejandría.

Además, participarán:

• Allegra Burnette, responsable del MoMa.org de Nueva York.
• Natalio Grueso, director del Centro Niemeyer de Avilés.
• José Guirao, director de La Casa Encendida de Madrid.
• Louise Jeffreys, director de Programación del Barbican de Londres.
• Frank Madlener, director del IRCAM-Pompidou de París.
• Rui Vieira Nery, director de Educación para la Cultura de la Fundaçao Calouste Gulbenkian de Lisboa.
• Sheryl Kolasinski, directora de Operaciones e Infraestructuras del Smithsonian de Estados Unidos.
• Josep Ramoneda, director del CCCB-Centre de Cultura Contemporània de Barcelona.
• Bruno Assami, director gerente del MASP-Museo de Arte de Sao Paulo Assis Chateaubriand.
• Susan Sollins, directora ejecutiva y comisaria de la cadena de televisión estadounidense Art21 PBS.


Inscripciones

- Aforo: cien plazas (ochenta para profesionales del ámbito de la cultura y veinte para estudiantes).
- Coste: 50 euros para estudiantes y 80 para profesionales.
- Plazo de admisión de solicitudes: hasta el lunes 24 de octubre.
- Boletín de inscripción y más información en www.fiec-cidadedacultura.org

Debido a la limitación del aforo, todos los que no puedan participar podrán seguir las conferencias en streaming en la dirección www.fiec-cidadedacultura.org.


La Cidade da Cultura

Instalada en Santiago de Compostela, la Cidade da Cultura de Galicia es un vasto complejo cultural diseñado por el arquitecto norteamericano Peter Eisenman que se funde topográficamente con el monte Gaiás, una de las colinas que se asoman a la histórica ciudad de peregrinación. Cuando se complete, incluirá el Museo de Galicia, el Centro de Arte Internacional, el Centro da Música e Artes Escénicas, y el edificio de Servizos Centrais, además del Arquivo y la Biblioteca de Galicia, recién inaugurados.

El diseño de Eisenman fue seleccionado mediante un concurso internacional de arquitectura organizado por la Xunta de Galicia en 1999. La propuesta, seleccionada de entre los doce arquitectos finalistas, fue alabada por el jurado del concurso por ser “única tanto en su concepto como en su plasticidad, y por estar en armonía excepcional con el emplazamiento”.

La intención principal de Eisenman fue poner en duda la noción clásica de la arquitectura como un objeto o figura que domina el terreno, y proponer en su lugar una “arquitectura topográfica” que funde este dualismo figura-terreno. Para conseguirlo, planteó una ciudad en la que los edificios parecen resultar de la “excavación” de calles y espacios públicos en lo alto del monte, en vez de construirse encima, es decir, una ciudad culminada por un paisaje que parece un tejado ondulado, alabeado y plegado.

Más información en www.cidadedacultura.org.

NOLENS VOLENS 5 / Arte Útil

NolensVolens_u.jpgEl próximo martes 4 de Octubre a las 20:00 h. se inaugurará en Off Limits (Calle Escuadra 11, Madrid) la exposición Arte Útil en la que se presentará el último número de la revista Nolens Volens sobre Arte Útil.

www.uem.es

ARTE ÚTIL

Inauguración de la exposición Arte Útil, comisariada por el colectivo Democracia y la artista cubana Tania Bruguera.

La exposición parte de las colaboraciones que los distintos artistas han aportado para la edición del nuevo número de la revista Nolens Volens.

Según los comisarios del proyecto, "nos interesa remarcar la potencialidad del "arte útil" para crear nuevas vías de relación entre arte y sociedad, incluso la posibilidad cierta de aliarse con movimientos realmente transformadores… pero también tratar sus contradicciones, como la instrumentalización a las que este tipo de proyectos pueden verse sometidos cuando se convierten en sucedáneos de verdaderos cambios sociales".


Artistas participantes:

Santiago Cirugeda, Todo Por la Praxis, Rubén Santiago, Adrián Melis (Cuba), Bert Theis (Italia-Luxemburgo), Domènec, Ramón Parramon, Reuben Moss (Nueva Zelanda), Unofficial Tourism, Nuria Güell, Publink (Italia) y Olive Martin et Patrick Bernier (Francia).

La presente exposición cuenta con el apoyo del Área de Arte y Diseño de la Facultad de Artes y Comunicación de la Universidad Europea de Madrid y la colaboración de Madrid Abierto.


NOLENS VOLENS 5 / Arte Útil

Presentación del quinto número de la revista Nolens Volens, publicación que se propone operar en el campo de la edición de proyectos de arte actual. El objetivo es articular esta producción artística con un marco teórico que trate temas controvertidos relativos a la práctica. El formato responde a la elección de un tema monográfico a tratar en cada edición de periodicidad anual.

El presente número de Nolens Volens se articula alrededor de la idea de Arte Útil, enmarcado mayoritariamente entre aquellas prácticas que buscan ser propositivas en un contexto predeterminado, bien enfrentando micropolíticas alternativas de carácter social al "statu quo" impuesto por las políticas dominantes, bien respondiendo a deseos o demandas concretas formuladas por una comunidad o un movimiento.

La selección de textos y proyectos trata de recoger diversas posiciones, en torno a la cuestión tratada en este quinto número de la publicación, comprendidas en las colaboraciones de: Santiago Cirugeda, Minerva Cuevas (México), Todo Por la Praxis, Rubén Santiago, Adrián Melis (Cuba), Bert Theis (Italia-Luxemburgo), Domenec, Ramón Parramon, Reuben Moss (Nueva Zelanda), El gato con moscas, Nuria Guell, Unofficial Tourism, Publink (Italia), Marco Scotini (Italia), Olive Martin et Patrick Bernier (Francia), Daniel Villegas, Joaquín Ivars y Jorge Munguía (México).

La presente publicación está editada por el Área de Arte y Diseño de la Facultad de Artes y Comunicación de la Universidad Europea de Madrid.


ARTE ÚTIL
Off Limits (Calle Escuadra 11, Madrid)
Inauguración: 4 de octubre, 20 h. Sala Off Limits
De 17 a 21.30 h
Jueves 06 de octubre: cerrado
Hasta el 17 de octubre



logoUems_u6.jpgUniversidad Europea de Madrid
uem.es 902 23 23 50
Campus de Villaviciosa de Odón

Septiembre 29, 2011

Convocatoria Internacional de proyectos para la Bienal del Milenio de Granada

heesook2_u.jpgLa Bienal del Milenio de Granada propone un recorrido cultural por el patrimonio tangible e intangible de la ciudad puesto en valor a través de obras de arte contemporáneo que utilicen ese patrimonio como soporte artístico y de comunicación de valores. La bienal recorre la ciudad desde el Albaycín hasta la zona de los museos. Los artistas pueden presentar sus proyectos hasta el 16 de octubre. La bienal se celebrará en noviembre y diciembre de 2011.
www.bienaldegranada.com

La Bienal del Milenio es un recorrido bianual de arte contemporáneo que utiliza y pone en valor el patrimonio tangible e intangible de la ciudad y su entorno. Por medio de la obra de los artistas que utilizan dicho patrimonio cultural se genera un marco de difusión de nuestro legado que fomenta su preservación a la vez que abre líneas de investigación y temas de reflexión en torno a la creación artística contextual, ofreciendo una visión contemporánea del patrimonio.
Los artistas interesados pueden enviar sus proyectos, según las condiciones que aparecen en la web de la muestra (www.bienaldegranada.com). La web describe los objetivos, el ámbito y las líneas temáticas de la bienal, las condiciones de participación, el itinerario por el que discurre la muestra y toda la información necesaria para quienes deseen concurrir a la convocatoria.
Esta edición de la Bienal, continuadora de la anterior Bienal de Arte Efímero, adapta y amplía sus objetivos y el número de proyectos seleccionados en busca de un mejor fomento de los valores culturales de conservación y promoción del patrimonio (material e intangible), del desarrollo social y cultural sostenible y de la unión de disciplinas artísticas diversas en busca de un fin común, la preservación y comunicación social del patrimonio histórico.
Los proyectos recibidos serán evaluados por un comité de selección asesorado por un comisario externo que habrá de seleccionar entre seis y ocho proyectos, según la calidad de las propuestas recibidas. La bienal contará, además, con las obras de dos artistas invitados por la dirección de la muestra.


BIENAL DEL MILENIO

La Bienal del Milenio es un recorrido bianual de arte contemporáneo que utiliza y pone en valor el patrimonio tangible e intangible de la ciudad y su entorno.
Por medio de la obra de los artistas que utilizan dicho patrimonio cultural se genera un marco de difusión de nuestro legado que fomenta su preservación a la vez que abre líneas de investigación y temas de reflexión en torno a la creación artística contextual (en medio urbano, en situación, de intervención, de participación) ofreciendo una visión contemporánea del patrimonio.
Arte contemporáneo y Patrimonio, al presentarse en simbiosis, potencian y activan su esencia poderosamente, ya que surge un nexo comunicativo que produce un beneficio mutuo. Este beneficio se traduce en la producción de un eficaz modelo sostenible de comunicación de ambas formas de arte hacia la sociedad, que incita al visitante a conocer más de ambos medios, convirtiéndose así en una poderosa herramienta de integración social que acerca ambas realidades a un público no especializado.
Por ello, la Bienal del Milenioofrece a los artistas un recorrido cultural en el que surge el patrimonio tangible e intangible de la ciudad. Entran en esta categoría fundamentalmente los edificios o complejos de edificios islámicos más emblemáticos de Granada (El Bañuelo, la Alhambra, el Palacio de los Córdova, el Palacio de Dar-al-horra, la Madraza, la Casa de los Tiros, el Palacio de las Niñas Nobles o carmen de la Victoria) y aquellos que por su uso y función son relevantes a la cultura de la ciudad (Museo Parque de las Ciencias, Museo de la Memoria de Andalucía, …), el tejido urbano granadino barrios, calles y plazas históricas del entramado urbano de Granada (Albaycín, Realejo, Carrera del Darro, Plaza Nueva, etc), el patrimonio natural (cauces de los ríos Darro y Genil, las laderas de los montes de la Sabika y del Sacromonte, los bosques y jardines del entorno patrimonial de la Alhambra, la vega de Granada, etc.) y el patrimonio inmaterial (oficios artesanos, gastronomía, caligrafías, folklore, tradiciones orales y escritas, etc. como fundamento de obra de arte). En definitiva, se promoverá la creación de obras de arte no permanente que fomenten valores culturales de conservación y promoción, del desarrollo sostenible, la integración social, el interculturalismo y la transdisciplinariedad.


ÁMBITO Y LÍNEAS TEMÁTICAS: LA BIENAL Y LA CELEBRACIÓN DEL MILENIO REINO DE GRANADA

El Reino de Granada fue, durante mucho tiempo, un ámbito de convivencia entre civilizaciones, culturas y religiones de extraordinaria riqueza cultural, patrimonial, y artística. Para conmemorar el primer Milenio de la fundación del Reino de Granada la BIENAL DEL MILENIO en su edición de 2011 busca conectar con ese ámbito de convivencia dedicando una edición especial a la investigación y creación en arte contemporáneo alrededor de la celebración del arte y la cultura del Milenio Reino de Granada, propiciando una mirada del arte y los artistas a ese periodo de la historia de la ciudad bajo el lema: “MIL AÑOS DE ARTE Y CULTURA DEL REINO DE GRANADA. PASADO Y PRESENTE”.
Conceptos como el vestigio, el recuerdo, lo perecedero, el momento de emoción y disfrute para los sentidos o la desmaterialización como esencia de lo efímero y transitorio frente a lo perdurable son el argumento de esta muestra, que se dispersa sobre una ciudad densamente amueblada y sobrepoblada de objetos.

Los artistas que deseen participar en la tercera edición de la Bienal de Granada 2011 deberán enviar propuestas que centren sus creaciones proyectando una mirada desde el arte contemporáneo hacia la relación entre Tradición y Contemporaneidad utilizando el patrimonio cultural, material o intangible, y el natural como elemento indisociable de la obra artística;
Dentro de este marco, se promoverá la participación de artistas cuya obra se desarrolle a partir de las líneas de investigación que se describirán a continuación:

ARTE CONTEMPORÁNEO Y PATRIMONIO URBANO O ARQUITECTÓNICO. Línea de trabajo basada en la puesta en valor de los edificios patrimoniales y el tejido urbano (las calles, miradores, paseos y plazas) de la ciudad a través de su utilización como soporte en la obra artística: Incorporación de la arquitectura y el entramado urbano a la obra de arte contemporáneo.

1. Instalaciones artísticas y obras con carácter performativo realizadas en barrios, calles y plazas históricas del entramado urbano de Granada (Albaycín, Realejo, Carrera del Darro, Plaza Nueva, etc).

2. Utilización de los edificios emblemáticos del legado arquitectónico patrimonial de Granada para, previa investigación en su uso, historia y elementos fundamentales, proyectar una obra de sitio específico (site specific) en la que el lugar es elemento indisociable de la obra de arte (Alhambra, Bañuelo, Palacio de los Córdova, Palacio de Dar-Al-Horra, Museo Arqueológico, Museo Casa de los Tiros, Palacio de las Niñas Nobles, etc).

3. Utilización del patrimonio arquitectónico contemporáneo que por su uso y función son relevantes a la cultura de la ciudad (Museo Parque de las Ciencias, Museo de la Memoria de Andalucía, Centro Andaluz de Medio Ambiente, etc.) como eje de la creación artística, teniendo en cuenta su uso, función e impacto en la ciudad.

• ARTE CONTEMPORÁNEO Y PATRIMONIO NATURAL. Línea de trabajo basada en la recuperación del entorno y el patrimonio natural fomentando una estética que promueva la conservación, el respeto por el medio ambiente y la recuperación de entornos naturales para la ciudad: Incorporación del patrimonio natural a la obra de arte.

1. Se promoverán intervenciones artísticas orientadas a preservar la herencia cultural y analizar diferentes tradiciones frente a la naturaleza; obras que utilicen las fibras y elementos naturales (sol, fuego, agua, luz …), el paisaje y el entorno, obras que fomenten reciclaje y la reutilización de materiales naturales o de desecho, land art, arquitectura del paisaje, etc.

• ARTE CONTEMPORÁNEO Y PATRIMONIO INMATERIAL. Línea de trabajo basada en la recuperación del patrimonio intangible para su utilización en la obra artística contemporánea: Incorporación del patrimonio intangible a la obra de arte.

1. Patrimonio inmaterial de Andalucía (Artesanías locales, gastronomía, folklore, tradiciones orales y escritas, etc.): obras que propongan un puente entre formas de artesanía tradicionales (cestería, forja, empedrado, tejidos, cerámicas…) así como las piezas basadas en formas de gastronomía y folklores. En esta línea caben proyectos que fomenten la relación entre arte y la palabra, tomando como fuente de inspiración para la creación de nuevas obras de arte la caligrafía.

2. Proyectos que tiendan puentes entre formas del patrimonio inmaterial de otras sociedades y culturas (saberes y formas de artesanía, tradiciones, etc): piezas que recuperen artesanías, tradiciones y legados de otros países y latitudes, integrándolas en el patrimonio granadino a través de la obra artística.


DISCIPLINAS ARTISTICAS Y ÁMBITOS CREATIVOS:

Arte, ciencia y tecnología: arte interactivo, Net Art, Espacios interactivos, Entornos virtuales, Realidad Aumentada, Vjing, video mapping, etc.
Artes performativas: Arte de Acción, Performance, Happening, Intervención, live Art, body Art, Video-acción, Video-danza, etc
Artes del espacio: escultura aerostática, arquitectura efímera, escenografía, ambientación, espacio sonoro, escultura sonora, espacio lumínico, instalación, video instalación, etc.
Artes del tiempo: video-creación, arte sonoro, música visual, música Electroacústica, Vdj, etc.
Arte y Entorno natural: Land Art, Arte Reciclado, Arquitectura del paisaje, Escultura efímera, Artesanías, etc…
Artes plásticas: dibujo experimental, dibujo del movimiento, pintura.
Arte y Artesanía: cerámica, cestería, arte textil, forja, empedrado, tejidos, taracea, folklore, etc.



PARTICIPANTES

Podrá concurrir a la presente convocatoria, individualmente o de forma colectiva (nombrando un representante), cualquier artista sin límite de edad, nacionalidad o género.


DURACIÓN DE LA MUESTRA

La duración de la muestra será desde el 2 de Noviembre hasta el 22 de Diciembre de 2011, durante los que se fijarán secuencialmente la presentación de las obras seleccionadas en el itinerario planteado.


ESPACIOS Y LOCALIZACIONES

Los artistas becados realizarán la obra in situ. Ésta deberá ser inédita y estar concebida para una ubicación concreta que el artista podrá seleccionar dentro del itinerario propuesto (web de la bienal) y que se realizará en el tejido urbano de Granada, en los espacios naturales o en los edificios propuestos (tanto en el interior como en los patios o fachadas). Dependiendo de la especificidad de cada proyecto, se trabajará al aire libre en los espacios públicos o en los talleres de la Facultad de Bellas Artes.
Los artistas se comprometen a cumplir con los objetivos de convivencia artística y de participación en las actividades de la Bienal y a terminar su trabajo en el plazo estipulado, de tal manera que las obras estén instaladas en el itinerario designado en la fecha programada.


DOTACIÓN

La Organización correrá con los gastos de alojamiento y manutención de los artistas participantes durante los días en que se desarrolle el evento y ofrecerá a los artistas una bolsa de viaje para los traslados. También aportará los materiales, medios y utillaje que previamente se hayan acordado con cada artista becado, según su memoria.
En todo caso y dependiendo de la naturaleza de la pieza a realizar, quedará establecida en un acuerdo escrito entre las partes el montante global de la ayuda económica que corresponda a cada artista para cada obra a desarrollar en la Bienal. La firma y aceptación de este acuerdo es requisito obligatorio para la participación en la Bienal.


PRESENTACIÓN DE PROYECTOS Y FORMALIZACIÓN DE SOLICITUDES

Podrán presentarse proyectos de cualquier disciplina artística o lenguaje creativo siempre que entronquen con las líneas temáticas que articulan la muestra.
Cada artista o colectivo podrá presentar el número de proyectos que estime oportuno NO siendo necesaria su aportación en papel, CD, DVD, MiniDv, O CUALQUIER OTRO SOPORTE FÍSICO.
SÓLO SE ACEPTARÁN SOLICITUDES ELECTRÓNICAS UTILIZANDO EL FORMULARIO A TAL EFECTO.

En los documentos a enviar se incluirán obligatoriamente:

• Impreso de solicitud de inscripción.
• Fotocopia del DNI o pasaporte del solicitante.
• Datos de contacto (nombre, email, teléfono, fax, correo postal, etc.)
• Perfil del solicitante: Resumen del Curriculum Vitae redactado en un máximo de dos folios.
• Documentación gráfica/dossier artístico de obra reciente (mínimo de 5 obras y máximo de 10).
• Memoria explicativa del proyecto (extensión máxima cinco folios) detallando:
_Denominación del Proyecto.
_Breve descripción del proyecto (máximo 200 palabras).
_Disciplina/s artística/s.
_Características del proyecto.
_Instrucciones de montaje y descripción de las necesidades técnicas y materiales para la realización del mismo (El montaje y desmontaje de las obras corresponderá al responsable del proyecto aunque la Organización prestará apoyo y asesoramiento al mismo).
_Lugar de realización propuesto.
_Documentación gráfica del proyecto (croquis, bocetos, dibujos, diseños, fotografías, simulación espacial in situ, etc.)
_Gastos de producción (rider técnico, materiales, tecnología, equipo técnico, etc.)

En caso de no recibirse toda la información anteriormente detallada de forma completa, la participación será desestimada, no entrando en consideración del Jurado.
Deberá indicarse en el proyecto el carácter inédito de la obra. Si la obra que concurre en esta convocatoria hubiere sido presentada en otro festival o acontecimiento cultural, se ha de concretar la fecha y lugar donde ha sido realizada y documentar con imágenes.


PLAZOS

El plazo de presentación de solicitudes estará abierto entre el 1 de julio y el 16 de Octubre de 2011.


SELECCIÓN

Los proyectos presentados serán sometidos a un proceso de selección por un comisario externo internacional con la asistencia de un Comité designado por la Organización compuesto por profesionales de reconocido prestigio de distintas disciplinas artísticas. Dicho comisario y comité asesor se hará público en su momento en la página web de la Bienal del Milenio.
El Comité de Selección elegirá el número de proyectos que considere oportuno, evaluando la calidad artística, la adecuación al entorno, la complementariedad entre las distintas propuestas y su viabilidad material y económica. La relación de artistas/proyectos seleccionados se hará pública en octubre de 2011.
Al tratarse de proyectos que ocuparán espacios públicos, será imprescindible la obtención de los permisos municipales oportunos para la realización y montaje de las obras, permisos que gestionará la propia Organización de la Bienal.
Los responsables de los proyectos se comprometen a subsanar cualquier deterioro que se produzca en su obra, garantizando en la medida de lo posible que ésta permanezca en perfectas condiciones el tiempo que dure la muestra.


PUBLICIDAD Y PROMOCIÓN

Tras la realización de la Muestra la Organización editará un catálogo que incluirá todas las actuaciones desarrolladas.
Los artistas cederán los derechos de exhibición e imagen de los trabajos realizados para esta Muestra y para las actividades destinadas a la difusión de la misma. Para ello se solicitará de cada artista o colectivo la firma de un acuerdo con la BIENAL DEL MILENIO que regule la cesión de los derechos de publicación y reproducción de los proyectos seleccionados.
La Organización se reservará el derecho de publicación y reproducción de las intervenciones artísticas seleccionadas en todos aquellos casos relacionados con la promoción del programa, e incorporará a su fondo documental y de archivo público toda la documentación generada. En cuanto a las obras audiovisuales una copia entrará a formar parte directamente de ese fondo documental.


OBSERVACIONES

La participación en el encuentro supondrá la total aceptación de estas bases y la decisión del jurado.


INFORMACIÓN

Coordinación General:
Clara Ruíz
(0034) 653 204 976
www.bienaldegranada.com


DIRECCIÓN, EQUIPO TÉCNICO Y GESTIÓN

DIRECCIÓN: Ana García López
COORDINACIÓN DE ARTISTAS: Belén Mazuecos
DISEÑO E IMÁGEN: César González
PRODUCCIÓN Y GESTIÓN: Item Media SCA
COMUNICACIÓN Y PRENSA: J.A. Jiménez
COORDINACIÓN GENERAL: Clara Ruíz


ORGANIZAN:

• FACULTAD DE BELLAS ARTES DE LA UNIVERSIDAD DE GRANADA
• ASOCIACIÓN ARTES


EN COLABORACIÓN CON:

• CONSORCIO PARA LA CONMEMORACIÓN DEL PRIMER MILENIO DE LA FUNDACIÓN DEL REINO DE GRANADA.


PATROCINA:

• MINISTERIO DE CULTURA
• JUNTA DE ANDALUCÍA (CONSEJERÍA DE CULTURA, CADE. CONSEJERÍA DE INNOVACIÓN)
• AYUNTAMIENTO DE GRANADA
• DIPUTACIÓN DE GRANADA
• UNIVERSIDAD DE GRANADA
• OBRA SOCIAL DE CAJA GRANADA
• INSTITUTO EUROARABE
• PATRONATO DE LA ALHAMBRA
• FUNDACIÓN PÚBLICA ANDALUZA EL LEGADO ANDALUSÍ

Septiembre 28, 2011

PENTTI SAMMALLAHTI. AU BORD DU MONDE

Pentti_u.jpgMuseo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa
www.macuf.es
Proyecto expositivo del fotógrafo finlandés Pentti Sammallahti
Comisario: Alain D'Hooghe
Inauguración: 29 de septiembre de 2011
Clausura: 29 de enero de 2012

Pentti Sammallahti (1950) es sin duda alguna uno de los fotógrafos contemporáneos más destacados de Finlandia, reconocido internacionalmente tanto por profesionales del medio como por la crítica y el público.

Comenzó a exponer con regularidad su trabajo a los 21 años y trabajó durante mucho tiempo como profesor en la Universidad de Artes Aplicadas de Helsinki antes de recibir una beca del estado finlandés que le permitió consagrarse por completo a sus proyectos artísticos durante 15 años.

Alejado de modas y tendencias efímeras, nos presenta pequeñas fotografías en blanco y negro, divertidas y serias al mismo tiempo. Confiesa su absoluta predilección por la nieve, el frío y la blancura del norte –en especial entre su país natal y Rusia–, lo cual no le impide encontrarse cómodo fotografiando latitudes más meridionales, como los Balcanes, Marruecos, India, Nepal e incluso Turquía.

En sus imágenes –y en particular en las que opta por el formato panorámico–, los paisajes y sus pobladores vagan sin rumbo, las casas y barracas parecen a punto de desmoronarse, con frecuencia aparece un animal –casi siempre un perro–, que deambula con la mirada perdida, con una indiferencia en cierto modo irónica.

La relativamente escasa presencia del hombre, al menos físicamente, es la manera en la que Sammallahti habla al espectador de la condición humana. Si recurre a la naturaleza y a los animales, no cabe duda de que escoge el rodeo de la fábula para hablarnos del mundo en el que vivimos.

No sabemos a ciencia cierta si se debe al encuadre o a la propia naturaleza de lo que muestra, pero la mayoría de los paisajes fotográficos de Pentti Sammallahti –al igual que las pequeñas historias que cuenta– crean la extraña sensación de estar situados al borde del mundo. Es como si más allá de la línea del horizonte no existiese nada más que vacío…

En el planteamiento de Pentti Sammallahti confluyen dos enfoques fotográficos: por un lado, la fotografía de paisaje, casi contemplativa, donde la naturaleza juega un papel primordial, donde la forma de una nube, la inmensidad del mar o la inclinación de una rama dominan el discurso; por otro, secunda el instante decisivo tan apreciado por Cartier-Bresson, que trata de captar un instante fugaz y único.

Es evidente que en esta paradójica dualidad entre la contemplación y la plasmación reside una parte importante de lo que conforma la impronta visual, inmediatamente reconocible, del fotógrafo.

Alain D'Hooghe


Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa
Avda. de Arteixo, 171 | 15007 A Coruña
Horario: de martes a sábado de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 21:30 horas | domingos y festivos de 11:00 a 14:00 horas | lunes cerrado
Tel. 981 911 476 | 981 178 739
macuf@gasnaturalfenosa.es

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Muntadas
Between the Frames: The Forum (Barcelona), 1983-1993 (2011)

Betweenframes_01_u.jpgInstalación y proyecto videográfico, 260 min
Colección MACBA. Fundació Museu d'Art Contemporani de Barcelona. Colección Fundación Repsol

www.macba.cat

«El arte, como parte de nuestro tiempo, cultura y sociedad, comparte y se ve modificado por normas, estructuras y tics como otros sistemas económicos, políticos y sociales de nuestro entorno.» Así comienzan las entrevistas que Antoni Muntadas realizó entre 1983 y 1991 a ciento sesenta agentes implicados en el circuito internacional del arte, y recogidas en la instalación Between the Frames: The Forum (Barcelona), 1983-1993 (2011). El origen de la obra se encuentra en la exposición Comments del Long Beach Museum of Art (1983), en la que participó el artista y donde las explicaciones que los guías daban de su trabajo La Televisión (1983) le estimularon a iniciar el proyecto. La obra se enmarca en las múltiples instalaciones del artista que diseccionan el complejo engranaje entre arte, política y economía.

Según su autor, Between the Frames: The Forum (Barcelona), 1983-1993 (2011) presenta «una visión del sistema artístico de los años ochenta», aunque la configuración de la obra se alarga hasta principios del 2000, un periodo en el que el artista ha ido elaborando y modificando el dispositivo de presentación de la instalación. La obra incluye ocho «capítulos» de distinta duración (entre 15 y 45 minutos), que conforman un total de 260 minutos de proyección, editados por Muntadas a partir de 200 horas de entrevistas que hizo a marchantes, galeristas, coleccionistas, gestores de museos, guías, críticos y especialistas de distintos medios de comunicación. El último capítulo es un «epílogo» en el que Muntadas recoge las opiniones de varios artistas sobre el sistema del arte. Los entrevistados, profesionales que representan a los distintos tipos de intermediarios que se sitúan entre la obra de arte y el público, explicitan sus valores, funciones, responsabilidades y puntos de vista. Aunque a cada entrevistado se le plantearon las mismas preguntas, el flujo de respuestas expresa una variedad significativa de opiniones, a menudo contrapuestas.

Muntadas presenta estos vídeos en un dispositivo expositivo radial: una estructura modular circular con un espacio central (un espacio físico de discusión, de ahí el Forum del título), al que se abren siete espacios celulares con un monitor cada uno donde se proyectan los diferentes capítulos de forma simultánea. A cada espacio (iluminado con un color distinto) le corresponde una tipología de profesionales del mundo del arte. Cada apartado funciona de manera independiente y, al mismo tiempo, como parte integrante de la serie que confluye en el espacio central, lugar de encuentro y de contraste de opiniones, donde el espectador puede deambular y ordenar o interpretar lo que oye y lo que ve. La estructura radial de la instalación evoca un panóptico invertido, esa arquitectura del sistema penitenciario moderno que caracteriza, según Michel Foucault, las sociedades modernas disciplinarias. Muntadas sitúa al espectador en el lugar del vigilante, imbuyéndolo de un rol de supervisor del sistema del arte. Un modo de pedir al público que tenga los ojos bien abiertos.

En los vídeos que se proyectan en los distintos espacios de la instalación, Between the Frames: The Forum (Barcelona), 1983-1993 (2011) huye del formato visual clásico de la entrevista. En lugar de la imagen de la persona entrevistada (que sólo aparece al principio), las respuestas grabadas se acompañan de imágenes que operan como metáfora visual de la función de los entrevistados en el sistema del arte. Así, un día en la Bolsa de Tokio para los coleccionistas, el ir y venir de las olas para los críticos o el tren para marchantes y galerías. Son imágenes que el artista califica de open visuals (imágenes abiertas), como un recurso visual que refuerza la intención del proyecto. Pero, si bien es cierto que se utilizan nombres genéricos como «críticos» o «coleccionistas» y que se habla de una función concreta, los entrevistados muestran una percepción del todo heterogénea de su papel. Las imágenes refuerzan esta pluralidad: Muntadas ha asociado cada grupo de profesionales a un tema visual, pero las imágenes son múltiples perspectivas de cámara. Un recurso para indicar que no es tan importante quién habla ni su autoridad, sino los valores y opiniones que este pone en juego. Muntadas evita así cierta mistificación habitual en el mundo del arte. Por otra parte, las entrevistas mantienen la lengua original en que fueron realizadas: inglés, castellano, catalán, italiano, francés y portugués.

La estructura modular de la instalación se adapta a la constitución arquitectónica y las diferentes necesidades de los espacios. Aunque en su versión inicial era circular, en 1994, en el Musée d'art contemporain de Bordeaux, los monitores se distribuyeron en varios espacios del museo. En los últimos años, Muntadas ha delegado el dispositivo de presentación de la obra en distintos profesionales del mundo del arte o de otros ámbitos del conocimiento, siguiendo el modelo de la música, en la que cada intérprete se hace suya la obra. Desde que el MACBA adquirió el trabajo, en 2010, Muntadas ha recuperado la estructura circular originaria de la instalación, que se expone junto a los testimonios de sus sucesivas instalaciones y actualizaciones.

Coincidiendo con la presentación de Between the Frames: The Forum (Barcelona), 1983-1993 (2011) en el Museo, los visitantes encontrarán, en la planta baja del Centro de Estudios y Documentación MACBA, las entrevistas originales que constituyeron el material en bruto para los vídeos de esta obra. Las grabaciones se incorporaron a la Biblioteca en 2009, cuando el artista y el MACBA llegaron a un acuerdo para la digitalización de este material, ya que constituye en sí mismo un valioso documento para acercarse a los protagonistas del arte contemporáneo de la década de los ochenta. Lejos de fijar o de cerrar la obra, esta doble adquisición invita a nuevas lecturas e interpretaciones de un proyecto de larga duración y reformulación constante.


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Museu d’Art Contemporani de Barcelona
www.macba.cat
http://twitter.com/MACBA_Barcelona


[Muntadas, Between the Frames: The Forum, 1983-1993. Colección MACBA. Fundació Museu d’Art Contemporani de Barcelona. Colección Fundación Repsol. Foto: Yokohama Portside Gallery, Yokohama, Japón, 1997. Cortesía del artista. © Muntadas, VEGAP, Barcelona, 2011]



Muntadas
Between the Frames: The Forum (Barcelona), 1983–1993 (2011)

Installation and video project, 260 mins.
MACBA Collection. Fundació Museu d’Art Contemporani de Barcelona. Fundación Repsol Collection

‘Art, as part of our time, culture and society, shares and is affected by rules, structures and tics like other economic, political and social systems in our environment.’ So began the interviews given by Antoni Muntadas between 1983 and 1991 to one hundred and sixty agents from the international art circuit, and compiled in the installation Between the Frames: The Forum (Barcelona), 1983-1993 (2011). The origins of the work are to be found in the exhibition Comments at the Long Beach Museum of Art, 1983, in which the artist took part, and where the explanations of his piece La Televisión, 1983, given by the museum guides, prompted him to initiate this new project. The work is part of Muntadas’s multiple installations that dissect the complex mechanisms of art, politics and economics.

According to the author, Between the Frames: The Forum (Barcelona), 1983–1993 (2011) presents ‘a vision of the art system in the eighties’, although the configuration of the work continued until the beginning of the year 2000, through the artist’s constant re-elaborations and modifications of the presentation device of the installation. The work includes eight ‘chapters’ of different durations (between 15 and 45 minutes), amounting to a total of 260 minutes of screening, edited by Muntadas from two hundred hours of interviews conducted by him with dealers, gallery owners, collectors, museum directors, guides, critics and media specialists. The last chapter serves as an ‘epilogue’ in which Muntadas gathers together the opinions of several artists regarding the art system. The interviewees – professionals representing the various levels of mediation between the work of art and the public – talk about their values, functions, responsibilities and points of view. Even though every interviewee was asked the same questions, the flow of responses expresses a significant variety of often-conflicting opinions.

Muntadas presents these videos with a radial exhibiting device: a circular modular structure with a central space (a physical space for discussions, hence the term Forum in the title), marking the convergence of seven cellular spaces with a monitor each, where the various chapters are projected simultaneously. Each space (lit in a different colour) is dedicated to a particular type of art professional. Each section functions independently, but also as an integral part of the series that converges into the central space, a meeting place where contrasting opinions are expressed and where the spectator can wander, reorder and interpret what is being seen and heard. The installation’s radial structure evokes an inverted Panoptic, the architecture of the modern penitentiary system, which, according to Michel Foucault, characterises disciplinarian modern societies. Muntadas puts the spectator in the place of the invigilator, so that he becomes a supervisor of the art system. In this way, the public is asked to be vigilant.

In the videos projected in the different spaces of the installation, Between the Frames: The Forum (Barcelona), 1983–1993 (2011) avoids the classic visual format for interviews. Instead of showing the interviewee (who appears only at the beginning), the recorded answers are accompanied by images that function as a visual metaphor of the role of the interviewee in the art system. Thus, a day at the Tokyo Stock Exchange for the collectors, the comings and goings of waves for the critics, and a train for dealers and gallery owners. These images, qualified as ‘open visuals’ by the artist, are a visual resort that helps to reinforce the project’s intention. However, although generic names such as ‘critics’ or ‘collectors’ are used and their specific roles expressed, the interviewees offer a totally heterogeneous perception of their role. The images reinforce this plurality: Muntadas associates each group of professionals with a visual theme, but the images come from multiple camera perspectives: a way of indicating that what matters are not the people speaking or their positions of authority, but the values and opinions they bring to the fore. This allows Muntadas to avoid the art world’s tendency towards mystification. Furthermore, all the interviews are presented in their original language: English, Spanish, Catalan, Italian, French and Portuguese.

The installation’s modular structure is adapted to the architectural constitution and the different needs of every space. Although the original version of the work was circular, in 1994, at the Musée d’art contemporain, Bordeaux, the monitors were distributed in different parts of the museum. Lately, Muntadas has invited various professionals from the art world and other cultural fields to construct the presentation device, in accordance with the music model where every musician plays his own score. Since MACBA acquired the work in 2010, Muntadas has recovered the original circular structure, which is shown next to the testimonials of the successive installations and actualisations of the work.

Coinciding with the presentation of Between the Frames: The Forum (Barcelona), 1983–1993 (2011) at MACBA, visitors will find, on the ground floor of the MACBA Study Center, the original interviews that served as raw material for the videos in the installation. The recordings were acquired by the Library in 2009, when the artist and MACBA agreed on the digitalisation of the material, since it constitutes a valuable document for anyone interested in the art world’s protagonists during the eighties. Far from limiting or closing the work, this double acquisition offers new readings and interpretations of the project, given its long duration and constant reformulation.


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Museu d’Art Contemporani de Barcelona
www.macba.cat
http://twitter.com/MACBA_Barcelona

[Muntadas, Between the Frames: The Forum, 1983-1993. MACBA Collection. Fundació Museu d’Art Contemporani de Barcelona. Colección Fundación Repsol. Photo: Yokohama Portside Gallery, Yokohama, Japan, 1997. Courtesy of the artist. © Muntadas, VEGAP, Barcelona, 2011]

Septiembre 27, 2011

Narrativas de fuga V. Rabih Mroué & Hito Steyerl.

NarrativasdefugaV_u.jpgAbierto plazo de inscripción
UNIA arteypensamiento
Seminario-taller (Asistencia previa inscripción):

Fecha: 19 - 22 octubre 2011
Horario: 10:00-14:30 h. y 17:00-20:30 h.
Lugar: Sede de la Universidad Internacional de Andalucía en Sta. María de La Rábida, Palos de la Frontera, Huelva
Coordinación: Nuria Enguita Mayo
Más información en www.unia.es/arteypensamiento



PRESENTACIÓN

Imágenes itinerantes

Las imágenes, del mismo modo que otros objetos y/o artefactos, son agentes de la historia, pero no solo informan de acontecimientos pasados sino sobre todo de la forma, de los modos en que estos fueron codificados. Son, como el lenguaje o la ciudad, superficies de inscripción privilegiadas para el estudio de la historia o para el trabajo sobre la memoria. La recuperación, la reorganización y la puesta en circulación de las imágenes del pasado suponen, como nos enseña Didi-Huberman, un intento de convocar un tiempo crítico, propicio no a la identificación, sino a la reflexión política.

La posibilidad de un tiempo crítico que nos permita reflexionar políticamente es, a su vez, la posibilidad de conseguir formas extensas de temporalidad donde el pasado no esté clausurado, terminado, definido. Volver a mirar ciertas imágenes del presente, o desde el presente, recoger los restos –lo que ha quedado fuera del archivo, lo que permanece en el espacio profano– y plantearlos en una nueva configuración, frente a los valores establecidos por la tradición en los archivos de la cultura, libera nuevos significados y nuevas potencialidades que, a su vez, pasan a considerarse ejemplares en los archivos de la memoria cultural.

Pero lo que posibilita una reflexión política sobre el tiempo es la consideración de que el relato sobre el pasado es también una construcción, una interpretación, una forma de narración: el archivo tampoco es un reflejo de lo real, sino una estructura dotada de sintaxis y de ideología y las fuentes no son “puras”, obedecen a un tiempo complejo y ya estratificado, que comporta su propia política de la verdad, en el sentido expresado por Foucault. ¿Cómo podemos entonces poner de manifiesto esa construcción que es construcción ideológica del tiempo implícita en una imagen, para reinsertarla en otra narración, para liberar una nueva tensión? ¿Cómo crear fisuras en esas políticas de la verdad? ¿Cómo utilizar las imágenes contemporáneas (virtuales, borrosas, a punto de desaparecer) para proponer otras narrativas? Y sobre todo, como nos plantean Hito Steyerl y Rabih Mroué en sus trabajos desde el documental y la performance, ¿cómo superar la jerga documental transnacional que conecta a las personas en el interior de los sistemas mediáticos globales? ¿Cómo proponer otros regímenes de identificación y sobre todo de recuperación y olvido del pasado?

La reflexión crítica de Hito Steyerl en sus textos y documentales, así como el trabajo de escritura y actuación del texto en las performances de Rabih Mroué proponen un cambio de paradigma en los modos y maneras de plantear una reflexión política desde las artes a partir de otros usos y formas de tratamiento de la imagen, superando su estatus de representación para interrogarla desde su propia facticidad y materialidad.

Imágenes precarias, sacadas de la Red, difusas, pobres; carteles de calle, fotografías y recortes de periódicos son los materiales, en continuo movimiento, a partir de los cuales se trabaja. Las imágenes no se plantean ya en términos de realidad o ficción, más bien son el pretexto para una transformación en la que su significado es inseparable de su dimensión espacial pero también afectiva, sensual o empática. Señalar las incongruencias de la imagen, sus desigualdades, articular con ironía y distanciamiento otras narrativas son procedimientos utilizados por ambos autores en unas prácticas que expanden las posibilidades de la forma documental, el teatro y la performance, mientras reconsideran sus definiciones tradicionales e investigan nuevas relaciones con la audiencia.

En el trabajo de Rabih Mroué y de Hito Steyerl, las imágenes itinerantes juegan un papel importante: imágenes que abarrotan las esferas suburbanas y las tierras bajas de la Red, imágenes que cambian de significado, perspectiva, encuadre, leyenda y, a menudo, incluso de protagonista al viajar por el tiempo y el espacio.

En esta quinta edición de Narrativas de fuga, Mroué y Steyerl dirigirán un taller conjunto que abordará algunos de los temas que atraviesan sus respectivos trabajos y los relacionan entre sí. Contaremos también con la presencia de Pablo Lafuente, quien establecerá lazos entre las obras, las estrategias y los discursos de ambos autores.

¿Qué papel juegan los medios digitales en la creación de nuevos modos de expresión políticos y estéticos? ¿Cómo aceleran, ralentizan o modifican los conflictos, las guerras civiles y la escritura de la historia? ¿Cuál es la implicación de los media –de las cintas de vídeo o audio, de los jpgs o los carteles– en la violencia? ¿Cómo interviene la lucha por los derechos de autoría y de reproducción –por conseguir que las cosas sean vistas y oídas– en estas consideraciones? Y el abandono de la representación, ¿no será quizá una nueva forma de huelga o de negativa?

A la luz de estas preguntas, Mroué y Steyerl debatirán sobre sus ensayos visuales y escritos y sus performances e incluirán trabajos cinematográficos que sirvieron de inspiración y motivación para sus investigaciones en curso de la dimensión política de los métodos de reproducción digitales (y analógicos).


PROGRAMA

MIÉRCOLES 19 OCTUBRE 2011

17:00 h.

Presentación del taller a cargo de Nuria Enguita Mayo

17:30 - 20:30 h.

Sesión a cargo de Hito Steyerl

En caída libre
Charla sobre la perspectiva vertical y las industrias militares y de entretenimiento. ¿Por qué de repente vemos el mundo desde arriba? ¿Qué significan todas estas perspectivas generales ofrecidas por Google Maps y estas imágenes de vigilancia? ¿Y qué relación guardan con un mundo en el que los puntos en común están desapareciendo a marchas forzadas? Muchos filósofos contemporáneos han señalado que el momento actual se caracteriza por un estado imperante de falta de razonamientos. No podemos asumir ningún terreno estable como base de las reivindicaciones metafísicas o los mitos políticos fundamentales ya que, en última instancia, sólo encontramos intentos provisionales, contingentes y parciales. Pero si no hay ningún terreno estable para nuestras vidas sociales y nuestras aspiraciones filosóficas, la consecuencia será necesariamente un estado permanente, o por lo menos intermitente, de caída libre tanto para los sujetos como para los objetos. Pero, ¿por qué no nos damos cuenta de ello?

_ Proyección:
- In Free Fall, Hito Steyerl, 2010, 32 min


JUEVES 20 OCTUBRE 2011

10:00 - 14:30 h.

Sesión a cargo de Hito Steyerl

Política del archivo
¿Qué es un archivo? ¿Qué es una versión original de una película? ¿Cuál es el impacto de las tecnologías digitales sobre la traducción? ¿Y qué congregaciones se creaban en el limbo digital de las redes mediáticas globalizadas? Estas cuestiones ser debatirán a partir del ejemplo de un éxito de ventas yugoslavo partidista y sus diversas secuelas en medios digitales. Las más de las veces el archivo preserva la historia de los vencedores, al tiempo que la presenta como realidad histórica o verdad científica. El archivo es una máquina realista, un cuerpo de poder y de conocimiento, y se sustenta por repetición. Para ser más precisos, la autoridad de los archivos tradicionales controla y regula la reproducción de sus ítems. Esto significa, evidentemente, que existen criterios respecto a cómo reproducir esos objetos «fielmente», según reglas específicas. En el campo audiovisual, sobre todo, se supone que los derechos de propiedad también son reproducidos. La repetición dentro del archivo está controlada por diversas lógicas de poder y de conocimiento, impuestas con frecuencia por el estado-nación y los intereses del capital. Pero hoy en día, la función del archivo se ha vuelto más complicada, por las razones más variadas, desde las tecnologías de reproducción digital hasta el hecho de que algunas naciones simplemente dejan de existir y sus archivos son destruidos y se desintegran. De forma temporal fue el caso del museo del cine de Sarajevo, que sufrió fuertes daños durante la guerra de los años noventa.

_ Proyecciones:
- In Journal no. 1- An Artist's Impression, Hito Steyerl, 2007, 21 min
- November, Hito Steyerl, 2004, 25 min
- Lovely Andrea, Hito Steyerl, 2007, 30 min

17:00 - 20:30 h.

Sesión a cargo de Hito Steyerl

En defensa de la imagen pobre
La imagen pobre es una copia en movimiento. De mala calidad, su definición es defectuosa. A medida que se acelera se deteriora. Es una imagen fantasma, una vista previa, un thumbnail, una idea errante, una imagen itinerante distribuida gratis, estrujada por lentas conexiones digitales, comprimida, reproducida, rasgada, remezclada, copiada y pegada en otros canales de distribución. La imagen pobre es un andrajo o un rasgón; un avi o un jpeg, un lumpen proletario en la sociedad clasista de las apariencias, clasificada y valorada según su definición. La imagen pobre ha sido subida, bajada, compartida, reformateada y reeditada. Convierte la calidad en accesibilidad, valor expositivo en valor de culto, películas en clips, contemplación en distracción. Liberada de los sótanos de cines y archivos, se ve lanzada a la incertidumbre digital, a expensas de su propia sustancia. La imagen pobre tiende hacia la abstracción: es una idea visual en su propio devenir.

Retirada de la representación. Spam visual y la gente
¿Quién es la gente hoy en día? ¿Qué aspecto tiene? Para obtener la respuesta no hay más que fijarse en el spam visual. El spam visual presenta gente atractiva, en su mayor parte desnuda, anunciando existencias baratas, pastillas falsas de Viagra o aparatos ortodónticos. La densidad de spam visual supera con creces la densidad humana. Quizá no sea la gente, sino los dobles contemporáneos de la gente, su imagen en negativo. Mientras tanto, la gente se ha declarado en huelga: rechazan ser representados.


VIERNES 21 OCTUBRE 2011

10:00 - 14:30 h.

Sesión a cargo de Rabih Mroué e Hito Steyerl

Cuidado, ¿es real?
Mroué y Steyerl conversarán sobre las relaciones que existen entre sus trabajos e introducirán la película Medium Cool.

_ Proyección:
- Medium Cool, Haskell Wexler, 1969, 110 min

17:00 h.

Conferencia a cargo de Pablo Lafuente
Pablo Lafuente pondrá en relación las maneras de reportaje, presencia e intervención que pueden ser vistas en Medium Cool con el trabajo de Steyerl y Mroué, especialmente los modos en los cuales ambos aparecen en su trabajo, ya sea como protagonistas, guías turísticos, militantes o azafatas. El objetivo de la conferencia es examinar cómo diferentes estrategias de subjetivación adoptadas por ellos mismos, estrategias por medio de las cuales se posicionan a sí mismos en relación a su trabajo, tienen como resultado diferentes nociones de verdad y políticas diferentes (políticas en el contexto de las artes visuales así como fuera de éste).

19:00 - 20.30 h.

Conferencia / performance a cargo de Rabih Mroué

Los habitantes de imágenes
Esta performance es una reflexión evocadora sobre los sentimientos paradójicos suscitados por las fotografías de individuos largo tiempo muertos. En ella intenta analizar, desde diferentes perspectivas, una selección de imágenes fotográficas, entre ellas un cartel del presidente egipcio Gamal Abdel Nasser y del primer ministro libanés Rafik Hariri, ambos fallecidos, que aparecen de pie juntos en un jardín a pesar de no haberse conocido nunca. En el texto Mroué propone, de manera discreta aunque también lúdica e ingeniosa, instrumentos críticos para entablar relación con la imagen y esboza fragmentos de contranarrativas, fragmentos sueltos todavía por montar en un futuro incierto: una aproximación afín a su idea de que lo que más necesita el arte es estimular a la gente a pensar las cosas de otra manera. Este ejemplo transmite el carácter singular del conjunto de la obra de Mroué, la cual, pese a estar enraizada en la experiencia vivida y la realidad histórica, resulta inexplicable, profunda y absurda.


SÁBADO 22 OCTUBRE 2011

10:00 - 14:30 h.

Conferencia / performance a cargo de Rabih Mroué

La revolución pixelada: Conferencia sobre el uso de los teléfonos móviles durante la revolución siria
Esta charla se propone estudiar las instrucciones y los consejos para la toma de fotografías durante los acontecimientos de la revolución siria, compartidos a través de Facebook y otras herramientas de comunicación virtual. ¿Qué relevancia tiene este acto de documentación fotográfica, visto por el prisma de Dogma 95, el manifiesto cinematográfico de los directores daneses Lars Von Trier y Thomas Vinterberg? ¿Cómo nos imaginamos los rastros fotográficos emitidos por los sirios en el universo inmenso de Internet? Un universo abierto, siempre cambiante, que se regenera constantemente, que está sujeto a virus y a otros fenómenos de deterioro, un universo enmarcado por descargas incompletas, imágenes pixeladas y modos de comunicación rotos. ¿Son las imágenes inconexas e incompletas enviadas por los sirios una extensión de su experiencia física? ¿Es el teléfono móvil una extensión de sus cerebros, sus cuerpos, su esencia?


INSCRIPCIÓN

La asistencia al taller requiere inscripción previa, y está dirigido a profesionales y estudiantes de artes visuales y escénicas, comunicación audiovisual e historia del arte, así como personas provenientes de otras disciplinas del ámbito de la cultura contemporánea interesadas en las nuevas formas de representación y su dimensión estética y política.

Número máximo de participantes: 25

Coste de matrícula: 90 euros. La matrícula incluye el alojamiento (en habitación doble compartida con entrada el día 19 y salida el 22 de octubre) y manutención (incluyendo la cena del día 19, pensión completa el 20 y 21 y el desayuno del 22 de octubre) de las personas inscritas en la residencia universitaria de la sede La Rábida.

Las solicitudes se realizarán rellenando el siguiente formulario online o enviando un email a uniaarteypensamiento@unia.es antes de las 12:00 h del 10 de octubre de 2011, incluyendo los datos personales (nombre, apellidos, dirección postal, teléfono y correo electrónico), currículum vitae y una reflexión sobre las razones por las que desea participar.

Las sesiones contarán con traducción simultánea.

La selección se hará por los directores del taller, y la admisión en el mismo, así como la forma de pago, se comunicará a las personas seleccionadas.

Certificados
Los alumnos matriculados que acrediten al menos la asistencia al 80% de las jornadas y, en su caso, hayan superado el sistema de evaluación previsto en el curso recibirán un certificado de asistencia en el que constará el número de horas del curso (24 horas).


PARTICIPANTES

Pablo Lafuente es escritor, editor y comisario. Es coeditor de la revista Afterall de Londres y conservador adjunto de la Oficina de Arte Contemporáneo de Noruega, en Oslo. Ha publicado sus escritos en catálogos y periódicos como Afterall, Art Monthly, Parkett, Radical Philosophy y The Wire sobre temas que incluyen la posibilidad de crítica y la relación entre imágenes e ideología, así como sobre la obra de los artistas Hito Steyerl, De Rijke y De Rooij, entre otros. Actualmente está llevando a cabo un proyecto de investigación sobre la historia de las exposiciones de arte contemporáneo, y también prepara una tesis doctoral sobre el cambio político en la obra de Louis Althusser y Jacques Rancière en la Universidad de Middlesex de Londres.

Rabih Mroué vive en Beirut. Actor, director y dramaturgo, es también colaborador de la publicación trimestral libanesa Kalamon y de TDR de Nueva York. Uno de los fundadores de la asociación Beirut Art Centre (BAC), de cuyo consejo directivo sigue siendo miembro, Mrouré ganó el Premio de las Artes Escénicas 2010 de la Foundation for Contemporary Arts de Nueva York y el Premio Spalding Gray 2010, también de Nueva York. Sus obras incluyen Extension 19 (1997), Three Posters (2000), Biokhraphia (2002), Looking for a Missing Employee (2003), Who’s Afraid of Representation (2005), Make Me Stop Smoking (2006), How Nancy Wished That Everything Was an April Fool’s Joke (2007), The Inhabitants of Images (2008) y Photo-Romance (2009).

Hito Steyerl es directora y escritora. Antes de estudiar cinematografía en Tokio y realización de documentales en Múnich había trabajado como especialista para el cine, gorila de discoteca y modelo de bondage. Sus ensayos literarios y fílmicos giran en torno al dilema de la producción de verdad documental y exploran el malestar político, el espectáculo y la violencia, así como la economía política de los medios de comunicación contemporáneos. Su obra insiste en una perspectiva feminista, aunque en el fondo desconoce el significado del término, y recorre las versiones más bajas y proletarias de la jerga digital. En los años 2008 y 2009 participó en el Workers Punk Art School de Berlín. Entre sus libros se cuentan The Colour of Truth (2008), Beyond Representation (2011) y The Wretched of the Screen (de próxima aparición).

Sin Espacio. Carrer Major 36. Mislata. Circunstancias fantásticas basadas en hechos reales

sinespacio-2-imagen_u.jpgDirección: Centre Jove “El Mercat”. C. Major 36. Mislata (Valencia)
Organiza Asociación Otro Espacio
Comisaria: Alba Braza Boïls
Coordina: Juan José Martín Andrés
Más información: www.otroespacio.org
info@otroespacio.org

Circunstancias fantásticas basadas en hechos reales.
Virginia Villaplana, Anita Di Bianco, David Ferrando Giraut, Mabel Palacín.

Circunstancias fantásticas basadas en hechos reales es una exposición presentada a modo de ciclo, compuesto de cuatro encuentros que constituyen un proyecto de investigación en torno a diferentes tipologías de narración aplicadas al formato vídeo.
Para ello, hemos liberado a la idea de realidad o sentido del mundo de la obsesión de tener una única dirección posible, y nos hemos concedido la licencia de considerar que todas las formas de narración existentes, o al menos aquellas conocidas, son válidas para representar una realidad personal. Por ello, en Circunstancias fantásticas basadas en hechos reales, toda realidad o mundo pasa a ser verídica sólo por el hecho de convertirse en el argumento de un relato, asumiendo la fantasía, magia, miedos, temores y deseos que pueda haber en él.

El relato como medio de comunicación de masas, la novela como texto científico, la biografía como texto universal, o el cine como recuerdo de nuestras experiencias personales, son los preámbulos de una exposición que se presenta como una sesión de cine introducida por el/la artista.

Stop-Transit, de Virginia Villaplana, es un docu-mental de ensayo sobre la obra de la escritora, crítica de literatura, compositora de canciones, traductora y educadora Idea Vilariño. En él se aborda su vida y obra, rescatándolas del olvido que provocó la dictadura y persecución tras el golpe de estado de 1973 en Uruguay. No es la primera vez que Virginia usa como herramienta generadora de narraciones traer a la luz documentos, vidas, obras o hechos que han permanecido en un segundo plano (Exhumación de la infamia, 2006-2009). En el caso de Stop-Transit se trata de una pieza que ha sido elaborada en colaboración con la propia escritora, recuperando imágenes de los fondos de la cinemateca de Uruguay y usando diferentes textos que se fusionan con la obra de la poeta.

Para la recuperación de la memoria o para la creación de relatos a partir de materiales biográficos (Mediabiografía [1]), Virginia también ha recurrido a documentos de carácter más íntimo como en Intourist Memoria 1970, en el que se parte de un película de Súper 8 restaurada. Se trata del recuerdo de un viaje familiar, amateur, que nos presenta una mirada a modo de testimonio de las diferencias culturales, contadas mediante anécdotas que el narrador encuentra en su recorrido de Moscú a Leningrado, aún durante el período comunista.

Si bien en estas dos obras aparecen imágenes recuperadas de archivos, en Der Versteller, de Anita Di Bianco, las imágenes son producidas para la ocasión, creando escenarios casi cinematográficos que se complementarán con un guión que nace a partir de fragmentos literarios conocidos.

La obra se compone a su vez de dos vídeos, el primero de ellos, Du rêve et des drogues (El sueño y las drogas) es un extracto del libro Con los ojos abiertos: Conversaciones con Matthieu Galey, obra que recoge la entrevista que Galey hace a la novelista, poeta y dramaturga belga Marguerite Yourcenar. En él reflexiona a modo de revisión sobre Les songes et les sortes (Los sueños y los sortilegios) publicado por ella en el año 1938, en el que se detalla la estructura estética de los sueños, las relaciones entre conocimiento e imaginación, y se intenta reconstruir la personalidad de personajes históricos a través de testimonios que han quedado de sus sueños.

El segundo, Ballad in Plain D, se inspira en la obra Campo Santo, de W. G. Sebald, en la que los espíritus y espectros que habitan sus escenarios son seres reflexivos y preocupados sobre temas no mundanos y que van acompañados de referencias bibliográficas (Kafka, Nabokov...) que casi los legitiman como hechos reales.

Seres fantasmagóricos y nostálgicos aparecen tam-bién en Journeys End in Lovers Meetings (Los viajes terminan en el encuentro de los enamorados) de David Ferrando Giraut.
En el filme los tres personajes viven un momento extraño dentro de la estética del cine de terror en la que se encuentran. Sentimientos de amor declarados de forma continua, usando un lenguaje que reúne todos los tópicos cinematográficos pero que resultan ser en realidad una selección de fragmentos de guiones de películas de terror del período entre 1979 y 1989, que unidos a modo de collage, forman inconexamente un único diálogo.

Este hecho se queda al descubierto en Journeys End In Lovers Meetings (Black Chamber) que a modo de making of muestra los fragmentos de las películas de las que se ha tomado.

Ya en Natural Scenes, 2006, se incluía imágenes de películas de terror combinadas con escenarios naturales de las proximidades del pueblo natal del artista, pero aquí se centra en la idea de amor propia de este género, en la que la muerte siempre resulta estar presente; una reflexión que parte del texto de S. Zizek Sobre la violencia. Seis reflexiones marginales y que David desarrolla a partir de imágenes que remiten a la estética de dichas películas.

La narración construida a partir del fragmento también aparece en Hinterland, de Mabel Palacín, obra que es indistintamente fotografía y vídeo. En esta ocasión se trata de un relato construido a partir de una única imagen fotográfica y desarrollado sólo mediante el movimiento de la cámara que atentamente recorre todos los detalles que apare-cen en dicha imagen sin dejar cabida al azar. En este caso ésta no proviene de internet (C’era una volta (rojo), 2000), ni es la suma de varias imágenes o fotogramas (Séquence voiture / Nuit près du motel / Au petit cinéma, 1998), sino que se trata de una imagen formada por fragmentos y abundantes detalles. En el vídeo la distinción entre imagen fija y en movimiento desaparece, como también sucede en 180º (2011), obra que Mabel ha presentado en la 54 Bienal de Venecia.

Notas:
[1]. V. Villaplana Ruiz: Memoria colectiva y Mediabiografía como transformación de las narrativas culturales, Arte·y·políticas·de·identidad, vol. 3 (diciembre), 87-102, Murcia, 2010


Programación:

1 de octubre
Virginia Villaplana
Stop-Transit, 2001
Cortesía de la artista y Hamaca media & video art distribution from Spain
Intourist Memoria 1970, 2011
Cortesía de la artista

29 de octubre
Anita Di Bianco
Der Versteller (Du rêve et des drogues y Ballad in Plain D), 2007
Cortesía de espaivisor - Galería Visor

12 de noviembre
David Ferrando Giraut
Journeys End in Lovers Meetings, 2010
Journeys End In Lovers Meetings (Black Chamber), 2010
Cortesía del artista y espaivisor - Galería Visor

26 de noviembre
Mabel Palacín
Hinterland, 2009
Cortesía de la artista


Con la colaboración de: la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Mislata y Centro Juvenil El Mercat de Mislata, Galería Valle Ortí, Culturama, Estudio Paco Mora, Galería Kessler Battaglia, Tres Taller, Love Retro & Fun y Eurocosmos.

Ucronías, Autopsias y Vendette
Jordi Ballester, memoria y prospectiva

016_u.jpgLUGAR: Centre Cultural La Nau de la Universitat de València
Salas Estudi General, Thesaurus y Martínez Guerricabeitia
Universitat, 2
46003 València.

FECHA: Del 20 de septiembre al 4 de diciembre de 2011

HORARIO DE VISITA: de martes a sábado de 10 a 14 h. y de 16 a 20 h. Domingos de 10 a 14 horas. ENTRADA LIBRE

Organiza: Universitat de València
Produce: Fundació General de la Universitat de València
Patrocina: Bancaixa
Colabora: Patronat Martínez Guerricabeitia
Comisarios: Jaime Brihuega i Joan Dolç
Coordinador Exposición: Norberto Piqueras
www.uv.es/cultura



Introducción
Hace años que Jordi Ballester aventa la memoria de sí mismo y de lo que le rodea, poniéndola pone patas arriba en un verdadero ajuste de cuentas. Lo hace para que, como el agua de los pozos, no se pudra. Entonces procede a su autopsia.
¿Hace eso? ¿O, simplemente, se burla, se venga, se encara con todo lo que le precede, le rodea o le espera?
Sencillamente, Ballester edifica ucronías. Lo cual, según el Diccionario de la Real Academia de la Lengua, no es sino una:
"Reconstrucción lógica, aplicada a la Historia, dando por supuesto acontecimientos no sucedidos, pero que habrían podido suceder".
Así pues, son ucronías, autopsias y venganzas lo que vertebran el argumento de la presente exposición, subtitulada Jordi Ballester. Memoria y prospectiva.
Se trata de una muestra que reúne un centenar de bocetos, dibujos, cuadros, esculturas, monumentos e instalaciones audiovisuales, que concentran buena parte de los planteamientos intelectuales y estéticos que han preocupado al artista durante los últimos años.
A despecho de la crisis radical y endémica que envuelve la creación artística desde hace décadas, y negándose a compartir el disfraz de cinismo con que la tribu del arte acepta las reglas de un juego que ha dejado de creer incluso en sí mismo, Ballester entra y sale en la memoria de nuestro inmediato pasado artístico. En tales inmersiones se encuentra con un tapiz inconcluso y deshilachado cuyos cabos sueltos retoma y recompone a través de la ironía, la paradoja, el amor o la sorna.
Fruto de este odiseico viaje, surge una obra variada en su forma y temática, cuyo sentido apunta en direcciones múltiples. Piezas cargadas de argumentos estéticos, éticos e ideológicos que tampoco olvidan cifrar, de una u otra forma, nuestro presente histórico y los horizontes hacia donde éste debiera moverse, en una dirección de progreso.


La exposición se estructura en cuatro partes:

Postrimerías de la realidad. Los años de plomo. Sala Estudi General

En 1976, Joan Cardells abandona Equipo Realidad. Durante los dos años siguientes, Jorge Ballester todavía continuará trabajando bajo la misma rúbrica. Primero con Carrazoni y, finalmente, en solitario. De este periodo proceden una serie de obras, prácticamente desconocidas, que cierran el ciclo de aquella relevante presencia en la historia del arte español de la segunda mitad del siglo XX.

Una selección de estas piezas conforma el prolegómeno de la presente exposición. Suponen el nexo entre el último Jorge Ballester asentado en la memoria colectiva, testigo implacable de los años de plomo, y el que ahora renace de sus cenizas, dispuesto a rediseñar, tanto el no-haber-sido como el poder-ser. Son obras gestadas en el ambiente de una sórdida España predemocrática. Se trata de obras gobernadas por el confuso ritmo de aquellos acontecimientos his¬tóricos que, día a día, iban perfilando el tortuoso itinerario del periodo que conocemos como la Transición.

Ucronías cubistas. Sala Estudi General

En este bloque y a través de bocetos, dibujos, cuadros, esculturas y un espacio monumental, compuesto por una botella, un vaso y una fruta gigante de color blanco, Ballester reflexiona visualmente más allá de los límites que el propio Cubismo se impuso a sí mismo. En el bodegón tridimensional de proporciones habitables, el público puede pasear y modificar la visión del espacio cubista en función de la acción claroscurista de la luz y del punto de vista de quien lo contemple En esta sección, Ballester reflexiona visualmente más allá de los límites que el propio cubismo se impuso a sí mismo y aborda una revisión de la experiencia cubista en términos de ucronía propiamente. Unas veces, Ballester disuelve conscientemente la frontera entre la pintura y el diseño gráfico, que el propio Cubismo había jugado a debilitar o a transformar.

Carnés de Identidad. Sala Thesaurus

Cuando le preguntan a Jorge Ballester por su profesión, suele contestar que es “hartista”. Lo que equivale a manifestar su hartazgo con respecto a un buen número de cosas, muchas de ellas propias de la esfera del arte, que parece seguir funcionando como si todo estuviera bien en el mejor de los mundos. Pero tal ironía no deja de ser sino la exhibición de un conceptual carné de identidad. Asunto, este de la identidad, que le preocupa especialmente, como lo demuestra la galería de protagonistas de la aventura estética contemporánea que se reúne en este ámbito. Se trata de verdaderos retratos-prospectivos de personajes como Picabia, Marat, Paulina Bonaparte, Savinio, Beckmann, Pittaluga, Salmon... a los que somete a metamorfosis, suplantaciones y otros ejercicios, a través de los que muestran un trasfondo no siempre visible. Ballester también aborda personajes anónimos y su propio autorretrato.

Queridos monstruos. Sala Thesaurus y Martínez Guerricabeitia
Este último apartado de la exposición propone un ámbito más íntimo, en el que se mostraría una de las mitologías personales de Ballester. Para esta ocasión se ha elegido el peculiar ambiente que gira en torno a la lucha libre mexicana. Con sus máscaras y atuendos chillones y estrafalarios, travestidos en personajes de un cómic de cartón piedra o de un kabuki sudorosamente cutre, aunque vulnerablemente humanos, los personajes de este inframundo contrastan con otras caricaturas mediáticas del mundo del espectáculo de la lucha.


SOBRE EL CATÁLOGO
La muestra se acompaña de un libro-catálogo que incluye, además de la reproducción de la obra expuesta y de un DVD con el documental y las videoinstalaciones, una serie de ensayos sobre su significación.
Además de los textos de Jorge Ballester, Jaime Brihuega y Joan Dolç, figurarán los de Ignacio Ramonet, Javier Lacruz, Román de la Calle y Pablo Ramírez.

Kopflos, Jorge Ballester. 1986]

Septiembre 26, 2011

iD Barrio [La Marina]. Proyecto M1

cartel_marina_0913_u.jpgiD Barri BCN [La Marina] presenta Proyecto M1, un proyecto de Anaïs Bas Mantilla, Catarina Eisele Cabral, Irati Ezeiza y Rita Rabaça, quienes, con
la tutoría de Xavi Camino, han desarrollado un proceso de trabajo basado en el análisis y la negociación con diferentes personas y colectivos del barrio La Marina. El proyecto se ha llevado a cabo en estrecha colaboración con La Unión de Entidades de La Marina y se inscribe, a su vez, dentro de su proyecto de 'Convivencia'.

iD Barrio BCN [La Marina]

iD Barrio es un proyecto de Idensitat que actúa como observatorio del territorio y como laboratorio para el desarrollo de procesos creativos que se conectan con determinadas realidades sociales inscritas en lugares que forman parte de las concentraciones urbanas contemporáneas. El proyecto promueve la relación entre las prácticas artísticas y el espacio social local, y persigue estimular la creación colectiva como elemento de transformación en el territorio.

iD Barrio tiene como objetivos analizar para entender las dinámicas del espacio; visualizar para interpretar las articulaciones diversas que operan en los lugares; proyectar para trazar nuevas dinámicas productivas, y colaborar para potenciar y multiplicar las capacidades creativas. Buscar integrar los procesos artísticos en otros procesos, busca la transdisciplinariedad, busca la participación social y busca las fisuras para generar oportunidades de crear, a través de metodologías colectivas, nuevas referencias en el territorio en que plantea su actuación.

iD Barrio ha sido desarrollado anteriormente en lugares como Calaf, el barrio del Raval (Barcelona), el barrio del Gorg (Badalona), Bom Retiro y Santo Amaro (São Paulo). En este caso, el proyecto se está realizando en el barrio de La Marina (Barcelona). La Marina de Puerto es un barrio de nueva planta que se está desarrollando en la antigua Zona Franca y será uno de los barrios que forman el distrito de Sants-Montjuïc, en Barcelona.

En noviembre de 2010, Idensitat, en colaboración con La Unión de Asociaciones de Marina, realizó el taller iD Barrio Barcelona [La Marina], el cual planteó un trabajo de campo del barrio de La Marina, con el fin de recoger historias orales, visuales y otros datos, para construir dispositivos de representación, visualización o de acción concreta. El taller fue impartido por el colectivo Hackitectura.net [José Pérez de Lama, Sergio Moreno Páez, Pablo de Soto, Laura Hernández Andrade, Jaime Díez Honrado, Ale González] y contó con la participación de Núria Burguillos, Xavi Camino, Colectivo línea, Francesc Magrinyà, Oriol Granados, Ramon Parramon, Martí Peran, Elisenda Tomás y Mireia Tartas.

Participaron en el taller Adela Simón, Ana Candenas, Anaïs Bas, Carolina Bonfim, Catarina Eisele, Dimas Carrasco, Leonor Sintes, Emanuela Bove, Filipe Correia, Francesco Cocco, Gema Herrero, Giuseppe libertino, Irati Ezeiza, Isabel Codina, Iván Martínez, Jaime Esparza, Jordi Pruna, Jordi Valls, Karen Lira, Leticia Berrizbeitia, María Ríos, Mauricio Marquez, Miguel Angel Cepeda, Nicola Scandroglio, Nuria Manso, Raimundo Pibiri, Ricardo Escudero, Rita Rabac, Senén Roy y Simonetta Gorga. Los participantes formularon sus propuestas a través de una tutoría dirigida por Hackitectura.net, con el apoyo del equipo de Idensitat y las aportaciones de todos los colaboradores. De todos los proyectos realizados durante el taller se escogió el Proyecto M1 que se ha llevado a cabo durante el 2011.


Proyecto M1

Anaïs Bas Mantilla, Catarina Eisele Cabral, Irati Ezeiza y Rita Rabaça
son las autoras del proyecto que, con la tutoría de Xavi Camino, han desarrollado un proceso de trabajo basado en el análisis y la negociación con diferentes personas y colectivos del barrio La Marina. Se ha llevado a cabo en estrecha colaboración con La Unión de Entidades de La Marina y se inscribe, a su vez, dentro de su proyecto de Convivencia.

El proyecto se centra en la complejidad social generada por la diversidad y dispersión de los núcleos urbanos que conforman el barrio de La Marina. Mediante la construcción de un dispositivo itinerante, quiere provocar la interacción entre vecinos de diferentes barriadas para promover la convivencia y visualizar actividades que se realizan en el barrio transformando el uso del espacio público. Para su construcción, las autoras han utilizado materiales de desecho, siendo coherentes con el entorno industrial en que se encuentra el barrio y para generar conciencia de las oportunidades que da la reutilización.

Del 30 de septiembre al 8 de octubre de 2011, el dispositivo desplegará un itinerario por el barrio de La Marina, y se instalará en cinco emplazamientos diferentes. Esto proporcionará un espacio físico a los vecinos que tendrán la posibilidad de poner en común diferentes actividades. Algunas de ellas son propuestas por las autoras del taller (como un taller de mobiliario), y otras son propuestas por diversas entidades del barrio.


Programación

30 de septiembre
Taller de muebles de cartón + taller de baile
Lugar: Plaza Sant Cristòfol (Sant Cristòfol)
Hora: A partir de las 17:00 h

1 de octubre
Taller de muebles de cartón
Lugar: Plaza Sant Cristòfol (Sant Cristòfol)
Hora: Todo el día (a partir de las 11:00 h)

2 de octubre
Taller de grabado de fotos + Taller de baile infantil + Desayuno popular
Lugar: Plaza del Medio (Can Clos)
Hora: A partir de las 11:00 h

3 de octubre
Taller de grabado de fotos
Lugar: Plaza del Medio (Can Clos)
Hora: A partir de las 17:00 h

4 de octubre
Taller de pintura sobre telas + Taller de pulseras
Lugar: Plaza Falset (Eduard Aunós)
Hora: A partir de las 17:00 h

5 de octubre
Taller de maquetas + Decoración del Baúl Imagínate
Lugar: Plaza Falset (Eduard Aunós)
Hora: A partir de las 17:00 h

6 de octubre
Taller de maquetas + Taller de pulseras
Lugar: Plaza de Lorca (El Polvorín)
Hora: De 17:00 h a 20:00 h

7 de octubre
Taller Gincana + Merienda popular
Lugar: Plaza de Lorca (El Polvorín)
Hora: De 17:00 h a 20:00 h

8 de octubre
Fiesta de clausura con chocolatada, charlas, talleres, gincana, actuaciones y muchas otras actividades.
Lugar: Plaza de la Marina de Sants
Hora: Todo el día (a partir de las 11:00 h)


Currículums de los participantes:

Anaïs Bas Mantilla. Estudiante de Arquitctura, Universidad de Arquitectura Superior del Vallès (UPC) y TU Dresden, Alemania. Ha participado en la feria Construmat (2009) y el festival Eme3 (2009), así como en diferentes workshops en Italia y Alemania sobre arquitectura sostenible y en la rehabilitación de algunas casas rurales en Cataluña. Ha colaborado en la creación de proyectos educativos en grupo y en la organización de talleres y actividades con población en riesgo de exclusión social. Actualmente está trabajando en el proyecto final de carrera, centrado en las carencias de los tejidos urbanos, a nivel de espacio público y red social.

Catarina Eisele Cabral. Paisajista. Estudió paisajismo en Lisboa y Ljubljana. Desde 2007 trabaja como freelance en proyectos de paisajismo (jardines, patios de escuela) y colabora con estudios de arquitectura en Portugal y España, realizando proyectos de integración del paisaje y de otras de carácter más social. El interesan las intervenciones efímeras en el espacio urbano como forma de transformación social, tema en el que profundizó con su proyecto de fin de carrera. Actualmente colabora con el estudio de arquitectura Straddle3 en proyectos de construcción con materiales orgánicos y reutilizables. Es un agente activo en la red Arquitecturas Colectivas, así como en la participación y la promoción de otras formas de arquitectura alternativa.

Irati Ezeiza Karrera. Estudiante de Arquitectura, Universidad de Arquitectura Superior del Vallès (UPC) y Universidad de Talca. Ha participado en talleres de construcción con materia orgánica y reutilizada, así como en proyectos cooperativos y colaborativos en España, Turquía, Chile e Italia. Ha trabajado en la organización, coordinación y monitorización de varios campos de trabajo en torno a la rehabilitación de caminos y de patrimonio arquitectónico y cultural. Actualmente trabaja en un proyecto que quiere integrar recursos naturales y sociales a través de la arquitectura y la agricultura, así como optimizar la gestión energética.

Rita Rabaça. Paisajista, Instituto Superior de Agronomía, Lisboa (2009). Está interesada en la autoconstrucción con materiales reciclados y orgánicos en el cultivo de especies vegetales comestibles en el espacio público, así como en la integración social de este tipo de prácticas. En 2010-2011 fue beneficiaria de una beca Leonardo da Vinci para colaborar con Straddle3 en Barcelona, con quien sigue trabajando actualmente. Se ha convertido en un miembro activo de la red Arquitecturas Colectivas, con la que participa en proyectos de mobiliario urbano con materiales reciclados y realizando fachadas y coberturas verdes con especies autóctonas y comestibles.

Xavi Camino. Antropólogo y educador social. Licenciado en Antropología Social y Cultural por la Universidad de Barcelona (2002). Diplomado en Estudios Avanzados del programa de doctorado "Antropología urbana y movimientos sociales» por la Universidad Rovira i Virgili (2005). Actualmente es profesor de Antropología en la Escuela Superior de Diseño Elisava. Tiene una beca de investigación de la Fundación Museo Olímpico y la Fundación Ernest Lluch para desarrollar la tesis Estudio cultural sobre el skateboarding en la ciudad de Barcelona. Sus líneas de investigación se han centrado desde el año 2000 en los procesos de apropiación y usos informales del espacio público a través del deporte.


iD Barrio BCN [La Marina] es un proyecto de IDENSITAT, en colaboración con La Unión de Entidades de Marina y con el apoyo del PAuS (Escuela Técnica Superior de Arquitectura del Vallès, UPC), el Instituto de Cultura el Ayuntamiento de Barcelona, Generalitat de Cataluña, Consejo Nacional de la Cultura y las Artes y Hangar.

La Unión de Entidades de La Marina (UELM) es una entidad que agrupa a las diferentes asociaciones de los barrios de la Marina de Puerto y de La Marina del Prat Vermell, situados en el extremo más sur de la ciudad de Barcelona, en el distrito de Sants-Montjuïc. La UELM nació en 1987, con la voluntad de aglutinar y vertebrar el tejido asociativo de La Marina, apoyó y servicios a las diversas entidades y favorecer el intercambio de experiencias. Tras más de dos décadas de trayectoria y con 35 entidades adheridas, continúa trabajando para la consolidación del asociacionismo y la cohesión social en el barrio.
Más información: www.entitatsdelamarina.org


IDENSITAT es un proyecto de arte que investiga sobre las maneras de incidir en el ámbito del espacio público a través de propuestas creativas en relación con el lugar y el territorio desde la dimensión física y social. Constituye una plataforma de producción e investigación en red, en el ámbito artístico en la que se puede experimentar nuevas formas de implicación e interacción en el espacio social.

Más información: www.idensitat.net
Contacto: idensitat@idensitat.net

Septiembre 23, 2011

Convocatoria para artistas – Curators’ Network

blancoynegro-imprimir_u.jpgConvocatoria abierta hasta el lunes 3 de octubre de 2011
Inscripción gratuita aquí: http://www.curators-network.eu/madrid/gathering_subscription

Más información: http://www.curators-network.eu/madrid/

Contacto:
Sören Meschede
Hablar en Arte
e-mail: soren@hablarenarte.com
teléfono: 913080049

¿Tienes un proyecto artístico interesante? ¿Quieres darlo a conocer en el extranjero?

¡Buscamos a 20 creadores que quieran aprovechar esta oportunidad! Durante el primer encuentro de Curators' Network, que se celebrará en el Centro de Creación Contemporánea Matadero Madrid, podrás reunirte con expertos nacionales e internacionales que discutirán contigo tu portafolio. Además, dispondrás de un perfil autogestionable en el archivo digital de Curators' Network, que te ayudará a darte a conocer mucho más allá del propio encuentro.

La inscripción está abierta hasta el lunes 3 de octubre de 2011.

La convocatoria está dirigida a artistas que sean españoles o tengan en España su residencia habitual.
No hay límites de edad. La participación en la convocatoria es gratuita. Además los artistas seleccionados obtendrán una ayuda para viaje y estancia.
Cada artista o colectivo ha de presentar un dossier de un proyecto artístico que esté por realizar o esté recién elaborado y que todavía no haya sido expuesto ni publicado a nivel europeo. El tema de la convocatoria es libre, así como los procesos empleados (arte gráfico, escultura, fotografía, instalación, videoarte, arte sonoro, arte performativo, etc.)
De todos los proyectos presentados a la convocatoria se seleccionarán 20 propuestas.

Ver todas las bases de la convocatoria: http://www.curators-network.eu/madrid/gathering_terms/



¿Qué es Curators’ Network?

Curators’ Network es una plataforma que tiene como objetivo promover a los artistas prometedores de toda Europa, que todavía carecen de la promoción internacional que se merecen.
En la actualidad, Curators' Network está formado por gestores culturales y comisarios de España, República Checa, Rumania, Hungría y Polonia.
Hemos detectado que en nuestros países se extiende el "fenómeno isla": Artistas y curadores locales están trabajando en estrecha colaboración, pero sus proyectos, exposiciones, trabajos y eventos – aunque destacables - permanecen desconocidos para el resto del mundo, porque a los agentes implicados les faltan métodos de promoción internacional.

Curators’ Network es nuestra respuesta a este "fenómeno isla". El método de trabajo de la red es muy sencillo: cada miembro de Curators’ Network invita a los demás participantes de la red, junto con otros profesionales del arte, a conocer in situ el panorama cultural emergente de su país. Estamos especialmente interesados en artistas, agentes y entidades que todavía no son conocidos en el extranjero pero que tienen calidad e interés suficientes como para ser introducidos en los círculos internacionales.
Además, la plataforma digital albergará un archivo audiovisual de creadores, comisarios y gestores culturales formulado a partir de la celebración de los primeros visionados organizados en los países de los miembros de la red. Será incrementado de forma progresiva al incluir los participantes de cada encuentro que se celebrará en el futuro, convirtiéndose así en una fuente de información fundamental sobre el arte contemporáneo joven europeo.


Organiza:                           Colabora:                        Con la ayuda de:

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Curators’ Network es un proyecto de Hablar en Arte y se publica aquí bajo la responsabilidad exclusiva de su autor. Las instituciones públicas y privadas mencionadas no son responsables del uso que pueda hacerse de la información aquí difundida.

Septiembre 22, 2011

¿Profesional oficialmente cualificado en Arte Contemporáneo? Ahora es posible.

JongHoonKim_u2.jpgEl Máster Universitario en Arte Contemporáneo de la Universidad Europea de Madrid dota al estudiante de la formación más actual para el sistema profesional del arte contemporáneo, donde es necesaria la posesión de una gran diversidad de habilidades y conocimientos, tanto prácticos como teóricos. Además, este postgrado ha obtenido una de las mejores calificaciones en el “Ranking de los 250 mejores Máster”, elaborado por el periódico El Mundo.

El desarrollo del Máster oficial cubre aspectos tales como la profundización en cuestiones teóricas de primer orden, asociadas al pensamiento contemporáneo en el contexto de la producción artística, y la interrelación de la obra de arte con la sociedad y la cultura actual.

Asimismo, para facilitar la inserción laboral del alumnado en un contexto de complejidad, se articula un sistema de práctica adaptada a la realidad del mundo profesional:

• Seminarios a cargo de profesionales
• Exposición final en la sala Off Limits
• Edición de un catálogo


Creación, intermediación, gestión y dirección de proyectos artísticos: la profesionalización es el objetivo fundamental de este programa.

En el marco del nuevo Espacio Europeo de Educación Superior (EEES), los conocimientos y competencias que adquieren los alumnos del Máster Universitario en Arte Contemporáneo les capacitan también para desarrollar una carrera de investigación, aportando una sólida base para el desarrollo del doctorado, al que se accede directamente.

Entre las empresas colaboradoras del Máster están:
Intermediae
Photoespaña
Avam
Off Limits

Infórmate sobre el programa de este Máster Universitario

Además del Máster Universitario en Arte Contemporáneo, también pueden ser de tu interés las siguientes titulaciones del sector de Arte y Diseño:

Máster La Fábrica en Ingeniería Cultural

Máster PHotoEspaña en Fotografía: Teorías y Proyectos Artísticos

Máster en Diseño y Gestión de exposiciones


¡Solicita más información sin compromiso!


Escuela Superior de Arte y Comunicación
CAMPUS VILLAVICIOSA DE ODÓN

C/ Tajo, s/n
Villaviciosa de Odón. 28670 Madrid
Tel.: 902 23 23 50
www.uem.es
postgrado@uem.es


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[imagen © Jong Hoon Kim]

Septiembre 21, 2011

Seminario online: PULSIÓN Y PRODUCCIÓN VISUAL: ACERCAMIENTO A UNA PRAXIS DE LO INCONSCIENTE

Osvaldow3art_u.jpgDuración: del 10 de Octubre al 4 de Diciembre de 2011 (8 semanas)
Fecha límite de inscripciones: 1 de Octubre, 2011
Información detallada: http://www.tallermultinacional.net/ppv
Formato de inscripción: http://www.tallermultinacional.net/formato-de-inscripcion
Mayores informes: Tel. +52 (55) 5518 7710 / Skype: taller.multinacional / info@tallermultinacional.org

PULSIÓN Y PRODUCCIÓN VISUAL: ACERCAMIENTO A UNA PRAXIS DE LO INCONSCIENTE

Este seminario investiga la determinación pulsional que existe como motor de la producción visual. Se hará una aproximación a la teoría de las pulsiones del Psicoanálisis para intentar comprender los detonadores psicológicos en la construcción del universo de una praxis visual, llámese arte, diseño, publicidad o medios visuales en general. El seminario está orientado en fomentar en los participantes un repensar de su práctica artística, introduciendo nociones de los contenidos inconscientes que se presentan en la configuración de un discurso. Utilizando el concepto de Pulsión Escópica como eje, se realizarán ejercicios específicos que tendrán como finalidad determinar los componentes del discurso de los participantes, relacionados a las narrativas de lo inconsciente, donde se definirán: la posición desde donde se narra un discurso, la determinación pulsional detrás de dicho discurso, el diseño de la estructura del universo imaginario y por último las posibilidades de reinvención de este universo.

El seminario se desarrollará mediante la lectura de textos significativos, discusiones de los conceptos y la realización de ejercicios, todo esto orientado a la práctica de los participantes.


Objetivos:

-Acercar a los conceptos de Psicoanálisis y Fenomenología que son clave en la práctica de las artes visuales.

-Incentivar la exploración personal del discurso visual mediante la descomposición de sus elementos principales.

-Fomentar el análisis crítico de la producción mediante ejercicios prácticos que arrojen luz sobre las determinaciones pulsionales de cada uno de los participantes.

-Facilitar el análisis de la constitución de los universos visuales y sus objetos dentro de la práctica de cada uno.

-Configurar la posición de la práctica artística dentro de un conjunto de operaciones inconscientes más amplias para permitir un flujo continuo de la misma.


Temario Detallado en: http://www.tallermultinacional.net/ppv


Dirigido a: Estudiantes de arte, comunicación y medios audiovisuales, artistas, productores visuales, diseñadores y público en general que cuente con una práctica artísitica y/o visual.


Para más información contactarse a: info@tallermultinacional.org / skype: taller.multinacional / +52 (55) 55187710


Formato de inscripción: http://www.tallermultinacional.net/formato-de-inscripcion


Opciones de Pago:
- Un solo pago de $2,700.00 para México (o USD $ 245 otros países)
- Dos pagos cada uno de $1,450.00 para México (o USD $ 130 otros países)
* Pregunta por nuestro sistema de mensualidades fijas sin intereses.


OSWALDO RUIZ (Monterrey, México, 1977)

Artista visual y académico. Estudió Arquitectura en la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL), posteriormente cursó estudios de posgrado de Arte Contemporáneo y Psicoanálisis en la Universitat Autònoma de Barcelona (UAB). En el 2007 recibió el título de Maestría en Bellas Artes con distinción del Central Saint Martins College of Art and Design, en Londres, Inglaterra.

Su trabajo se ha especializado en la investigación teórica y práctica de las artes visuales, específicamente en las áreas de fotografía y video, combinándolas con estudios de Psicoanálisis y Fenomenología aplicados al entendimiento del espacio; esto lo ha llevado, tanto en su propia práctica como en sus investigaciones, a definir una relación estrecha entre estos campos

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AULA VIRTUAL de TALLER MULTINACIONAL es un proyecto cuyo propósito es brindar a la comunidad hispanoparlante interesada en las artes visuales un programa educativo en línea que contribuya a dinamizar y reflexionar sobre la práctica artística.
http://www.tallermultinacional.net/

Septiembre 19, 2011

Inarticulado como esa planta que flota

imagenbol03_u.jpgBeatriz Olabarrieta
23.09-04.11 / 2011
inauguración 23.09 // 20 h

www.trayectogaleria.com

Una sociedad que se quiere organizada alrededor de la comunicación y los medios que la sustentan, como resultado, ha impuesto el querer decir sobre el querer hacer. Pero cada vez se hace más habitual ver como ciertos artistas abandonan, poco a poco, el espacio de producción de la prestación de servicios impulsado por la industria cultural de la mano del programa institucional neoliberal, para traer a cuento un espacio ya conocido comprendido entre la pasión y la reflexión. Dos instancias que se presentan de forma antagónica si se las analiza separadamente, pero que a través de una mirada asociativa es posible ver que el espacio que resguardan no es otro que un espacio para la producción de sentido. Solo en un espacio problemático es posible el sentido, o mejor, el sentido es precísamente la problematización del espacio y el tiempo. Es desde la problematización misma que es posible recibir el trabajo de Beatriz Olabarrieta cuyo título Inarticulado como esa planta que flota, remite a Deleuze en cuanto que la artista aspira a resistir ante la oferta de categorías asociadas a la analogía, al orden, a los conceptos, o a las categorías de sistema. Una aspiración que surge no en oposición, ni en posicionamiento, sino en devenir singular, individuación sin sujeto, o si se quiere, en otro flujo, devenir animal, devenir planta, devenir real.

Es notorio, nos encontramos junto al Deleuze de Mil mesetas, donde se ocupa de aclarar que devenir-animal es estar frente a una multiplicidad, y que “cada multiplicidad es simbiótica, es decir, reúne en su devenir animales, vegetales, microorganismos, partículas locas, toda una galaxia” (pág. 255). Pero esta insistencia del autor en aclararnos lo que entiende por devenir, para ejecutarse, tiene necesidad de recurrir a un término como “hacceidad” en tanto que coordenadas de un modo de individuación donde todo es relación de movimiento y reposo (latitud-longitud), [ ] poder de afectar y ser afectado. contaminar y ser contaminado,…Pero lo que espera en la realización del devenir molecular es la imperceptibilidad, devenir imperceptible.

Ante esto, Deleuze se pregunta: ¿Qué relación se puede dar entre lo imperceptible (anorgánico), lo indiscernible (asignificante) y lo impersonal (asubjetivo)? (pág,281). La pregunta ya abre cuidadosamente un espacio al cual no pertenece, un espacio donde la gobernabilidad no ha lugar, pero al mismo tiempo no puede evitar otra pregunta: ¿hay un exterior del exterior?

Septiembre 16, 2011

ESPACIOS, TRÁNSITOS Y DISPOSITIVOS MÓVILES.
Taller dirigido por Raumlabor

id_taller_raumlabor_frente3_u.jpgIDENSITAT, Can Xalant. Centre de creació i pensament contemporani de Mataró i ACVic Centre d’Arts Contermporànies.

10-14.10.2011

www.idensitat.net

Idensitat, en colaboración con Can Xalant y ACVic Centre d’Arts Contemporànies, abre una convocatoria para participar en el taller Espacios, tránsitos y dispositivos móviles, impartido por el colectivo berlinés Raumlabor [Andrea Hofmann, Axel Timm, Benjamin Foerster-Baldenius, Francesco Apuzzo, Jan Liesegang, Markus Bader y Matthias Rick]. El taller de proyecto Espacios, tránsitos y dispositivos móviles se inscribe en el marco del proyecto Ceci n’est pas une voiture, un proyecto comisariado por Martí Peran e impulsado de manera conjunta por Can Xalant. Centre de Creació i Pensament Contemporani de Mataró, ACVic Centre d’Arts Contemporànies e IDENSITAT. El taller cuenta con la colaboración del Cercle Artístic Sant Lluc, Ajuntament de Barcelona. Institut de Cultura y CONCA. El proyecto se plantea como un ejercicio de documentación y reflexión sobre la construcción de artefactos móviles en calidad de elementos para una concepción expandida del Museo o, en su lugar, como una alternativa al mismo.

Convocatoria abierta para participar en el taller
Del 10 al 14 de Octubre de 2011
Horario: de 10:00h a 20:00h
Lugar: Cercle Artístic de Sant Lluc. Palau Mercader, c/ Mercaders 42 08003 Barcelona
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Descripción del taller

Espacios, tránsitos y dispositivos móviles
plantea un trabajo de campo intensivo en el que se analizará el contexto del barrio de Santa Caterina en Ciutat Vella en Barcelona, y sobre el que se diseñará la construcción de proyectos y prototipos móviles. Se trabajará sobre el mapeo del espacio público del barrio y el desarrollo de elementos que incidan en él, a través de la interacción con las personas y la ocupación temporal del espacio. La experiencia y trayectoria de Raumlabor sobre este tipo de intervenciones, servirá para analizar otros contextos, dialogar sobre las propuestas de los participantes y actuar de motor para impulsar nuevos proyectos. Los resultado podrán formar parte del proyecto Ceci n'est pas une voiture.


Statement de Raumlabor

Estamos interesados en la ciudad como espacio de actividad. La identidad urbana nace de la identificación de uno mismo en relación a la ciudad.

En tiempos pasados, había una caravana gitana que venía a nuestro pueblo cada dos años. Venían con un gran número de caravanas y una tienda de campaña muy grande. Viajaban por todo el país siempre cargando las últimas invenciones, de lugar a lugar. Traían comida extraña, especies exóticas, el hombre más fuerte del mundo, una mujer profeta y un espejo en el que uno podía ver su alma. La gente del pueblo sentía excitación por una parte y una fuerte noción de miedo por la otra. Esta vida nómada y libre estaba de alguna manera cuestionando las fundaciones de nuestra ordenada y silenciosa comunidad. Pasadas tres o cuatro semana, cuando la caravana se iba, siempre había alguien en el pueblo que se había extraviado, y muchos otros tenían dificultades para volver a sus rutinas cotidianas.

Queremos contemplar la idea del museo móvil de un modo similar! Qué podría ser antagónico a viajar de lugar a lugar en nuestros tiempos? Cuál es el rol de la colectividad en nuestra sociedad ‘post-todo’? Qué debería pasar en un museo móvil, transportando contenido y significado de un sitio a otro? Cómo podemos cuestionar nuestras rutinas cotidianas? Qué podría ser el espejo en el cual vemos lo mejor de nosotros mismos? Qué tipo de arte puede ser expuesto en un museo móvil?

El museo móvil que queremos diseñar consiste en estructuras móviles. Cada estructura tendrá su propia función independiente, pero en combinación y relación la una con la otra todas crearán un nuevo tipo de museo y de posibilidades, para una redefinición temporal del espacio público. En el taller crearemos un Modelo 1:5 y dibujos del museo. Trabajaremos en grupos. Cada grupo debe desarrollar una unidad móvil que pueda funcionar independientemente y ser combinada para formar el museo móvil. Los resultados serán expuestos en la exposición Esto no es un museo. Artefactos móviles al acecho, en ACVIC. Centre d'Arts Contemporànies (octubre 2011- enero 2012).


Objetivos

_ Combinar la observación espacial y la investigación social para obtener una noción sobre deseos, necesidades y carencias del barrio de Santa Catarina en Barcelona.
_ Proyectar modelos de dispositivos móviles que respondan a los resultados de la investigación.
_ Establecer un diálogo entre los participantes e impulsar propuestas colaborativas.
_ Cuestionar la institución museística convencional y reformular las funciones del dispositivo expositivo como plataforma nómada para la participación directa y auto-gestionada, para el desarrollo de la investigación social y para la articulación de experiencias educativas.


Público al que va dirigido

El taller está dirigido a artistas, arquitectos, diseñadores, educadores, gestores culturales, historiadores, dinamizadores socioculturales, trabajadores sociales, estudiantes de sociología, antropología, arte, arquitectura, educación, así como un público que trabaje entorno a temas relacionados con la cultura y el espacio público. El taller se impartirá en inglés y contará con soporte puntual de traducción.


Dirección del Taller

Raumlabor es un colectivo berlinés que, desde 1999, trabaja con problemáticas relacionadas con la arquitectura y el urbanismo contemporáneos. A partir de varios equipos interdisciplinares, éste investiga estrategias para la regeneración urbanística. Raumlabor trabaja el diseño urbano y arquitectónico; la construcción; los ambientes interactivos; y siempre lo hace a través de la investigación. El colectivo está compuesto por
Francesco Apuzzo, Markus Bader, Benjamin Foerster-Baldenius, Andrea Hofmann, Jan Liesegang, Christoph Mayer, Matthias Rick y Axel Timm.

El taller Espacios, tránsitos y dispositivos móviles estará impartido por los siguiente miembros de Raumlabor:

Frauke Gerstenberg, nació en Berlín en 1968, estudió Arquitectura en UDK (Escuela de Arte de Berlín) y en Barcelona (ETSAB/Miralles). Se graduó en UDK Berlín con un Diplom (Máster) en 1998 y fue galardonada con el premio a la mejor Tesis del programa. Del 1999 al 2003, trabajó para Sauerbruch Hutton Architects en Berlín. Ha sido profesora en TU Munich del 2003 al 2009 and ha publicado diversos libros sobre la vivienda experimental. Desde el 2003 colabora con Raumlabor-Berlín.

Jan Liesegang, nacido en Colonia en 1968, estudió Arquitectura en TU Berlín, en la Kunstakademie de Copenhague y Cooper Union, School of Architecture, en Nueva York. Se graduó de TU Berlín con un Diploma (Máster) en 1997 y fue galardonado con el Premio a la mejor Tesis del programa. De 1998 a 2001 trabajó para Sauerbruch Hutton Architects en Berlín. En 1999 co-fundó raumlaborberlin. De 2001 a 2008 trabajó como profesor en la Art Academy, Stuttgart. En el 2010 ha hecho una visita de estudio en la academia alemana Villa Massimo, en Roma.

Dr. Phil. Katja Szymczak, historiadora del arte, nacida en Bad Orb en 1970, estudió Historia del Arte y Política en Berlín (TU Berlín), graduándose en 2005. Ha trabajado en la Bauhaus Dessau (2007-2010) y ha sido Directora de Producción de la exposición Modell Bauhaus (Berlín-Nueva York, 2010). Desde 2010 es Directora de exposiciones en la Martin-Gropius-Bau; ha sido Editora del catálogo Raisonée by Paintings of Horst Antes, y de la Colección Hoffmann, Berlín. Está especializada en arte y arquitectura del s.XX y XXI. Colabora con raumlaborberlin desde 2005 (Utopie 18 Spacebuster, entre otros proyectos).

Matthias Rick, arquitecto, nacido en Versmold en 1965, estudió Arquitectura en la TU , donde fue asistente del Profesor Horst Antes de 1998 a 2001. En 1997 fundó el Instituto para Artes de Construcción Aplicadas. Desde 2002 es miembro de raumlaborberlin, y desde 2009 hasta la actualidad, ejerce como profesor de arquitectura en la Academia de Arte, Arquitectura y Diseño de Praga.


Coordinación: Idensitat. idensitat@idensitat.net


Solicitud de inscripción
Los interesados en participar en el taller deberán presentar un texto de motivación y un currículum antes del 5 de Octubre de 2011. Las solicitudes deberán rellenar un formulario en la web http://idensitat.net, incluyendo un breve currículum y una carta de expectativas. Las plazas son limitadas y los participantes se seleccionarán según la documentación presentada. La cuota de participación en el taller es de 35 € para estudiantes y 45 € para profesionales. Incluye comida durante los días que se realiza el taller. Se requiere comprensión de inglés y se contará con asistencia puntual de traducción.


Lugar y Fechas
10-14 Octubre 2011
Cercle Artístic de Sant Lluc
Palau Mercader, c/ Mercaders 42
08003 Barcelona


Descripción general de Ceci n'est pas une voiture

La necesidad de un análisis crítico sobre los roles y las funciones del Museo ha sido abordada desde múltiples perspectivas. La denominada Crítica Institucional desarrolló esta labor, en primer lugar, mediante una generación de artistas que pusieron en cuestión los procesos de legitimación estética ejercidos por la propia institución; la segunda generación de la Crítica Institucional, a partir de la década de los noventa, se caracterizó por incorporar el análisis crítico en el interior de la propia estructura institucional, cual introspección que garantizara la capacidad de expansión de un museo invulnerable. En esta tesitura, se impone el imperativo de crear herramientas para una suerte de Crítica Institucional de tercera generación, capaz de examinar al museo desde la exterioridad y con la función de rehabilitar la capacidad de la experiencia estética como fundamento de una subjetividad en libertad y de una esfera pública plural. La creación de dispositivos para-museísticos, de carácter móvil, ha de interpretarse desde esta precisa necesidad y, en consecuencia, como una posible herramienta para esa Crítica Institucional de tercera generación.

La posibilidad de subvertir la lógica del Museo mediante la construcción de artefactos móviles tiene ya una larga tradición. Desde la célebre maleta de Marcel Duchamp (Boite-en-valise, 1941) o el sombrero de Roger Filliou (Galerie Legitime, 1962), las iniciativas para trasladar el ámbito de la experiencia estética más allá de los límites del museo se han multiplicado. Pero esta misma tradición de un “arte ambulante” (Isidoro Valcárcel Medina, 1976) también ha sido objeto de una reciente cooptación por parte del Museo convencional. En efecto, en la última década hemos asistido a una proliferación de tentativas por multiplicar el perímetro del Museo tradicional mediante estructuras portátiles (los pabellones temporales de la Serpentine Gallery desde 2000, el proyecto para el Temporary Guggenheim Tokyo en 2001 o, más elocuente si cabe, el reciente Chanel Contemporary Art Container planeado por ZahaHadid en 2008).

Frente a este fenómeno invasivo, Ceci n’est pas une voiture pretende catalogar y reflexionar sobre esas otras iniciativas que, circulando por el espacio público, colisionan con esas prótesis museísticas convencionales, en la medida que, en lugar de extender los metros lineales de los muros del museo, reformulan las funciones del dispositivo expositivo como plataforma nómada para la participación directa y autogestionada, para el desarrollo de la investigación social y para la articulación de experiencias educativas. En otras palabras, si los pabellones temporales del museo convencional pretenden ampliar sus tiempos y espacios de aparición con el objeto de fortalecer la propagación de sus modelos narrativos, los artefactos móviles que acechan al museo serán aquellos que, transitando por el mismo paisaje social, ensayan maneras de entender la célula expositiva como un lugar de recepción y construcción de las narrativas plurales y críticas frente al modelo hegemónico.


Fases de Ceci n'est pas une voiture

El Proyecto Ceci n’est pas une voiture se concibe como un proceso de trabajo que combina la investigación, formación, difusión y evaluación. Con este objetivo, se ha distinguen distintas fases del proyecto que se han desarrollado desde julio del 2010 hasta enero del 2012.
Fase 1. Consulta Museos portátiles. El grupo de estudiantes de la materia “Políticas del arte contemporáneo: nuevos mecanismos de producción y gestión” del Máster en Estudios Avanzados de Historia del Arte (UB), desarrolló un primero estado de la cuestión presentado al modo de Consulta en Can Xalant (mayo-julio de 2010). http://canxalant.org
Fase 2. iD Mataró–Vic. Producción de dos proyectos seleccionados a partir de una convocatoria pública para realizarse como proyectos en residencia en ACVic y Can Xalant y utilizar los dispositivos itinerantes de Idensitat y CX-R de Can Xalant (junio – septiembre 2011). http://idensitat.net
Fase 3. Espacios, tránsitos y dispositivos móviles. Taller dirigido por Raumlabor organizado por Idensitat en el Cercle Artístic de Sant Lluc. http://idensitat.net
Fase 4. Exposición Esto no es un museo. Artefactos móviles al acecho. ACVIC. Centre d'Arts Contemporànies. Exposición documental de los distintos casos de estudio. (octubre 2011- enero 2012). http://acvic.org
Fase 5. Jornadas MNCARS Madrid.
Las jornadas se organizan mediante tres mesas de trabajo acordes con los ámbitos de reflexión abiertos desde el departamento de Programas Públicos del MNCARS : Pedagogías radicales; Otras Institucionalidades y Movilidad y Espacio social. (noviembre 2011).
Fase 6. Publicación número especial de Roulotte. La publicación contemplará los materiales de exposición, los talleres realizados durante el proceso así como las intervenciones presentadas durante las jornadas. http://roulottemagazine.com
________________________________________________________


El taller Espacios, tránsitos y dispositivos móviles es una iniciativa de IDENSITAT en colaboración con Can Xalant y ACVic Centre d’Arts Contemporànies. Tiene el soporte del Ajuntament de Barcelona. Institut de Cultura, Generalitat de Catalunya Consell Nacional de la Cultura i les Arts, Cercle Artístic de Sant Lluc y Hangar.

IDENSITAT es un proyecto de arte que investiga sobre las maneras de incidir en el ámbito del espacio público a través de propuestas creativas, en relación con el lugar y el territorio, desde una dimensión física y social. Constituye una plataforma de producción e investigación en red, en el ámbito artístico, en el cual se puede experimentar nuevas formas de implicación en el espacio social.

Más información: www.idensitat.net
Contacto: idensitat@idensitat.net

Septiembre 15, 2011

Máster en Fotografía de Autor y Proyectos Profesionales

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Octubre 2011 – Junio 2012

Lens Escuela de Fotografía y Vídeo
Ronda de Toledo 16, Madrid.
+34 687 947 261

www.lens-fotografia.es







Consulta toda la información del Máster en
http://www.lens-fotografia.es/sitefiles/pdfs/master_lens_de_fotografia.pdf


¿QUÉ ES EL MÁSTER LENS?
Un programa de formación en fotografía de diez meses de duración -600 horas presenciales- compuesto por tres experiencias:

_ Curso Superior de Fotografía: dos clases semanales de tres horas de duración que nos ayudarán a comprender el medio fotográfico (212 horas).

_ Ciclo Anual de Talleres: 21 talleres prácticos de fin de semana para profundizar en nuestro dominio de la técnica fotográfica (294 horas).

_ Prácticas profesionales: más de 90 horas de prácticas con fotógrafos y entidades del mundo de la fotografía.

El Máster está diseñado como una experiencia de inmersión en la fotografía que ayude a los participantes a enriquecer su mirada y su comprensión del hecho fotográfico y a desarrollar su propio lenguaje.

Los alumnos del Master dominarán las herramientas para hacer de la fotografía una carrera profesional partiendo de la calidad de sus proyectos personales.


DESTINATARIOS
Fotógrafos en activo y aficionados a la fotografía que deseen realizar una obra personal y proyectos profesionales de calidad.

Titulados universitarios que quieran complementar sus estudios y ampliar sus perspectivas profesionales con un programa intensivo de formación teórica y práctica en fotografía.


MÉTODO
Un proyecto educativo individual para cada alumno.

Un sistema de aprendizaje abierto que combina sesiones teóricas con talleres prácticos.

Seguimiento de cada alumno por parte de un tutor. Los tutores son fotógrafos de reconocido prestigio y vocación docente que aportan su experiencia y orientan al alumno en el desarrollo de un proyecto fotográfico personal. Entre los tutores se encuentran alguno de los fotógrafos con mayor proyección de nuestro país: Matías Costa, Juan Valbuena, Iñaki Domingo, Gianfranco Tripodo…

Prácticas profesionales adecuadas al perfil de cada participante.


PROFESORES
Los profesores del taller han sido seleccionados por su valía profesional y humana. Son excelentes comunicadores y están capacitados para responder adecuadamente a las necesidades formativas de cada alumno. Entre ellos se encuentran algunos de los mejores exponentes del panorama fotográfico español: Alejandro Castellote, Luis Castelo, Martí Llorens, Jose Manuel Navia, Oscar Molina o Marta Dahó, entre otros.


INSCRIPCIÓN
El plazo de inscripción finaliza el 7 de octubre de 2011.

Los interesados deberán enviar un archivo comprimido con su nombre: en su interior un total de 12 imágenes en .jpg (800 px de ancho), CV y una carta en la que expliquen los motivos por los que quieren realizar el curso a info@lens-fotografia.es


Consulta toda la información del Máster en
http://www.lens-fotografia.es/sitefiles/pdfs/master_lens_de_fotografia.pdf


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Taller intensivo ‘De la tregua infinita a la guerra de almohadas’ impartido por Nilo Gallego

NiloGallego_u.jpgDel 27 de septiembre de 2011 al 1 de octubre de 2011
Dirigido a Músicos, coreógrafos/as, bailarines/as, actores/actrices, performances, artistas visuales

Horario
Taller intensivo.

La inscripción al taller incluye el alojamiento durante el mismo en el espacio de creación de Azala.

Lugar: AZALA, espacio de creación. Lasierra, 15. 01428. Lasierra. Álava.

Precio
90 € | 75 € con tarjetas de Caja Vital Kutxa.

Plazas limitadas

www.kreared.com/es/

En el marco del programa Gorputz Egoerak, proponemos celebrar el fin del verano, el equinoccio de otoño, invitando al músico y performer Nilo Gallego (León) a que comparta durante unos días y de forma intensiva, su aproximación a la música y al hecho performativo. Ante esta invitación, Nilo Gallego, un artista cuya trayectoria atraviesa --como el equinoccio-- la acción, la escena y la intervención urbana, propone dirigir un Taller de teatro musical, site especific y arte sonoro.

"Será como una sauna al aire libre, cambiaremos bruscamente de maneras de actuar, del frío al calor, de la no intervención a la guerra de almohadas, sin puntos intermedios, sin transiciones democráticas. Todas las noches daremos un concierto, será un concierto para las estrellas, como ellas, nosotras no querremos llamar la atención, simplemente estaremos ahí, concentradas en el sonido.

Aprovechando que estamos en Azala, nos dedicaremos a no hacer nada, sólo contemplar, bueno, de qué manera miramos, yo preferiría escucharlo... Aprovechando que estamos en Azala, lo romperemos todo, intervendremos hasta la extenuación. Aprovechando que estamos en Azala, prepararemos una versión de "Azalea", la canción de Duke Ellington y Louis Armstrong.

¿Cómo lo vamos a pasar? Muy bien ¿Vamos a dormir? Es recomendable ¿Cómo será la metodología de nuestro trabajo? Será todo un jaleo ¿A quién está dirigido el taller? A toda persona que sepa sonarse los mocos ¿Qué tenemos que llevar al taller? Una toalla para cuando entremos a la sauna, algún instrumento musical, una cabeza despejada."


Referencias:

"Hay que caminar soñando" Luigi Nono.

"Please destroy me" Devendra Banhar.

"Al este del paraíso" Lech Kowalsky.

"Notas de lo efímero" Chus Dominguez.

"Traslado a pie de tres objetos" Zaj.

Además Moe Tucker, Keith Moon y Tommy Ramone.

AZALEA de Duke Ellington y Louis Amstrong


Trabajos:

Pablo Rega, Varis Fuertes y Nilo Gallego en el Foro Mundial

Práctica con Nilo Gallego en La Poderosa


NILO GALLEGO: Músico, realiza performances en las que la experimentación con el sonido es el punto de partida. Toca la batería, percusión y electrónica. Realiza performances en todo tipo de espacios como "Pigmeus do Mondego" (acción sonora en el río Mondego), "Amanecer desde Montolivet" y "Fuera de la fábrica Beta" (site-specific), "Felipe vuelve a casa con las ovejas sonando" (concierto de ovejas junto al pastor Felipe Quintana), "Canción de éxito mundial" (acción sonora participativa), "Te invito a un chino" (performance experimental junto a kanito y Oscar de Paz), "Concierto de megáfonos y sirenas" y "Concierto aspirador" (junto a Pablo Rega), "Homenaje Cage" (junto a Markus Breuss), etc. Algunos de sus proyectos colectivos han sido: "Yavestruz comoandamios parecementerio" (música experimental y acción en espacios públicos), el "Taller espontáneo de pequeñas nadas" (acciones de calle), el colectivo "Fora do tempo" (Acciones de campo) y los grupos de performance musical "Ciegas con Pistola", "Siempre por Detroit" y "Blinden mit Pistolen". Ha trabajado con la compañía de teatro de calle "La Danaus", las coreógrafas Olga Mesa, Martine Pisani, Amalia Fernandez, Marisa Amor y Elena Alonso, así como con los directores de teatro contemporáneo Rodrigo García, Carlos San Martín y Tomás Aragay y el documentalista Chus Dominguez. Como músico improvisador ha compartido escenario con músicos o bailarines como Patricia Lamas, Africa Navarro, Chefa Alonso, Gunter Heinz, Vanesa Mackness y Wade Matthews. Ha pertenecido a grupos musicales como Dadajazz (freejazz) y Los Nadie (rock). Imparte talleres de arte sonoro para niños y para adultos.

Septiembre 14, 2011

MUSAC PRESENTA CUATRO EXPOSICIONES EL 24 DE SEPTIEMBRE

dangrah_u.jpgInauguración: Sábado, 24 de septiembre a las 19:00 h
- Cambio de paradigma. Colección Serralves años 60 – 70
- Laboratorio 987: Fermín Jiménez Landa & Lee Welch. Ciclo expositivo Amikejo.
- Proyecto Vitrinas: Daniel García Andújar, CAPITAL
- P4: Serafín Álvarez. Entre las cosas no designa una relación localizable.
- Performances durante el fin de semana inaugural: Sábado 24: 19.30h Sin título (Himno nacional) de Fermín Jiménez Landa & Lee Welch. 20.30h. CAPITAL de Daniel García Andújar. 23.50h. Quadrología pentacónica de von Calhau como parte del proyecto El Grito. Domingo 25: Julien Bismouth + Jean Pascal Flavien como parte del proyecto I WAS A MALE YVONNE DE CARLO. 19.30h. Cuadrología pentacónica de von Calhau como parte del proyecto El Grito.
www.musac.es

EXPOSICIONES:


Salas generales:

Cambio de paradigma. Colección Serralves años 60 – 70.
Artistas: Vito Acconci, Helena Almeida, Armando Alvess, Giovanni Anselmo, Richard Artschwager, John Baldessari, Artur Barrio, António Barros, Lothar Baumgarten, Bernd and Hilla Becher, Christian Boltanski, Marcel Broodthaers, Fernando Calhau, Alberto Carneiro, Manuel Casimiro, Lourdes Castro, Jan Dibbets, Valie Export, Hans-Peter Feldmann, Hamish Fulton, Anna Bella Geiger, Gilbert & George, Dan Graham, Hans Haacke, Ana Hatherly, Alex Hay, Sanja Iveković, Joan Jonas, Imi Knoebel, Jannis Kounellis, David Lamelas, Álvaro Lapa, Gordon Matta-Clark, Cildo Meireles, Robert Morris, Leonel Moura, Matt Mullican, Antoni Muntadas, Bruce Nauman, Maria Nordman, Claes Oldenburg, Dennis Oppenheim, Gina Pane, Lygia Pape, Jorge Pinheiro, Adrian Piper, Michelangelo Pistoletto, Vítor Pomar, Martha Rosler, Dieter Roth, Reiner Ruthenbeck, Julião Sarmento, Gerry Schum, António Sena, Richard Serra, Robert Smithson, Ângelo de Sousa, Francesc Torres, Ana Vieira, Lawrence Weiner, Hanna Wilke, Gilberto Zorio.
Comisarios: João Fernandes, Agustín Pérez Rubio
Coordinación: Helena López Camacho (MUSAC), Filipa Loureiro (Fundación Serralves)
Fechas: 24 de septiembre, 2011 – 8 de enero, 2012
Lugar: Salas 1 y 2.

MUSAC presenta el próximo 24 de septiembre Cambio de paradigma, la primera gran muestra de la Colección de la Fundación Serralves – Museo de Arte Contemporáneo (Oporto, Portugal) que tiene lugar en una institución museística española. La exposición construye una revisión de un período –los años 60 y 70– de cambio en los lenguajes artísticos, que marca el inicio de una nueva contemporaneidad. Con Cambio de paradigma MUSAC abre su espacio expositivo a un periodo de referencia (las décadas de los 60 y 70), clave para entender las prácticas artísticas más contemporáneas (centradas en el periodo 1989 - presente) que constituyen el núcleo y eje de la programación del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. En esta línea, esta muestra de la Colección Serralves inicia la apertura de MUSAC a la revisión de colecciones pertenecientes a instituciones públicas europeas dedicadas al arte contemporáneo, que continuará en 2012 con una muestra del acervo del Museo Castello di Rivoli (Turín, Italia).

Un proyecto co-producido con:

serralves_u.jpg

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Salas generales:


Laboratorio 987

001musac_u.jpgArtistas: Fermín Jiménez Landa (Pamplona, 1979) & Lee Welch (Louisville, EE.UU., 1975)
Ciclo expositivo: Amikejo
Comisarios: Latitudes (Max Andrews & Mariana Cánepa Luna)
Coordinación: Carlos Ordás
Fechas: 24 de septiembre de 2011 – 15 de enero de 2012
Lugar: Laboratorio 987

El 24 de septiembre el Laboratorio 987 presenta la cuarta y última muestra del ciclo expositivo anual Amikejo, a cargo de Fermín Jiménez Landa & Lee Welch, dos artistas que no se conocían con anterioridad a su participación conjunta en este proyecto. Fruto del proceso colaborativo, de diálogo y negociación entablado por ambos artistas surge una muestra que explora la anomalía de las micro-naciones, el concepto de soberanía y los símbolos que la definen. Como parte de la muestra, el sábado 24 a las 19.30h tendrá lugar en el museo una performance en la que la Banda Agrupación Musical Santa Marta y Sagrada Cena interpretará un himno nacional creado para los artistas expresamente para este proyecto.

SOBRE AMIKEJO

El ciclo expositivo Amikejo, comisariado por la oficina curatorial Latitudes, formada por Max Andrews y Mariana Cánepa Luna, se desarrolla en el Laboratorio 987 de MUSAC durante el 2011 a través de cuatro exposiciones estructuradas alrededor del concepto de nexos espaciales –Amikejo, un Estado esperantista neutral que existió entre 1908 y 1918, se erige como ubicación gemela del Laboratorio 987– y relacionales –los artistas responsables de cada entrega trabajarán como parejas colaborativas, al igual que lo hacen los comisarios del ciclo expositivo–. Las cuatro parejas artísticas que componen el ciclo son: Pennacchio Argentato (29/01/2011- 03/04/2011), Iratxe Jaio y Klaas van Gorkum (09/04/2011 –12/06/2011), Uqbar Foundation [Mariana Castillo Deball e Irene Kopelman] (25/06/2011 –11/09/2011), y Fermín Jiménez Landa y Lee Welch (24/09/2011 –15/01/2012). El espacio Laboratorio 987 de MUSAC inicia con Amikejo una nueva etapa en su programación, que pretende convertirse a partir de 2011 en una plataforma de visibilización no solo de artistas, sino de jóvenes comisarios del ámbito nacional.

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Proyecto vitrinas

002musac_u.jpgCAPITAL
Artista: Daniel García Andújar (Almoradí, 1966)
Comisaria: María Inés Rodríguez
Coordinación: Cynthia González García
Fechas: 24 de septiembre 2011 – 15 de enero 2012
Lugar: Proyecto Vitrinas, MUSAC

A partir del 24 de septiembre, las vitrinas del MUSAC acogen CAPITAL, un proyecto específico de Daniel García Andújar generado a partir de un encuentro/taller teórico-práctico que incluye una acción y una instalación producida por Technologies To The People / MUSAC.

El lenguaje puede cambiar el mundo o, al menos, debería hacerlo. El lenguaje visual es la herramienta más valiosa de la práctica artística, pero en estos momentos lo “visual” está específicamente asociado al territorio digital contemporáneo, al ocio digital, a la publicidad... Los artistas ya no somos los únicos con capacidad para influir en el imaginario visual, es más, creo que hemos perdido parte de esa capacidad. Tal vez sea el momento de dejar de producir más ruido, de fabricar más imágenes. Esto no quiere decir necesariamente dejar de trabajar con las imágenes. Debemos entrar en esta batalla asumiendo responsabilidades, descubriendo lo que hay detrás de estas imágenes, enseñando a descodificarlas, ayudando a abrir el código del armazón visual, mostrando el reverso de todo esto, exhibiendo sus entrañas. Es un lenguaje lleno de capacidades, pero que está sumido en una lucha por el control.
Daniel G. Andújar

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P4

003musac_u.jpgEntre las cosas no designa una relación localizable
Artista: Serafín Álvarez (León,1985)
Comisario: Agustín Pérez Rubio
Coordinación: Eneas Bernal
Fechas: 24 de septiembre – 13 de noviembre, 2011
Lugar: Sala anexa, MUSAC

MUSAC presenta el 24 de septiembre Entre las cosas no designa una relación localizable, un proyecto de Serafín Álvarez (León, 1985), uno de los cuatro artistas seleccionados en la I Convocatoria de proyectos expositivos de la Plataforma para el Apoyo del Arte en Castilla y León, P4, y asignado al Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. La Plataforma de apoyo al Arte en Castilla y León (P4) es una alianza para el fomento de la creación, producción, y exhibición artística contemporánea en Castilla y León, surgida en 2011 por iniciativa de MUSAC e integrada por el Centro de Arte de Caja Burgos (CAB) de Burgos; Domus Artium 2002, (DA2) de Salamanca; Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) de León y Museo Patio Herreriano, de Valladolid.

Serafín Álvarez (León, 1985), actualmente vive y trabaja en Barcelona. En sus proyectos y exposiciones recientes –con obras como A Packet of Camel Cigarettes Burning Down Chain Reaction (2009) o Sun Race (2011) y muestras como Equation of Time (La Capella, Barcelona)– las tecnologías, las curiosidades científicas, o la cultura web se integran con frecuencia en las experiencias artísticas que el autor lleva a cabo. El resultado es un lenguaje en constante progresión que destaca por el análisis de las construcciones culturales que dominan la subjetividad humana en nuestros días.

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MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE CASTILLA Y LEÓN
Dpto. de Comunicación y Prensa
Avda. de los Reyes Leoneses, 24
24008 León - España
T. +34 987 09 00 00
F. +34 987 09 11 11
www.musac.es
prensa@musac.es

Septiembre 13, 2011

SE INAUGURA BLOG 11 CON LA NUEVA MUESTRA ‘EMANCIPACIÓN’ UNIVERSIDAD EUROPEA DE MADRID

Muros_u.jpgInauguración: miércoles, 14 de septiembre de 2011 a las 20:00h
Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid
Avenida América, 13. Madrid.
Comisarios: Daniel Villegas y Pedro Morales Elipe
Colabora: Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid

FACULTAD DE ARTES Y COMUNICACIÓN.

El próximo miércoles, 14 de septiembre, se inaugura BLOG 11. ‘Emancipación’, una nueva Exposición que recoge las obras de final de carrera de los estudiantes del Grado en Arte de la Universidad Europea de Madrid. La muestra podrá ser visitada durante todo el mes de septiembre hasta finales de octubre.
Tal y como señala Wenceslao Sanz, director del Área de Arte y Diseño de la Universidad Europea de Madrid, “la octava edición de BLOG se ha convertido en todo un acontecimiento para la Facultad de Artes y Comunicación de la Universidad y nos permite observar -año tras año- el altísimo nivel de los trabajos realizados por nuestros estudiantes”. La muestra ‘Emancipación’ nace de la construcción de un marco conceptual que reconoce tanto el desarrollo educativo como el proceso de selección y diseño expositivo, en el que prevalecen más los criterios de autoridad del saber. El intento de ampliar, en lo que se refiere a la interpretación de cada uno de los trabajos presentes en la muestra, la comunidad hermenéutica –incluyendo las reflexiones propias, abiertas siempre a la discusión, que sobre sus producciones han realizado los estudiantes– quiere acercar esta experiencia intelectual de emancipación al espectador.
La muestra es, en buena medida, la consecuencia de la unión de esfuerzos y trabajo creativo de profesores y colaboradores. Todos ellos son reconocidos artistas y agitadores culturales como Mitsuo Miura, Pablo España, Helena Cabello, Daniel Villegas, Ramón González Echeverría o Pedro Morales Elipe, entre otros.
La nueva edición de BLOG se sitúa, una vez más, en el marco de la Facultad de Artes y Comunicación de la Universidad Europea de Madrid. El decano de la Facultad, Luis Calandre, ha destacado que una de las principales metas de la exposición es “favorecer la adecuación de la enseñanza a la vida laboral”. Por eso, tal y como ha destacado el decano, “la ilusión que se refleja en las obras y el esfuerzo que hay detrás de ellas son valores estables que -de un modo otro- acabarán siendo rentabilizados por los artistas participantes. Y también creo que el orgullo de los profesores que han participado será un aliciente para su continuo desarrollo y satisfacción profesional, redundando en esa búsqueda de la excelencia y la superación que debe guiarnos”.


Además, la Universidad Europea de Madrid colabora con la exposición “Contrahegemonías”
Este proyecto artístico, elaborado por Héctor Barrios en colaboración con la Universidad Europea de Madrid, plantea diversos escenarios de disputa en el paso de los intereses particulares hacia los intereses generales, como proceso político clave hacia un bloque social alternativo.

Cuando Antonio Gramsci (1891-1937), filósofo, teórico marxista, político y periodista italiano, se planteó el concepto de ‘hegemonía’ poco podía imaginar que varias décadas después estaría inspirando a jóvenes artistas del siglo XXI.

El citado concepto pone nombre a la teoría que asegura que en un estado moderno una clase mantiene su dominio no simplemente mediante una organización especial de la fuerza, sino porque es capaz de ir más allá de sus intereses estrechos y corporativos, de ejercer un liderazgo moral e intelectual y de realizar compromisos con una variedad de aliados que se unifiquen en un bloque popular.

Con este escenario de fondo nace la exposición ‘Contrahegemonías’, un proyecto curatorial, elaborado por Héctor Barrios en colaboración con la Universidad Europea de Madrid, que da cuenta de los elementos para la construcción de la conciencia política autónoma en las diversas clases y sectores populares.

En ‘Contrahegemonías’, los colectivos artísticos participantes plantean diversos escenarios de disputa en el paso de los intereses particulares hacia los intereses generales, como proceso político clave hacia un bloque social alternativo. Todos ellos se han encontrado en una línea de trabajo similar, muy diferentes en cuanto a procesos y propósitos pero con un importante nexo común, su interés por desbaratar los procesos hegemónicos.


Colectivos artísticos ‘Contrahegemonías’: C.A.S.I.T.A - C.E.R.R.E.C - CONCEPTUARTE - DEMOCRACIA - JUANITO Y CONSUELO - EL ENIGMA DE LA FRUTA - EL GATO CON MOSCAS - FAST GALLERY - PSJM - TODO POR LA PRAXIS.


Hasta el 30 de septiembre de 2011
espacio trapézio
Mercado de San Antón
Calle Augusto Figueroa, 24. Madrid.



logoUems_u5.jpgUniversidad Europea de Madrid
uem.es
902 23 23 50
Campus de Villaviciosa de Odón



[Imagen: Muros de Opacidad. Pilar Valera]

SEPTIEMBRE 2011 / INTERMEDIÆ (MATADERO MADRID)

TensionOrcasitas_web_u.jpg
INTERMEDIÆ
Matadero Madrid

Paseo de la Chopera, 14. 28045 Madrid
Entrada libre

www.intermediae.es
info@intermediae.es
prensa@intermediae.es











Luddotek en las naves de Intermediae
Hasta el 18 de septiembre

Vídeo-instalación de tres canales que presenta los filmes: Dialéctica de René y Marc; Álbum infantil y La dictadura colectiva de una organización secreta.

Una infancia disponible para cualquiera, pensamientos para una infancia del mundo. Porque somos niños, de nuevo. Por eso no sabemos lo que somos, por eso no estamos preparados para lo que nos pasa, por eso no podemos prever lo que nos pasará. Todavía parecemos estar condenados a decir como los situacionistas en 1952: «Vivimos como niños perdidos nuestras aventuras incompletas.»
leer más


Encuentro Open Mondo Píxel - ArsGames: Aventureros digitales
Viernes 16 de septiembre, 19 h

¿Cuántos no aficionados terminaron enganchados a los videojuegos debido a que un día cualquiera tuvieron la fortuna de probar una aventura gráfica? Mientras que para muchos es una simple alternativa lúdica que desentumece las neuronas, para otros es el género primigenio que nació llamándose aventura conversacional y que continúa vivo en los corazones, PCs y consolas de muchos jugadores. Para debatir sobre su evolución el próximo Open Mondo Píxel-ArsGames contará con la presencia de miembros de Tonika Games, floreciente empresa española a punto de publicar The Mystery Team. leer más


Tensión Orcasitas (Estructura Animada), Juan Linares y Erika Arzt
Sábado 17 de septiembre (20 h. inauguración) - Domingo 8 de enero

Una instalación como superficie poética y contexto narrativo donde se muestra lo que resulta de un encuentro fallido entre una iniciativa de la comunidad para articular su entorno y las autoridades locales, que en su ejercicio de administración y control del espacio público, hacen de un lugar potencial, la representación de su propia ausencia.
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Primer espectador, último ensayo: una presentación de Roger Bernat
Roger Bernat en compañía de Txalo Toloza y Jaume Nualart
Miércoles 21 de septiembre, 19:30 h

Roger Bernat y sus colaboradores se encuentran trabajando actualmente en dos proyectos: Por favor, continúe, que estrenaran junto con Yan Duyvendack el próximo mes de noviembre en Ginebra; y Pendiente de votación que traerán al Centro Dramático Nacional en febrero de 2012. Según palabras de los autores, ambos proyectos son juegos que una vez creados quedan en manos del espectador. Lejos de hacer una presentación teórica de los mismos, los pondrán a prueba en un ensayo en el que el público será protagonista. leer más


La révolte intime / Proyección y conversación entre Cova Macías y Susana Blas
Jueves 22 de septiembre, 19:30 h

La Révolte Intime (La revuelta íntima). Vídeo DV-PAL, color, sonido, 60 min., VO francés, subtítulos español, 2009.

Proyecto de carácter documental formado por una serie de retratos de dieciséis jóvenes habitantes de París, especialmente del distrito 19. Uno tras otro, bajo el dispositivo de una conversación entre dos, estos jóvenes nos van revelando aspectos claves en la construcción de su identidad, reflexionando a su vez sobre conceptos tales como la familia, la educación, la alteridad, el extranjero, el estigma o los códigos de la diferencia. Con motivo de la presentación de La Révolte Intime tendrá lugar el encuentro de las identidades en tránsito a la antropología visual, una conversación entre la artista Cova Macías y la especialista en vídeo-creación Susana Blas. leer más


Banco de intercambio de semillas (Ecosecha) / ¿Qué cosechamos? Foro de biodiversidad
Viernes 23 de septiembre, 19 h - Foro de biodiversidad
Viernes 23 a domingo 25 de septiembre, exposición de variedades hortícolas

Exposición colectiva de variedades hortícolas producidas a partir de las semillas que forman parte del Banco de Intercambio. Se anima a todos aquellos usuarios del Banco de Intercambio de Semillas a contribuir en la muestra con el fin de dar a conocer la diversidad de variedades y aprender a diferenciarlas a través de su observación y reconocimiento. El viernes 23, a las 19 h., se presentará la muestra de variedades y las aportaciones de los usuarios, con el objetivo de compartir el estado del proyecto, hacer balance del año de vida del Banco, poner en común propuestas y escuchar las experiencias en torno al Banco de Intercambio. Además acompañaremos este evento especial de algunas exquisiteces de temporada. La muestra puede visitarse hasta el domingo 25 de septiembre. leer más


6552100 / Instalación sonora interactiva de Metros cuadrados de sonido
Sábado 24 de septiembre, 20 h - Inauguración

Esta instalación se compone de pequeñas historias y percepciones, sonidos que conforman lo cotidiano y a los que no solemos prestar atención y que constituyen una representación de la identidad sonora de Arganzuela. Te invitamos a recorrerla y a jugar con sus calles imaginarias dejando que los sonidos se acerquen, se unan y cambien según te desplaces. También a escuchar los cubos entremezclándose y generando nuevas interacciones. Esperamos que al introducirte en este barrio subjetivo, por medio de una escucha atenta, te sumerjas en este paisaje sonoro, viviendo así tus propios 6.552.100 metros cuadrados de sonido.
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Proyección de cortometrajes de Óscar Pérez Ramírez
Viernes 30 de septiembre, 19.30

La última muestra del ciclo de video Miradas al extranjero: nuevos autores del documental español organizada por DOCMA está dedicada a Óscar Pérez Ramírez. La muestra consta de la proyección de tres documentales del autor y una presentación y charla coloquio a cargo de Óscar y un representante de DOCMA.
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_ El sastre, 2007 (España). Documental. Dirección: Óscar Pérez Ramírez. Duración: 30'. V.O. punjabi y castellano S.T. castellano.

_ If the Camera Blows Up, 2008 (España). Documental. Dirección: Óscar Pérez Ramírez. Duración: 12'. V.O. S. castellano.

_ Ventrada (Camada), 2009 (España). Documental. Dirección: Óscar Pérez Ramírez. Duración: 22'. V.O. catalán S.T. castellano.


Talleres para el cuidado de Avant Garden
Domingo 25 de septiembre, 12 - 14 h

Avant Garden es un jardín de rosas silvestres diseñado por el equipo de arquitectos paisajistas atelier le balto, y compartido por visitantes, creadores y entusiastas de la jardinería. La magia de este jardín está en su continua transformación, gracias tanto a los cuidados comunitarios, organizados a través de talleres mensualmente, como a la incidencia en el entorno de los paseos de sus visitantes.

- Para participar en los talleres sólo tienes que inscribirte 10 minutos antes del comienzo en el Terrario de Intermediae
- El jardín puede visitarse habitualmente dentro del horario de apertura al público.


Diario de Taller / Debajo del sombrero
Proyecto Al matadero sin miedo: Blog

Diario de taller es un espacio abierto a la intervención espontánea de todos los artistas que participan en los talleres Al Matadero sin miedo. Concebido como un juego, la sintaxis tiene un formato y unas reglas propias dentro de una estructura permanente cuyos contenidos cambian y evolución junto con los talleres. Diario de taller toma forma en un panel situado en la Nave de Intermediae, que ofrece imágenes, vídeos, audios…


____________________________________________

Intermediæ es un programa público y experimental del Área de Las Artes del Ayuntamiento de Madrid ubicado en Matadero Madrid. Pensado como un laboratorio y no como un museo, opera con la creación como medio para la investigación y experimentación; y el proceso y la participación como fórmulas para su desarrollo.

La programación se articula en torno a líneas de trabajo: con la comunidad y el distrito de Arganzuela; sobre la permarcultura, la ecología, el arte y el activismo; alrededor del juego como forma de exploración y creación; en torno a los procesos de archivo y la memoria; sobre la cultura audiovisual, a través de un programa de proyecciones y con la participación de sus creadores; y con el programa de las Ayudas a la Creación como un intento de definir colectivamente la institución.

Programación sujeta a cambios.


+ INFO:
INTERMEDIÆ, Matadero Madrid
Pº de la Chopera, 14. Entrada libre
www.intermediae.es/ info@intermediae.es
prensa@intermediae.es

De martes a viernes y festivos 16.00 - 22.00 h.
Fines de semana: 11.00 - 22.00 h. Lunes cerrado

Septiembre 12, 2011

Curso Avanzado de Fotografía Contemporánea

cartel_fotografia_contemporanea_u.jpgOctubre 2011 – Junio 2012
Lens Escuela de Fotografía y Vídeo
Ronda de Toledo 16, Madrid.
+34 687 947 261
www.lens-fotografia.es



Consulta toda la información del Curso Avanzado de Fotografía Contemporánea en
http://www.lens-fotografia.es/fotografia_contemporanea.php


OBJETIVOS

Este curso avanzado es una experiencia pionera en España y está diseñado como un ejercicio de inmersión en la fotografía contemporánea que ayude a los participantes a depurar su propio lenguaje.

Desarrollaremos proyectos fotográficos individuales y colectivos que estimulen y den sentido a nuestro proceso creativo.

Nos acercaremos a las miradas más interesantes de la fotografía contemporánea, conoceremos los motivos de su relevancia y sus antecedentes.


DESTINATARIOS

Personas que posean conocimientos técnicos de fotografía y deseen realizar una obra que dialogue con las corrientes más fecundas de la fotografía contemporánea.
Fotógrafos y aficionados que quieran enriquecer su mirada y realizar proyectos individuales y colectivos.


MÉTODO

El curso tiene varios ejes:

Un proyecto fotográfico personal: Cada alumno desarrollará un proyecto completo a lo largo del curso, finalizando con la publicación de un pequeño libro individual en el mes de junio de 2012.

Un proyecto fotográfico colectivo: Los alumnos diseñarán una proyección multimedia para ser expuesta en el festival de fotografía Pa-ta-ta (Granada) en mayo de 2012.

Un proyecto de investigación conjunto: desarrollaremos un blog de fotografía contemporánea que sirva para profundizar en el aprendizaje.

Un sistema de aprendizaje abierto basado en el desarrollo de experiencias individuales y grupales que abran las válvulas de nuestra creatividad.

La aportación teórica y práctica de los profesores.

Las clases serán participativas y dinámicas. Se facilitará en especial el trabajo compartido y el diálogo del trabajo fotográfico de los alumnos con las experiencias que se ofrecerán a lo largo del curso.


PROFESORES

Los profesores del curso han sido seleccionados por su experiencia en los distintos territorios de la fotografía contemporánea. Un equipo coordinado por Carlos Albalá, que cuenta con Ignasi López, Víctor M. Fernández, Rosell Meseguer y Felix Fuentes, entre otros. Nuestros profesores apuestan por sus alumnos.


DATOS PRÁCTICOS

El curso consta de 90 horas presenciales en una clase semanal de 3 horas de duración: Viernes de 19 a 22 h. - Del 28 de octubre de 2011 al 15 de junio de 2012.

Precio del curso: 925 euros. Número máximo de alumnos: 14.


CONTENIDOS

Consulta la programación detallada del Curso Avanzado de Fotografía Contemporánea:
http://www.lens-fotografia.es/fotografia_contemporanea.php


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Septiembre 05, 2011

DEPORTE, ARTE E INCLUSIÓN SOCIAL

w3art_idensitat_u9.jpg2a CONVOCATORIA DE PROYECTOS (ESPAÑA)
CONSEJO SUPERIOR DE DEPORTES + IDENSITAT [CSD + iD Sport]

http://idensitat.net | http://www.csd.gob.es

El Consejo Superior de Deportes [CSD] en colaboración con Idensitat [iD SPORT] abre una convocatoria de proyectos de carácter interdisciplinar promoviendo la relación del deporte con el ámbito social, cultural y creativo. Este texto da algunas referencias de los ámbitos y objetivos específicos que se pro- pone incidir, así como las bases concretas que determinan y complementan las orientaciones generales.

Estamos asistiendo al desarrollo de lo que podríamos considerar como un «campo» de compromisos sociales del deporte, algo inexistente hasta hace tan solo unos pocos años. Estos compromisos tienen como objetivo principal la actuación en situaciones de exclusión social con intervenciones en contextos desfavorecidos.

El desarrollo cada día mayor de actividades y proyectos deportivos dirigidos a estos sectores nos lleva a plantearnos una búsqueda de experiencias o «buenas prácticas» que puedan servir para ir construyendo un archivo, y para generar nuevas formas de aprendizaje y de debate sobre la interacción entre deporte, las prácticas creativas (arte, diseño, arquitectura, etc.) y las problemáticas sociales.

Pensamos que el deporte, en su interacción con otros campos, puede apoyar los procesos de cohesión social. Especialmente cuando ayuda a consolidar lugares, éste hace de punto de encuentro o de comunicación entre iguales, convirtiéndose así en una fuente interesante de capital social y en un elemento para la generación de diferentes redes de relaciones sociales (contactos, amigos, amistades, prestigio, etc.).

Desde el ámbito del arte –y en general en las prácticas creativas– la relación con el deporte suele ser circunstancial o de carácter temático. Pero existen experiencias artísticas que buscan en ciertas dinámicas sociales una opción de trabajo basada en la relación y la creatividad compartida. El deporte facilita estas relaciones y conexiones. Las actividades deportivas suelen facilitar el contacto y relación entre personas y grupos de distintos orígenes sin los protocolos que se exigen en otro tipo de actividades.

Poner ambos aspectos en relación puede contribuir al desarrollo de proyectos que incentiven la creatividad social y el intercambio de valores propios de cada campo de acción en determinados contextos locales.

También creemos que, dentro de esta dinámica, es importante reconocer los límites tanto de las actividades deportivas como de las prácticas creativas. Es decir, el deporte o las actividades deportivas, así como el arte o las actividades creativas por sí solas, no cambian las situaciones de exclusión social o cultural. Para ello se necesita la combinación de cada parte con políticas e intervenciones desde proyectos transversales.

El objetivo de esta convocatoria es detectar proyectos existentes, generar un archivo de prácticas existente, difundirlas y apoyar la creación de nuevas experiencias transversales que surjan de la relación entre las prácticas deportivas y las prácticas artísticas. La convocatoria está orientada a una amplia gama de organizadores, creadores y agentes que operan en diferentes poblaciones del estado español.


MODALIDADES

La convocatoria se abre a dos modalidades diferentes, relacionadas con los frentes de acción que CSD e iD Sport se plantea desarrollar. Por un lado el Banco de proyectos, orientado a proyectos existentes, y por otro el Laboratorio de Proyectos, que persigue la producción de nuevos proyectos experimentales.

1. Banco de proyectos

Se convocan proyectos deportivos con compromiso social; proyectos artísticos relacionados con temáticas deportivas; y proyectos que, de manera híbrida, actúen transversalmente entre los distintos ámbitos de acción: creativo, deportivo y social. Se seleccionarán proyectos en proceso de realización o ya finalizados que aporten elementos diferenciales y de innovación. Éstos formarán parte de un archivo o banco de proyectos con el objetivo de difundirlos y hacerlos accesibles públicamente. Los proyectos seleccionados recibirán una mención de reconocimiento por parte del Consejo Superior de Deportes con motivo de esta convocatoria. Además, se otorgarán tres premios con una dotación de 1.000 euros para cada uno de ellos.

El Banco de Proyectos va dirigido a:
Asociaciones, clubs de deporte, organizaciones u otras entidades que tengan como objetivo principal la inclusión social de personas así como la intervención social a través del deporte en zonas desfavorecidas.
Creadores y colectivos de diferentes disciplinas (artistas, arquitectos, diseñadores, etc.) que promuevan proyectos creativos relacionados con temáticas deportivas y con especial orientación hacia cuestiones sociales.
Proyectos basados en la colaboración entre organizaciones y asociaciones de carácter deportivo con colectivos e individuos que, desde el ámbito de las prácticas artísticas contemporáneas, articulen proyectos híbridos. Que a partir de la relación entre creatividad y deporte se aborden cuestiones de inclusión o intervención social.


2. Laboratorio de Proyectos

Se convocan proyectos que propongan formatos de intervención en el espacio público en los que la relación arte-deporte-sociedad sea el principal hilo conductor. Estos proyectos deben tratar aspectos relacionados con el espacio social, planteando cuestiones, detectando conflictos y proponiendo estrategias de negociación o de participación a través de la interrelación entre prácticas artísticas y deporte, abordando metodologías explícitas en esta transversalidad. Se dirige a proyectos que puedan desarrollarse a medio-corto plazo y que experimenten formas de producción compartida en colaboración con organizaciones locales pertenecientes a contextos urbanos o rurales. Uno de los objetivos es promover proyectos desde el ámbito de las prácticas artísticas contemporáneas que incidan en el espacio público, que articulen metodologías de colaboración directa con agentes o colectivos locales y que el elemento articulador de todo ello esté vinculado a prácticas deportivas formales o informales.

Las propuestas seleccionadas recibirán una mención de reconocimiento por parte del Consejo Superior de Deportes y recibirán para su producción un importe máximo de 9.000 euros, de los cuales un máximo del 20% podrán destinarse a honorarios. El total de proyectos seleccionados podrá formar parte del Banco de Proyectos y participar en un proyecto expositivo que se organizará a partir de esta convocatoria.

El Laboratorio de proyectos va dirigido a:
Creadores que desde el ámbito de las prácticas artísticas contemporáneas trabajen en colaboración con organizaciones, asociaciones o entidades deportivas, ideando proyectos híbridos que hagan referencia a cuestiones de inclusión o intervención social, a partir de la relación transversal entre creatividad y deporte.
Los proyectos convocados desde ambas modalidades podrán referirse a cualquier población española y la participación está abierta a cualquier nacionalidad.
+INFO


COMITÉ DE SELECCIÓN

La selección de proyectos correrá a cargo de un comité formado por:

· Marta Carranza Gil-Dolz del Castellar, Subdirectora general de promoción deportiva y deporte paralímpico. Consejo Superior de Deportes.

· Carmen Guerrero Martínez, Periodista Asesora del gabinete del Secretario de Estado. Presidente del Consejo Superior de Deportes.

· Gaspar Maza, Antropólogo. Coordinador del programa Deporte e inclusión social-Plan Integral para la Actividad Física y el Deporte. Consejo Superior de Deportes.

· Ramón Parramon Artista. Director de IDENSITAT y de ACVic, Centre d’Arts Contemporànies.

· Martí Peran. Comisario independiente y profesor titular de teoría del Arte en la Universidad de Barcelona.


DISPOSITIVOS AUTÓNOMOS DE VISIBILIDAD

CSD e iD activarán mecanismos para reforzar la presentación y difusión de cada uno de los proyectos según las características intrínsecas de las diferentes producciones. Esto supondrá incentivar formatos de presentación específicos tales como intervenciones en el espacio público, exposiciones, publicaciones, etcétera. De esta manera el concepto expositivo se usará para dar visibilidad a los proyectos que se consideren convenientes.


DISPOSITIVO EDITORIAL

La estrategia de comunicación, divulgación e interpretación de los diferentes proyectos se realizará mediante la Web, en la que se actualizará de manera permanente la información en torno a los proyectos seleccionados, su proceso y el conjunto de actividades generadas. Se prevé la creación de contenidos específicos ya sea en formato de texto, imagen o vídeo.

Los proyectos seleccionados podrán formar parte de una publicación temática sobre prácticas artísticas, prácticas deportivas e inclusión social.
Presentación de propuestas. Las propuestas deberán remitirse en formato digital a través del formulario que se encuentra en la web: http://idensitat.net, especificando la modalidad de convocatoria en la cual se participa: Banco de proyectos o Laboratorio de proyectos.

Para la categoría Banco de proyectos presentar en un único documento en formato pdf:
· Descripción que defina las líneas básicas del proyecto y sus objetivos. (5.000 caracteres máx.)
· Imágenes y textos sobre el proyecto y referencias del contexto en el que se desarrolló. (5.000 caracteres máximo y 10 imágenes.)
· Currículum de los miembros del proyecto especificando un representante, o currículum individual en el caso de personas físicas
· Datos de contacto (nombre, teléfono, e-mail y dirección postal)


Para la categoría Laboratorio de proyectos presentar en un único documento en formato pdf:
· Propuesta a desarrollar: documento escrito que defina las líneas básicas del proyecto. (5.000 caracteres máx.)
· Unmáximode10imágenesparafacilitar la comprensión del proyecto
· Currículum de los miembros del proyecto especificando un representante, o currículum individual en el caso de personas físicas
· Datos de contacto (nombre, teléfono, e-mail y dirección postal)


TÉRMINO DE PRESENTACIÓN

El período para la presentación de propuestas finaliza el 15 de noviembre de 2011.

La realización de todos los proyectos debe efectuarse y finalizarse dentro del año 2012.

Los trabajos seleccionados y los proyectos correspondientes son propiedad del autor o autores. Se permitirá su reproducción para las distintas publicaciones que promueva CSD-IDENSITAT, para la divulgación en su página Web y en todos aquellos casos relacionados con la difusión del programa.

Para cada proyecto seleccionado en la modalidad Laboratorio de Proyectos, se efectuará un contrato específico en función de los objetivos, temporización y presupuesto. Los trabajos producidos en el marco de CSD-IDENSITAT deberán explicitarlo en caso de que se presenten públicamente fuera de este ámbito.

CSD e IDENSITAT incorporarán a su fondo documental y de archivo toda la documentación que genere en la convocatoria.

Septiembre 02, 2011

Cien jóvenes de una docena de diferentes países participarán en el “I Encuentro de Artistas Jóvenes” en la Cidade da Cultura de Galicia entre el 4 y 9 de septiembre

Sintitulo-u.jpgSíguelo en directo en:

facebook.com/cidadedaculturadegalicia
twitter.com/cidadedacultura

LOS CANDIDATOS SELECCIONADOS CONVIVIRÁN CON CREADORES DE LA TALLA DE PIERRE GONNORD, RAMÓN BALSA O DANIEL CANOGAR

Fecha: 4 - 9 septiembre, 2011
Lugar: Ciudad de la Cultura de Galicia, Santiago de Compostela

Dirigen: Rafael Doctor Roncero e Ignacio Santos Cidrás

La Cidade da Cultura de Galicia abre sus puertas a jóvenes creadores nacionales e internacionales para que entablen un diálogo constructivo en torno al arte contemporáneo. Este complejo cultural se convierte así en escenario de intercambio donde reflexionar sobre aspectos esenciales de la creación artística y aspectos más concretos relacionados con la construcción de una obra y su proyección en el mundo real.

Los objetivos del I Encuentro de Jovenes Artistas son:

1. La convivencia entre artistas jóvenes gallegos y procedentes de otros lugares.
2. Recorrer y debatir sobre la situación actual del Arte Contemporáneo.
3. Proporcionar un espacio de encuentro e intercambio de conocimientos e ideas.
4. Proporcionar a sus participantes un lugar de acceso directo a artistas y obras consolidadas.
5. Dar a conocer a los participantes las principales infraestructuras del territorio gallego dedicadas al arte contemporáneo.

La Fundación Cidade da Cultura de Galicia ha publicado en su web www.cidadedacultura.org la lista con los cien candidatos admitidos en este encuentro, la mitad de ellos de procedencia gallega y la otra mitad del resto de España y países como Italia, México, Francia, Polonia, Argentina, Inglaterra o Portugal. En total unas 4.000 personas descargaron las bases de la página web de la Cidade da Cultura de Galicia y 311 emitieron la solicitud de admisión.

Los 100 candidatos, de entre 18 y 35 años, fueron seleccionados por un jurado compuesto por profesionales del sector y cuyos criterios de selección se basaron en la calidad y la creatividad de la propuesta artística que tenían que presentar según las bases.

Los jóvenes artistas convivirán durante seis días con artistas ya consolidados y con profesionales del mundo del arte contemporáneo y visitarán infraestructuras culturales en Galicia como el Centro Galego de Arte Contemporáneo (CGAC) o el Museo MARCO de Vigo.

Para el Conselleiro de Cultura y Turismo de la Xunta de Galicia, Roberto Varela, esta iniciativa “contribuirá claramente a la dinamización de la vida artística de Galicia y abrirá la Ciudad de la Cultura de Galicia a la reflexión sobre el arte contemporáneo.

El Conselleiro explicó en una rueda de prensa que el I ENCUENTRO DE JOVENES ARTISTAS forma parte de una línea de actuaciones de la Ciudad de la Cultura de Galicia “dirigida a apoyar la formación de jóvenes artistas y gestores culturales, una línea que se complementará en los próximos meses con una convocatoria de diferentes becas para mejorar la formación y las posibilidades de este colectivo.

Dirigido por Rafael Doctor Roncero, ex director del MUSAC y comisario independiente, y por Ignacio Santos Cidrás, director del departamento de Acción Cultural de la Fundación Cidade da Cultura de Galicia, el Encuentro contará con artistas como Pierre Gonnord, Cristina Lucas, Ana Soler, Antonio Ballester, Carles Congost, Daniel Canogar, Victoria Diehl, Rubén Ramos Balsa, Fernando Sánchez Castillo, José Luis Serzo y Suso Fandiño. Junto a ellos estarán directores de museos como Miguel Von Haffe, responsable del CGAC, o Iñaki Martínez Antelo, del MARCO de Vigo.

Durante los seis días del Encuentro, los jóvenes seleccionados participarán en conferencias y talleres donde reflexionarán sobre la situación del arte contemporáneo. Además se organizará un Foro Abierto, donde treinta creadores tendrán la oportunidad de exponer sus proyectos y que posteriormente serán expuestos en una exposición con el mismo título.


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Máster Oficial en Artes Visuales y Multimedia UPV. CURSO 2011-12

laboratorio-u3.jpgMáster Oficial en Artes Visuales y Multimedia. 5ª EDICIÓN
Universidad Politécnica de Valencia
Abierto 2º plazo preinscripción para el curso 2011/12
Del 1 al 9 de septiembre de 2011
www.artesvisualesymultimedia.com

El Máster Oficial en Artes Visuales y Multimedia de la Universidad Politécnica de Valencia, responde al impacto de las tecnologías de la imagen y al potencial creativo de los programas de generación, tratamiento y manipulación técnica de la imagen-digital. Estos cambios están transformando los modos de producción y difusión de las prácticas artísticas, fusionándose con otros sectores profesionales y económicos del campo de la información, donde la imagen, lo visual, toma un papel cada vez más relevante.

En este nuevo contexto, la figura del artista como profesional o investigador, integrado en equipos interdisciplinares, se perfila como una de las más sólidas salidas profesionales. El artista contemporáneo como productor de innovación, tiene capacidad para incidir directamente en el desarrollo de las sociedades contemporáneas del conocimiento. Es nuestra responsabilidad percibir esos cambios y capacitar a los estudiantes que cursen este máster en el uso de las herramientas técnicas y conceptuales necesarias para comprender este nuevo espacio de trabajo y para actuar en él desde un punto de vista profesional,
responsable y creativo.


DIRIGIDO A:

Titulados superiores que deseen ampliar su formación en el ámbito de las Artes Visuales y Multimedia, especialmente titulados en Bellas Artes, Comunicación Audiovisual, Informática, Historia del Arte o Filosofía, así como Diplomados de la Escuela de Arte y Superior de Diseño.

OBJETIVOS:
Formar profesionales e investigadores con capacidad para planificar y resolver proyectos de artes visuales y multimedia de una manera interdisciplinar, incidiendo en los aspectos creativos, conceptuales, técnicos y reflexivos, aunando el sentido crítico propio de las humanidades y las aplicaciones tecnocientíficas de la cultura del ordenador. Para ello al finalizar el máster los alumnos serán capaces de:

1. Integrarse con responsabilidad en el contexto social como profesionales e investigadores conscientes de la incidencia de las TIC en la sociedad contemporánea.
2. Contextualizar la práctica artística multimedia en el campo emergente de investigación denominado Arte-Ciencia-Tecnología-Sociedad ACTS, considerando también su expansión en otras áreas afines de la esfera pública y los mass media.
3. A nivel profesional, integrarse en equipos interdisciplinares para el desarrollo de proyectos propios de la industria de la imagen creativa.
4. A nivel investigador, aplicar las metodologías de investigación propias de las Artes Visuales y Multimedia para generar nuevas aportaciones a las líneas de investigación que configuran el Máster, así como participar en proyectos I+D+I de investigación aplicada.
5. Asimilar los recursos metodológicos necesarios para autogenerar un sistema de formación permanente.


DURACIÓN DE LOS ESTUDIOS:

Entre 60 y 120 créditos, dependiendo de la formación previa del estudiante.

2 DESGLOSE DE LAS MATERIAS:

Materia METODOLOGÍA PROYECTUAL 2
Seminario de Artes Visuales y Multimedia | 5 ECTS
[Prof: María José Martínez de Pisón]

Materia TEORÍA CRÍTICA
_Cultura Visual | 3 ECTS
[Prof: Marina Pastor Aguilar]
_Dispositivos, Medios y Contextos | 4 ECTS
[Prof: Salomé Cuesta Valera]

Materia FUNDAMENTOS DEL ARTE MULTIMEDIA
_Arte Sonoro | 3 ECTS 
[Prof: Miguel Molina Alarcón]
_Vídeo Creación | 4 ECTS
[Prof: Trinidad Gracia]
_Teorías de la imagen y procesos fotográficos | 4 ECTS 
[Prof: Chema De Luelmo]
_Entornos 3D | 4 ECTS
[Prof: Francisco Giner Martínez]

Materia LENGUAJES AUDIOVISUALES Y CULTURA SOCIAL
_Arte y TV. Nuevos Medios, Nuevos Lenguajes | 4 ECTS
[Prof: Amparo Carbonell Tatay]
_Nuevos Medios en Arte Público y Activismo | 3 ECTS
[Prof: Emilio Martínez Arroyo]
_Lenguajes Audiovisuales y Arte de Género | 3 ECTS
[Prof: Maribel Doménech]
_Medios Fílmicos y Procesos de Intervención en el Espacio Público | 4 ECTS
[Prof: Josepa Lopéz Poquet]

Materia APLICACIONES AVANZADAS DEL ARTE MULTIMEDIA INTERACTIVO
_Diseño de Interfaces | 1 ECTS
[Prof: Moisés Mañas]
_Programación de Comportamientos y Modelos | 4 ECTS
[Prof: Fernando Cordón]
_Programación Gráfica de Vídeo/Audio| 4 ECTS
[Prof: Francisco Sanmartín]
_Programación de Dispositivos Físicos | 3 ECTS_[Prof: Moisés Mañas]

Materia PROYECTO FINAL DE MASTER (10 ECTS)


PROGRAMA DE INTERCAMBIO:

El master AVM tiene actualmente convenios Erasmus con:
- Interfaces Culture Master (University of Art and Design -Linz/Austria)
www.interface.ufg.ac.at/
- Creative Technology/ Creative Games Master (University of Salford -Manchester/UK)
http://creativegames.org.uk/
- European Media Studies (Universität Potsdam- Berlín /Alemania)
http://emw.fh-potsdam.de/
- Media Art & Desing (Bauhaus-Universität Weimar - Berlín /Alemania)
http://www.uni-weimar.de/cms/en/media/media-art-and-design.html


Listado de partners actuales con convenio firmado:

Observatori, Festival Internacional en Investigación Artística (Valencia)
Hangar, centro de producción de artes visuales (Barcelona)


FECHAS DE PREINSCRIPCIÓN:
1º período: Del 16 de Mayo al 13 de junio de 2011
2º período: Del 1 al 9 de septiembre de 2011

REQUISITOS Y CRITERIOS DE ADMISION:
_Currículum Académico. (2 puntos)
_Currículum Profesional. (2 puntos)
_Memoria-Dossier de trabajos realizados. (2 puntos)
_Breve resumen del Proyecto Final de Máster a realizar. (2 puntos)
_Carta de motivación en soporte vídeo. Máximo 3 minutos (2 puntos)

ORGANIZAN
Departamento de Escultura
Departamento de Pintura
Facultad de Bellas Artes de San Carlos, Valencia


COFINANCIACIÓN
Ministerio de Educación.

+ INFORMACIÓN - CONTACTO:
Email: avm@posgrado.upv.es

http://www.artesvisualesymultimedia.com

http://www.upv.es/contenidos/PO/indexc.html

Septiembre 01, 2011

Fórmate en Animación y en Escenografía

w3art_u6.jpgMe complace presentarte dos programas del IDEC-Universitat Pompeu Fabra (Barcelona) que pueden ser de tu interés.



Máster en Animación

Este máster, que se iniciará el próximo mes de octubre, proporciona la formación integral para producir una pieza animada con herramientas 3D. El objetivo del máster es potenciar el desarrollo creativo y crítico, complementando clases de taller y teóricas, trabajos grupales y discusión; y propugnando tanto la experimentación como el rigor productivo.

Para más información, puedes ver el video del programa aquí.


Programa de postgrado de Tecnologías Digitales para la Escena

Este programa es un proyecto innovador que responde a la necesidad de formar profesionales conocedores de los medios interactivos aplicados a la escena teatral. También da cabida a todas aquellas prácticas artísticas ligadas a las nuevas tecnologías que se presentan en directo como las acciones audiovisuales, la performance interactiva o la danza.

Para más información, puedes ver el video del programa aquí.


Si tenéis cualquier consulta, no dudes en contactar con el Servicio de Información y Admisiones del IDEC-Universitat Pompeu Fabra en info@idec.upf.edu o llamando al 93 542 18 50.