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Diciembre 30, 2010

A+A Amarika

e-flyer_u.jpgInauguración 22 de diciembre a las 19:30 horas.
Fin de la exposición: 28 de enero de 2011
Lugar: Sala de exposiciones de la Casa de Cultura Ignacio Aldecoa de Vitoria-Gasteiz.

Organiza y coordina: Proyecto Amarika y Diputación Foral de Álava.
- Comisariado: Fernando Iglesias
- Edición de video y documentación: Cristina Arrazola-Oñate
La Asamblea Amarika Asanblada.

www.amarika.org/blog

El colectivo reunido en torno a la Asamblea Amarika (A+A), con motivo de los dos años de actividad del Proyecto Amarika, organiza una exposición de carácter retrospectivo que da cuenta de las exposiciones, eventos y actividades que se han programado desde diciembre de 2008 hasta la fecha.



¿QUÉ ES LA ASAMBLEA AMARIKA (A+A)?

¿QUIÉNES SOMOS?
La Asamblea Amarika (A+A) se constituye como colectivo de ciudadanos, creadores, personas y colectivos o asociaciones relacionadas social y/o laboralmente con el arte y la cultura.
Es un órgano abierto y plural en el que asimismo tienen cabida los agentes locales vinculados a las prácticas culturales contemporáneas.
Es participativa, autónoma e independiente y por lo tanto no se encuentra ligada en sus decisiones a ninguna institución pública o privada, siendo Álava su territorio de origen.

¿QUÉ HACEMOS?
La Asamblea desarrolla e incentiva la creación artística, genera opinión y es un punto de encuentro dentro de la comunidad local. Busca la dignificación de su medio profesional teniendo siempre en cuenta el entorno social.

¿PARA QUÉ TRABAJAMOS?
La Asamblea Amarika (A+A) se define como un experimento continuo cuya intención es promover el arte, la cultura y la creación plástica desde una perspectiva contemporánea. Aunar arte y sociedad, incentivar la producción de pensamiento y la creación emergente (en especial la de artistas jóvenes).

¿DÓNDE TRABAJAMOS?
La Asamblea actúa en todos aquellos ámbitos, foros institucionales o sociales, públicos o privados en los que el arte y la cultura sean motivo de debate y reflexión.
Actualmente la Asamblea colabora en las políticas culturales de la Diputación Foral de Álava mediante su compromiso y presencia activa en la co-gestión de sus diversos espacios expositivos. Esta presencia se establece a través del Consejo Amarika, órgano elegido y controlado democráticamente por la Asamblea.


Listado de eventos del archivo documental (comunicación, vídeo, publicaciones, panfletos):

-Kalejira
-Inmersiones 08-09
-Hartos de Arte
-Agian: exposición, pase del documental y concierto
-Noche Scratxe 1
-Soft Power. Presentación
-Absolute Beginners
-Super Pop
-A ras de tierra
-Límite cuando x tiene a infinito
-Made in Italy
-Cine Invisible
-Soft Power. Arte y tecnología en la era de la biopolítica
-Noche Scratxe 2
-Soft Power. Bioterror
-Inmersiones 09
-Cine Experimental (Festival MEM)
-Acontecer tonto
-Jornadas Arte y Espacio Público
-Comic en Vivo
-Tetrapack
-Noche Scratxe 3
-Gente Corriente
-Concierto Experimental
-Quid Pro Quo
-Inprobisazio Gaua
-Óbito Súbito
-Noche Scratxe 4
-La piel de la tierra
-Playful & Playable
-Bi puntu
-Noche Scratxe 5
-Conbergentziak
-Cotidianidades
-Inmersiones 10

Diciembre 27, 2010

iD#6 MATARÓ-VIC
Convocatoria de proyectos de intervención en el espacio público

iD_ceci_u.jpgEn el marco del proyecto Ceci n’est pas une voiture. Artefactos móviles acechan al museo, impulsado de manera conjunta por Idensitat, Can Xalant. Centre de Creació i Pensament Contemporani de Mataró e ACVic Centre d’Arts Contemporànies, se abre una convocatoria para desarrollar dos proyectos de intervención en el espacio público de Mataró y Vic.

Convocatoria abierta hasta el 12 de marzo de 2011.

http://idensitat.net



El proyecto Ceci n’est pas une voiture. Artefactos móviles acechan al museo se plantea como un ejercicio de documentación y reflexión sobre la construcción de artefactos móviles en calidad de elementos para una concepción expandida del Museo o, en su lugar, como una alternativa al mismo. Se trata de un proyecto de investigación que pretende catalogar y reflexionar sobre aquellas iniciativas que, circulando por el espacio público, colisionan con la noción convencional del Museo y, en su lugar, reformulan las funciones del dispositivo expositivo como plataforma nómada para la participación directa y autogestionada, para el desarrollo de la investigación social y para la articulación de experiencias educativas.

El proyecto se desarrolla mediante una sucesión de actividades concebidas cada una de ellas como una fase Parking. El Parking 01, planteado como una primera aproximación al tema, se desarrolló y presentó en Can Xalant en julio de 2010. El conjunto del proyecto se articula mediante Parkings sucesivos a desarrollar a lo largo de 2011. Para una definición detallada de todo el proyecto se puede consultar en cualquiera de las siguientes webs: http://idensitat.net - http://canxalant.orghttp://acvic.org

Parking 02. Convocatoria abierta para la realización de un proyecto de intervención en el espacio público de Mataró utilizando el “Dispositivo Itinerante” de Idensitat.

Dispositivo Itinerante [DI]
En diferentes momentos del 2009 y 2010 el Dispositivo Itinerante ha formado parte de talleres y seminarios como un elemento expositivo que vehicula actividades específicas generadas en el entorno de Idensitat. Ha formado parte del proyecto iD Barrio y se ha presentado en distintas actividades formativas y de intervención en el espacio público en Calaf (Espacio Hivernacle Cultural), Prat de Llobregat (Torre Muntadas), Barcelona (La Capella) y Manresa (Passeig Pere III). Persigue la idea de exposición expandida en el territorio y funciona como un emisor - receptor de datos. Su carácter itinerante permite incidir en aspectos específicos de cada lugar a través de la movilidad. El Dispositivo Itinerante es una forma de evidenciar y visualizar uno de los principales objetivos de Idensitat, que consiste en ser un espacio de producción itinerante, que transita en el territorio con los proyectos que impulsa a la vez que genera visiones, análisis y propuestas de transformación a su alrededor. En este caso se propone como elemento de soporte que se integra en el proyecto que, seleccionado a partir de la convocatoria, podrá ser modificado y adaptado a las necesidades del proyecto. El Dispositivo Itinerante cuenta con algunos elementos complementarios como un proyector, diversas mesas, sillas, pantallas de proyección y soportes verticales.

Parking 03. Convocatoria abierta para la realización de un proyecto de intervención en el espacio público de Vic utilizando la caravana “CX-R” de Can Xalant.

CX-R
CX-R, es una caravana móvil adaptada, su portabilidad permite al centro extenderse hacia el espacio público, establecer dinámicas de colaboración con su entorno, además de ampliar su radio de actuación y de incidencia.
La CX-R fue proyectada y producida el 2009 por los arquitectos argentinos a77 (Gustavo Diéguez y Lucas Gilardi) y Pau Faus como resultado de un taller cuyo objetivo era la construcción colectiva de una infraestructura para el patio del centro y a partir del desarrollo de una red de instituciones y personas del entorno más immediato. El laboratorio se planteó como un proceso de construcción física, pero también como plataforma de interacción social con la intención de definir programas de actuación. wecanxalant.blogspot.com
Desde su inauguración, la CX-R ha sido requerida para diferentes usos y por agentes diversos: intervenciones artístico-pedagógicas en institutos, fiestas populares de barrio, escenario para actuaciones, intervenciones artísticas, entre otros. La CX-R permite ser modificada para cada uso y proyecto.


A quién se dirige la convocatoria
Ambas convocatorias se dirigen a creadores que aporten propuestas en el ámbito del espacio público desde una perspectiva transdisciplinar y con la voluntad de interactuar bajo diferentes estrategias en el espacio social de las ciudades de Mataró y Vic (Barcelona). Los participantes tendrán que formular una propuesta que integre el Dispositivo Itinerante de Idensitat para el caso de Mataró y el CXR de Can Xalant para el caso de Vic. Mediante la utilización de estas herramientas se deberá proponer un proyecto que se articule en cualquiera de los espacios de la ciudad o su ámbito de acción. El concepto de espacio se deberá entender en su doble condición tanto física como social. Más allá de este condicionante, la característica de la convocatoria es amplia, de manera que los objetivos de los proyectos pueden orientarse por igual hacia cuestiones culturales, políticas, educativas o de cualquier otra índole. Sea cual sea, la táctica y su formalización tendrán que mantener negociaciones con elementos de tensión latentes en el espacio público. La ubicación definitiva de la propuesta seleccionada en el espacio público estará sujeta a la obtención del permiso municipal.


Calendario
Las propuestas deberán realizarse durante una residencia de 30 días de duración, entre el 1 de mayo y el 30 de junio de 2011.


Dotación Económica
El proyecto seleccionado dispondrá de 4.000€, de los cuales 1500€ en concepto de honorarios y 2.500€ para la producción (impuestos incluidos). La organización asumirá los gastos de alojamiento, desplazamiento y soporte técnico; así mismo, otorgará un máximo de 1.750€ en concepto de gastos de viaje y dietas para una estancia de 30 días de duración. Los proyectos seleccionados formarán parte de la exposición y la publicación que se generarán en el contexto del proyecto.


Comité de selección
La selección de proyectos correrá a cargo de un comité formado por: Jesús Carrillo, Director del Departamento de Actividades Públicas del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; Pep Dardanyà, director de Can Xalant; Pilar Bonet, historiadora, crítica de arte y profesora de arte y diseño contemporáneo en la Universitat de Barcelona; Jordi Canudas, artista visual y profesor de l'Escola Massana Centre d'Art i Disseny-UAB; Ramon Parramon, director de ACVic e Idensitat; Martí Peran, comisario y profesor de teoría del Arte en la Universidad de Barcelona; Cristina Riera, gestora cultural y responsable I+D Trànsit Projectes.


Presentación de propuestas
Las personas o colectivos interesadas en participar en la convocatoria deberán completar y enviar el Formulario de Solicitud que se puede descargar de la web: www.idensitat.net. Asimismo, se deberá adjuntar al formulario solo documento pdf con una descripción del proyecto (máximo 6.000 caracteres), imágenes (máximo 10), calendario de la propuesta, presupuesto detallado y un breve currículum (máximo 1.000 caracteres). La documentación deberá remitirse por correo electrónico a la dirección: idensitat@idensitat.net.

El período para la presentación de propuestas finaliza el 12 de marzo de 2011.

Los trabajos seleccionados y los proyectos correspondientes son propiedad del autor o autores. Los autores garantizarán que los proyectos que presentan son originales y que en el caso de utilizar imágenes en los mismos, éstas no vulneran los derechos de terceras personas.
Los autores permitirán la reproducción de los proyectos presentados para las distintas publicaciones promovidas IDENSITAT, Can Xalant y/o ACVic para la divulgación en su página web y en todos aquellos casos relacionados con la difusión del programa. IDENSITAT, Can Xalant y/o ACVic podrá utilizar, siempre mencionando su autoría y sin contraprestación económica, los proyectos seleccionados que crea convenientes para la promoción de la convocatoria así como de otras actividades que no tengan una finalidad comercial.
Los trabajos producidos en el marco de este proyecto deberán explicitarlo en caso de que se presenten públicamente fuera de este ámbito.

IDENSITAT conjuntamente con Can Xalant Centre de Creació i Pensament Contemporani de Mataró y ACVic Centre d’Arts Contemporànies incorporará en su fondo documental y de archivo público toda la documentación que genere la convocatoria iD#6 Mataró-Vic.

La participación en esta convocatoria supone la aceptación de estas bases.

Ceci n’est pas une voiture es un proyecto comisariado por Martí Peran y realizado conjuntamente con Idensitat, Can Xalant Centre de Creació i Pensament Contemporani de Mataró, ACVic Centre d’Arts Contemporànies, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y Trànsit Projectes. Con la colaboración de la Generalitat de Catalunya Consell Nacional de la Cultura i les Arts, Ajuntament de Mataró, Ajuntament de Vic, H Associació per a les Arts Contemporànies y Hangar.

Para más información: www.idensitat.net | idensitat@idensitat.net

Diciembre 23, 2010

Interferencias 10. Operación superventas.

operacion_superventas_u.jpgOrganiza: departamento de Artes Visuales. Ayuntamiento de Terrassa
Comisariado: Pilar Cruz
Coordinación: Susana Medina
Artistas: DSK (Juan Lesta y Belén Montero), Jordi Ferreiro, Nùria Güell, Toni Tena.
Diseño gráfico: Enric Farrès
De enero a junio de 2011.

http://www.terrassa.cat/artsvisuals
www.facebook.com/TerrassaArtsVisuals
terrassaartsvisuals@terrassa.cat

Interferencias es un ciclo anual de prácticas artísticas contemporáneas organizado por el departamento municipal de Artes Visuales de Terrassa que llega a su séptima edición y que pretende mostrar las últimas tendencias de la creación emergente en la ciudad de Terrassa. La edición actual está comisariada por Pilar Cruz bajo el título Operación superventas.

El proyecto gira alrededor de las producciones culturales que se convierten en grandes éxitos de ventas, en fenómenos culturales de masas. Interferencias 10 – Operación superventas es un intento de acercamiento a las formas más comerciales de la Industria cultural, de reflexión sobre cómo se generan y los fenómenos que provocan. El proyecto se visibilizará a través del trabajo de los artistas, del proyecto educativo y de la comunicación gráfica a lo largo de tres exposiciones que transcurrirán en la primera mitad del año 2011.


¿Por qué hay ciertos libros, ciertas películas y otros productos culturales que se convierten en grandes éxitos planetarios? ¿Qué hay detrás de los grandes best-sellers, los blockbuster, los números uno de la lista de los más vendidos?
El proyecto trata sobre las producciones culturales que se convierten en grandes éxitos de ventas, en fenómenos culturales de masas. Interferencias 10 – Operación superventas es un intento de acercamiento a las formas más comerciales de la Industria cultural y de reflexión sobre cómo se generan y los fenómenos que provocan; a través del trabajo de los artistas, del proyecto educativo y de la comunicación gráfica.

Interferencias 10 – Operación superventas se desarrollará entre enero y junio de 2011.

La primera exposición (Operación superventas. El origen) será el punto de partida para los proyectos de los artistas DSK, Jordi Ferreiro, Nuria Güell y Toni Tena, que analizarán diversos aspectos del operativo que se pone en marcha para conseguir un super éxito comercial.
Elementos que hacen de un producto un fenómeno comercial de alcance planetario como la viralidad, las comunidades de fans, los medios de comunicación, y la influencia que estas producciones ejercen en sus consumidores e incluso en el espacio público. Estos proyectos toman como punto de partida algunos ejemplos de grandes éxitos de la cultura de masas de los últimos años, que los artistas observarán, diseccionarán y reconstruirán para, finalmente, crear su particular versión.

La segunda exposición,(Operación superventas. La estrategia) a cargo de Enric Farrès + invitados, incidirá en las estrategias promocionales utilizadas para situar al producto cultural entre los más vendidos, desde el diseño a la comunicación pasando por el merchandising o el uso del lenguaje publicitario.

En la tercera exposición (Operación superventas. El éxito) se mostrarán los resultados de los cuatro procesos artísticos iniciados durante la primera exposición. También se mostrarán los resultados del programa educativo, a cargo de Batabat serveis educatius, Carlos Robles y Caye Casas, que tratarán de sintetizar la fórmula básica con la que crear, con el alumnado de centros de enseñanza secundaria de Terrassa, sus propias historias de gran éxito.

Algunas de las cuestiones que aparecerán durante este proceso respecto a estas producciones culturales de gran consumo son el clásico enfrentamiento entre autoría y producto comercial, las dudas, razonables o no, sobre su calidad, la rapidez de su consumo y obsolescencia, su identificación con el entretenimiento y el sentido del espectáculo en la cultura popular de consumo masivo.


Interferencias 10 – Operación superventas. El origen
Del 22 de enero al 27 de marzo. EspaiDOS

Interferencias 10 – Operación superventas. La estrategia
Del 23 de abril al 24 de mayo. Casa Soler i Palet

Interferencias 10 – Operación superventas. El éxito
Del 4 al 26 de junio. Sala Muncunill – Plaza Didó 3, Terrassa


Direcciones y horarios de exposición

SALA MUNCUNILL I ESPAIDOS
Plaza Didó 3
93 739 70 80
De martes a viernes de 17 a 20:30h. Sábados de 11 a 14h y de 17 a 21h y domingos de 11h a 14h. Lunes y festivos cerrado

CASA SOLER I PALET. Sala de exposiciones
Font Vella 28
93 783 27 11
De lunes a viernes de 08:30 a 14.00h y de 16 a 20:30h. Sábados de 11 a 14h y de 18 a 21h Domingos y festivos cerrado


PROYECTOS:
- DSK (Belén Montero & Juan Lesta)
Parte I: Letra y música

DSK han realizado una convocatoria dentro de su videoblog iconoscopio.net destinada a músicos, grupos y bandas de la ciudad de Terrassa. De entre los temas presentados, escogerán uno para realizar un videoclip diseñado para su difusión viral a través de internet y medios de comunicación. En esta primera exposición se mostrarán los resultados de la convocatoria y las canciones de los grupos finalistas, así como un estudio de los mecanismos de la viralidad a través de casos de vídeos que han conseguido alcanzar, gracias a esto, el estatus de clásico en internet.

- Núria Güell
Entretenimiento (de “entretener.” 1. tr. Distraer a alguien impidiéndole hacer algo.)

Núria iniciará un proceso de reconstrucción y deconstrucción de uno de los mitos catódicos de los últimos años, un personaje inventado que supo aprovechar todos los medios y bagajes que los medios de comunicación pueden poner al servicio de la venta de un producto y su conversión en fenómeno de masas.

- Toni Tena
Ho bisogno di te

Sobre la comercialización de los sentimientos y la exploitation del amor y el romance en las ficciones industriales. Toni ha documentado en la ciudad de Roma las expresiones provocadas por las novelas de Federico Moccia. Las imágenes revelan que con un adecuado diseño de producto y en ocasiones el imponderable azar, se puede llegar a convertir una historia en marca, en fenómeno que produce efectos secundarios económicos, relacionales e incluso paisajísticos.

- Jordi Ferreiro
Esa es otra historia y tendrá que ser contada en otra ocasión.

Proyecto centrado en cómo los fans o prosumidores pueden llegar a convertir un best-seller en clásico, alargando así su vida y otorgándole un lugar en el canon literario. Se realizarán una serie de performances, atrezzo y material escénico basadas en una fanfiction de” La historia interminable”, fantasía creada por Michael Ende a finales de los años 70 que ha permanecido en el tiempo y no ha dejado de convocar lectores gracias, en parte, a una entusiasta y activa comunidad de fans.

- Batabat Serveis Educatius, Carlos Robles y Caye Casas con centros de enseñanza de Terrassa.
El proyecto educativo está integrado por tres tipos de actividades. Las dos primeras ¡Crea tu propio súper éxito! y ¡Eclipsados! A visual High Story, se desarrollarán a lo largo del curso escolar con grupos de 3º y 4º de ESO y Bachillerato artístico. La tercera avtividad, Una High School Party, tendrá lugar durante la última exposición de Interferencias 10 - Operación superventas. El éxito.

- Enric Farrès Duran + invitado

En la gráfica del proyecto Operación superventas Enric asume la estética empleada por las multinacionales del entretenimiento y las franquicias de la cultura. Juega con ella e introduce guiños a las argucias de mercadotecnia de grandes superficies. Su investigación sobre las técnicas que el diseño pone al servicio de la venta, junto con la campaña gráfica de este proyecto, se mostrarán ver en Operación Superentas: La estrategia, que se inaugurará en la Casa Soler i Palet el día de Sant Jordi, el 23 de abril, durante la celebración del día del libro.


Biografías y webs de los participantes

DSK (Belén Montero y Juan Lesta)
Belén Montero (Zamora 1970) Juan Lesta (A Coruña 1971)
Directores, productores y creativos de la productora audiovisual y multimedia Esferobite. Han dirigido su actividad hacia el videoclip, videocreación, multimedia, instalación y vídeo en directo, recibiendo diversos premios y menciones. Desde el 2002 imparten clases de audiovisual en diferentes centros de Barcelona y comparten proyectos artísticos como codeco o Iconoscopio compaginando su actividad con la productora.
Han realizado videoclips entre otros para Fangoria, Astrud, La buena vida, Catty Claret, Alma-X... Y han producido piezas de videocreación y multidisciplinares, entre otros, para la Muestra INJUVE, Centro Galego de Arte Contemporánea, Fundación Luis Seoane, Museo do Mar de Galicia, Hangar, Caixa Galicia, Xunta de Galicia o Deputación de A Coruña. Destacan Twin Power (2003) como uno de los primeros vídeos virales de nuestro país, y la vídeoperformance Tetris analógico (2009) con 300.000 descargas.
http://esferobite.com/dsk
http://codeco.org/
http://iconoscopio.net/


Jordi Ferreiro
Jordi Ferreiro (Barcelona. 1982)
Centra su interés como artista en el uso del público como creador y realizador de la obra de arte en una serie de acciones participativas a medio camino entre el happening y la performance. Esto lleva a su práctica artística a formatos atípicos como por ejemplo visitas guiadas, workshops, happenings participativos, juegos de rol de acción real, etc…
www.jordiferreiro.info


Núria Güell
Núria Güell (Vidreres, 1981)
Formada entre Barcelona y La Habana en el ámbito de las artes plásticas. En el 2008 se graduó del postgrado Cátedra de Arte de conducta en La Habana, dirigido por la artista Tania Bruguera.
Su trabajo se ha podido ver en diferentes plataformas como el Premio Miquel Casablancas, Can Felipa, la Sala d’Art Jove de la Generalitat, la muestra Transart, el CCCB, Arts Santa Mònica, el Bólit de Girona y Off Limits de Madrid, entre otras. En el 2009 fue invitada a participar en la X Bienal de La Habana y en el 2010 en la Bienal de Pontevedra y la Bienal de Liverpool. A nivel internacional su trabajo ha sido mostrado en La Haya, París, Nueva York, Miami, Formigine, Dublín y La Habana.
Ganadora de diferentes premios a nivel estatal, actualmente está trabajando en el proyecto Aplicación Legal Desplazada #1: Reserva Fraccionaria, becado por la Fundación Guasch Coranty; y en Aplicación Legal Desplazada #2: Crecimiento Exponencial, premiado por el Premio Miquel Casablancas 2010. Paralelamente está preparando la exposición del proyecto Ayuda Humanitaria para la 1 Trienal de Tallín, en Estonia, para el 2011.
www.nuriaguell.net


Toni Tena
Toni Tena (Hamburgo 1973)
Diseñador, artista visual y explorador.
Algunos aspectos de su trabajo, que podríamos denominar fieldworks, están enfocados en la observación y registro de aspectos culturales y económicos de áreas urbanas.
Sus últimos proyectos transcurren entre Roma, Nápoles y Barcelona.
Invitado por el Bundeskanzleramt MQ en su programa de artistas en residencia (Viena, 2007) Residente en Bilbao Arte con el proyecto Arte y Vandalismo (Bilbao, 2007), en el Rogeland Kunscenter de Stavanger (Noruega, 2007) y becado en la Academia de España en Roma (Roma, 2008-09).
Algunas de sus últimas exposiciones:
2009 Low tech vs High Voltage, Festival Ingràvid, Figueres. Pintar palabras, narrar imágenes, Academia de España en Roma. Accademia delle Academie, Templo di Adriano. Roma. Spazi aperti, I don´t give a shit. Accademia della Rumania. Roma. 2008. Bilbo Garage, Mem Festival, Bilbao. Whatever! Offlimits, Madrid.
www.tonitena.blogspot.com


Batabat servicios educativos
Batabat, servicios educativos se dedica desde 2004 a crear y llevar a cabo proyectos educativos de todo tipo, eminentemente con público escolar de todas las edades, dentro del programa de creación propia Dialoguem amb l'entorn.
Con el Departamento de Educación de la Generalitat de Catalunya gestionan las Escuelas Viajeras, un programa educativo que recibe a alumnado de CS de primaria del resto del Estado y han diseñado y gestionan la Ruta Literaria Modernista para alumnado de ESO, que se realiza cada abril. Diseñan asímismo el material educativo para exposiciones del Centro de Exposiciones Arte Canal de Madrid y realizan visitas guiadas a espacios de arte contemporáneo, como el Tinglado 2 del Ayuntamiento de Tarragona, entre otras. Ya hace casi dos años que realizan el servicio educativo de la Exposición itinerante Les Maculatures de Tharrats promovida por la ODA de la Diputación de Barcelona.
http://batabatserveis.com


Carlos Robles Lucena
Carlos Robles Lucena es profesor de cine y literatura y coordinador del aula de acogida para el alumnado recién llegado de Terrassa. Ha sido lector profesional para las editoriales Alba y Tusquets durante un lustro. Ha diseñado y hecho cursos de lectura activa y escritura creativa para la ONG SED en Paraguay durante dos años.
http://elpetroleo.wordpress.com


Caye Casas Martínez
Caye Casas Martínez es dibujante, guionista y director de cine. Ha publicado sus caricaturas y tiras en Sport, Cinemanía, Fotogramas, Academia, Scifiworld, Interviú y NBA. Su penúltimo proyecto es el cortometraje I love Cine Ramba, dentro del proyecto audiovisual Terrassa V.O. ideado por el departamento de Artes Visuales del Ayuntamiento de Terrassa y premiado en varios festivales. Trabaja actualmente en la preproducción de su primer largometraje El show del gran Luciferio.
www.cayecaturas.com/blog


Enric Farrés Duran + artista invitado
Enric Farrès Duran (1983) es de Palafrugell, vive en Barcelona y estudió el Graduado Universitario en Arte y Diseño en la Escola Massana. Actualmente estudia Filosofía en la Universidad de Barcelona. Le gusta trabajar en procesos de comunicación cultural y artes visuales de manera colectiva y siente predilección por las ediciones de todo tipo.
www.lenric.net


Quim Packard artista visual, músico y comisario independiente le interesa el campo de la producción cultural por su capacidad de generar red y plantear otras realidades. Para presentar dudas y/o divertirnos, nos propone situaciones y posibilidades donde el terreno del consumo cultural llega a ser un espacio que habitamos, un punto de encuentro y de libertad. Ha participado en proyectos al cuidado de Amanda Cuesta, Joan Morey, Oscar Abril Ascaso y del colectivo Saladestar. Recientemente ha trabajado en el proyecto Bienvenidos a nuestro museo por favor pasad y oled las flores para el Espai Cub y el proyecto editorial Líquens i Fongs. http://quimpackard.wordpress.com/


Pilar Cruz
Interferències 10 – Operación superventas es un proyecto comisariado por Pilar Cruz Ramón, comisaria independiente, gestora cultural y crítica de arte http://pilarcruz.net

Diciembre 22, 2010

ÍNDEX. Investigación artística, pensamiento y educación

INDEX_coberta_u.jpgRevista semestral del Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA)

Equipo editorial: Xavier Antich, Mela Dávila, Marta García, Teresa Grandas, Soledad Gutiérrez, Ana Jiménez, Bartomeu Marí, Chus Martínez, Clara Plasencia, Idoia Villanueva
Dirección: Chus Martínez
Diseño: Enric Jardí, Meri Mateu
Coordinación y edición: Departamento de Publicaciones del MACBA
Colaboradores ÍNDEX número 0: Bartomeu Marí, Chus Martínez, Christoph Menke, Piotr Piotrowski, Elizabeth Suzanne Kassab, Julie Ault, Natascha Sadr Haghighian, Xavier Antich, Johanna Burton
Ediciones: catalán, castellano e inglés
Periodicidad: bianual (mayo/octubre)
Distribución gratuita

Disponible online en www.macba.cat/index
Disponible por correo postal escribiendo a mailing@macba.cat

ÍNDEX es la nueva publicación bianual del Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) dedicada a la investigación artística, el pensamiento y la educación. La revista se propone generar una nueva bibliografía que contribuya a la renovación de la cultura del presente y funcionar como un banco de pruebas para construir un nuevo lenguaje crítico que invite a pensar desde y a través del arte.

La revista ÍNDEX se estructura en las siguientes secciones:
Zoom
¿Cómo se hila otra narrativa sobre el arte? «Zoom» es un espacio dedicado a nuevos referentes intelectuales y bibliográficos.
Display
¿Cómo se gestan las exposiciones? ¿Cuál es su trabajo de investigación? Esta sección pretende hacer visibles los procesos de conceptualización y definición de las exposiciones.
Mediterráneos
Un espacio de diálogo sobre Oriente Próximo, Europa y el norte de África. Diferentes voces apuntan nuevos planteamientos sobre la cultura, el arte, la religión, la educación y el futuro común de las sociedades que conforman el área mediterránea.
Investigación artística
¿Por qué y cómo hago lo que hago? Los artistas hablan en primera persona de sus proyectos.
Academia
¿Qué papel tiene la educación? ¿Cómo se construyen las miradas críticas? «Academia» se ocupa de la relación del arte con las ciencias humanas, así como de la intervención critico-social dentro y fuera del museo.

El primer número de ÍNDEX reflexiona sobre la noción de investigación artística, y la sitúa en el centro de las actuales líneas de trabajo del Museo. Para ello este primer número ha contado con la colaboración del filósofo Christoph Menke, del historiador y comisario de arte Piotr Piotrowski, de la investigadora Elizabeth Suzanne Kassab, las artistas Julie Ault y Natascha Sadr Haghighian, así como del filósofo y director del Programa de Estudios Independientes del MACBA Xavier Antich y de la historiadora de arte Johanna Burton. La revista incluye además textos de Bartomeu Marí, director del MACBA, y de Chus Martínez, directora de la revista.

El próximo número de la revista ÍNDEX contará con las colaboraciones de Chus Martínez, los filósofos José Luis Pardo y Reza Negarestani, la comisaria independiente Natasa Ilic, el colectivo de artistas The Otolith Group y el activista y escritor Franco Berardi.

ÍNDEX se publicará cada mes de mayo y octubre. El número 0 de la revista ya está disponible online en www.macba.cat/index y también es posible recibirlo por correo postal escribiendo a mailing@macba.cat

Diciembre 20, 2010

Exposición Suite Sinatra –y otras pinturas

01cajaSuiteSinatra_u.jpgAutor: Joaquín Peña-Toro
Del 20 de diciembre al 20 de Marzo
Unicaja Espacio Emergente (Málaga)
Comisaria: Silvia Alzueta

Hoy se inaugura la última exposición del año 2010 en Unicaja Espacio Emergente, Suite Sinatra –y otras pinturas–, del artista granadino Joaquín Peña-Toro que se podrá visitar hasta el día 20 de marzo. La exposición, comisariada por Silvia Alzueta, está formada por 16 pinturas, de las cuales 7 son Acrílicos sobre tabla y 9 dibujos, así como una instalación titulada Málaga World.

La mayor parte de las obras que componen la exposición han sido creadas específicamente para la citada exposición. El pintor muestra su trabajo más reciente como un proceso creativo que parte de sus trabajos anteriores, en los que la arquitectura tenía un valor eminente, para ir centrándose, como es el caso de la Suite Sinatra, en un hecho anecdótico que le permite contar una historia que no es otra que la presencia de Frank Sinatra en el Hotel Pez Espada de Torremolinos en 1964.

Una desconocida actriz cubana ideó una trama para hacerse una fotografía con Sinatra simulando que era su amante; éste reaccionó con furia y la cámara acabó en el suelo. Denunciado por el fotógrafo, la policía acudió al hotel a tomarle declaración. Cuando partió en la caja Fuerte aparecieron 4 pistolas. El autor usa este pretexto como tema para una serie de dibujos en los que basa su investigación formal y aparecen como iconos algunos elementos que conformaron esta historia real pero totalmente novelable: las pistolas, la caja fuerte, el acceso al hotel y parte del supuesto atrezzo de la posible habitación de Sinatra.

El resto de obras son fragmentos o elementos de distintos edificios que tras una mirada fragmentaria y concreta el autor recoge, la mayoría de las veces con una precisión casi fotográfica, pero siempre jugando con los puntos de vista y forzando los espacios al máximo. El autor ha escogido diferentes edificios que prácticamente en su totalidad pertenecen a la costa del Sol pero que realmente, y esa es la idea primordial, podrían estar en cualquier parte y no nos produciría extrañamiento ya que representa unos modelos arquitectónicos, para el ocio y el turismo, que se repiten en diferentes costas del mundo. El autor parte de estos no lugares, su asepsia e impersonalidad, y, en el caso de muchos de los elementos de la cosa del Sol, de su decadencia arquitectónica y nostalgia para reflexionar sobre lo que realmente le importa; el proceso creativo y la propia pintura.

La exposición se completa con la instalación Málaga World, que con cierta ironía introduce diferentes elementos tópicos de la cultura del turismo de masas propiamente costeros, el turismo del Sol y Playa, con igual decadencia y nostalgia que estos lugares pueden transmitir a cualquier no turista que los transite.

COLONIES de O+R,
ECAT – ESPACIO CONTEMPORÁNEO ARCHIVO DE TOLEDO

colonies_u.jpg23 de diciembre de 2010 / 13 de febrero de 2011.
Inauguración el 23 de diciembre, a las 12:00 horas.

ECAT
Trinidad 10
45002 Toledo (España)

www.espacioecat.es
ecat@jccm.es
www.polusr-47.com

"COLONIES" es un proyecto de Instalación que plantea el ENCUENTRO DIRECTO entre seres humanos y microorganismos en el contexto de un espacio expositivo, de forma que los visitantes de la sala experimenten la sensación de ser parte del interior de un organismo vivo y múltiple.
Este tipo de encuentros generalmente se suele interpretar de forma negativa pero se trata en sí mismo de un ENCUENTRO COTIDIANO. Los microorganismos forman parte de nuestra vida diaria habitando el aire y las superficies de nuestro entorno.
Por otro lado el exponencial desarrollo de las ramas de la biotecnología y la bioingeniería incitan a plantear ENCUENTROS FUTUROS, en los cuales este tipo de relaciones se realizarán de forma controlada y a nivel macroscópico.
Este SUPERORGANISMO que interactúa con el espacio expositivo y con los visitantes está compuesto por COLONIAS, por ecosistemas microscópicos articulados mediante columnas dispuestas a diferentes alturas.

De este modo lo orgánico forma parte del espacio, ocupándolo. Siendo cada columna la estructura y la piel de un ECOSISTEMA vivo y en evolución.
"COLONIES" es un proyecto en constante evolución.

O+R es un equipo multidisciplinar compuesto por artistas y profesionales procedentes de varios horizontes y especializaciones. Desde 2003 su anhelo es ver emerger obras de múltiples escalas proponiendo una mirada universal e individual, desarrollando y empleando diferentes soportes artísticos para conservar el espíritu de creación y focalización múltiple.
Las obras del Equipo O+R representan una realidad subjetiva bajo varias escalas que interroga al espectador enfrentándolo con nuevas facetas de su entorno. Las técnicas y los temas desarrollados pretenden activar al espectador de forma expresiva, manteniéndolo “como un eco” en una reflexión sobre las diferentes apariencias de entorno bajo el proceso de la distorsión física y temporal.


Próximas exposiciones en ECAT – ESPACIO CONTEMPORÁNEO ARCHIVO DE TOLEDO

“GESTO AFEMINADO” de Manu Arregui.
24 de febrero / 10 de abril de 2011.


ECAT – ESPACIO CONTEMPORÁNEO ARCHIVO DE TOLEDO
Trinidad 10, 45002 - Toledo (España)
TEL: +34 925252374 - FAX: +34 925239000

www.espacioecat.es
www.jccm.es
www.fundacionculturaydeporte.com
ecat@jccm.es


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Diciembre 17, 2010

CENTRE D’ART LA PANERA. NUEVA PUBLICACIÓN DERIVES URBANES

62_LaPanera_u.jpgNueva publicación Derives Urbanes, fotocómic realizado a partir del taller organizado el pasado mes de junio por el Centre d’Art la Panera a cargo del artista Francesc Ruíz.

www.lapanera.cat

Este proyecto-taller Derives Urbanes dio la posibilidad a colectivos de personas con discapacidad intelectual de participar del arte y la creación contemporáneos. El proyecto se desarrolló con dos grupos de nueve personas con discapacidad, procedentes de la entidad Sant Joan de Déu de Almacellas. La idea fue que estos dos grupos presentaran niveles de discapacidad distintos para valorar y definir la tarea que el arte contemporáneo en desarrollar sus capacidades y habilidades.

El artista que dirigió el proyecto fue Francesc Ruiz, autor de obras que presentan un fuerte arraigo en el contexto social de donde surgen, gracias a la tarea de rastreador urbano que siempre practica en su trabajo. El proyecto constó de tres partes diferenciadas. La primera consistió en que cada participante se hiciera un autorretrato y creara un personaje basado en sí mismo, pero sobre el que podrían proyectar otros aspectos de su personalidad. Una vez creados los personajes, se realizó un recorrido para descubrir la ciudad, visitando bares, establecimientos comerciales, espacios culturales, etc. A partir de la historia personal que cada participante creó, se hizo otra de colectiva en la que aparecerían reflejadas todas las anteriores. Con todo este material se creó un fotocómic en el que se recoge la vida de la ciudad y la interacción que los participantes tuvieron con ella. Este fotocómic ha sido publicado en una edición de 500 ejemplares.

Este proyecto ha sido posible gracias a la ayuda otorgada por la Obra Social “la Caixa” y forma parte de la convocatoria de de Ayudas a Actividades Culturales de Impacto Social. Desde su puesta en marcha el 2008, los proyectos de esta convocatoria se centran en contribuir al desarrollo de iniciativas culturales con trasfondo social.



+ INFORMACIÓN
Centre d’Art la Panera
Pl. de la Panera, núm. 2
25002 Lleida
Tel. 973 262 185

www.lapanera.cat



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[Taller Derives Urbanes / Fotógrafo: Jordi V. Pou / Fotógrafo: Jordi V. Pou]


Diciembre 16, 2010

On-line, en directo, performance Toxic Lesbian.

BasurayTension_u.jpg18 diciembre, 20h. a 20.30h
CONÉCTATE www.toxiclesbian.org

Canal Toxic TV, www.toxiclesbian.org CONÉCTATE el sábado 18 de diciembre desde las 20h hasta 20.30h. Performance de Toxic Lesbian presencial desde Arteleku y virtual a través de su web para Feministaldia. Nos puedes seguir en twitter en @toxiclesbian, o con el hastag (etiqueta) de BASURA Y TENSIÓN 02: #ByT02

Basura y Tensión 02. Violencia y Exclusión Social. Un proyecto Toxic Lesbian, CC, 2010. En directo, desde Arteleku, Donostia.

Toxic Lesbian concluye su proyecto Basura y Tensión 02 con la acción diseñada para el festival en su edición de 2010, Feministaldia (www.feministaldia.net) Durante el 17 y 18 de diciembre, este acontecimiento de cultura feminista recoge en el centro de arte Arteleku en Donostia, diversas manifestaciones.

La pieza diseñada por Toxic Lesbian para producirla en este contexto, es la performance que el público asistente el 18 de diciembre en Arteleku podrá presenciar en directo. La obra en sí se define exclusivamente como tal a través de la red, con licencia Copyleft, por el Canal Toxic TV y de You Tube (www.youtube.com/TOXICLESBIAN), Twitter y Facebook Toxic Lesbian, soporte de las obras del colectivo. El objeto artístico queda como eco en internet, links donde podrán visualizarse versiones de la obra.

Basura y Tensión es un proyecto artístico y activista de creación de Toxic Lesbian en torno a las causas de la violencia que rodean a algunos colectivos de mujeres y quiénes son señaladas como mujeres en en nacimiento, que todavía hoy, están menos representados socialmente. Se desarrolla con formato colaborativo, desde la perspectiva de género y de orientación sexual.

En esta edición se aborda de modo más específico la incidencia en la exclusión y la violencia de la orientación sexual, identidad de género y sexual, y de modo específico adhiere a la campaña contra la patolgización del movimiento trans y la banalización y empleo de la salud mental como espacio de control. La performance diseñada como final para la 2ª edición remite a símbolos creados por Toxic Lesbian en sus citas anteriores y reproduce estos fragmentos llevados hasta el límite para Feministaldia.

Basura y Tensión se ha desarrollado durante 2010 en varios escenarios. Su primera edición, para el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla León, en colaboración con su Departamento de Educación y Acción Cultural, así como de la Fundación de Familias Monoparentales Isadora Duncan, y Festival Copyleft K-maleón. La segunda edición tuvo lugar para Intermediae, Matadero; el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; y finalmente el Centro Social Autogestionado La Tabacalera, todos ellos en Madrid. Fueron presentados en el ámbito universitario con la colaboración de asociaciones como RQTR o activstas de La Acera del Frente, así como la plataforma Generatech, comprometidos en las Campañas contra la Despatologización del movimiento trans.

Basura y Tensión describe el paisaje causado por la exclusión y analiza qué circunstancias rodean a las personas inmersas en los márgenes sociales. Pretende visibilizar las vidas de la estigmatización social, las consecuencias del rechazo y los tópicos desde los que sistemáticamente son leídas.

El paisaje de la exclusión puede generar violencia, o que quienes viven en ella sean sus protagonistas. Desencadenar problemas de salud mental, agravarlos o ser éste detonante de exclusión social. Un diagnóstico médico-psiquiátrico legalmente obligado, parte de un proceso sanitario (el caso trans) puede iniciar problemáticas psicológicas y sociales.

En este panorama, algunas características de estas personas se convierten en agravantes respecto a los riesgos a los que están sometidos. Así, ser mujer o tener una orientación o identidad de género diferente a la habitual, pertenecer a ciertas minorías tradicionalmente discriminadas en España, como la gitana, suponen una vulnerabilidad social asociada a la exclusión social, más acentuada.

Durante la primera convocatoria de 2010, se analizaron específicamente la incidencia de los problemas de salud mental, como agravante en estos casos de violencia de género. El estigma relacionado con la salud mental, rodea de silencio las agresiones sostenidas y genera una impunidad endémica hacia los agresores.

La perspectiva de género y de orientación sexual, es un lugar desde donde observar la sociedad en su conjunto, no supone un modelo de pensamiento por y para minorías. Es otro punto de vista para valorar piezas del medio social que no fueron constatadas, aún formando parte de un mismo problema social.

Basura y Tensión abordará de modo simbólico en sus performances y analíticamente en sus diálogos abiertos propuestos con agentes sociales, diversos niveles de la violencia:

VIOLENCIA FÍSICA HACIA MUJERES CON PROBLEMAS DE SALUD MENTAL Y TRANS: abusos sexuales a mujeres con diversidad cognitiva o problemas de salud mental, violaciones dentro del matrimonio, falta de reconocimiento de sus derechos al denunciarlo (En colaboración con la asociación Isadora Duncan)

VIOLENCIA ESTRUCTURAL Y SIMBÓLICA HACIA MUJERES CON PROBLEMAS DE SALUD MENTAL Y MUJERES EN CÁRCELES: en el ámbito laboral, violencia por la no contratación, despidos injustificados, mobbing; violencia entre “iguales”; violencia simbólica por desinformaciones de los medios de comunicación; violencia derivada de su anulación en la toma de decisiones que afectan a su propia vida tanto a nivel institucional como doméstico. En el caso de mujeres en cárceles, violencia por la separación de sus hijos, familiares y países de origen; análisis de causas de violencia estructural contra las reclusas como causa de los delitos por las que se las encierra (En colaboración con el Departamento de Educación y Acción Cultural del MUSAC)

VIOLENCIA DERIVADA DE PROCESOS DE EXCLUSIÓN SOCIAL POR LESBOFOBIA, RACISMO Y TRANSFOBIA: lesbianas de origen gitano o lesbianas trans que sufren el rechazo de sus familiares y/o su entorno e inician vivencias psicológicas derivadas de la exclusión, pudiendo o no agravarse éstas como consecuencia del proceso con problemas psicológicos que sin ayudas pueden derivar en problemas de salud mental. Bajo este cuadro, estas mujeres están especialmente expuestas a sufrir violencias diversas e incluso en las relaciones de pareja que inicien, o incluso pueden convertirse en agresoras o también ser ellas víctimas de violencia doméstica. Descripción del concepto de transfobia, casos. (En colaboración con asociaciones David Berna y Lucas Platero)

Toxic Lesbian no se atribuye género ni orientación sexual determinada en las colaboraciones con las que realiza sus proyectos a partir de 2008. Surge en 2005 como grupo artístico y activista de lesbianas que posteriormente mantiene la perspectiva de género y de orientación sexual para realizar sus propuestas, pero trasciende el limitador hecho de ser llevado a cabo por mujeres lesbianas.

Se apoya en varios principios.

1. El lenguaje artístico como medio de expresión pero también de conexión entre creación y colectivos sociales.
2. La investigación a partir de los testimonios de las personas y colectivos sociales afectados en la problemática que se aborda.
3. La implicación en su puesta en práctica de espacios artísticos y sociales como voluntad pública en su afirmación, donde se produce el encuentro real de arte y sociedad.

Asimismo, el espacio web no es sólo un lugar de conexión puntual en el caso de los proyectos de Toxic Lesbian, es también un lugar de referencia de las piezas creadas. En este sentido el colectivo desarrolla herramientas de internet diversificadas según sus objetivos.

Diciembre 15, 2010

Pasarse de la raya. Oskar Ranz

image001_uu.jpg17 de diciembre 2010 – 12 de febrero de 2011
Inauguración: Viernes 17 a las 20.00 horas.
GALERÍA JM (Málaga)

www.galeriajm.com

Galeria JM presenta un nuevo proyecto de Oskar Ranz en el que el artista vuelve a dar una vuelta de rosca en su continuo proceso de investigación entorno a la representación del lenguaje pictórico, sus condiciones procesuales y el cuestionamiento de su propia concepción. Lo que le ha llevado estos últimos años a explorar la interrelación entre la pintura y la música, estableciendo un nexo entre lo visual y lo sonoro para elaborar obras de procesos experimentales en colaboración con algunos artistas y productores musicales en los que reflexiona metodologías de trabajos y similitudes en ambos medios.

La búsqueda de nuevos materiales que aporten soluciones para mantener en su estado original el resultado del proceso de actuación plástica ha ocupado a Ranz en este nuevo proyecto, conduciéndole a experimentar con nuevos materiales como la resina de poliéster. Este material sintético le permite aprisionar el vacío y en él, conservar todos los elementos plásticos que emplea en el dibujo como las cintas adhesivas, el lápiz de grafito y los trazos de rotulador, preservando todos los hechos efímeros que acontecen en sus obras.

La manipulación de este nuevo material, cuyos ingredientes Ranz modifica en su fórmula química aumentando la cantidad de metacrilato líquido y alterando las condiciones temporales del proceso de temperatura, le posibilita un encapsulado transparente que dan unas mayores sensaciones de profundidad y nitidez en la obra. Estos nuevos materiales se alejan de la flexibilidad del lienzo para convertirse en parte constitutiva de la obra. El objeto resultante, a medio camino entre la escultura y la pintura, de impoluta apariencia industrial, establece nuevos diálogos y reflexiones sobre los procedimientos pictóricos. Los avances son importantes: de las estrategias reticulares planas al plano tridimensional. Del cuadrado al hexágono –determinado por el crecimiento del plano y la expansión del módulo elemental-. De la unidad a la multiplicidad y la creación de redes.

El brillo, la transparencia y la profundidad son nuevos elementos plásticos que participan en la representación, que transforman la pintura y proporcionan una naturaleza más objetual y escultórica. Nuevos espacios cuyos vacíos contenidos resguardan y revelan las formas orgánicas que representa el lleno. Un nuevo laboratorio arquitectónico de procesos físicos y pictóricos.


Oskar Ranz (Pamplona, 1974) Licenciado en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca, vive y trabaja en León. Ha obtenido en sus inicios numerosos premios y Becas. Ha realizado a lo largo de su carrera numerosos proyectos en España y Portugal, entre ellos acciones e intervenciones públicas. Ha participado en diversas ferias como ARCOmadrid, ArtSalamanca, ArteLisboa o Hot Art Basel, así como en numerosos certámenes y bienales. Está presente en numerosas colecciones, entre ellas destacan Colección Norte (Cantabria), Fundación Unicaja (Málaga), Royal Premier (Madrid), Carriegos (León), Junta de Castilla y León. Entre su abundante bibliografía y publicaciones destaca “Sé verla al revés” una publicación monográfica de sus últimos 10 años de trabajo. Actualmente participa en las exposiciones colectivas – Inmersiones 2010. Sala América (Vitoria). MATCH BOX. Laboral. Centro de Arte y Creación Industrial. Gijón. (Asturias) y Una realizad proyectada hacia el futuro. Sala Gótica. Palacio del Condestable. (Pamplona).


GALERÍA JM
Duquesa de Parcent, 12.
E 29001 Málaga.
Telf./Fax: 952 216 592
www.galeriajm.com


[Oskar Ranz. Night shifter. 2010. Resina, pigmento, lapiz grafito y madera. 210 x 315 cm.]

Diciembre 14, 2010

Joan Ponç. Capses secretes 1975-1980

espurnes_U.jpgExposición itinerante 2010-2012

Del 14 de diciembre de 2010 al 27 de febrero de 2011
L’Harmonia. Espai d’Art, Hospitalet de Llobregat

Organización: Área de Cultura de la Diputación de Barcelona y Asociación Joan Ponç, con la colaboración del Ayuntamiento de Hospitalet de Llobregat

Comisarios: Jordi Carulla-Ruiz y Sílvia Muñoz d’Imbert

www.diba.cat/oda/capses_secretes.asp

Joan Ponç. Capses secretes 1975-1980" presenta una selección de 122 dibujos de la suite Capses secretes (Cajas secretas), que consta de 424 dibujos en total y se desglosa en 9 series: Mini-geperuts, Degollats, Caps-espelma, Èxtasi, Espurnes, Irregulars, Degenerats, Celestial y Estranya. Cada serie se acompaña de un texto que el mismo artista pidió a diferentes escritores con motivo de la primera exposición de la suite en 1983 (La Caixa, Barcelona).

“Capses secretes” también presenta un ámbito de documentación con entrevistas, fotografías del pintor, libros de consulta y otros documentos, con el fin de ofrecer al visitante herramientas de conocimiento, contextualización y análisis de la exposición y de la figura de Joan Ponç.

« “Joan Ponç. Capses secretes 1975-1980" tiene la intención de dar a conocer Joan Ponç entre el gran público, especialmente haciéndolo accesible a nuevas generaciones. Y esto en parte se hace explicando el protagonismo que tuvo como artífice de uno de los momentos de más esplendor, resistencia y contagio entre las artes, un momento que cristalizó al final de los años cuarenta con la eclosión del grupo Dau al Set, que llegó a ser el máximo exponente de las segundas vanguardias en nuestro país. Un momento clave en que se dibujan los caminos a seguir: la unidad del imaginario que Ponç ejecuta nos muestra la capacidad del pintor de asimilar y transformar la tradición aunando plástica y discurso.

Joan Ponç nació en Barcelona el 1927. Estudió pintura con el maestro Ramon Rogent. En el año 1948 fundó la revista Dau al Set, junto con Joan Brossa, Modest Cuixart, Arnau Puig, Joan Josep Tharrats y Antoni Tàpies, una publicación que significó el resurgimiento del impulso creativo en la decaída Barcelona de posguerra. Descontento con los círculos artísticos catalanes, el 1953 se trasladó a Brasil. Se instaló en São Paulo, donde su pintura se hizo más hermética y depurada. En 1962 volvió a Cataluña y se instaló en Cadaqués. A partir de este momento, su obra tuvo una fuerte presencia en los circuitos artísticos nacionales e internacionales y obtuvo el reconocimiento del público y la crítica. El 1984 murió en su casa de Saint Paul de Vence, en Francia.

La fidelidad a unos planteamientos que se alejaban de las corrientes dominantes de la época situaron a Ponç al margen de los discursos artísticos oficiales. La obra parece hecha bajo la clarividencia de una cierta crisis existencial permanente. Su universo pictórico es coherente y configura un mundo simbólico inteligente, poético y complejo. La perspectiva del tiempo arrecia la relevancia y la excepcionalidad del trabajo de Ponç, como también la intensidad de su voz y la necesidad de su redescubrimiento».

Jordi Carulla-Ruiz
Asociación Joan Ponç. Co-comisario de la exposición


«Joan Ponç pintaba para sobrevivir ante el mundo y convertía cada una de sus creaciones en un acto mágico. Su trayectoria describe un camino circular, casi sin “evolución”, si entendemos como evolución el cambio de un lenguaje a otro, la variación de estilos. Ponç perteneció al linaje de los pintores-poetas, aquellos que utilizan los pinceles y el lápiz para describir el único mundo que conocen, el más real de todos, aquel que se encuentra “en el fondo del ser”. Lugar habitado por extrañas criaturas de cuerpos medio humanos, medio animales, bajo el signo de una línea omnipresente, de carácter obsesivo, que hace y deshace el camino, que tatua la piel del papel.

Enfermo, fue perdiendo la visión y, lejos de abandonarlo todo, se obstinó en descifrar su destino a través de las Cajas secretas, obras de pequeño formato que realizó en las salas de espera de médicos y hospitales y en qué representó un completo desfile de su propia iconografía. Las Cajas secretas constituyen el legado lúcido del visionario Joan Ponç, uno de los pintores más singulares y enigmáticos de nuestra historia».

Sílvia Muñoz de d’Imbert
Historiadora y crítica de arte. Co-comisaria de la exposición



“Joan Ponç. Capses secretes 1975-1980" en Hospitalet de Llobregat

>>> Inauguración: martes 14 de diciembre, a las 19.30 h
Presentación de la exposición a cargo de sus comisarios, Jordi Carulla-Ruiz, presidente de la Asociación Joan Ponç, y Sílvia Muñoz d’Imbert, historiadora y crítica de arte.

>>> Servicio educativo, a cargo de Saladestar

• Visitas comentadas y talleres experimentales para grupos con concertación previa
Del 1 al 27 de febrero

Escuelas, mayores, entidades, etc.
Es necesario concertar dia i hora al teléfono 933 381 396

• Visita nocturna sin concertación previa
Viernes 28 de enero, a las 21 h

A partir de 16 años

• Visita y taller para público familiar sin concertación previa
Domingo 6 de febrero, a las 12 h
Pera familias con niños y niñas a partir de 6 años

>>> Actividades vinculadas

• Las cajas secretas y Joan Ponç
Jueves 10 de febrero, a las 19 h

Mesa redonda, con Lluís Calvo, Sol Enjuanes, Sívia Muñoz d’Imbert y Arnau Puig, moderada por Jordi Carulla-Ruiz. Y recital poético, con Lluís Calvo, Carles Duarte, Blanca Llum Vidal y Vicenç Altaió.
Duración: 1 h 30’

• En l’Harmonia. Espai d’art también se expondrá una selección de obras de Joan Ponç del fondo de arte del Museu d’Història de Hospitalet de Llobregat.


L’Harmonia. Espai d’Art
Plaza Josep Bordonau i Balaguer, 6
08901 l’Hospitalet de Llobregat
Teléfono: 933 381 396
cultura.museu@l-h.cat
www.museul-h.cat

Horario:
Laborables, de 17 a 20 h
Sábados y domingos, de 11 a 14 h
Lunes y festivos, cerrado


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Diciembre 13, 2010

VITRINAS Y PANTALLAS [VP]

VP_acvic_u.jpgACVIC. Centre d'Arts Contemporànies. Convocatoria abierta para el programa VP
www.acvic.org

Vitrinas y Pantallas es un proyecto que forma parte del programa Formatos Expositivos de ACVic que, mediante la convocatoria abierta y la invitación, plantea activar nuevas propuestas pensadas para hacer uso de una parte de la fachada de cristal del espacio del Centro y al mismo tiempo desarrollen una versión del proyecto por internet. Desde el espacio web acvic.org se alojarán los diversos proyectos que formen parte del programa. La concreción formal de estos proyectos ha de plantearse para estos dos espacios (físico y virtual) con las adecuaciones técnicas que cada uno de ellos requiere.
Los proyectos tienen que desarrollar elementos temáticos a nivel conceptual que relacionen los siguientes términos interrelacionados: datos y territorio – analógico y digital – espacio físico y espacio virtual – textos e hipertextos – stops & motions – cortinas y banners – visualización de datos y textos en contexto – mapas y cartografías – datos y analogías – narraciones y fechas - información y contra información – gráficas y ciudades.
Los proyectos que formen parte de Vitrinas y Pantallas lo hacen desde la temática abierta y recogiendo alguno de estos conceptos complementarios entre sí, a partir de la relación inicial sugerida por –Datos y Territorios- con el fin de ser visualizado desde el espacio físico de un escaparate y desde el espacio web a través de la pantalla.
En una segunda fase el proyecto podrá tener una nueva versión con intervenciones en escaparates seleccionados de la ciudad u otras ciudades.


Proyecto invitado
Como inicio de este proyecto se ha invitado al artista Ignasi Aballí que ha realizado el proyecto Transparencia. La intervención Transparencia en la pared de cristal de la fachada de ACVic plantea una reflexión sobre las características físicas del edificio y su soporte estructural. En esta primera intervención se toma el Centro como punto de partida para la reflexión y probablemente en proyectos posteriores se ampliará a otros ámbitos y territorios. Una de las características principales de la gran pared de cristal de la fachada del Centre d’Art es la transparencia; el interior y el interior quedan pues conectados gracias a la misma. Este consiste, por un lado, en clausurar y cegar la condición de transparencia de los cristales, cubriéndolos con un vinilo negro, y por otro, proponer una reflexión sobre la misma condición de transparencia de los cristales, situando en ellos un texto en el que las letras han sido recortadas, convirtiéndose en una fisura a través de la cual se mira a través de ella tanto desde el interior como el exterior.


Convocatoria abierta
ACVic abre la convocatoria para el programa Vitrinas y Pantallas para desarrollarse a lo largo de 2011. Se dirige a creadores de diversas disciplinas que desarrollen proyectos y que quieran adaptarse a la demanda de relacionar el concepto de “datos y territorios”. Datos como unidades de significación en bruto que requieren se contextualizadas en un territorio específico. Este territorio que se solicita que incorpore el proyecto no ha de ceñirse necesariamente al contexto territorial en el que está ubicado el Centre d’Art sino que puede hacer referencia a cualquier lugar (población, barrio, paisaje o contexto determinado). La relación fechas y lugar debe quedar claramente especificada. La temática y el contexto al que haga referencia son abiertos.


Recursos
Los proyectos seleccionados tendrán una dotación de 1.000 euros en concepto de honorarios para la realización del proyecto. El centro se hará cargo de la producción total o parcial en función del presupuesto que no podrá exceder de 2.000 eur.
ACVic ofrecerá, en colaboración con Hangar, el apoyo técnico para la implementación del proyecto en la web.


Comité de selección
Mery Cuesta

Comisaria de exposiciones, crítica de arte y dibujante de cómics. Combina sus apariciones
en radio (Com Radio) y TV con artículos en el Cultura/s de La Vanguardia y tiras cómico-críticas para diversas revistas (Barcelonés,TMEO, Bonart). Como comisaria, sus proyectos reflexionan sobre la cultura populary los mecanismos de funcionamiento del arte contemporáneo. Destacan ‘Low Cost’(FAD) o ‘Quinquis de los 80: cine prensa y calle’ (CCCB, La Casa Encendida). Tiene dos cómicbook y varias publicaciones en el mercado, entre ellas un ensayo sobre el cine experimental de los 70 en España con el que ganó el Premi Espais Assaig Inèdit en 2002. Es también docente de la escuela Elisava. www.merycuesta.com

Nuria Enguita
Es miembro del equipo de dirección del programa arteypensamiento de la Universidad
de Andalucía- UNIA. Co-editora de Afterall Journal. Licenciada en Historia y Teoría del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid. De 1991 a 1998 trabajó en el IVAM como conservadora. En 2002 formó parte del grupo de comisarias que organizó Manifesta 4, Frankfurt. Desde junio de 1998 hasta septiembre de 2008 ha sido Responsable de proyectos de la Fundació Antoni Tàpies donde ha organizado exposiciones y publicaciones, además de seminarios y ciclos de cine y vídeo. Actualmente está trabajando en una exposición de Leonor Antunes para Museo Serralves y Kunstverein Dusseldorf y una retrospectiva de Luis Claramunt para el MACBA- Museu d’Art Contemporani de Barcelona.

Ignasi Aballí
Artista visual. Ha realizado diversas exposiciones individuales en España y en el extranjero enre las que destacan las realizadas en el Macba de Barcelona, el Museo Serralves de Oporto, la IKON Gallery de Birmingham y el ZKM de Karlsruhe. Ha participado en la 52ª Bienal de Venecia (2007), en la 8ª Bienal de Sharjah (2007) y en la XI Bienal de Sidney (1998).

Ramon Parramon
Director de ACVic Centre d’Arts Contemporànies (2010). Desde 1999 dirige el proyecto de arte IDENSITAT. Codirector del máster en Diseño y Espacio Público en Elisava / Universitat Pompeu Fabra. Ha participado y organizado numerosos seminarios, talleres y foros de debate sobre arte y espacio social. Ha editado publicaciones como Accions Reversibles. Art Educació i Territori (EUMO Editorial / ACVic, 2010); Local / Visitante. Arte y creación contemporánea en el espacio social (Idensitat, 2010); Arte, experiencias y territorios en proceso (Idensitat, 2008).
Su trabajo como artista abarca aspectos de desarrollo de proyectos interdisciplinares, textos teóricos y construcción de plataformas para la producción de proyectos colectivos en contextos urbanos determinados.


Condiciones de participación
Se deber enviar, antes del día 6 de febrero de 2011, el siguiente material:
Datos personales.
Referencia de otros trabajos realizados y cv en formato pdf con una extensión máxima de 6 páginas.
Descripción del proyecto que tendrá que constar de una sinopsis, con una extensión máxima de 1 página, y una descripción detallada con una propuesta gráfica y un presupuesto. En formato pdf y una extensión máxima de 6 páginas.
La participación comporta la aceptación de estas bases y la cesión de los derechos de publicación y reproducción de las imágenes por parte de ACVic.

Medidas, imágenes de la vitrina, más información y envío de proyectos info@acvic.org


ACVic Centre d'Arts Contemporànies es un equipamiento cultural público para la promoción de la creación, la producción y la exhibición de propuestas de diversas disciplinas artísticas contemporáneas.
ACVic se posiciona con una línea de acción centrada en la relación entre las prácticas artísticas, la actividad educativa y la interacción social. El arte conectado con la educación genera espacios de producción abiertos a la experimentación. Se entiende la práctica artística como una práctica que incide, interactúa y transforma el espacio social.
ACVic es resultado de la cooperación entre Ayuntamiento de Vic, Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació de la Generalitat de Catalunya y H. Asociación para las Artes Contemporáneas.
Vitrinas y Pantallas cuenta con la colaboración de Hangar.

ENCUENTRO INTERNACIONAL DE PERFORMANCE Y ARTE DE ACCIÓN

IMAGEN_u9.jpgSILVIA ANTOLÍN (ESPAÑA)
LI-PING TING (CHINA)
MICHEL COLLET & VALENTINE VERHAEGHE (FRANCIA)
HONG O-BONG (COREA)

Fechas: 17 y 18 de diciembre
Hora: 20:00 h / Entrada gratuita

EACC - Espai d´art contemporani de Castelló.
www.eacc.es

La performance abarca hoy una extensa gama y modos de hacer, de actuar o de intervenir, dando forma a manifestaciones muy diferentes entre sí, e incluso divergentes. Pero esa pluralidad no es indicio de disolución ni de pérdida: más bien da cabida a una práctica que se multiplica, se cruza, intercambia datos, se superpone o se desborda a sí misma.

En este I Encuentro en el EACC de Castellón intervienen cuatro performers de la escena europea y asiática. Silvia Antolín y Li-Ping Ting realizarán sus respectivas presentaciones el día 17 de diciembre mientras que el día 18 presentarán sus performances Michel Collet & Valentine Verhaeghe y Hong O-Bong.

Todos ellos tratan el arte de acción desde intervenciones que tocan con una mano el lenguaje de la poesía, de la danza o de la plástica.


Tanto el viernes como el sábado, a las 18:00 h se proyectará La Voce Stratos, alla ricerca vocale estrema, un film sobre Demetrio Stratos, dirigido por Luciano D’Onofrio y Monica Affatato. Se trata de un recorrido por la vida musical del griego Demetrio Stratos, uno de los más grandes experimentadores de la voz, admirado por John Cage, que ha influido en la práctica de la poesía sonora y de la performance.


EACC - Espai d´art contemporani de Castelló.
Prim s/n 12003. Castelló
Tel: 964 72 35 40
www.eacc.es

Diciembre 09, 2010

KREA y AZALA ponen en marcha un novedoso programa de danza contemporánea

espelopez_w3art_u.jpg‘Gorputz Egoerak’ nace con el objetivo de crear un foro de formación y encuentro para personas interesadas en las prácticas coreográficas contemporáneas.

Las destacadas creadoras Espe López, Mónica Valenciano y Raquel Sánchez dirigirán los primeros talleres-encuentro en diciembre y enero.

Están dirigidos a profesionales como coreógrafos, bailarines, actores, performers o escritores, entre otros.

Más información e inscripciones: www.kreared.com

A pocos meses de la apertura de su nueva sede en Betoño (Vitoria-Gasteiz), KREA Expresión Contemporánea, proyecto cultural de la Obra Social de Caja Vital Kutxa, continúa ampliando su red de colaboración con diversos agentes locales culturales.

Araceli de la Horra, directora de KREA Expresión Contemporánea, e Idoia Zabaleta, co-directora de AZALA, han firmado un convenio con el objetivo de fomentar la formación y el acercamiento a las prácticas coreográficas contemporáneas. AZALA es un espacio de creación liderado por los alaveses Idoia Zabaleta y Juan González para la investigación, el fomento y la divulgación de la creación escénica.

Ambos proyectos culturales crearán de forma conjunta talleres y encuentros en los que se aborde la experimentación en temas como coreografía, geografía, contexto, temporalidad, obra, proceso, espectador, objeto, idea o visibilidad, entre otros.

El convenio, con una vigencia anual y prorrogable, establece que ambas partes colaborarán y tendrán un asesoramiento mutuo en diversas líneas de trabajo relacionadas con la danza contemporánea, con el fin de generar una estructura estable en Álava de apoyo a todas las personas aficionadas a la creación escénica.


Gorputz Egoerak

‘Gorputz Egoerak’ es un programa que nace de esta unión entre los dos espacios de creación alaveses con el objetivo de llevar a cabo conjuntamente propuestas de formación en prácticas coreográficas contemporáneas.

Las primeras actividades de este programa serán dos talleres intensivos en diciembre y enero dirigidos a profesionales del sector cultural como coreógrafos, bailarines, actores, performers o escritores, entre otros.

Ambas iniciativas se desarrollarán en el espacio de creación AZALA, ubicado en Lasierra (Álava), y su formato intensivo, que incluye alojamiento en el propio espacio durante la duración de los talleres, tiene como objetivo aumentar la concentración y el aprovechamiento de los cursos, así como facilitar el contacto entre los profesionales que asisten a la formación.

‘El azar, herramienta para la auto-ficción’ es el título del primer taller, que tendrá lugar del 26 al 30 de diciembre y será dirigido por Espe López. Esta prestigiosa creadora, que se ha formado principalmente en Ginebra, Francia y España, fue co-fundadora de la compañía Legaleón-T Teatro y actualmente participa en giras internacionales con la compañía suiza L’Alakran junto con Oscar Gómez.

'Escribir con el cuerpo: gramática del movimiento' es el nombre de la segunda propuesta, un taller intensivo que se celebrará del 3 al 8 de enero y que contará con la dirección de las creadoras de la compañía El Bailadero Mónica Valenciano y Raquel Sánchez.

Mónica Valenciano, coreógrafa de origen canario, cuenta con una dilatada trayectoria en danza contemporánea como creadora. Por otro lado, Raquel Sánchez ha dirigido montajes tanto para adultos como para niños, incluido un premio Max a la mejor producción por 'Estate quieta’, y actualmente forma parte del equipo de profesorado de Cuarta Pared.

Las personas interesadas pueden inscribirse hasta que se complete el número de plazas mediante la hoja de inscripción que se encuentra disponible en www.kreared.com. La inscripción puede entregarse en la sede de KREA en Postas 17 o en info@kreared.com. Mientras el precio del taller dirigido por Espe López es de 80 euros – 65 con tarjetas de Caja Vital -, el de Mónica Valenciano y Raquel Sánchez es de 90 euros – 70 con tarjetas Caja Vital -, y ambos incluyen alojamiento.


Más información e inscripciones: www.kreared.com

Diciembre 07, 2010

LA REPETICIÓN Y LA DIFERENCIA
TRANSFORMACIÓN, REABASTECIMIENTO Y CONTEXTO EN LA EMERGENCIA ARTÍSTICA

MalaHierba_general_u.jpgJornadas de debate

14, 15 y 16 de diciembre de 2010.
Sala d’Art Jove, Sant Andreu Contemporani, Can Felipa Arts Visuals.
Barcelona

http://saladartjove.wordpress.com
http://santandreucontemporani.wordpress.com
http://canfelipaartsvisuals.wordpress.com

¿Qué significa hoy en día la noción de arte emergente? ¿Qué conlleva emerger en una escena artística determinada? ¿Cuáles son las implicaciones que esto tiene en relación con esta misma escena y los actores que la conforman?

En la Sala d'Art Jove, Sant Andreu Contemporani y Can Felipa Arts Visuals acabamos el año 2010 con la organización conjunta de unas jornadas de debate que tienen como objetivo reflexionar sobre la propia idiosincrasia y las implicaciones de nuestro trabajo, es decir: la práctica artística emergente y la gestión y mediación en arte contemporáneo. Con las jornadas invitamos a agentes de diferente perfil para poner en relación aspectos que conciernen tanto a la promoción de artistas, las economías del arte, las políticas, el comisariado, la formación, la profesionalización, el trabajo en red y la mediación cultural. Asimismo, a parte de presentar casos del momento actual, también se procurará articular un enfoque retrospectivo sobre estos aspectos.

La Sala d’Art Jove, Sant Andreu Contemporani y Can Felipa Arts Visuals se han convertido en los últimos años en tres espacios de referencia en cuanto a la articulación de las dinámicas para la promoción del arte emergente, en el contexto catalán y de Barcelona en particular. El hecho de generar conjuntamente unas jornadas de debate sobre la emergencia responde a la necesidad de reflexionar sobre la propia idiosincrasia y las implicaciones de nuestro trabajo y, muy especialmente, quiere ser una llamada a nuestros usuarios y colaboradores, así como productores culturales de perfil diverso, estudiantes y a todas las personas interesadas, para debatir sobre las necesidades y las oportunidades que actualmente se dan en relación con el trabajo de los artistas emergentes y en la gestión del arte contemporáneo.

La perspectiva para abordar la situación es igualmente diáfana y, con las jornadas, trataremos aspectos que conciernen tanto a la promoción de artistas, las economías del arte, las políticas, el comisariado, la formación, la profesionalización y el trabajo en red como la mediación cultural. Asimismo, a parte de presentar casos del momento actual, también se procurará articular un enfoque retrospectivo sobre estos aspectos.

Hemos agrupado las intervenciones en tres mesas redondas que tendrán lugar en la Sala d'Art Jove, en Sant Andreu Contemporani y en Can Felipa Arts Visuals, consecutivamente los días 14, 15 y 16 de diciembre. Con los lemas con los que encabezamos cada mesa —la transformación, el reabastecimiento y el contexto— queremos poner énfasis en la dicotomía que hemos apuntado de entrada: la oscilación entre la consolidación de nuevos valores y la alteración del propio campo del arte, que es donde entendemos que se sitúan —o creemos que deberíamos ser capaces de situar— los espacios de la emergencia en nuestro tejido cultural. La tensión de reabastecer una estructura y transformarla al mismo tiempo, así como el reto de poner en relación las prácticas artísticas en un contexto social más amplio, son aspectos que procuramos sintetizar también con el propio título de las jornadas: La repetición y la diferencia. Pasado y presente, reproducción e innovación, monólogo y diálogo, son algunos de los contrastes que creemos que entran en juego a la hora de abordar actualmente la cuestión de la emergencia en la práctica del arte.


PROGRAMA DE LAS JORNADAS:

Transformación. Lugares de emergencia y estructuras de transvase de valor
Martes 14 de diciembre, a las 18.30 h. Sala d'Art Jove

Ferran Barenblit. Director de CA2M Centro de Arte 2 de Mayo. Móstoles, Madrid.
El comisario y la exposición como herramienta de transvase de valor: Anys 90 Distància 0; Interzona; Vostestaquí; Antes que todo.

Edu Hurtado
Situarse en la emergencia. Un pequeño relato de economías y políticas culturales.

Rosa Pera. Directora del Bolit, Centro de Arte Contemporáneo. Girona
Algunas reflexiones sobre creatividad, emergencia y formación.

Joan Morey. Artista audiovisual
Jerarquía y poder. La práctica artística en el entramado institucional y de mercado.

Presentación: Eugeni Villalbí, Secretario de Juventud de la Generalitat de Catalunya en funciones.
Moderación: Oriol Fontdevila y Txuma Sánchez.


Reabastecimiento: promo surfing, efervescencia y supermercado
Miércoles 15 de diciembre, a las 18.30 h. Sant Andreu Contemporani.

Frederic Montornés. Comisario independiente
¿Sucede algo en Barcelona? Ser emergente en 2010.

Rocio Gracia Ipiña. Colectivo RMS La Asociación
Después de la emergencia.

Maribel López. Galerista y comisaria independiente
Construyendo marca, generando valor: la galería.

Alexandra Navratil. Artista visual
Artista en residencia: un recorrido personal por el ISCP (Nueva York), IMMA (Dublín), Goldsmith (Londres) y Hangar (Barcelona).

Presentación: Jordi Pino. Director del Centre Cívic Sant Andreu
Moderación: David Armengol y Amanda Cuesta.


Contexto. Las redes de la emergencia
Jueves 16 de diciembre, a las 18.30 h. Can Felipa Arts Visuals.

Gloria Picazo. Directora del Bolit, Centro de Arte Contemporáneo.
Situación del arte emergente catalán desde los años 80: transformación social y del territorio.

Jeffrey Swartz. Crítico de arte
Artistas independientes en el espacio: el giro urbanístico y el activismo artístico en Barcelona, 1991-2010.

Leire Vergara. Comisaria independiente
El contexto emocional y las políticas de la amistad.

Jordi Mitjà. Artista visual
Cada contexto dibuja sus venas. (El artista ante el lugar).

Presentación: Carme Turégano, directora de Servicios a las Personas del Distrito de Sant Martí, Ayuntamiento de Barcelona.
Moderación: Joana Hurtado y Jordi Ribas


La participación en las jornadas es gratuita
Plazas limitadas al aforo de los auditorios donde se llevarán a cabo las mesas redondas.
Se recomienda inscribirse previamente en: artjove.dasc@gencat.cat


Sala d’Art Jove
Secretaría de Juventud
Calàbria, 147
08015. Barcelona
Tel. 934 838 361
Metro: Línea 1 (Rocafort) y línea 5 (Entença).
Bicing: 111 (Calàbria, 135) y 262 (Rocafort, 103).
Horario: De lunes a viernes, de 10 h a 20 h. Sábados y domingos cerrado.
saladartjove.wordpress.com
www.gencat/joventut/saladartjove
artjove.dasc@gencat.cat

Sant Andreu Contemporani
Centro Cívico Sant Andreu
Gran de Sant Andreu, 111
08030 Barcelona
Tel. 933 119 953
Bus: B20-40-35-34-12-11
Metro: Línea 1 (Fabra i Puig o Sant Andreu)
www.bcn.cat/ccsantandreu
http://santandreucontemporani.wordpress.com
sacontemporani@gmail.com

Can Felipa Arts Visuals
Centro Cívico Can Felipa
Pallars, 277.
08005 Barcelona
Tel. 932 563 840
Metro: Línea 4 (Poblenou)
Bicing: Pujades/Marià Aguiló
http://canfelipaartsvisuals.wordpress.com
www.bcn.cat/canfelipa
artsvisualscanfelipa@bcn.cat


Créditos:

Ideación: David Armengol, Amanda Cuesta, Oriol Fontdevila, Joana Hurtado, Jordi Ribas y Txuma Sánchez

Coordinación técnica: Lara Fluxà y Marta Vilardell

Una iniciativa de: Sala d'Art Jove, Sant Andreu Contemporani y Can Felipa Arts Visuals.

Organiza: Secretaria de la Joventut de la Generalitat de Catalunya y Agència Catalana de la Joventut.

Con la colaboración de: Consell Nacional de la Cultura i les Arts; Hangar; Can Xalant Centro de Creación y Pensamiento Contemporáneo de Mataró; Universidad de Barcelona. ProdArt Máster Europeo; Districte de Sant Andreu - Ajuntament de Barcelona, Districte Sant Martí – Ajuntament de Barcelona.


Biografías:

Ferran Barenblit (Buenos Aires, 1968) es director del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid, donde ha puesto en marcha una intensa programación de proyectos de arte contemporáneo, incluyendo la investigación, la mediación, la producción y la exhibición de exposiciones, actividades y propuestas educativas. Entre los años 2002 y 2008 fue director del Centro de Arte Santa Mònica de Barcelona. Fue co-comisario de la Bienal Site Santa Fe en 2008 y ha impartido seminarios sobre práctica curatorial (Paulo, París, Tokio, El Cairo, México) y en diferentes universidades españolas (Universidad de Barcelona, Rey Juan Carlos I, Carlos III, Complutense, Menéndez Pelayo). Es profesor invitado en el programa del máster Curating Contemporary Art del Royal College of Art en Londres.

Rocío Gracia Ipiña es licenciada y DEA en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Desde el año 1998 forma parte de RMS La Asociación, una agencia que se dedica a la producción (Madrid Abierto, 2004-2010), al comisariado (“Sur le dandysme aujourdhui”, CGAC, Centro Galego de Arte Contemporánea, 2009) y a la elaboración y coordinación de proyectos y programas de mediación y educativos (Archivo de creadores, Matadero, 2009-2010; Didáctica VIDA 10.0; Fundación Telefónica, 2009). Ha trabajado en tareas de coordinación para InJuve (1999-2000) y la Dirección General de Relaciones Culturales y Científicas, MAE (2000-2001), a cargo del Área de Exposiciones de La Casa Encendida, Obra Social Caja Madrid (2001-2006).

Edu Hurtado (Valladolid, 1986) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco y es estudiante de postgrado en el programa interunivesitario de Historia Contemporánea. Es miembro activo del Espacio Abisal desde 2007, ha trabajado como guía de museo, analista cultural, montador y comisario. En 2009 recibió la beca de investigación del Centro Cultural Monthermoso y recientemente ha recibido el premio Inéditos de Caja Madrid con el ejercicio curatorial “Oscuro y salvaje”. Actualmente forma parte del grupo de trabajo “Correspondencias desde Eyjafjallajökull”, del colectivo Cambia el Orden, y prepara diferentes proyectos expositivos vinculados a su práctica como artista y como comisario.

Maribel López (Barcelona, 1973) es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona. Profesionalmente ha orientado su carrera hacia el ámbito del galerismo y el comisariado. Entre los años 1994 y 2000 fue miembro del equipo de comisarios Creatures, juntamente con Amanda Cuesta, Gloria Pou y Francesc Ruiz. Entre 1999 y 2007 fue la subdirectora de la galería de arte Estrany de la Mota, en Barcelona, y entre 2007 y 2010 ha dirigido Maribel López Gallery, en Berlín. Actualmente es la comisaria de la sección Oppening de ARCOmadrid 2011, dirige el proyecto “Sommergarten” y es parte del equipo The Office (Berlín).

Jordi Mitjà (Figueres, 1970) ha expuesto recientemente los proyectos “F for Flâneur”, en el Museo de l’Empordà (Figueres, 2010); “Dispersión de la primera piedra / Candrom 00:00:00”, en el Centro de Arte Contemporáneo de Barcelona (2010); “4 ^ Parete?”, en el Palazzo della Frumentaria (Sassari, 2009); “Suite por un epicentro desplazado”, en L’Aparador, Museo Abelló (Mollet del Vallès, 2009); “Provenances”, en Umberto di Marino (Nápoles 2009); “From excess”, en el Blit, (Girona, 2008–09), y “Concèntric. Poble petit, infern gegant”, en el Espai Zero1, (Olot, 2006–2007). En cuanto a las exposiciones colectivas, este año ha participado en “Antes que todo”, en el CA2M (Móstoles, 2010). Es director de la Editorial Crani (www.crani.org), una editorial especializada en libros de artista.

Joan Morey (Mallorca, 1972) es licenciado y DEA en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Como artista, explora principalmente el lenguaje del performance y su grabación, de donde surgen multiplicidad de obras derivadas. Sus últimos proyectos son “Bareback, el poder y la muerte”, como site-specific en la capilla/oratorio de la Misericòrdia (Palma) y el libro de artista Misa negra, editado por el CGAC y con la colaboración del Institut Ramon Llull el año 2010. Entre los proyectos individuales recientes hay: “Gritos y susurros. Conversaciones con los radicales”, en BCN Producció (Barcelona, 2009), y “OBEY, humillados y ofendidos”, en el CGAC (Santiago de Compostela, 2007/2009).

Frederic Montornés es crítico de arte y comisario de exposiciones independiente. Es licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona (1989) y miembro de la tercera promoción de curadores de l’École du Magasin, Grenoble, el año 1990. Ha comisariado exposiciones en Barcelona, Tarragona, Girona, Cáceres, Madrid, Valencia, Grenoble, Copenhague, Lisboa y Roma. Entre 2004 y 2007 ha sido miembro de la mesa curadora del Centro de Arte Santa Mònica de Barcelona. En 2010 publica Escoles de formació de comissaris: perspectives i decepcions. Impasse 9, editado por el Centro de Arte La Panera (Lleida). Como crítico de arte, escribe habitualmente en Exit Express, Exit Book y A*Desk, además de otras colaboraciones esporádicas en otros medios de comunicación y prensa.

Alexandra Navratil (Zúrich, 1978) es graduada con un máster en Bellas Artes del Goldsmiths College de Londres (2007). En 2010 es artista en residencia en el ISCP, Nueva York. En 2009 ganó el Swiss Art Award y el Prix Mobiliere Young Art y ha sido artista en residencia en el Museum of Modern Art de Dublín (IMMA). Recientemente ha expuesto su trabajo en Formcontent (Londres), Lothringer13/Laden (Múnich), MUSAC (León) y en la Galería Àngels (Barcelona).

Rosa Pera (Barcelona, 1966) es curadora de exposiciones y crítica de arte. Actualmente es directora del centro de arte contemporáneo Blit (Girona) desde el año 2008 y directora del Máster de Diseño y Dirección de Proyectos Expositivos en la escuela de arte y diseño Elisava, desde 2006. Es miembro del Comité Ejecutivo de Cultura de Barcelona.
Ha trabajado de curadora independiente en diversos proyectos expositivos y de intervención en el espacio público entre 1992 y 2008 y ejerció de directora artística del programa itinerante de talleres Quam entre 1996 y 1999. Ha sido profesora en diversos másteres y postgrados en programas de universidades e instituciones públicas y privadas de formación, como la UB, la UPC, la UOC, Mecad o Elisava.

Gloria Picazo es crítica de arte y comisaria de exposiciones. Es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona. Ha colaborado con museos como el CAPC, Musée d’Art Contemporain (Bordeus) y el MACBA (Barcelona) y desde 2003 dirige el Centro de Arte la Panera (Lleida). Imparte clases de arte contemporáneo y comisariado de exposiciones en postgrados y másteres de las siguientes universidades: Universidad de Barcelona, Universidad Internacional de Cataluña, Universidad Politécnica de Valencia y Universidad de Zaragoza. Ha comisariado muestras como “Gina Pane” (Palau de la Virreina, Barcelona; Salas de la Diputación de Huesca), “Orientalismos” y “Nómadas y bibliófilos” (Koldo Mitxelena, San Sebastián) y “El instante eterno” (EACC, Castellón). Desde 1997 es la editora de la colección de libros Impasse, que publica el Ayuntamiento de Lleida. Ha colaborado en publicaciones como Transversal, L’Avenç, Exit Express y Exit Book, entre otras.

Jeffrey Swartz. Nacido en Vancouver (Canadá), reside en Barcelona desde el año 1987. Trabaja como crítico de arte, como comisario de exposiciones y como profesor, así como en el ámbito editorial. Actualmente imparte clases de historia y teoría del arte y el diseño en la Escola Eina y ha dado clases durante los últimos años en la Emily Carr University (Vancouver). Ha publicado sobre el arte y las políticas culturales en revistas y catálogos tanto en España como en otros países. Entre sus trabajos recientes encontramos “Space-Run Artists”, un texto sobre el espacio urbano y el activismo artístico en Barcelona desde el año 1991 (“Fillip” 7, 2009; Leonardo, 2010).

Leire Vergara es comisaria independiente. Desde 2006 hasta 2009 ha trabajado como comisaria en jefe de la Sala Rekalde (Bilbao). Durante este periodo su tarea comisarial se centró en la producción de proyectos específicos con la intención de concebir nuevas formas de transcender el cubo blanco, así como la educación artística como vía mediante la cual se profundiza sobre la práctica artística contemporánea. Entre 2002 y 2005 codirigió con Peio Aguirre la estructura de producción DAE (Donostiako Arte Ekinbideak). Contribuye escribiendo para revistas de arte y cultura y para catálogos de artistas. Forma parte del comité editorial de Bulegoa z/b, una oficina de arte y conocimiento ubicada en Bilbao. Actualmente realiza el programa de doctorado Curatorial Knowledge dentro del departamento de Visual Cultures en el Goldsmiths College, University of London.

Diciembre 03, 2010

Let Us Face the Future
Arte británico 1945 – 1968

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27 de noviembre de 2010 – 20 de febrero de 2011

www.fundaciomiro-bcn.org

La Fundació Joan Miró inaugura la exposición Let Us Face the Future, que presenta por primera vez en España una amplia panorámica del arte británico creado desde el final de la Segunda Guerra Mundial hasta finales de los años sesenta. La exposición ha sido organizada por la Fundació Joan Miró y el British Council y cuenta con el patrocinio de Fundación BBVA.

Let Us Face the Future, comisariada por Andrew Dempsey y Richard Riley, incluye ochenta y ocho obras de artistas británicos procedentes de las colecciones del British Council, el Arts Council, la Tate y la Pallant House Gallery de Chichester, así como de otras colecciones públicas y privadas.

La muestra se inicia con obras de Henry Moore y Francis Bacon, que reflejan la situación de Gran Bretaña y de Europa inmediatamente después de la guerra: el horror de los campos de concentración y la omnipresente amenaza de la bomba atómica.

El título, Let Us Face the Future, reproduce el eslogan utilizado por el Partido Laborista en su campaña electoral de 1945, que culminó en la inesperada derrota de los conservadores, liderados por Winston Churchill. Los cambios que significó para la sociedad británica el welfare state que el nuevo gobierno laborista implantó en Gran Bretaña, llevaron finalmente a la explosión de creatividad y libertad del Londres de los sesenta: David Hockney con su audaz exploración de la propia sexualidad, la revolución escultórica de Anthony Caro y las pinturas ópticas de Bridget Riley. La exposición incluye obras de otros artistas destacados, como Eduardo Paolozzi, el escocés de origen italiano que con Bunk, una serie de collages empezada en 1952, anticipó lo que iba a ser el arte pop, y Richard Hamilton, el autor de Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing (“Exactamente, ¿qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atrayentes?”, 1956), considerada como la primera obra del movimiento pop británico.

Otras secciones de la muestra reflejan la gran variedad del arte producido en Gran Bretaña en este período: los artistas de St. Ives (un pueblo de pescadores de Cornualles donde se estableció una importante colonia de artistas), entre ellos Peter Lanyon y Roger Hilton; los constructivistas británicos con Victor Pasmore a la cabeza; el resurgimiento de la pintura figurativa de Lucian Freud, Leon Kossoff y Frank Auerbach, entre otros. Así mismo figuran en la exposición fotógrafos como Bill Brandt yTony Ray-Jones, que desarrollaron su actividad profesional en Gran Bretaña.

En torno a la exposición se ha programado un ciclo de conferencias, con la colaboración del Departamento de Filosofía de la Universitat Autònoma de Barcelona, que tendrá lugar en el auditorio de la Fundació entre el 6 de octubre de 2010 y el 16 de febrero de 2011.


Exposición organizada por:

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Con el patrocinio de:
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JORNADAS DE DEBATE “ESPACIOS PARA LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA”

sello-caucho_u.jpgFecha: 14 y 15 diciembre de 2010
Horario: 10.00-20.00 horas
Lugar: Matadero Madrid / El Taller
Paseo de la Chopera 11, 28045. Madrid.

Open Studio: 15 diciembre de 2010
Horario: 20.00-22.00 horas
Lugar: TALLERES AVAM
Avenida de los Poblados s/n,
esquina doctor Tolosa Latour, 28041. Madrid.

Entrada gratuita previa inscripción llamando al teléfono 91 391 32 93 ó enviando un mail a correo@avam.net
No se admitirán inscripciones después del día 10 de diciembre de 2010
Plazas limitadas: 80
Más información sobre contenidos y participantes en: www.avam.net y www.mataderomadrid.com


AVAM (Artistas Visuales Asociados de Madrid) y Matadero Madrid organizan unas jornadas en las que se abordarán los espacios dedicados a la producción artística y su rendimiento e influencia en diversos ámbitos: artístico, social, urbanístico, nuevas profesiones y economías, implantación de empresas afines, recuperación de barrios, y tratamiento y repercusión en medios.

En una primera sesión: Gestión y Productividad, se abordarán los diferentes modelos de gestión de los espacios y centros dedicados a la producción artística, así como las herramientas que estos ofrecen para el desarrollo profesional del artista y del tejido cultural y social, a través de sus propias dinámicas. En una segunda jornada: Desarrollo Social, Económico y Repercusión Mediática, se analizarán los resultados desde diferentes aspectos como la repercusión económica y social de estos centros, así como la generación de nuevos empleos, el urbanismo, y la repercusión de la actividad de estos espacios en los medios de comunicación.

Entre los participantes, se incluyen destacados profesionales de la gestión, la producción, la economía, la arquitectura y la comunicación, quienes permitirán abordar el objeto de estos encuentros desde la pluralidad, con especial atención a lo que sucede en la península Ibérica, Berlín, Londres, Roterdam, Latinoamérica entre otros lugares. Igualmente, se presentan sendos proyectos de investigación sobre la realidad de los espacios destinados a la producción en París y Finlandia.

Participantes: Alessio Antoniolli, director de Gasworks, Londres (Reino Unido) y el Triangule Art Trust; Ander Azpiri, artista, presidente de AVAM y asesor para proyectos de cultura y desarrollo en AECID; Pablo Berástegui, coordinador general de Matadero Madrid; Frank Buschmann, comisario de Intermediæ; Ignacio Cabrero, autor del estudio Centros de RecurS.O.S París, actualmente Responsable de Convocatorias de Apoyo a la Creación de Obra Social Caja Madrid, ha sido coordinador de Cultura de La Casa Encendida hasta el 2009; Cristina Conde de Beroldingen, directora general de Proyectos Culturales del Ayuntamiento de Madrid; Laura d’Ors, representante Fundación Duende Studios, Rotterdam (Paises Bajos); Pep Dardanya, director de Can Xalant, centro de creación y pensamiento contemporáneo de Mataró y miembro de XarxaProd, red de centros de producción de Cataluña; Julieta de Haro, directora de AVAM; Pilar Fábrega, directora de la Fundación ArtSur, Madrid; José Félix Fernández, arquitecto y especialista en rehabilitación de edificios antiguos; Toni Flix, relaciones públicas y responsable de comunicación Madrid Procesos; GILFER, , artista Visual e investigador - autor del estudio Sistemas de producción cultural en Finlandia; Carlos Guerrero, director de Arteinformado.com; Lara López, directora de Radio 3, RNE; Francisco Javier Loscos, profesor del Departamento de Economía Aplicada en la Universidad Complutense de Madrid; Marisa Maza, artista residente en Berlín y representante de la Freundeskreis der Udk Berlín/Kart Hofer Gesellschaft e.v., Berlín; Ignacio Pedrosa, Paredes Pedrosa Arquitectos, autor del proyecto de TALLERES AVAM; Juan Ruescas Baztán, arquitecto, pintor y colaborador en el proyecto TALLERES AVAM; Suset Sánchez, programación de actividades de Intermediæ; y Manuela Villa, responsable de contenidos de Matadero Madrid; LRM Performance, Jesús Nieto, Albert Corbí, Kivi Colective y David Trullo, artistas de TALLERES AVAM 2010; entre otros.


El programa se completa con la presentación de Matadero Madrid 2011 y la invitación a participar en el Open Studio / Jornada de puertas abiertas en TALLERES AVAM como fin del periodo 2010 y como clausura de estas Jornadas.

Eremuak, programa abierto para la producción de contexto contemporáneo

imageremuak02_u.jpgEremuak [2010-2011]
www.eremuak.net

RECUERDA:
el plazo de recepción de propuestas acaba el 15 de diciembre de 2010
Selección de propuestas:
Segunda quincena de diciembre de 2010
Ejecución de propuestas:
Las propuestas seleccionadas tendrán que ejecutarse a lo largo del 2011

Eremuak es un dispositivo funcional que tiene por objetivo principal explorar, cohesionar, implementar y visualizar el contexto del arte contemporáneo vasco tanto hacia dentro como hacia fuera del País Vasco. Es un “funcionamiento” orientado a crear contextos, generar conocimiento y difundirlo en sociedad. Este funcionamiento hará ver que bajo el término “arte contemporáneo” se reúnen series abiertas de prácticas creativas instituyentes que juegan un papel esencial en conceptos como creatividad, investigación, innovación, identidad, diferencia, diversidad, etc.

Para ello, Eremuak pone en marcha el Programa Abierto Eremuak. Un programa bianual de carácter transformador, impulsado por la Dirección de Promoción de la Cultura del Gobierno Vasco, que se estructura a partir de una Comisión Técnica y una Convocatoria de Participación.


BASES DE LA CONVOCATORIA

Dada la sensibilidad sistémica y el carácter abierto que alimenta eremuak, se entiende que el desarrollo del contexto local supone también su inserción en contextos globales. Por ello eremuak se abre a propuestas desde el País Vasco, sobre el País Vasco o para País Vasco, que podrán ser realizadas por personas o equipos provenientes tanto del ámbito del País Vasco, como del estatal o internacional.

Eremuak contará para el desarrollo de las propuestas seleccionadas y programadas una dotación máxima de 260.000 euros (destinados a sufragar gastos de honorarios, producción y difusión.)


CALENDARIO Y ACCESO

Como caso de excepción, para la puesta en marcha de la edición 2010-2011, la apertura de la convocatoria es de un mes. Para las siguientes ediciones el acceso será continuo.
El acceso a la participación es on-line, se realiza a través de la página web de eremuak (www.eremuak.net), aunque no se rechazan las propuestas en soporte papel.

Calendario de recepción de propuestas: 15 noviembre al 15 de diciembre de 2010
Selección de propuestas: Segunda quincena de diciembre de 2010
Ejecución de propuestas: Las propuestas seleccionadas tendrán que ejecutarse a lo largo del 2011


CONDICIONES PARTICIPACIÓN

La Comisión de Trabajo valorará y estimará todas aquellas propuestas que concurran siempre y cuando se ajusten a las siguientes cndiciones:

1. Las condiciones y especificidades de producción de las propuestas seleccionadas se acordarán en cada caso de forma contractual, no teniendo por qué ser necesariamente las mismas para todas, sino que se ajustarán a las realidades y necesidades de cada propuesta.

Una vez realizada la selección de propuestas por la Comisión Técnica, la gestión general de este apartado será llevado a cabo por ARTIUM, que procederá a los contactos, ejecución económica de las propuestas, honorarios de los autores, solicitudes de documentación, cumplimiento de calendarios y coordinación general.

2. Criterios de selección: Dado que el objetivo principal de Eremuak es la exploración e implementación del contexto contemporáneo del País Vasco, los criterios de selección son muy abiertos y serán deducidos de las posibles relaciones que pueda establecer la Comisión de Trabajo, a partir del interés y oportunidad de las obras, líneas de investigación, etc, con el objetivo que se persigue.

3. Las decisiones de la Comisión de Trabajo serán inapelables, estando facultada la misma para declarar desierta la convocatoria cuando entienda que no hay propuestas con la calidad suficiente.

4. La Comisión podrá concentrar, fragmentar o redistribuir las asignaciones cuando el interés de las propuestas, el presupuesto de ejecución, la baja participación o cualquier otra causa relevante pueda justificar tal decisión. En todos estos casos la decisión de la Comisión deberá ser motivada.

5. Los autores seleccionados podrán ser requeridos para una entrevista con la Comisión si ello fuera necesario.

6. El importe total asignado a cada una de las propuestas seleccionadas por la Comisión, es el único compromiso formal de eremuak hacia los autores/as, por lo que la cantidad total asignada incluye todas las partidas presupuestarias: (honorarios, seguros, viajes, dietas, producción, difusión, etc.).

7. Cada propuesta deberá finalizarse dentro de las fechas que se indiquen.

8. Todas las propuestas seleccionadas estarán sometidas a la fiscalidad vigente y las dudas que se puedan suscitar sobre la interpretación de las presentes bases se resolverán en la Comisión Técnica.


REQUISITOS DE LAS SOLICITUDES

Para la presentación de propuestas, en todos los casos, deberán cumplimentar los siguientes requisitos:

– Hoja de contacto con todos campos debidamente cumplimentados.
- Fotocopia del D.N.I., pasaporte, C.I.F. o documento acreditativo
– Historial curricular
– Un dossier que incluya una argumentación sinóptica sobre la propuesta presentada.
– Un presupuesto de gastos e ingresos lo más detallado posible y plan de financiación si lo requiere. Esto no significa que sea un presupuesto cerrado e inmodificable. Si la Comisión Técnica lo considera, podrá recabar otras informaciones y presupuestos de acuerdo con los autores/as.

Ésta es la documentación obligatoria e imprescindible para ser considerada la propuesta, por lo que el autor/a o autores deben ajustarse estrictamente a lo señalado en las bases.

Opcionalmente se podrá presentar documentación que complete, explique o detalle cualquier aspecto de la documentación imprescindible. Esta documentación podrá servir a la Comisión para aclarar aspectos o recabar más información sin que esté obligada a estudiarla. Esta documentación podrá consistir en documentos PDF, links de WEB, vídeos de presentación en la red, documentos sonoros, etc.

Deberá presentarse toda esta documentación – preferentemente en soporte digital (formato de archivo PDF) en la dirección www.eremuak.net o en soporte físico en la dirección postal: Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo - Artium. C/ Francia, nº 24. 01002 Vitoria-Gasteiz, indicando en la solicitud “Eremuak”.

eremuak pone un teléfono de contacto (945-209011) y un correo electrónico hola@eremuak.net, en el que podrá ser atendida cualquier consulta sobre el proceso.

La presentación al programa eremuak 2010-2011 supone la plena aceptación de estas condiciones.

Diciembre 02, 2010

EL CBA PRESENTA LA EXPOSICIÓN
WALTER BENJAMIN. CONSTELACIONES

WB1_u.jpgUn recorrido inédito por el pensamiento benjaminiano
17.11.10 > 06.02.11. Sala Minerva

Organizan: Círculo de Bellas Artes,
Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) y AECID

www.circulobellasartes.com/

Walter Benjamin (1892-1940) es uno de los filósofos más influyentes en el complejo entramado del pensamiento contemporáneo. Es un intérprete privilegiado de las transformaciones más características de nuestro tiempo –la mercantilización generalizada, la nuevas formas cognoscitivas, la crisis de la experiencia histórica tradicional...– y un referente indispensable del pensamiento crítico cuyo ascendiente desborda el ámbito académico para infiltrar el cine, la literatura, la arquitectura, las artes plásticas o la música.

La exposición Walter Benjamin. Constelaciones, organizada por el Círculo de Bellas Artes, la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) y la AECID, se ha inaugurado simultáneamente en el CBA y la Fundación Luis Seoane (La Coruña) y propone una intervención contemporánea en el pensamiento benjaminiano desde tres perspectivas diferentes.

El elemento central de la exposición es una pieza audiovisual titulada Constelaciones, de 46´ de duración, producida íntegramente por el CBA. Constelaciones aspira a pensar mediante imágenes algunos conceptos centrales de la obra de Walter Benjamin. Se trata de un conjunto de citas audiovisuales –escenas de películas, fotografías, pinturas, grabaciones sonoras, animaciones, documentos históricos…– articuladas con fragmentos de textos extraídos de algunos de sus más conocidos ensayos. En ese sentido, Constelaciones reproduce una estrategia, basada en el montaje cinematográfico, que el propio Benjamin desarrolló en distintos trabajos. La práctica totalidad de los materiales empleados tiene alguna clase de anclaje historiográfico en las ideas o la vida de Benjamin. Se trata, así, de una auténtica “reflexión en imágenes” dividida en seis capítulos:

1. Iluminación profana. Una teoría del conocimiento
2. Ciudad. La experiencia de la vida moderna
3. Pasajes. Los laberintos de la mercancía
4. Reproductibilidad técnica. Sobre la destrucción del aura
5. El autor como productor. Estetización de la política y politización del arte
6. Tesis sobre la filosofía de la historia

Junto a Constelaciones, se expone el Atlas Walter Benjamin, también elaborado por el CBA. El Atlas es una herramienta informática que permite navegar por una amplia selección de textos benjaminianos unidos por hipervínculos. El objetivo es sacar a la luz algunas de las grandes vetas de sentido que atraviesan el pensamiento de Benjamin y que a menudo resultan difíciles de detectar en su escritura, característicamente oblicua y poco académica. El Atlas cartografía las posibilidades de agrupación y relación hipertextual de más de mil términos y textos. Así, profundiza en la estrategia benjaminiana de sacar a la luz constelaciones teóricas insospechadas mediante el engranaje conceptual de ideas, textos o materiales aparentemente alejados entre sí. De nuevo, es una estrategia que Benjamin anticipó mediante el complejo sistema de referencia, archivado e indexado que empleaba en sus escritos.

La exposición se completa con la recuperación de algunos de los guiones radiofónicos que Walter Benjamin escribió en los años treinta del siglo XX para la Radio del Sudoeste de Alemania en Fráncfort. Benjamín consideraba que la radio era un medio revolucionario que podía transformar la difusión cultural y la educación de las masas. Trató de llevar a la práctica estas ideas a través de algunas piezas de radioteatro, cuya locución original no se conserva, que Radio Círculo presenta ahora en versión castellana. Se trata de ¿¡Aumento de sueldo!? ¡Pero qué dice! (1931), Alboroto en torno a Títere (1932) y Qué leían los alemanes mientras que sus clásicos escribían (1932).

Para acompañar la muestra se ha editado un catálogo basado en E. Wizisla et al., Walter Benjamins Archive: Bilder Texts und Zeichen (Suhrkamp, 2006), una propuesta de organización de los archivos personales de Walter Benjamin con textos de Ursula Marx, Erdmunt Wizisla, Michael Schwarz y Gudrun Schwarz; y la pieza audiovisual Constelaciones y el Atlas Benjamin en formato DVD, acompañados por un libro explicativo.

Tras su paso por Madrid y La Coruña la exposición se podrá ver posteriormente en varios centros europeos y americanos: La Alhóndiga (Bilbao), Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA), Centro Cultural CajaGRANADA Memoria de Andalucía, Universidad Nacional de San Martín de Buenos Aires y distintos centros latinoamericanos gestionados por AECID.

Simposio Universitario sobre Docencia, investigación, creatividad, innovación y profesionalización en Arte.

CartelSu_arte_u.jpgOrganizado por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco.
Lugar: Facultad de Bellas Artes. Leioa. Bizkaia.
Barrio de Sarriena s/n. 48940. LEIOA – BIZKAIA
Fechas: 9 y 10 de diciembre

www.ehu.es/ehusfer/bbaa

Los temas que se tratarán en este encuentro son:

1.- La docencia y la investigación en Arte en la Universidad.
2.- Modelos de innovación docente en Europa y España.
3.- Creatividad e Innovación.
4.- Profesionalización (relaciones empresa universidad).

La comunidad universitaria del País Vasco y, en nuestro caso, la Facultad de BBAA se encuentran en un momento de cambio de paradigma.
Este Simposio nace del deseo de hacer un balance de nuestra situación y buscar el lugar desde el que poder contemplar el nuevo horizonte del Arte en la Universidad en todos los aspectos que están implicados: la docencia, la investigación, la creatividad, la innovación y la profesionalización.

Los miembros que componen nuestra Facultad necesitan sentirse partícipes de un proyecto de futuro que sirva de aglutinante de las fuerzas de las que disponemos. Un proyecto que integre y sume para poder avanzar. Para ello la herramienta imprescindible es la comunicación en lo que tiene de interlocución y transmisión de pensamiento/conocimiento sobre la realidad del Arte dentro de este nuevo modelo que se impone en Europa. Y, qué mejor manera de comenzar que reuniendo a diversos expertos sobre los temas que nos interesan. Expertos tanto cercanos al campo del Arte como ajenos, que nos ofrezcan la transversalidad de sus experiencias y su mirada.


Invitados:
Juan Luis Moraza (Universidad de Vigo), Howard Eaglestone (Escuela de Arte y Diseño. Bradford College), Juan Pastor Bustamante (Barrabés Consulting y Formación), Santos Bregaña, Iñaki Aceña (Alfa Arte), Javier Uriarte Ayo (OKILE)


Programa:

9 de diciembre

9:30. Apertura del simposio. Itziar Alkorta Idiaquez. (V/Rectora de calidad e Innovación Docente)
10:00. Juan Luis Moraza. (Universidad de Vigo). “El reptil creativo”. Moderador: Josu Rekalde
12:00. Howard Eaglestone. Escuela de Arte y diseño. Bradford College. Moderador: Iñaki Bilbao
16:00. Juan Pastor Bustamante. “Las empresas creativas en la sociedad creativa”. Moderadora: Begoña Medel

10 de diciembre

10:00. Javier Uriarte (OKILE). Moderador: José Angel Lasa
12:00. Iñaki Aceña (ALFAARTE). “Experiencias 2a+e=p. Desde la experiencia artística a la profesionalización” Moderador: José Angel Lasa
16:00. Santos Bregaña. "Dieu signes" Moderador: Juan A. Gómez Ruiz
17:30. Conclusiones


+ info: www.ehu.es/ehusfer/bbaa

Fontilles
100 anys lluitant per un món sense lepra

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Del 2 de diciembre 2010 a 27 de febrero de 2011
Sales d’Exposicions – Palau de Cerveró
Valencia

COMISARIOS: Daniel Benito / Nuria Blaya / Josep Bernabé / Teresa Ballester

COORDINACIÓN GENERAL: Maite Ibáñez

www.uv.es/cultura / www.ihmc.uv-csic.es

Efemérides como la que representan los cien años que cumplió el sanatorio de Fontilles (Vall de Laguar, Marina Alta) el 17 de enero de 2009, suelen suscitar la organización de todo un conjunto de actos y de iniciativas, que ayudan a entender trayectorias tan dilatadas y la vitalidad que continúan mostrando proyectos como el de Fontilles. Entre las diversas iniciativas que se pusieron en marcha, destacan las dos exposiciones que se podrán visitar en el Instituto de Historia de la Medicina y de la Ciencia López Piñero (CSIC-Universitat de València), alrededor del tema Fontilles. 100 años luchando por un mundo sin lepra. Se trata de dos exposiciones diferentes, de dos miradas también diferentes pero complementarias sobre la historia de Fontilles desde sus inicios hasta la actualidad.

La primera de ellas ha sido organizada por el Centre d’Estudis i Investigacions Comarcals Alfons el Vell de Gandia, que se quiso sumar a la celebración del centenario, con la organización de una exposición fotográfica donde se muestran los presupuestos filantrópicos, asistenciales y científicos que guiaron los inicios del proyecto en las décadas de 1910 y 1920. La exposición, titulada La leproseria Sant Francesc de Borja. Els inicis d’un projecte centenari, ha sido comisariada por Josep Bernabeu-Mestre y Teresa Ballester Artigues, y la conforman más de cincuenta imágenes que provienen mayoritariamente del fondo fotográfico Tivoli de Alcoi. Muchas de ellas fueron efectuadas por los fotógrafos Isidro Laporta y Josep Tomás y permiten una aproximación a la transformación que mostraron las infraestructuras y el espacio físico que configuraban el Fontilles de la primera etapa, las características de los enfermos y las variedades de lepra que padecían, el tipo de asistencia que recibían, o las normas que marcaban la vida cotidiana de los enfermos y enfermas de lepra recogidos en la colonia sanatorio que recibió el nombre de San Francisco de Borja. En la exposición también se pone de manifiesto la dimensión epidemiológica que mostraba el problema de la lepra y el aparato propagandístico que permitió difundir el proyecto y recaudar las limosnas y los donativos necesarios para construir la colonia-sanatorio.*

La segunda exposición, comisariada por Daniel Benito y Nuria Blaya, es la que organizó en su día la Asociación Fontilles y que es parte de la que hoy se suma a esta muestra conjunta. Se articula en torno al espíritu y a los objetivos que impulsaron la fundación del sanatorio, y cien años después siguen impulsando la labor de la Asociación: terminar con el estigma de la lepra, prestar asistencia a los enfermos, y desarrollar investigación y formación. Y sobre todo tratar de acercar al espectador a través de este recorrido la vertiente más humana de Fontilles. Es esta una muestra que quiere ofrecer una visión optimista acerca de una de las enfermedades más temidas de la historia, recordar que puede curarse, pero también que hay lugares donde todavía queda mucho por hacer. Y destacar la labor de Fontilles que, cien años después, continua, dentro y fuera del valle, su lucha por un mundo sin lepra. Fontilles tiene historia, pero no es historia.

*Recuerda cambiar leprosería por COLÒNIA-SANATORI en la versión en valenciano. Desde Fontilles quieren evitar los nombres “leprosería” y “leproso” y proponen cambiarlos por otr


ORGANIZA
Universitat de València – Vicerrectorat d’Arts, Cultura i Patrimoni
CSIC (Consejo Superior de Investigaciones Científicas)
Instituto de Història de la Medicina i la Ciència López Piñero

PATROCINA: Bancaixa

COLABORAN: Edicions Tívoli, Coca-Cola, Ecisa, Fundación Generalitat alenciana Iberdrola, Emilio Serratosa, Gaviota Simbac

LUGAR: Sales d’Exposicions – Palau de Cerveró
Pl. Cisneros, 4
46003 València.
Tel. 96.392.62.29
www.uv.es/cultura / www.ihmc.uv-csic.es

HORARIO DE VISITA: de lunes a viernes de 9 a 20 horas. ENTRADA LIBRE
Visitas guiadas: Tel. 96.386.49.22

Diciembre 01, 2010

PROYECTOS EXPOSITIVOS [PE] – VITRINAS I PANTALLAS [VP] - INTERFERENCIAS PEDAGÓGICAS [IP] -

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A TRAVÉS DEL ESPEJO. JOAN FONTCUBERTA
del 2 de diciembre al 4 de marzo de 2011

VITRINAS Y PANTALLAS. IGNASI ABALLÍ
del 2 de diciembre al 4 de marzo de 2011

INTERFERENCIAS PEDAGÓGICAS
2 de diciembre de 2010

www.acvic.org

A TRAVÉS DEL ESPEJO. JOAN FONTCUBERTA
A través del espejo de Joan Fontcuberta es una exposición que recoge dos trabajos en los que el artista utiliza recursos presentes en internet. Con el título específico Googlegrames y Reflectogrames plantea una reflexión sobre la importancia y el incremento de imágenes, la proliferación de autores, así como el potencial de difusión y dispersión vírica, elementos todos ellos en aumento con el uso de las redes sociales. Con Googlegramas construye composiciones iconográficas contemporáneas a partir del buscador Google. Si uno se acerca ve como estas representaciones están construidas por un mosaico de centenares de imágenes, que temáticamente están relacionadas con la composición resultante. En la exposición existe la posibilidad de que el espectador genere composiciones propias y las incorpore mediante una proyección.
Con Reflectogramas lo que hace es recoger aquellas imágenes en las que las personas se fotografían ante el espejo, que posteriormente publican en internet y las difunden mediante el uso de las redes sociales. Consiste en una superposición de autorretratos especulares en donde el espacio expositivo se transforma a partir de la confluencia de múltiples proyecciones convirtiéndolo en un escenario saturado en el que tiene lugar un espectáculo de desbordada subjetividad. En la exposición hay un dispositivo dotado con una cámara y un software con el que el espectador se puede añadir a la exposición a través de su retrato.

Del 2 de diciembre al 4 de marzo de 2011

ACTIVIDADES DE FORMACIÓN ABIERTA VINCULADAS A LA EXPOSICIÓN:

CONFERENCIA DE JOAN FONTCUBERTA.
3 de Febrero a las 18.30 h.
Organizado en colaboración con la Universitat de Vic.
Actividad abierta al público.
Lugar: Sala Mercè Torrents, Edifi ci C. Campus Miramarges de la Universitat de Vic

TALLER DE FOTOGRAFÍA DIGITAL PARA NIÑOS DE 4 A 7 AÑOS.
Impartido por Tanit Plana.
Sábados 29 de enero, 5 y 12 de febrero de 2011 de 10.00 a 13.00 h.
Precio del taller del 75 eur. Precio por sesión 25 eur.
Lugar: ACVic Centre d’Arts Contemporànies. C. Sant Francesc, 1 Vic.

TALLER DE FOTOGRAFÍA DIGITAL PARA JÓVENES DE 14 A 18 AÑOS.
Impartido por Tanit Plana.
Semana del 28 de febrero al 3 de marzo de 2011, de 10.00 a 13.00 h.
(semana blanca). Precio del taller 100 eur. Precio por sesión 25 eur.
Lugar: ACVic Centre d’Arts Contemporànies. C. Sant Francesc, 1 Vic.

TALLER IMAGEN DIGITAL Y WEB.
Impartido por Miquel Bigas.
Sábado 19 de febrero de 2011 de 10.00 a 13.00h.
Precio del taller: 25 eur.
Lugar: La Farinera, Centre d’Arts Visuals de Vic. C. Bisbe Morgades, 15 Vic.
Todos los cursos tienen un descuento del 10% para los socios de H. Associació per a les Arts Contemporànies.

Para más información e incripciones: info@acvic.org – tel. 938 853 704

Con el soporte de: Diputació de Barcelona
Colabora: Nits Digitals - La Farinera Centre d’Arts Visual - Universitat de Vic



VITRINAS Y PANTALLAS. CONVOCATORIA DE PROYECTOS
Vitrinas y Pantallas es un proyecto que forma parte del Programa de Exposiciones de ACVic que, mediante la convocatoria abierta (del 2 de diciembre al 6 de febrero de 2011), plantea activar nuevas propuestas pensadas para usar una parte de la fachada de cristal del espacio del Centro y a la vez desarrollar una versión del proyecto por internet.



VITRINAS Y PANTALLAS. TRANSPARENCIA. IGNASI ABALLÍ
Ignasi Aballí inicia esta actividad con el proyecto Transparencia. Esta propuesta consiste, por un lado, en clausurar y cegar la condición de transparencia de los cristales, cubriéndolos con un vinilo negro, y por otro, en proponer una reflexión sobre la misma condición de transparencia de los cristales colocando en ellos un texto en el que las letras han sido recortadas y se convierten en una especie de resquicio que permite ver el interior y el exterior del espacio.

Del 2 de diciembre al 4 de marzo de 2011

Colabora: hangar.org



INTERFERENCIAS PEDAGÓGICAS
Interferencias Pedagógicas forma parte del Programa Educativo de ACVic, con la voluntad de iniciar proyectos en colaboración con centros educativos y creadores de diferentes disciplinas. Este espacio de colaboración se define a partir de proyectos que ya se desarrollan en las escuelas, institutos o universidades y que investigan formas de incidir en el espacio social experimentando nuevos formatos de representación. El primer proyecto se ha iniciado en colaboración con la Univertitat de Vic con Cris-Crossing del artista Jordi Lafon, que se desarrolla entre octubre y noviembre de 2010 y Correspondencias, que se desarrollará durante el curso 2010/2011.

Diciembre de 2010

Colabora: Universitat de Vic, Bedford Creative Arts

Todas las actividades son organizadas por:
ACVic Centre d’Arts Contemporànies

Con el soporte de:
Generalitat de Catalunya. Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació - Ajuntament de Vic - H. Associació per a les Arts Contemporànies

ECAT. ÚLTIMOS DÍAS PARA LA CONVOCATORIA DE PROYECTOS EXPOSITIVOS 2011

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ECAT – ESPACIO CONTEMPORÁNEO ARCHIVO DE TOLEDO
Trinidad 10, 45002 - Toledo (España)
TEL: +34 925252374 - FAX: +34 925239000
www.espacioecat.es

www.jccm.es
www.fundacionculturaydeporte.com

El plazo de presentación de los proyectos estará abierto hasta el próximo 10 de diciembre de 2010.



BASES

Los proyectos expositivos seleccionados formarán parte de la programación del ECAT - Espacio Contemporáneo Archivo de Toledo, situado en la C/ Trinidad nº 10, 45001, Toledo y serán recogidos de forma conjunta en un catalogo editado a este fin.

Cinco proyectos serán los seleccionados por el jurado.

Podrán presentarse a la convocatoria artistas españoles o extranjeros, sin límite de edad.

Tres de los cinco proyectos seleccionados por el jurado serán de artistas o colectivos castellano-manchegos.

Las propuestas, que pueden incluir cualquier manifestación artística contemporánea, podrán estar presentadas por artistas de forma individual o colectiva, en este último caso, el grupo deberá nombrar un representante. Para que un colectivo pueda participar en el porcentaje castellanomanchego al menos el 50% de sus componentes tiene que cumplir los requisitos.

Podrán presentarse a la convocatoria tanto proyectos inéditos como ya producidos, siempre y cuando se adapten estos últimos al espacio expositivo.

Se habilita un presupuesto de 35.000 €, siendo la dotación máxima por proyecto 7.000 €, de los cuales 1.400 € serán utilizados como honorarios de artista.


Documentación a entregar:

Dossier del proyecto en formato DIN A 4 que incluya:
1. Título y sinopsis del proyecto de un máximo de 5.000 caracteres.
2. Ficha técnica e imagen de la obra en el caso de estar producida, o bocetos de la misma si van a ser realizada expresamente para el proyecto.
3. Plano del proyecto expositivo, ajustado a las dimensiones y características de la sala.
4. Memoria Técnica y plan de trabajo.
5. Descripción del sistema de montaje y necesidades técnicas.
6. Presupuesto.
7. Currículum y trayectoria artística del componente o componentes del proyecto expositivo, tanto los que se presentan de forma individual como colectiva.
8. Dossier grafico de otros trabajos y proyectos, que puede completarse con toda la información que se considere oportuna.
9. Fotocopia del DNI, pasaporte o documento equivalente.

Los artistas castellano-manchegos o residentes en Castilla-La Mancha, deberán presentar la documentación necesaria que lo acredite, D.N.I., tarjeta de residencia o estar matriculado en alguno de los centros de enseñanza de CLM.

Los artistas que participen en la convocatoria con proyectos no producidos, deberán comunicar en el presente dossier la fecha del 2011 a partir de la cual podría entrar en programación.

Los artistas ganadores ceden los derechos del material generado por los proyectos expositivos, este será usado única y exclusivamente para los fines detallados a continuación: Catalogo del proyecto expositivo, página web del ECAT y la difusión del ECAT o su publicidad.


Plazos de presentación:

Los proyectos serán depositados o remitidos a la FUNDACIÓN CULTURA Y DEPORTE DE CASTILLA-LA MANCHA, C/ Carmelitas Descalzas nº 5, 45002 de Toledo, de lunes a viernes, excluyendo festivos, de 8:00 a 14:30 horas, siendo la fecha tope el 10 de diciembre de 2010 a las 14:30 horas.

El envío podrá hacerse por cualquier sistema: personal, de mensajería a portes pagados o correos. Se aceptarán los proyectos recibidos durante la semana siguiente al cierre de la convocatoria siempre y cuando se pueda garantizar que han sido enviados con fecha anterior a la finalización del plazo.


Jurado y notificación de los proyectos:

El jurado estará formado por 5 profesionales del mundo del arte y tres representantes de la Fundación Cultura y Deporte de Castilla-La Mancha, actuando uno de ellos como secretario con voz pero sin voto. Los nombres de los miembros del jurado se harán públicos al emitirse el fallo. Si el jurado lo considerara oportuno podría convocar a los artistas finalistas para una entrevista personal o para solicitar datos adicionales de los proyectos expositivos.
Se comunicará personalmente por parte del jurado la concesión de los proyectos expositivos, independientemente de la difusión pública que pudiera hacerse por parte de la organización.
La relación de los proyectos seleccionados se hará publica en la pagina www.espacioecat.es

Los proyectos no seleccionados podrán recogerse durante los 2 meses siguientes a la publicación de los premiados en la Fundación de Cultura y Deporte de Castilla-La Mancha, C/ Carmelitas Descalzas nº 5 45002, Toledo. En el horario de 8:00 horas a 14:30 horas.
También puede solicitarse su devolución mediante mensajería o mandando sobre y sellos necesarios para su retorno.



Para saber más acerca de esta convocatoria

Fundación de Cultura y Deporte de Castilla-La Mancha
C/ Carmelitas Descalzas nº 5 - 45002 - Toledo
TEL: +34 925252374 - FAX: +34 925239000
www.espacioecat.es
ecat@jccm.es


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