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Octubre 28, 2010

MESA REDONDA PROYECTOS REALIZADOS MADRID PROCESOS’10

nuevo_logo_madrid_procesos_2010-u.jpgLos artistas seleccionados en la sexta edición Madrid Procesos 10, Diana Larrea, David Trullo, Iván Pérez y el chileno Álvaro Rojas Sastre, nos hablarán sobre sus obras y el proceso de desarrollo de las mismas.

3 de noviembre de 2010

CA2M Centro de Arte Dos de Mayo
Comunidad de Madrid

Av. Constitución 23
Móstoles, Madrid
www.ca2m.org
www.avam.net/

El CA2M Centro de Arte Dos de Mayo organiza una mesa redonda alrededor de los proyectos desarrollados en la sexta edición de MADRID PROCESOS, en la misma, David Trullo, Iván Pérez, Diana Larrea y Álvaro Rojas Sastre, artistas seleccionados de MADRID PROCESOS’10, nos hablarán sobre sus obras y el proceso de desarrollo de las mismas en la ciudad de Berlín, y la Comunidad de Madrid, respectivamente.

AVAM, Artistas Visuales Asociados de Madrid, con la financiación de la Comunidad de Madrid, organiza por sexto año consecutivo el programa MADRID PROCESOS, que se ha consolidado como uno de los más importantes espacios para dar visibilidad y analizar los diferentes modelos de producción artística contemporánea, destacando los condicionantes que van determinando su desarrollo.

MADRID PROCESOS se inscribe en el contexto de AVAM para crear una red estable, nacional e internacional, de colaboración que favorezca la producción contemporánea de los artistas de la Comunidad de Madrid.


DIRECCIÓN
CA2M Centro de Arte Dos de Mayo
Av. Constitución, 23
Móstoles, Madrid
ca2m@madrid.org

HORARIO
12:30 a 14:00 horas

INDICACIONES DE ACCESO
Metro: L12 Pradillo
Cercanías: C5 Móstoles (23’ desde Embajadores)
www.ca2m.org

ENTRADA GRATUITA AL CENTRO Y A TODAS SUS ACTIVIDADES


logosAvam_uu.jpg

Octubre 26, 2010

VÍDEO ABIERTO.
PROGRAMA 04. ‘CIUDADES BAJO LA MIRADA’

abierto1_U2.jpgINAUGURACIÓN: 25 DE OCTUBRE 2010

LOCALIZACIÓN: Distintos dispositivos de vídeo en la ciudad de Murcia

ORGANIZA: Comunidad Autónoma de la Región de Murcia. Consejería de Cultura y Turismo. Espacio AV (Murcia Cultural, S.A.)

COMISARIADO: Neus Miró
www.espacioav.es

El programa “Ciudades bajo la mirada” comisariado por Neus Miró reúne trabajos que se articulan en torno a las posibles miradas que se han desarrollado a partir de la ciudad como objeto de reflexión e investigación. La propuesta, que se inscribe dentro de la iniciativa de Vídeo Abierto en la ciudad de Murcia, es asimismo auto-referencial, en el sentido que el contexto donde se muestran las piezas es también objeto de estudio.

Las piezas que conforman el proyecto son de carácter internacional y ofrecen diversas miradas sobre la ciudad y los paisajes urbanos. Los vídeos muestran que la mirada precede cualquier cámara, y que todo acto de vigilancia se basa en una mera actividad de observación, en un principio, sin más consecuencia más allá de ella misma. El observar, el mirar de forma casual, nuestros entornos urbanos mientras nos desplazamos por ellos, es una actividad vinculada de manera casi inevitable a la naturaleza de la ciudad que se ofrece desde sus inicios al placer del vouyeur y el flâneur. La incorporación sistemática y creciente de los CCTV en los espacios públicos, sin embargo, modificará la percepción y la relación de los transeúntes con la ciudad, además de proporcionar otro tipo de imágenes y reflexiones sobre ésta.

Los trabajos que reúne este programa comparten el interés y la reflexión crítica hacia un medio –el entorno urbano- sumido en una creciente monitorización. Entre las referencias visuales el espectador podrá hallar desde el uso del travelling que recoge visualmente el paseo ocular por una ciudad (Herman Asselberghs, Sven Augustijnen, Mabel Palacín, o Peter Downsbrough), hasta la utilización asimismo de la gramática que se desprende de los CCTV (Iratxe Jaio & Klaas van Gorkum, Mike Stubbs, Mediashed o Emily Richardson), o la subversión de esos códigos estéticos y de control en beneficio de la elaboración de narrativas y relaciones alternativas (Jill Magid, Nicolas Provost, Shelly Silver o Lars Arrhenius). Todos ellos invitan al espectador a una reflexión crítica respecto a los nuevos usos de los espacios urbanos y su imagen.


PROGRAMA


_ MABEL PALACÍN, “Hinterland”, 2009, 14’ 09”
Cortesía de la artista

_ MEDIASHED, “The Duellists”, 2007, 7’ 13”
Distribuido por NIMK (Ámsterdam)

_ NICOLAS PROVOST, “Plot Point”, 2007, 13’ 39”
Distribuido por ARGOS (Bruselas)

_ MIKE STUBBS, “Cultural Quarter”, 2003, 10’ 00”
Distribuido por NIMK (Ámsterdam)

_ HERMAN ASSELBERGHS, “Altogether”, 2008, 15’
Distribuido por Auguste Orts (Bruselas)

_ EMILY RICHARDSON, “Nocturne”, 2002, 5’
Distribuido por LUX (Londres)

_ JILL MAGID, “Trust”, 2004, 18’
Cortesía de la artista e Yvon Lambert Gallery (New York)

_ SHELLY SILVER, “Things I Forgot to Tell Myself”, 1988, 1’ 54”
Distribuido por NIMK (Ámsterdam)

_ SVEN AUGUSTIJNEN, “Iets op Bach”, 1998, 37’
Distribuido por Auguste Orts (Bruselas)

_ IRATXE JAIO & KLAAS VAN GORKUM, “Monitoring the Dordtselaan for Maximum Peace of Mind”, 2004, 15’
Cortesía de los artistas

_ PETER DOWNSBROUGH, “And[Back”, 2005, 4’ 37”
Distribuido por ARGOS (Bruselas)

_ LARS ARRHENIUS, “The Street”, 2003, 6’ 24”
Distribuido por Filmform (Estocolmo)


Octubre 25, 2010

ANDRÉ KERTÉSZ. FOTOGRAFÍAS

resumen_uuu.jpgDel 28 de octubre de 2010 al 30 de enero de 2011

Comisario, Péter Baki

Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat (MuVIM)
muvim@dival.es
www.muvim.es

Esta muestra recoge las cien fotografías más destacadas de la obra de André Kertész (Budapest, 1894–Nueva York, 1985), que a su vez se agrupan en las tres escenas más importantes de su vida: Hungría, Francia y los Estados Unidos.

Es opinión común entre los expertos que, durante el período de entreguerras, Hungría era uno de los países más importantes en cuanto al arte fotográfico . Las obras de André Kertész [Andor Kertész], László Moholy-Nagy, Brassaï [Gyula Halász] y Robert Capa [Endre Ernö; Friedmann] son iconos de la fotografía contemporánea y sinónimo de reconocimiento en todo el mundo.
El particular mundo fotográfico de Kertész se configuró precozmente; es decir, al abandonar su Hungría natal ya estaba realizando obras maestras que representaban una visualización singular en su época.
Hungría, Francia y los Estados Unidos son países que pueden considerar a Kertész un fotógrafo patrio, y los tres conservan importantes archivos de su obra. En el último periodo de su vida, Kertész regresó a Hungría varias veces e intentó a encontrar a los personajes de los escenarios de su infancia con poco éxito, ya que al final de su larga existencia, había perdido a los amigos de su juventud. Por ello, volvió a buscar con su cámara lo nuevo, lo diferente. En 1971 por ejemplo, visitó la localidad de Fertörákos para fotografiar una cantera, y según contaron sus acompañantes, pasó una hora inmóvil, mientras su cámara aguardaba en el trípode la exposición deseada. En Fertörákos lo que pretendía evocar, y que puede verse en esta exposición, es el paso de las aves delante del muro derribado. Kertész conservó siempre ese afán por la perfección que se detecta en todas sus fotografías, y que hacen de una simple toma una obra maestra: la obra de André Kertész.
La exposición forma parte del programa Fotogràfica 10.


Otras exposiciones en el MuVIM:
New York Rises. Fotografías de Eugene de Salignac (del 28 octubre al 30 enero de 2011).
Tender puentes. Diálogo fotográfico entre el siglo XIX y la actualidad (del 28 octubre al 30 enero de 2011).
Ficciones cotidianas. Entre el ámbito de lo público y lo privado (del 28 octubre al 30 enero de 2011).
Valencia color, en directo. Fotografías de Bernard Plossu (del 28 octubre al 30 enero de 2011).
La Aventura del Pensamiento (todo el año).

Octubre 22, 2010

EL MADRID DE SANTOS YUBERO

SantosYubero_u.jpgCRÓNICA GRÁFICA DE MEDIO SIGLO DE VIDA ESPAÑOLA, 1925-1975
FONDO DEL ARCHIVO REGIONAL DE LA COMUNIDAD DE MADRID

Sala Alcalá, 31. Del 23 de octubre al 16 de enero de 2011
www.madrid.org

La exposición titulada El Madrid de Santos Yubero que se presenta en la Sala Alcalá 31 ha sido comisariada por el prestigioso fotohistoriador Publio López Mondéjar, presenta la obra fotográfica de Martín Santos Yubero (Madrid, 1903-1994). Fue uno de los miembros más notables de la segunda generación de grandes reporteros gráficos madrileños, integrada por figuras de la talla de Alfonso, Vilaseca, Cortés, Marín, etc. Este proyecto se compone de 160 fotografías positivadas en grandes formatos en los talleres de Castro Prieto, a partir de los originales que se conservan en el Archivo Regional de la Comunidad de Madrid.
Por la naturaleza de su trabajo Santos Yubero registró con sus cámaras miles de escenas de la vida cotidiana de Madrid, el verdadero kilómetro cero de la Patria en la que entonces tenían lugar todos los grandes acontecimientos históricos del siglo XX, desde la propia remodelación urbana de la ciudad, hasta los hechos más relevantes de la dictadura de Primo de Rivera, la dictablanda de Berenguer, los días de la Segunda República y la Guerra Civil.

Dividida en dos ámbitos, España entre dos dictaduras y Los días del franquismo, la muestra se completa con un ámbito especial dedicado a reconstruir la estampa de la ciudad que habitó el fotógrafo, el ambiente periodístico y fotográfico de su tiempo y el trabajo de sus compañeros de oficio. La exposición se cierra con un audiovisual que contiene una amplia selección de las imágenes de Santos Yubero, de sus socios César y Alberto Benítez Casaux, así como alguna de sus ayudantes, Gabriel Carvajal, Luis Milla, Ignacio Teresa y Lucio Soriano, y una significativa selección de la prensa de la época en la que fueron publicadas.

Las fotografías expuestas proceden del espléndido Fondo Santos Yubero, que hoy se conserva en el Archivo Regional de la Comunidad de Madrid. Asimismo se exponen otras imágenes procedentes del Archivo Histórico Nacional, el Archivo General de la Administración y numerosas colecciones y archivos privados.
La exposición se completa con un catálogo magníficamente diseñado y editado por Lunwerg Editores, que recoge la totalidad de las fotografías expuestas, índices cronológicos y onomásticos y un texto riguroso y ameno del comisario, Publio López Mondéjar.
Posteriormente está prevista su itinerancia a diferentes ciudades españolas. Dicha itinerancia se llevará a cabo con el patrocinio de la Fundación AXA.


Dirección:
Sala Alcalá 31
C/ Alcalá, 31
28014 Madrid
Teléfono 91 720 82 51

Horario:
De martes a sábados: de 11:00 h. a 20:30 h.
Domingos, festivos, 24 y 31 de diciembre: de 11:00 h. a 14:00 h.
Cerrado los lunes, 25 de diciembre, 1 y 6 de enero

Visitas guiadas gratuitas:
Miércoles: 12:00 h.
Sábados: 12:00 h. y 13:00 h. / 18:00 h. y 19:00 h.
Domingos: 12:00 h. y 13:00 h.

Entrada gratuita


Organiza                                        Colabora
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(Imagen: La supervedette argentina Celia Gámez en el teatro Pavón. 1933.
Archivo Regional de la Comunidad de Madrid. Fondo Martín Santos Yubero)

DIRECCIONES FOCALES de RAÚL HIDALGO,
ECAT – ESPACIO CONTEMPORÁNEO ARCHIVO DE TOLEDO

imageninvita_u.jpgDel 29 de octubre al 12 de diciembre de 2010.
Inauguración el 28 de octubre, a las 19:00 horas.
ECAT
Trinidad 10, 45002 - Toledo (España)
TEL: +34 925252374
FAX: +34 925239000
www.espacioecat.es
ecat@jccm.es
www.jccm.es

www.raulhidalgo.net

El proyecto expositivo Direcciones Focales está articulado a través de cinco trabajos artísticos, los cuales se aproximan al cuestionamiento de los mecanismos de producción de la imagen y su cualidad para generar constantemente nuevos significados. El conjunto de obras que se han realizado para esta exposición, cumpliendo cada una de ellas una función concreta, vienen a presentar la capacidad de cognición y comunicación que tienen las imágenes con el espectador y su experiencia, a la vez que a contribuir al análisis del contexto y puesta en escena. Obras que esencialmente interrogan acerca de los aspectos formales y conceptuales del carácter construido de lo visible. Aquí mi práctica no se definiría en base a un determinado argumento o disciplina que determine su factor y virtuosismo, sino más bien, desde la actitud de generar sentido crítico. De ello es que este proyecto está planteado para abordar varias trayectorias discursivas que operan en la actualidad: desde el estudio del artista al espacio expositivo donde el artista se desplaza para ejercer in situ su actividad, de la construcción de objetos a la generación de contexto, así como del análisis de los medios de producción y la producción de espectáculo al devenir de la obra. Lo que en última instancia me interesa es sugerir diversas formas de ver que, en su diferencia, existan al mismo tiempo y sean complementarias.


Raúl Hidalgo (Ciudad Real, 1980) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha, ha realizado el Posgrado de Comunicación Visual en la Hochschule für Bildende Künste Hamburg (Alemania) y actualmente prepara la lectura de su Tesis Doctoral en Nueva Prácticas Culturales y Artísticas (UCLM). Parte de su práctica artística se centra en un discurso que investiga los usos epistémicos donde da lugar el arte. Una obra que no sólo responde críticamente a una situación o efecto específico, sino que viene a formar parte de un conjunto mayor que plantea nuevos modos de entender el espacio expositivo y la producción artística contemporánea.
Fue titular en 2006-07 de una Beca de Artes Plásticas por la Fundación Marcelino Botín para una estancia en Berlín. Su trabajo ha recibido premios como el concedido por el Injuve para la realización del proyecto 'La pared transparente' (2007) en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Ha desarrollado trabajos específicos para diferentes espacios expositivos en ciudades como Madrid, Hamburgo, Berlín y Estocolmo, y mostrado su obra en exposiciones colectivas a nivel nacional e internacional.


Próximas exposiciones en ECAT – ESPACIO CONTEMPORÁNEO ARCHIVO DE TOLEDO

“COLONIES” de Rafael Ortiz Martínez de Carnero y Fernando Ortiz Martínez de Carnero.
23 de diciembre de 2010 / 13 de febrero de 2011.

“GESTO AFEMINADO” de Manu Arregui.
24 de febrero / 10 de abril de 2011.


www.espacioecat.es
www.jccm.es
www.fundacionculturaydeporte.com
ecat@jccm.es



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Octubre 21, 2010

KREA Expresión Contemporánea lanza la convocatoria de becas 2010

becas2010krea_w3art_U.jpgApartados: Proyectos – Investigación – Formación
Su objetivo es fomentar la creación contemporánea a través de la formación, investigación, desarrollo y difusión de proyectos

El plazo de presentación de solicitudes es hasta el 30 de noviembre de 2010

Bases en www.kreared.com

KREA Expresión Contemporánea, proyecto cultural impulsado desde la Obra Social de Caja Vital Kutxa, lanza su cuarta convocatoria de becas. Estas ayudas, que en tres ediciones han apoyado un total de 42 proyectos artísticos, fomentan la creación contemporánea en múltiples disciplinas y apuestan por la formación de los más jóvenes.

En esta ocasión, además de las ayudas económicas, se incluyen residencias y cesiones de espacios de trabajo. Así, los proyectos artísticos que se seleccionen en esta convocatoria se desarrollarán entre las paredes del antiguo Convento de las Carmelitas de Betoño, la sede de KREA que actualmente se encuentra en la fase final de obras.



Ámbitos de actuación
Música, danza, teatro, artes plásticas, cine y vídeo, artes literarias. KREA Expresión contemporánea apuesta también por un concepto de cultura abierto a otros ámbitos de interés social: ciencia, solidaridad, desarrollo sostenible…

Apartados
1. KREA Formación

- 4 becas a jóvenes creadores que estén interesados en ampliar los estudios relacionados con su especialidad creativa.
6.000 euros máximo por beca.

- Personas físicas que no hayan cumplido treinta años con anterioridad al 30 de Noviembre, nacidas o residentes en la Comunidad Autónoma del País Vasco.

2. KREA Investigación
- Becas de investigación de proyectos relacionados con la creación y cultura contemporánea.
9.000 euros máximo por proyecto.

- Destinatarios: Personas físicas que no hayan cumplido treinta y seis años con anterioridad al 30 de Noviembre, nacidas o residentes en el ámbito de actuación de la Caja Vital Kutxa y la Comunidad Autónoma del País Vasco.

3. Proyectos KREA
- 6 becas para la producción de proyectos originales e inéditos relacionados con las artes plásticas, el audiovisual, la composición musical, la creación coreográfica y/o la creación teatral.
9.000 euros máximo por proyecto.

- Recursos:
- 4 residencias individuales: Estancia con una duración mínima de quince días y máxima de ocho semanas en una de las residencias de KREA. Durante esta estancia se podrá hacer uso de los recursos técnicos del centro, conforme a la normativa y horarios de uso de KREA.
- 8 Estudios individuales o colectivos: Cesión de un estudio-taller para la realización del proyecto con un mínimo de quince días y un máximo de tres meses.

- Destinatarios: Personas o colectivos de cualquier nacionalidad, que no hayan cumplido treinta y seis años con anterioridad al 30 de Noviembre.

Criterios de selección
- Calidad, innovación e interés del proyecto
- Coherencia del proyecto presentado.
- Su aportación al desarrollo de las prácticas artísticas y su adecuación al presupuesto.
- Viabilidad e idoneidad del proyecto así como, su grado de adecuación a las líneas de actuación de KREA Expresión Contemporánea y su integración en el territorio de Álava.
- Trayectoria de la persona o colectivo solicitante.
- La aplicación de nuevas tecnologías, el componente interdisciplinar, la incidencia de redes de colaboración, la incorporación de nuevas claves contemporáneas y la apuesta por la investigación.

Presentación de solicitudes
Plazo de presentación: hasta el 30 de noviembre de 2010.

Formas de envío:
- Por correo electrónico a info@kreared.com
- En KREA Expresión contemporánea. Postas 17. 01004 Vitoria-Gasteiz.
- Por correo certificado.


Bases completas en www.kreared.com

Octubre 20, 2010

iD Barrio ZF
Información + Datos

imagenidensitat_u.jpgIDENSITAT, en colaboración con la Unió d'Entitats de la Marina-Zona Franca abre una convocataria para participar en el taller iD Barrio ZF|Información + Datos impartido por el colectivo Hackitectura [José Pérez de Lama, Sergio Moreno Páez, Pablo de Soto, Laura Hernández Andrade, Jaime Díez Honrado, Ale González].

Con la participación de Núria Burguillos, Xavi Camino, Colectivo Connectats, Francesc Magrinyà, Oriol Granados, Ramon Parramon, Martí Peran, Elisenda Tomàs, Mireia Tortades.

Convocatoria abierta para participar en el taller
Del 22 al 27 de noviembre de 2010
Horario: de 10.00 a 14.00 h. y de 16.00 a 20.00 h.
Lugar: Unió d’Entitats de la Marina-Zona Franca, Mare de Déu de Port, 363
Entrada por el Parc de Can Sabater, 08038 Barcelona

Inscripciones: idensitat@idensitat.net. El plazo de inscripción para el taller finaliza el 16 de noviembre.

iD Barrio es un proyecto que actúa como observatorio del territorio y como laboratorio para el desarrollo de procesos creativos que se conectan con determinadas actividades sociales ultralocales. Esto es en determinados microcontextos que forman parte de concentraciones urbanas contemporáneas. Persigue estimular la creación colectiva y el intercambio cultural como posibilidad del desarrollo y transformación del territorio, a través de procesos creativos impulsados por la relación entre las prácticas artísticas y el espacio social local. Analizar para entender las dinámicas del espacio, visualizar para interpretar las articulaciones diversas que operan en los lugares, proyectar para trazar nuevas dinámicas productivas, colaborar para potenciar y multiplicar las capacidades creativas. El proyecto propone la realización de una acción en red a partir de la estructura definida en dos fases: Taller colectivo de proyectos y Dispositivo Itinerante.
iD Barrio busca integrar los procesos artísticos en otros procesos, busca la transdisciplinariedad, busca la participación social, busca las fisuras para generar oportunidades de crear, a través de metodologías colectivas, nuevas referencias en el territorio en lo que plantea su actuación.

iD Barrio ZF [Zona Franca]
Información + Datos. Barrios Can Clos y Sant Cristòfol (La SEAT) de La Marina Zona Franca de Barcelona.
Taller colectivo impartido por Hackitectura, con la participación de Núria Burguillos, Xavi Camino, Col·lectiu Connectats, Francesc Magrinyà, Oriol Granados, Ramon Parramon, Martí Peran, Elisenda Tomàs, Mireia Tortades.

El taller plantea la exploración del territorio, la cartografía crítica, la visualización de datos, el tratamiento de la información y la construcción colectiva. Plantea buscar narrativas que se refieran a la propia historia del barrio y localizar datos que hablen del lugar. El taller se concentra en dos zonas de La Marina-Zona Franca, próximas entre sí pero con diferencias marcadas por la trama urbana, el uso del espacio público, la historia o el contexto social. La metodología que se sigue consiste en impulsar un trabajo de campo intensivo en este territorio, a través del cual participarán una serie de personas y entidades que darán referencias, explicarán proyectos existentes y facilitarán datos para entender las especificidades del lugar. La finalidad del taller es trabajar con historias orales, visuales y datos, para construir dispositivos de representación, visualización o de acción concreta. Los participantes formularán sus propuestas a través de una tutoría dirigida por hackitectura, con el apoyo del equipo de Idensitat y las aportaciones de todos los participantes.

Objetivos
- Conectar espacios de la ciudad, creando circuitos temporales y prácticas de apropiación y visualización urbana.
- Impulsar el desarrollo de proyectos creativos que conecten con acciones locales en el contexto específico de los barrios de los barrios de Can Clos i SEAT.
- Generar propuestas y visualizar datos basados en el contacto directo con los barrios.
- Crear un archivo de proyectos con las propuestas y posibilitar el desarrollo de algunos de ellos en el territorio.

A quien se dirige: El taller está dirigido a artistas, diseñadores, arquitectos, educadores, gestores culturales, dinamizadores socioculturales, trabajadores sociales, estudiantes de sociología, antropología, arte, arquitectura, educación, así como a un público que vive y participa en proyectos de barrio.


Dirección del taller
Hackitectura. Colectivo de arquitectos, artistas, informáticos y activistas, dedicado a investigar y visualizar los territorios emergentes entre los espacios físicos y las dinámicas sociales y comunicacionales de la Red. Fundado por Pablo de Soto, Sergio Moreno y José Pérez de Lama, colaboran regularmente con otros colectivos y proyectos relacionados con la exploración y articulación de cartografías emergentes de las relaciones políticas, sociales, económicas y culturales en determinadas zonas geográficas, para intervenir a través de la construcción de nuevas arquitecturas de la comunicación.

Pablo de Soto. Arquitecto por el Real Instituto de Tecnología de Estocolmo, investigador y constructor de prototipos en los campos de la media-arquitectura y la cibernética social. Coautor de la cartografía crítica del Estrecho de Gibraltar (2004). Coeditor del libro Fadaiat: libertad de movimiento, libertad de conocimiento (2006), creador de Geografías Emergentes para la segunda edición de Tecnología, Creativiad y Sociedad en Extremadura. Premios LAB_Cyberspacios (2007) y LAB_JovenExperimenta (2008) por LABoral Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón. Codirector del taller Cartografiando Gaza para el taller de invierno de la escuela de Arquitectura de Alicante. Iniciador de la plataforma Cartografiaciudadana.net. Editor del libro Situation Room: diseñando un prototipo de sala de situación ciudadana (2010).

Jaime Díez Honrado. Arquitecto, dinamizador, activista... Con experiencia en dinamización y facilitación de grupos; diseño, producción y gestión de procesos sociales mediante las tecnologías, lo relacional y lo artístico. A través de tecnologías y prácticas de código abierto, integra en su trabajo, la identidad, el patrimonio y el urbanismo emergente. Ha trabajado la creatividad social y las prácticas colaborativas desde la impulsión de proyectos como Larache se Mueve (2006-2008), robinsonesurbanos.org (2007-2010) o Mapeándonos.net (2009-).

Ale González. Arquitecto, su trabajo se orienta hacia dinámicas de intervención social, cultural y ambiental y en el interés de las posibilidades creativas de las tecnologías de código abierto. Trabaja en la ONGd Arquitectura y Compromiso Social donde ha participado en proyectos centrados en lo urbano como varios proyectos de rehabilitación participativa de barrios en Camino Viejo y Tomares (Sevilla); Plan de Rehabilitación Integral de Barrios en los barrios de La Lagunilla y Puerta de Madrid (Andújar, Jaén); un trabajo de investigación sobre las transformaciones territoriales debidas a dinámicas migratorias (Sevilla); y la plataforma Caja de Herramientas, para promover prácticas arquitectónicas de código abierto centradas en espacios de autonomía (2008-actualidad). Trabaja con Processing en el campo emergente de la visualización de datos.


Currículums de los participantes

Núria Burguillos. Licenciada en Geografía e Historia por la Universidad de Barcelona, es funcionaria del Ayuntamiento de Barcelona desde 1986 y actualmente es Técnico Superior en Arte e Historia. Fue responsable del proyecto de dinamización y difusión cultural del Archivo Municipal y de las bibliotecas del Distrito de Sants-Montjuïc entre 1992-1998. Coordinadora de los Centros de Documentación Histórica de los barrios del Distrito de Sants-Montjuïc entre 1992-2005 y Archivera del Distrito de Sants-Montjuïc entre 1998-2009. Además, entre 1992-2009 ha dirigido Talleres de Narrativa Histórica (oral y escrita), ha coordinado la campaña L'Arxiu i les Escoles, ha diseñado itinerarios históricos, dirigido publicaciones sobre la historia del Distrito de Sants-Montjuïc y ha participado en Congresos de Historia y de Archivística representando al Ayuntamiento de Barcelona. Actualmente es la responsable de Archivo y Gestión Documental del Área de Prevención, Seguridad y Movilidad.

Xavi Camino. Antropólogo. Licenciado en Antropología Social y Cultural por la Universitat de Barcelona (2002). Diplomado en Estudis Avançats del programa de doctorado «Antropologia urbana i moviments socials» por la Universitat Rovira i Virgili (2005). Actualmente es profesor de Antropología en la Escuela Superior de Disseny Elisava. Tiene una beca de investigación de l’Agència de Gestió d’Ajuts Universitaris i de Recerca y es miembro del equipo del Laboratori d’Investigació Social de l’Institut Nacional d’Educació Física de Catalunya de Barcelona. Sus líneas de investigación se han centrado desde el año 2000 en los procesos de apropiación y usos informales del espacio público a través del deporte.

Connectats. Connectats [Carlos Piegari, Diego Salazar, Florencia Aliberti, Toni Gassó, Marina Piegari, Silvia Subirós] es un colectivo constituido como cooperativa de iniciativa social que trabaja generando procesos de creacion audiovisual colaborativa desde el año 2006. Durante 3 años emitió semanalmente un programa de televisión en la Red de Televisión Local de Catalunya, actualmente edita una revista que se distribuye en la red de institutos de educacion secundaria de Barcelona y genera diversos proyectos que promueven la reflexión sobre el espacio público, la mejora de la cohesión social y la dinamización intercultural.

Oriol Granados. Historiador, licenciado en Filosofía y Letras sección de Historia Antigua. Profesor del Instituto Egara de Terrassa, director del servicio de arqueología de Barcelona y Director del Museo de Historia de la Ciudad. Ha realizado estudios sobre el poblamiento y el urbanismo antiguo en la Ciudad de Barcelona y Baix Llobregat. Es miembro del Centro de Estudios de Montjuïc, orientado a la documentación, estudio y difusión de los valores de esta montaña y de su entorno. Entre otros temas, desarrolla un estudio sobre la transformación del territorio y de la propiedad en la Marina de Port, antiguo dominio del castillo de Puerto. En este momento realiza un trabajo de recopilación de datos, información y memoria oral sobre los barrios que conforman la Marina, que tiene proyección dentro del programa: Parlem dels barris de la Marina.

Francesc Magrinyà. Ingeniero de Caminos, Canales y Puertos (UPC, 1988) y Doctor en Urbanismo por el École Nationale des Ponts te Chaussées de París (ENPC, 2002). Es profesor de Urbanismo del ETSECCPB-UPC y Masters d'Urbanisme i de Sostenibilitat de la UPC. Ha sido Coordinador de la Mostra Cerdà y Comisario de la Exposición "Cerdà. 150 anys de modernitat". Es especialista en el campo de la interacción entre urbanismo, transporte y medio ambiente, y en servicios urbanos en países en desarrollo. Es autor entre otros de las siguientes publicaciones: "La evolución de la ingeniería en la urbanística" (Ediciones UPC, 2002), " Construcció de ciutat i xarxes d’infraestructures " (Ediciones UPC, 2004); "L’espai urbà de la mobilitat" (Ediciones UPC, 2007); "Cerdà, 150 anys de modernitat" (Ed Actar, 2010).

Martí Peran. Profesor Teoria de l'art en la UB. Crític y curador de exposiciones.
Ha colaborado en diferentes catálogos y libros de arte contemporáneo. Co-editor de Roulotte, colabora en diarios y revistas especializadas (Exit Express, Artforum International). Director del Programa internacional Roundabout.Encounter Program entre Barcelona y otras ciudades del mundo (México, Rejkiavic, Bangkok, Jerusalén, Santiago de Chile, Istambul). Entre los proyectos más recientes ha presentado Post-it city. Occasional Cities (CCCB, Barcelona, 2008; MAC Santiago de Chile, Centro Cultural Sao Paulo, 2009); After Architecture (Artes Santa Mònica. Barcelona, 2009).

Elisenda Tomàs Pérez. Diplomada en Educación Social en la Universidad Pere Tarrés (2004). Actualmente trabaja como Educadora Social en medio abierto en el proyecto APC (A Partir del Carrer) del Ayuntamiento de Barcelona. Ha trabajado también como educadora social en medio abierto en el proyecto MEINAS (Menors Estrangers Indocumentats No Acompanyats).

Mireia Tortadès i Verdaguer. Licenciada en Ciencias Políticas y de la Administración por la Universidad Pompeu Fabra, especializada en temas de gestión del conflicto a partir del Postgrado de Cultura de Pau impartido por la Universidad Autónoma de Barcelona. Posteriormente se ha introducido en el mundo de la mediación con el Postgrado de Gestió de los Conflictes d’Avui, cursado en la Fundació Pere Tarrés. Experiencia laboral en mediación escolar, dinamización en las escuelas y actualmente, dinamizadora en el barrio de Can Clos.


Solicitud de inscripción
Los interesados a participar en el taller deben presentar un texto de motivación y un currículum antes del 16 de noviembre de 2010. El envío de solicitudes se realizará en formato digital por correo electrónico a: idensitat@idensitat.net. Se seleccionarán los participantes según la documentación presentada. La cuota de participación en el taller es de 25 €.

Lugar y fechas
22-27 de noviembre de 2010.
Unió d’Entitats de la Marina-Zona Franca, Mare de Déu de Port, 363
Entrada pel Parc de Can Sabater, 08038 Barcelona

Coordinación de la actividad: Xavi Camino, Maral Mikirditsian, Ramon Parramon, Bernat Puig, Elisenda Tomàs.

Antecedentes del proyecto iD Barrio Barcelona.

En noviembre de 2009 se desarrolló la primera edición en Barcelona y Calaf, permitiendo trabajar el tema del barrio desde el contexto de ciudades pequeñas y medias en áreas rurales y en relación con la ciudad capital.

La primera edición de iD Barrio Barcelona se celebró en La Capella y consistió en un seminario internacional que agrupó un conjunto de personas con el fin de intercambiar experiencias, proyectos, estudios y al mismo tiempo compartió deseos de introducir cambios con respecto a las instituciones, a las políticas y las dinámicas que afectan en estas parcelas de ciudad que llamamos barrios. El encuentro reunió a 200 personas venidas de diferentes partes de España y va contado con la participación de 23 ponentes procedentes de diversos países, que de manera individual o en representación de colectivos, propusieron mecanismos de trabajo y de acción en los barrios. Se entrecruzaron diferentes miradas, desde el arte, la arquitectura, la dinamización social, la antropología o el activismo.

Se realizaron dos talleres impartidos por los colectivos KUNSTrePUBLIK y Traces of Autism que trabajaron en diferentes barrios de Barcelona realizando propuestas de trabajo específicas orientadas a poner en relación la exploración del territorio, el análisis del espacio con el activismo sociocultural y la participación. (Para más información se puede consultar la siguiente página web: idensitat.net)

Actualmente el proyecto iD Barrio se está llevando a cabo en otras ciudades. Como primera experiencia en octubre de 2010 se ha desarrollado una nueva edición de iD Barrio en la ciudad de São Paulo [iD Bairro SP] trabajando en los barrios de Santo Amaro y Bom Retiro, un área periférica de la ciudad y la otra céntrica con un alto componente de confluencia de culturas.

iD Barrio ZF es un proyecto de IDENSITAT en colaboración con Unió d'Entitats de la Marina-Zona Franca. Con el soporte del Institut de Cultura de l’Ajuntament de Barcelona, Generalitat de Catalunya Consell Nacional de la Cultura i les Arts, Ministerio de Cultura y Hangar.


IDENSITAT es un proyecto de arte que investiga sobre las maneras de incidir en el ámbito del espacio público a través de propuestas creativas en relación al lugar y el territorio desde la dimensión física y social. Constituye una plataforma de producción e investigación en red, en el ámbito de lo artístico, donde experimentar nuevas formas de implicación e interacción en el espacio social. Los proyectos desarrollados en los talleres formarán parte del archivo de Idensitat con la voluntad de encontrar mecanismos de producción para aquellos que se ajusten a dinámicas específicas vinculadas al contexto local.

MACROPANORAMIK DE JESÚS SEGURA EN FUNDACIÓN JOSÉ GARCÍA JIMÉNEZ

ST0267_u.jpgFundación José García Jiménez inaugura Macropanoramik del artista Jesús Segura, que clausurará el proyecto Hibridación y Mestizaje, con el que esta institución participa en el OFF PAC 2010. La exposición estará abierta al público desde el 19 de octubre hasta el 20 de noviembre en la sede de la Fundación José García Jiménez de Murcia.

www.fundacionjosegarciajimenez.org/

Macropanoramik (2010), consta de una primera instalación conformada por 6 fotografías, cada una, estratégicamente dispuesta en el espacio, donde se convoca al espectador a un bucle identitario, en el cual sus sistemas perceptivos concluyen y definen, tanto la performatividad de la pieza como su constitución en proceso. Igualmente, el cuestionamiento de una colectividad emancipada y sometida a la inercia del espacio –institución- sitúa al espectador en una serie de preguntas desplegadas a lo largo de la pieza.

Una segunda pieza construye, mediante el distanciamiento y extrañamiento una instalación videográfica conformada por una proyección y un monitor de 42”, donde se convoca al espectador a un desciframiento reflexivo de la imagen, y a su apertura interpretativa. El proceso perceptivo seguido en esta pieza contrapone abstracción y realismo en un intento de generar una colisión que provoque una desocultación de significados. La idea de mostrar un hecho concreto en su posición alejada y distanciada y contraponerla a una representación de esa misma escena en una forma macrorealista, nos habla de cómo se construyen los discursos, las relaciones contingentes y las percepciones y/o asociaciones de hegemonía invisibilizadas. Pero también, nos desvela la extrema violencia sumergida en este proceso. Para, finalmente, mostrarnos un sujeto atravesado por un humanismo animal donde la depredación se ha convertido en garante de toda supervivencia.

Por último, los dos videos monocanales que se muestran en Macropanoramik (2010), desarrollan un sistema perceptivo basado en el acontecer, en el azar como elemento cognitivo. Uno escruta lo que queda después del evento y el otro desarrolla una escritura de la desaparición. Ambos verbalizan de un modo más irónico sobre cuestiones inherentes a la estructura del capital, y sus consecuencias más mundanas, centradas en el individuo, bajo términos coloquiales como la vanidad, la evanescencia, el desarraigo….


LogoFUNDACIoN2010_u2.jpg

Octubre 19, 2010

Joseph Beuys - La revolución somos nosotros viaja por Brasil

ExpoBeuys_u.jpg
Comisariada por Antonio d'Avossa y Solange Farkas, exposición revela multiplicidad de estrategias del artista alemán.

www.videobrasil.org.br
www.sescsp.org.br/beuys

La más grande retrospectiva ya dedicada a la obra del artista alemán Joseph Beuys en Brasil está en exhibición en el SESC Pompeia, en São Paulo, hasta fines de noviembre. Joseph Beuys - La revolución somos nosotros reúne más de 250 obras, entre carteles, múltiplos, registros de acciones y documentales producidos en las décadas de 1960, 1970 y 1980. Con comisariado de Antonio d'Avossa y comisariado general de Solange Farkas, la exposición revela la diversidad de estrategias utilizadas por el artista para difundir sus proposiciones políticas y filosóficas, evidenciando el proyecto de comunicación por detrás de una de las obras más influyentes del siglo 20. De diciembre de 2010 a febrero de 2011, estará en exhibición en el Museu de Arte Moderna da Bahia, en Salvador.

Joseph Beuys - La revolución somos nosotros es testigo de un período de intensa actividad artística y política, en el cual Beuys busca públicos más grandes para su concepto de escultura social, adhiere al partido ambientalista alemán Los Verdes, ayuda a crear la Organización por la Democracia Directa por Plebiscito y funda la Universidad Libre Internacional. En ese contexto, pasa a utilizar múltiplos y materiales gráficos como vehículos de difusión de ideas.

Para Antonio d’Avossa, profesor de Historia del Arte Contemporáneo en la Academia di Brera/Milán y comisario de retrospectivas como Operazione Difesa della Natura (Barcelona,1993), carteles y múltiplos son "un verdadero arsenal de propaganda" para la escultura social y el concepto ampliado de arte. “Con ellos, Beuys traza una estrategia paralela a su obra e integrada a ella”, afirma.

Concebida por la Associação Cultural Videobrasil y realizada por el SESC São Paulo, Joseph Beuys - La revolución somos nosotros integra la programación paralela a la 29ª Bienal de São Paulo, que debate la relación entre arte y política. "La preocupación con la mediación y el gesto político de Beuys hacen la exposición pertinente en el contexto de las discusiones propuestas por la Bienal”, dice Solange Farkas, presidente de la Associação Cultural Videobrasil y directora y comisaria del Museu de Arte Moderna da Bahia.

Una intensa programación educativa acompaña la exposición en São Paulo y Salvador. Las actividades, gratuitas, pasan al rededor del espacio Universidad Libre Internacional en São Paulo, una sede simbólica de la institución fundada por el artista en los años 1970 para promover la reflexión sobre el presente y el futuro de la sociedad. Ellas incluyen un seminario internacional en el que los artistas y investigadores discuten los conceptos que marcan la actuación de Beuys como artista, profesor y activista; cursos y talleres inspirados en las prácticas del artista; y visitas mediadas. En São Paulo, las acciones educativas se inauguraron en una ceremonia de plantío de árboles que recordaban la escultura viva 7000 Robles (Documenta 7, 1982).

La Associação Cultural Videobrasil es una institución destinada a la producción y a la diseminación de conocimiento sobre arte contemporáneo. En conjunto con el SESC São Paulo, realiza grandes exposiciones como Sophie Calle – Cuídese (São Paulo y Salvador, 2009), y el Festival Internacional de Arte Contemporáneo SESC_Videobrasil, que se ha convertido en referencia para la producción artística del Sur geopolítico del mundo. Atlas Group, William Kentridge, Kendell Gears, Marcel Odenbach, Kenneth Anger, Coco Fusco y Peter Greenaway están entre los artistas que ya fueron objeto de sus exposiciones, festivales, documentales y publicaciones.


Para más informaciones sobre la exposición Joseph Beuys - La revolución somos nosotros, visite www.sescsp.org.br/beuys.

Para conocer las actividades de la Associação, visite: www.videobrasil.org.br


Associação Cultural Videobrasil
Asesoría de prensa
Teté Martinho
tetemartinho@uol.com.br


[Foto (c) Everton Ballardin]

MUSAC EN SU V ANIVERSARIO PRESENTA TRES NUEVAS EXPOSICIONES DENTRO DE LA TEMPORADA DEDICADA A AMÉRICA LATINA

chinacgem_u.jpgCGEM: Apuntes sobre la emancipación. Artistas: Isabel Carvalho, Carolina Caycedo, Carla Fernández, Adriana Lara, Judi Werthein.
23 de octubre, 2010 – 16 de enero, 2011

PULGAR.Proyecto editorial. Presentación de número especial de la revista co- editado por MUSAC. Proyecto Vitrinas.
23 de octubre, 2010 – 16 de enero, 2011

Paisaje múltiple. Latinoamérica en la Colección MUSAC. Artistas: Sergio Belinchón, Andreas Gursky, Gilda Mantilla, Diego Opazo, Caio Reisewitz, Miguel Ángel Rojas. Fundación Cerezales Antonino y Cinia (Cerezales del Condado, León). MUSAC OFF.
24 de octubre, 2010 – 16 de enero, 2011



CGEM: apuntes sobre la emancipación

Artistas: Isabel Carvalho (Paranhos, Portugal, 1977), Carolina Caycedo (Londres, UK, 1978), Carla Fernández (Saltillo, Coah, México, 1973), Adriana Lara (México DF, México, 1978), Judi Werthein (Buenos Aires, Argentina, 1973).

Comisaria: María Inés Rodríguez
Coordinación: Helena López Camacho
Lugar: Laboratorio 987, MUSAC
Fechas: 23 de octubre, 2010 – 16 de enero, 2011

La sala Laboratorio 987 del MUSAC presenta el proyecto CGEM: apuntes sobre la emancipación, una muestra colectiva de las artistas Isabel Carvalho, Carolina Caycedo, Carla Fernández, Adriana Lara y Judi Werthein. Partiendo del concepto de Emancipación, las cinco artistas expondrán una selección de obras surgidas de la colaboración y trabajo conjunto con distintas asociaciones y colectivos de la ciudad de León. La emancipación, en el sentido más extenso del término, se refiere a toda aquella acción que permite a una persona o a un grupo de personas acceder a un estado de autonomía al lograr desprenderse de alguna autoridad o potestad que la somete. Como eco a la conmemoración de los gritos de independencia históricos de una serie de países latinoamericanos, de los que en el 2010 se celebra el bicentenario, el Laboratorio 987 del MUSAC presenta a un grupo de artistas que han realizado un cuerpo de trabajo enfocado a esta materia.

A lo largo de los últimos doscientos años grandes cambios han sacudido al continente latinoamericano y al mundo. Las transformaciones a nivel político, social, económico y cultural y sus repercusiones en la esfera pública han sido tema de análisis por parte de expertos, pero también tema recurrente en el Arte contemporáneo. En este sentido, el artista actúa como testigo de su tiempo, como “passeur”, crítico, o analista, manifestándose a través de su obra y cuestionando la construcción cultural de la Historia. La exposición CGEM: apuntes sobre la emancipación, que se concibe como un proyecto global generado por las cinco artistas invitadas, incluye una serie de actividades que activarán el espacio Y CONVOCAN la participación del público.

Adriana Lara, complementará su propuesta el 23 de octubre a las 20.00 h. con una performance que deja entrever la dicotomía relacionada con significado y significante, la creación y la interpretación o la propia naturaleza del arte y sus dinámicas.

Por su parte, la obra de Carolina Caycedo Caminemos junt@s albergará hasta su clausura diversas fórmulas de expresión sobre la emancipación, destacando la conferencia del arquitecto Andrés Jaque el próximo 3 de diciembre.

CGEM: Apuntes sobre la emancipación es un proyecto desarrollado con el patrocinio de AECID, Fundación/Colección Jumex y con la colaboración de la Embajada de México a través del Instituto de México en España.

Texto completo: http://www.musac.es/index.php?ref=102900



PULGAR

oo2_u.jpgComisarios: Luis Romero y Eneas Bernal
Lugar: Proyecto Vitrinas. MUSAC
Fechas: 23 de octubre, 2010 – 16 de enero, 2011

El proyecto vitrinas albergará hasta el 9 de enero de 2011 un proyecto específico en torno a la publicación independiente venezolana de arte contemporáneo PULGAR, que edita el artista y comisario de exposiciones Luís Romero desde el año 1999. Junto a esta iniciativa, el MUSAC editará un número especial para esta ocasión que estará dedicado a visibilizar publicaciones y proyectos editoriales de creación desde América Latina.

Pulgar es una revista independiente de distribución gratuita editada en Caracas (Venezuela) y apoyada por Prince Claus Funds de Holanda. La publicación se autodefine como una publicación ocasional, palabra clave para entender su concepción originaria: un espacio de difusión creativa alternativa asentado sobre la excelencia de sus ediciones. Pulgar cuenta con más de veinte ediciones realizadas y concebidas por comisarios de exposiciones y artistas del mundo entero. La publicación se ha presentado en encuentros internacionales, entre los que se destacan la edición de Pulgar realizada para la duodécima edición de la Documenta de Kassel (Alemania) o su participación en el Encuentros de Medellín 2007, MDE07 (Colombia).

La muestra presenta la trayectoria de Pulgar mediante una selección representativa de los contenidos que se han generado desde sus páginas. Así, se acerca a algunas de sus pautas fundacionales como el intercambio entre creadores, el trabajo en red y el rigor de miradas curatoriales.

Se presenta del mismo modo un número especial co-editado junto a MUSAC para esta ocasión PULGAR #26. NAVEGAR - publicaciones independientes y de creación en América Latina - . Con una tirada de 4.000 ejemplares distribuidos de manera gratuita, este número gravita sobre la(s) práctica(s) editorial(es) como uno de los ejes de la creación visual contemporánea en América Latina. Un ensayo que desde un lugar y un contexto dado (PULGAR) analizará el creciente interés y la vitalidad de los procesos e ideas así como la sostenibilidad y creatividad que fundamentan el ámbito de la edición en América Latina a través de colaboraciones realizadas ex profeso por publicaciones y proyectos editoriales como Ácido Surtido (Argentina), Revista Recibo (Brasil), Revista Asterisco (Colombia), Revista Lengua (República Dominicana) Revista Juanacha (Perú), populardelujo (Colombia), Revista Mogo (Panamá), Art-porcentual (Cuba), Nuevo Arte Informativo, NOI (Venezuela - Cuba), ramona(Argentina) y Revista Plus (Chile).

El proyecto ha sido patrocinado por AECID.

Texto completo: http://www.musac.es/index.php?ref=102000



MUSAC OFF: Fundación Cerezales Antonino y Cinia (Cerezales del Condado, León) Paisaje múltiple. Latinoamérica en la Colección MUSAC

oo3_u.jpgArtistas: Sergio Belinchón (Valencia, 1971), Andreas Gursky (Leipzig, 1955), Gilda Mantilla (Los Ángeles, 1967), Diego Opazo (Santiago de Chile, 1966), Caio Reisewitz (São Paulo, 1967), Miguel Ángel Rojas (Bogotá, 1946)
Comisarios: Agustín Pérez Rubio, María Inés Rodríguez, Octavio Zaya
Coordinación MUSAC: Koré Escobar, Carlos Ordás
Coordinación Fundación Cerezales Antonino y Cinia: Rosa María Yagüez, Zaida Llamas
Lugar: Fundación Cerezales Antonino y Cinia (Cerezales del Condado, León)
Fechas: 24 de octubre, 2010 - 16 de enero, 2011

MUSAC, en colaboración con la Fundación Cerezales Antonino y Cinia, presenta el próximo 24 de octubre la muestra Paisaje Múltiple. Latinoamérica en la Colección MUSAC, como parte de la programación de MUSAC Off, una iniciativa del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León para exponer su Colección fuera de los límites propios del edificio que alberga al museo. La muestra, concebida expresamente para el espacio de la Fundación Cerezales Antonino y Cinia (Cerezales del Condado, León), se articula en torno a obras pertenecientes a la Colección MUSAC relacionadas con el paisaje en América Latina, trabajos tanto de artistas latinoamericanos como de otros orígenes que se acercan y reflexionan sobre la variedad paisajística latinoamericana desde diferentes planos conceptuales, técnicas o formatos. La elección del paisaje como eje temático de la muestra guarda relación con el entorno la Fundación Cerezales Antonio y Cinia y la clara vocación de la misma en el desarrollo y promoción del entorno natural, rural y humano de la zona.

Los artistas seleccionados para esta muestra –Sergio Belinchón, Andreas Gursky, Diego Opazo, Raimond Chaves y Gilda Mantilla, Miguel Angel Rojas y Caio Reisewitz– consideran y desarrollan diferentes aproximaciones, temáticas y métodos para abordar el paisaje como género artístico, una práctica ampliamente concurrida a lo largo de la Historia del Arte. En efecto, muchas y muy variadas han sido las miradas que se han realizado sobre este género, partiendo de la representación de la Naturaleza, en su concepción más sublime, y llegando hasta los llamados paisajes urbanos que aparecen tras la Revolución Industrial, o incluso a paisajes mentales reflejo de las teorías estéticas y filosóficas de principios del siglo XX.

Texto completo: http://musac.es/index.php?ref=107700



Calendario:

23 de octubre

17.00 h. – 20.00 h Inauguración de las muestras:
_ CGEM: apuntes sobre la emancipación en Laboratorio 987
_ PULGAR en Proyecto Vitrinas

20.00 h. Performance de la artista Adriana Lara con motivo de la inauguración de CGEM: apuntes sobre la emancipación. Salón de actos de MUSAC. Entrada libre hasta completar aforo.

24 de octubre

12.00 h. Inauguración de la muestra Paisaje múltiple. Latinoamérica en la Colección . Fundación Cerezales Antonino y Cinia (Cerezales del Condado, León).

Octubre 18, 2010

El Programa PEI Abierto presenta dos simposios internacionales

04_uu.jpgMuseu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA)
Plaça dels Àngels, 1
08001-Barcelona
www.macba.cat

El Programa de Estudios Independientes (PEI) del MACBA es un máster de dos años en teoría crítica y estudios museológicos. En conjunción con cada módulo lectivo del programa, el Museo ofrece un seminario organizado por el profesorado del PEI y abierto al público general.


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De animales y monstruos
Seminario PEI abierto a cargo de Xavier Antich y Manuel Asensi
Jueves 21 y viernes 22 de octubre, de 18 a 21 h
Sábado 23 de octubre, de 10 a 14 h

De animales y monstruos se iniciará con un debate sobre la naturaleza de lo animal en la obra de Gilles Deleuze y Jacques Derrida, quienes conciben la animalidad como un fenómeno anómalo y liminal. En esta perspectiva, el seminario se propone reabrir la cuestión de lo animal y lo monstruoso en el cruce entre pensamiento y prácticas artísticas, como parte de una indagación acerca de la identidad y lo comunitario.


Participantes:

Xavier Antich es profesor de Estética y director del Máster en Comunicación y Crítica de Arte de la Universitat de Girona. Es también director del Programa de Estudios Independientes (PEI) del MACBA.

Manuel Asensi es catedrático de Teoría de la Literatura en la Universitat de València y subdirector del Programa de Estudios Independientes (PEI) del MACBA.

Anne Sauvagnargues es Maître de conférences en Filosofía en la École Normale Supérieur de Lyon. Autora de Deleuze et l'art y Deleuze. De l'animal à l'art.

Jeffrey J. Cohen es profesor de Estudios Culturales en la George Washington University. Editor de Monster Theory. Reading Culture y autor de Hybridity, Identity and Monstrosity in Medieval Britain.

Pilar Pedraza es profesora de Historia del Arte en la Universitat de València. Autora de Venus barbuda y el eslabón perdido, Espectra. Descenso a las criptas de la literatura y el cine y Máquinas de amar. Secretos del cuerpo artificial.

Ximena Briceño es profesora en la Stanford University. Especialista en narrativas museísticas de las prácticas performativas contemporáneas y su relación con la literatura contemporánea latinoamericana. Autora de Consuming Cultures. The Museum Boom in Latin America.

Lars Bang Larsen es crítico y comisario independiente. Es autor de monografías sobre Sture Johannesson y Palle Nielsen, y del ensayo Zombies of Immaterial Labor: the Modern Monster and the Death of the Death.

Inscripción: a partir del 11 de octubre en www.macba.cat


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SICK 80s / Malditos ochenta
Crisis del SIDA, arte y guerrilla contrabiopolítica

Seminario PEI Abierto a cargo de Beatriz Preciado
Viernes 26 de noviembre, de 18 a 21 h
Sábado 27 de noviembre, de 10 a 14 h

SICK 80s / Malditos ochenta invita a teóricos, activistas y artistas a llevar a cabo una arqueología de lenguajes, representaciones y prácticas que emergieron durante la crisis del SIDA en los ochenta. El seminario analiza la pertinencia de la noción de biopolítica para caracterizar las formas contemporáneas de control del cuerpo y de la sexualidad; la continuidad de las prácticas de ACT UP con la antipsiquiatría y la crítica institucional; el paso de las políticas de identidad a las micropolíticas queer; la emergencia del saber activista y la aparición de prácticas artísticas contrabiopolíticas de intervención en la esfera pública.


Participantes:

Michel Feher es filósofo, editor fundador de Zone Books y presidente de Cette France-là, una organización francesa que publica un observatorio anual sobre la política de inmigración bajo la presidencia de Nicolas Sarkozy. Actualmente trabaja en un ensayo titulado S'apprécier: pourquoi et comment embrasser la condition néolibérale.

Cindy Patton es activista del movimiento en torno al SIDA y cofundadora del Boston AIDS Action Committee. Profesora de Sociología y Antropología, y Canada Research Chair in Community, Culture and Health en la Simon Fraser University de Vancouver, es autora de numerosos ensayos sobre los aspectos sociales y culturales del SIDA.

Christophe Broqua es antropólogo social e investigador asociado en SOPHIAPOL-LASCO (Université Paris Ouest Nanterre La Défense) y APC-CI (Abiyán, Costa de Marfil). Desde mediados de 1990, se dedica a la investigación de movimientos colectivos asociados con el SIDA y la homosexualidad.


Inscripción: a partir del 115 de noviembre en www.macba.cat


Precio: 30 €; estudiantes y parados: 20 €; Amigos del MACBA: gratuito.
Auditorio MACBA. Aforo limitado


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Para más información sobre los seminarios y el Programa PEI Abierto del MACBA, consulten www.macba.cat


(Fortune Clofullia, 1853. Missouri History Museum.)

“ENCUENTROS CON VEGAP” Madrid

Fecha: 20 octubre
Horario: 18.00 h-20.00 h
Lugar: Central de Diseño, Matadero Madrid
Paseo de la Chopera, 11. 28045 Madrid
Dirigido a: socios de AVAM, artistas y agentes culturales

Entrada libre hasta completar aforo

www.avam.net
www.vegap.es
www.arteyderecho.org

AVAM, Artistas Visuales Asociados de Madrid organiza el próximo 20 de octubre, un acto publico, en el que VEGAP, dará a conocer la actividad de esta entidad de gestión y las herramientas con las que cuenta la comunidad artística para defender sus derechos de autor y mejorar sus condiciones de trabajo.


Programa:

Que es VEGAP
- Naturaleza jurídica y política
- Estructura operativa
- Socios y la entidad
- Gestión de derechos
- Reparto de derechos
VEGAP como nodo de una red
- Las sociedades de autores como movimiento social y político
- Las estructuras de representación (CISAC, IFRO, EVA)
VEGAP ante el entorno digital
- Copia privada
- La tarta digital
- Los autores y la cesión de sus derechos
-Orfhan Works
Debate


Participantes
Javier Gutiérrez Vicén, Director de VEGAP, José Vicente Quirante, Director de la Fundación Arte y Derecho, Valentín Vallhonrat, Artista, Socio de AVAM y miembro del Patronato de VEGAP.

Presenta el acto: Ander Azpíri, Artista y Presidente de AVAM

Organiza
AVAM, Artistas Visuales Asociados de Madrid, VEGAP y Fundación Arte y Derecho.

Este programa está financiado por el Fondo Asistencial y Cultural de VEGAP a través de la Fundación Arte y Derecho

BilBAK Bilbao Arte eta Kultura. Nueva programación cultural desde el Campus de Bizkaia de la Universidad del País Vasco – Euskal Herriko Unibertsitatea

epidemic04_u.jpgLa oferta de BilBAK Bilbao Arte eta Kultura, nueva programación cultural puesta en marcha desde la UPV/EHU, se concreta en programas trimestrales, surgidos con cada estación, que bajo el paraguas genérico de una misma temática permitirán desarrollar todo tipo de propuestas de exhibición, escénicas, discursivas o reflexivas. La renovación de dicho proyecto viene unida a la próxima inauguración en Bilbao del nuevo paraninfo de la UPV/EHU, diseñado por el arquitecto portugués Álvaro Siza.

www.ehu.es/ehusfera/bilbak/



REALIDADES CONTEMPORÁNEAS I: LOS CUERPOS

Soft Power. Arte y tecnologías la era biopolítica.

16 octubre - 9 noviembre

De la mano de Maria Ptqk se tratará de buscar continuidad a las líneas de investigación por ella emprendidas en su proyeto Soft Power (Sala Amarika, Vitoria-Gasteiz 2009). El objetivo es proporcionar elementos de análisis y un espacio de intercambio de opinión sobre los avances de la biotecnología. ¿Qué se está haciendo en los laboratorios? ¿Cómo se financian estas investigaciones? ¿A quién debe pertenecer el patrimonio biológico del mundo? ¿Para qué fines debe ser utilizado? ¿Tenemos todos/as el mismo derecho a la salud? ¿Existe un ideal de ser humano? ¿Con qué narrativas biopolíticas podemos representar estas transformaciones? ¿Cómo nos imaginamos como especie en este nuevo escenario?
En definitiva, si la biotecnología va a suponer, como dicen, un cambio sin precedentes en la historia de la humanidad ¿en qué dirección queremos que nos lleve?


TALLERES:

Introducción cultural a la biotecnología por Maria Ptqk

18-21 octubre. Aulas de la experiencia de Bizkaia. (Casco Viejo) Bilbao. 16-19.30h. Matrícula: 30 euros. Créditos de libre elección: 1

Taller-laboratorio de ciencia DIY “Bodies Unlimited!” por subRosa

2-5 noviembre. Sala Rekalde. Bilbao. 16-9.30h. Matrícula: 30 euros. Créditos de libre elección: 1

Historia de la tecnosexualidad por Beatriz Preciado

8-9 noviembre. Zubiria-Etxea (Sarriko) Bilbao. 0-14 / 16-19h. Matrícula: 30 euros. Créditos de libre elección: 1

* Hay opción de matricularse a los tres talleres de Soft Power por un total de 70 euros.


CONFERENCIAS, PROYECCIONES Y OTRAS ACTIVIDADES:

Proyección de “Organ Market” de Sally Gutierrez

Conferencia de Ignacio Mendiola: “Rastros y rostros de la biopolítica”

16 octubre ANTI-liburudenda. Bilbao. 20.30h.

Conferencia de Itziar Ziga: “La invasión de las perras zombies transfronterizas”

22 octubre HikAteneo. Bilbao. 19.00h.

Proyección de “XXY” de Lucia Puenzo

23 octubre. Cines Golem. Alhóndiga. Bilbao 20.00h.

Presentación de los proyectos realizados durante el taller-laboratorio de ciencia DIY “Bodies Unlimited!”

6 noviembre. Sala Rekalde. Bilbao. 18.00h.


My private biopolitics

10 -15 diciembre

La propuesta de la teórica, Ana Vujanović, y el coreógrafo, Saša Asentić se entiende como una investigación teórico-práctica, una herramienta metodológica que continúa en desarrollo y que pretende reunir a artistas, investigadores y críticos que estén interesados en reflexionar acerca de su contexto específico y la relación de este contexto con las expectativas generadas en los circuitos y en la historia general de la danza contemporánea. Aquellos que traten de desarrollar sus propias “biopolíticas privadas” y desde ahí puedan contar sus propias historias acerca de la propiedad simbólica de ciertos conceptos.


TALLER:

Methodological games por Ana Vujanović y Saša Asentić.

13-15 diciembre. CMD San Francisco Udaltegia. Bilbao. 16-20h. Matrícula: 30 euros. Créditos libre eleccin: 1


ACTIVIDADES:

Conferencia de Ana Vujanović: "El salto de tigre al pasado"

10 diciembre. Aulas de la Experiencia de Bizkaia. Bilbao.19.30h.

Performance "My private biopolitics" de Saša Asentić.

11 y 12 de diciembre. La Fundición. Bilbao. 20.00h.

Un proyecto de ARTEA. Investigación y creación escénica


Danza y teatro contemporáneo

22 noviembre – 1 diciembre

Distintas propuestas escénicas que que pondran al cuerpo humano en el centro del debate acompañadas de una amplia oferta de talleres que posibilitarán, a partes iguales, el concimiento técnico y la refexión sobre las respectivas propuestas.


TALLERES:

Taller de Ion Munduate

28-29 octubre. CMD San Francisco Udaltegia. Bilbao. 16-20h. Precio: 20 euros. Créditos libre elección: 1

"Antzerkia eta laberintoa" de Ander Lipus y Miren Gaztañaga.

22-23 noviembre. CMD San Francisco Udaltegia. Bilbao. 16-20h. Precio: 20 euros. Créditos de libre elección: 1
* Taller íntegramente en euskera.

"La intensidad de un cuerpo" de Jorge Jauregui

29-30 noviembre. CMD San Francisco Udaltegia. Bilbao. 16-20h. Precio: 20 euros. Créditos de libre elección: 1


TEATRO, DANZA, PERFORMANCE:

"Errautsak". Una obra de Dejabu, Le petit thèatre de pain & Artedrama.

24 noviembre Aula Magna del Campus de Leioa. Bilbao 12.00h.

"ASTRA TOUR" de Ion Munduate

27 octubre Aula Magna del Campus de Leioa. Bilbao. 12.00h.

"Double Track" de Ember y La Macana

1 diciembre Aula Magna del Campus de Leioa. Bilbao. 12.00h.


Más información:
Inscripciones del 1-8 de octubre.

LARRAKO-ETXEA Avda. Lehendakari Agirre Etorb., 81 (Sarriko) Bilbao
TF. 946017111

PROGRAMA COMPLETO
http://www.kultura-bizkaia.ehu.es/p236-home/es

BLOG
http://www.ehu.es/ehusfera/bilbak/

CICLO ARTE LATINOAMERICANO Universidad Europea de Madrid

Marchadelhambre_u.jpgArte y Activismo en Argentina. Mesa redonda en la Universidad Europea de Madrid (Campus de Villaviciosa de Odón, Edifico A, Salón de Grados).
Fecha: 25 de octubre de 2010. De 12,30 h. a 14,30 h.
Hasta completar aforo
uem.es

Participantes:

Dña. Carolina Golder, artista visual, miembro del Grupo de Arte Callejero (GAC) de Buenos Aires y profesora del Instituto Universitario Nacional de Arte de esta ciudad (IUNA).

Dña. Liliana di Negro, artista visual, miembro del colectivo Urbomaquia (artistas sin red) y profesora de la Universidad Nacional de Córdoba (UNC).

D. Leo Ramos, arquitecto y gestor cultural del Museo de Medios de Comunicación de Resistencia.

La situación del arte en Argentina es sustancialmente diferente a la que vivimos en España y allí las implicaciones de artistas y arquitectos con la defensa de los derechos humanos y con la sociedad civil tiene un grado de implicación muy superior al que estamos acostumbrados en Europa.

Los tres invitados, que expondrán sus planteamientos y mostrarán sus trabajos más emblemáticos, han colaborado en la fase latinoamericana del proyecto de investigación Interacciones (post) Electorales, impulsado por la Universidad Europea de Madrid y dirigido por el Dr. D. Joaquín Ivars, director del Área de Arte y Diseño de esta Universidad. Se encuentran en España para participar en la Jornadas Red Global, para la participación ciudadana, organizadas por la Sala Parpalló de la Diputación de Valencia, y en el proyecto Arte, cultura e impostura que Domingo Mestre, también profesor de la Universidad Europea de Madrid, presentará ese mismo día en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.


logouem_uu.jpgUniversidad Europea de Madrid
Campus de Villaviciosa de Odón
uem.es




Octubre 15, 2010

JORNADAS
RED GLOBAL
PARA LA PARTICIPACIÓN CIUDADANA

parpallo_U.jpg19 de octubre - 23 de octubre de 2010
SALA PARPALLó- NUEVOS MEDIOS
Dirección de las Jornadas: Domingo Metsre
Programación: Ángela Molina F

www.salaparpallo.es

La Universidad Libre de Construcción Colectiva (UNILCO-espacio nómada) es un proyecto basado en experiencias que incorporan las competencias artísticas al campo del trabajo social. UNILCO ha diseñado su propia metodología: el Ilusionismo social, una peculiar forma de hacer, derivada de la investigación/acción participativa, desde la que se defiende la necesidad de que la ciencia se comprometa con los movimientos sociales y con el resto de la gente en la construcción de formas y experiencias que dignifiquen la vida de las personas. Un admirable planteamiento que queremos hacer extensivo al campo del arte y de la tecnología.

En los encuentros organizados por la Sala Parpalló se reunirán algunos de sus miembros para poner en relación sus experiencias y presentar sus modelos a la ciudadanía y colectivos locales. Junto a los representantes de Unilco se ha invitado a participar a teóricos y artistas cuya actividad y trayectoria destacan por su compromiso social.

La necesidad de implicar al conjunto de los inpiduos en la construcción de lo social es uno de los pilares sobre los que descansa el ideal democrático de la participación ciudadana. En la actualidad, la popularización del acceso a las nuevas tecnologías permite nuevas formas de interacción y colaboración que dejan obsoletas todas las fronteras, también las que antaño separaban el arte de vanguardia y las culturas populares. Así, al igual que los grandes museos comparten protagonismo en Internet con anónimos archivos virtuales, existen también modestas iniciativas cotidianas, íntimamente adheridas a las peculiaridades del territorio y de sus gentes, que adquieren una significación estética equivalente a la de las grandes obras de arte; aunque no compartan, obviamente, su valor de mercado. Un reconocimiento sociocultural que obtienen, justamente, porque quienes alientan estas prácticas no aspiran, en la mayor parte de los casos, más que a arrancar sonrisas de autoestima entre quienes todavía ignoran el significado de esta palabra.

En el interior de este ámbito, una de las iniciativas más interesantes es la que va a protagonizar este encuentro: la Universidad Libre para la Construcción Colectiva (Unilco-Espacio nómada). Un proyecto nacido en Sevilla, a partir de exitosas experiencias de incorporación de las competencias artísticas al campo del trabajo social, que ha diseñado su propia metodología: el Ilusionismo social.

Se trata de una peculiar forma de hacer, derivada de la investigación/acción participativa (IAP), desde la que se defiende la necesidad de que la ciencia se comprometa con los movimientos sociales y con el resto de la gente en la construcción de formas y experiencias que dignifiquen la vida de las personas.

Un admirable planteamiento que, a través de estos encuentros, queremos hacer extensivo al campo del arte y de la tecnología.


PROGRAMA

Unilco-Espacio nómada está compuesto por una serie de colectivos diseminados por diferentes países de Europa y América. En el encuentro se reunirán algunos de sus miembros (Argentina, Francia, GB, México y España) para poner en relación sus experiencias y presentar sus modelos a la ciudadanía y colectivos locales. Junto a los representantes de Unilco se ha invitado a participar a teóricos y artistas cuya actividad y trayectoria destacan por su compromiso social. Las jornadas, organizadas por la Sala Parpalló, están estructuradas en persos formatos: mesas de trabajo (abiertas al ciudadano), conferencias y actividades lúdico/relacionales. La intención es ampliar las conexiones, tanto emocionales como intelectuales de estos colectivos, y debatir en torno a las necesidades, dificultades y posibilidades que surgen al poner en marcha proyectos específicos.


strong>Martes, 19 de octubre

Sala de Nuevos Medios
10:00 a 13:30 h. Mesas de trabajo. Puertas abiertas.
Arte y urbanismo desde el ilusionismo social: gestos, sentidos e imaginarios.

Salón de actos del Museo de Bellas Artes de Valencia.
17:30 h. Experiencias, conferencias.
Emmanuel Arredondo. Unilco-México/Cuernavaca. Cinema Ilusión: Animando la autogestión en la vida comunitaria de San Antón, Cuernavaca, México.

18:15 h. Experiencias, conferencias.
Javier Encina y Begoña Lourenço. Unilco-España/Andalucía. La herramienta técnica de las historias orales y su aplicación en Órgiva.

Salón de actos del Instituto Francés de Valencia.
20:00 h. Conferencia.
Catherine Charlot-Valdieu. Ecobarrios, manual de instrucciones.


Miércoles, 20 de octubre

Sala de Nuevos Medios. Sala Parpalló.
10:00 a 13:30 h. Mesas de trabajo. Puertas abiertas.
Culturas populares, espacios y tiempos cotidianos en su relación con las nuevas tecnologías.

Salón de actos del Museo de Bellas Artes de Valencia.
17:00 h. Experiencias, conferencias.
Leo Ramos, Unilco-Argentina/Resistencia. Bricolaje para activistas.

18:30 h. Experiencias, conferencias.
Xelo Bosch y Cyrille Larpenteur, Unilco-France/París. Bricolaje social, más allá de la ilusión del arte.

20:00 h. Experiencias, conferencias.
Daniel G. Andújar. Agujeros negros, cartografías de la información.


Jueves, 21 de octubre

Sala de Nuevos Medios. Sala Parpalló.
10:00 a 13:30 h.
Mesas de trabajo. Puertas abiertas.
Principios, técnicas y herramientas del ilusionismo social.

Salón de actos del Museo de Bellas Artes de Valencia.
17:00 h. Experiencias, conferencias.
Mª Ángeles Ávila Castro y Javier Encina, Unilco-España/Sevilla. Transferencias de las experiencias trabajadas en el siglo XXI.

18:30 h. Experiencias, conferencias.
José Antonio Castro Pérez, Unilco-España/Málaga. Flexibilización de estructuras desde las Administraciones Públicas. Experiencias desde Málaga.

20:00 h . Experiencias, conferencias.
Michel Maffesoli. La ilusión constructiva: hacia un mundo “imaginal”.


Viernes, 22 de octubre

Sala de Nuevos Medios. Sala Parpalló.
10:00 a 13:30 h.
Mesas de trabajo. Puertas abiertas.
Herramientas transversales (herramientatécnicas) y de organización y difusión del común cognitivo.

Salón de actos del Museo de Bellas Artes de Valencia.
17:00 h. Mesa redonda.
Participan: Iñaki Bárcena (Parte Hartuz, Euskadi), Begoña Lourenço (Granada), José Socas (Canarias) y José Zavala (Gran Bretaña). Modera: Almudena Rodríguez.
Experiencias desde las mediaciones comunitarias.

18:30 h. Mesa redonda.
Participan: Liliana di Negro (Urbomaquia, Córdoba, Argentina), Carolina Golder (GAC, Buenos Aires), y, desde Valencia, Almudena Caso (taller de fotografía en Nicaragua), Inmaculada López (proyecto Unilab) y Salomé Rodríguez (El Pou del Quint, Mislata).
Modera: Íker Fidalgo. Experiencias desde el arte público y el activismo.

20:00 h . Conferencia.
Pedro G. Romero. El canon desde abajo: Estampa popular, Gong, e-sevilla.


Sábado, 23 de octubre

Sala de Nuevos Medios. Sala Parpalló.
10:00 a 12:00 h. Conclusiones mesas trabajo. Puertas abiertas.
¿Cómo queremos seguir vinculados?, ¿qué herramientas tecnológicas y metodológicas nos harían falta para ello?, ¿cómo lo vamos a hacer?

12:00 a 14:00 h.
Desayuno con viandantes.Lindy hop y Acción de Participación Ciudadana.


Compartiendo los trapos sucios.

El grupo Desayuno con viandantes estará presente en la calle Alboraya (entre el Convento de la Trinidad y el parque situado en la calle Poeta Bodría), de manera que puedes coger tu taza, tu silla y tu desayuno y compartir con nosotros una mañana llena de sorpresas. Mientras desayunamos el grupo de lindy hop Spirit of Saint Louis actuará en las calles del barrio. Además con motivo del desayuno la Sala Parpalló convoca a todos los vecinos a colaborar en la acción artística/reivindicativa “Compartiendo los trapos sucios”.

Todos aquellos que deseen participar podrán traer alguna prenda que no utilicen y colgarla de unos tendederos que se encontrarán al servicio del público a lo largo de la calle Alboraya o bien podrán colgar un papel escrito con aquello que deseen manifestar sobre su barrio. Otra opción será que los vecinos cuelguen la ropa de sus propios balcones.

El barrio de Alboraya será el primer barrio de la ciudad que forme parte de una acción artística de esta índole que será documentada en vídeo y fotografía. Con ello, se pretende dar ejemplo de lo que supone la participación ciudadana activa de un barrio.

* La ropa expuesta será entregada a gente necesitada o a una organización benéfica.


Salón de actos del Museo de Bellas Artes de Valencia.
18:00 h. Conferencia.
Pantaleo Elicio
. El territorio participativo como espacio de experimentación: valorización de saberes, construcción de lo común y revitalización económica.

PONENTES

Catherine Charlot-Valdieu
Catherine Charlot-Valdieu, es economista y presidenta de la Red Europea para el Desarrollo Urbano Sostenible (SUDEN). Autora de dos libros fundamentales sobre los ecobarrios: Ecoquartiersmode d’emploi y L’urbanisme durable. Su trabajo se ocupa, principalmente, de la sostenibilidad en las ciudades y apuesta por la generación de ecobarrios que compensen los excesos constructivos generados en otros momentos históricos.

Daniel G. Andújar
Artista visual y consultor independiente sobre temas de software libre e Internet. La mayor parte de sus proyectos fomentan la participación crítica de la ciudadanía en temas políticos y culturales, poniendo en evidencia, a través de su propia marca de fábrica, Technologies to the People, las estructuras de poder ocultas tras las promesas de falsa libertad y democracia que acompañan la implantación masiva de las nuevas tecnologías.

Michel Maffesoli
Profesor de sociología en la Université Paris Descartes - La Sorbona. Cátedra de sociología Émile Durkheim en la Université de Paris V (1981). Director de publicaciones como Sociétés o Cahiers Européens de l’Imaginaire. Dirige el Centre d’Études sur l’Actuel et le Quotidien (CEAQ) de la Sorbona y el Centre de Recherches sur l’Imaginaire en la Maison des Sciences de l’Homme. Ha recibido premios como el Gran premio de las ciencias humanas de la Académie Française (1992) por el libro La Transfiguration du politique. Ha publicado numerosos libros que han sido traducidos a varios idiomas.

Pantaleo Elicio
Consultor independiente para pymes sobre temas de nuevas tecnologías y relaciones sociales o laborales y miembro del Collège International de Philosophie de París. También ha trabajado para el laboratorio Acma Robotique Renault y ha sido coordinador de las investigaciones universitarias de la región de París sobre la evolución del trabajo y la productividad cognitiva.

Pedro G. Romero
Artista visual; trabaja desde hace años en proyectos relacionados con el estudio de las interacciones entre el arte y las culturas populares. Entre ellos queremos destacar el Archivo F.X., con el que desde el 2000 aborda el tema de la iconoclastia, y La noche española. Flamenco, vanguardia y cultura popular. 1865-1936, cuyos resultados pudieron verse, en 2008, en el Museo Nacional Reina Sofía.


Participantes Red Unilco

Argentina
_ Leo Ramos. Resistencia.
Arquitecto y fundador del grupo Unilco-Argentina que trabaja desde el arte y la arquitectura participativa desarrollando “herramientas” para los movimientos sociales.

_ Liliana di Negro. Córdoba.
Artista y profesora de la UNC, miembro del colectivo Urbomaquia que trabaja en el campo del arte público y el activismo cultural.

_ Carolina Golder. Buenos Aires.
Artista y profesora de la UBA, miembro del Grupo de Arte Callejero (GAC) y de la Mesa de Escrache que trabaja con colectivos ciudadanos por la memoria y la justicia.

Francia
_ Xelo Bosch y Cyrille Larpenteur.
Artistas visuales que partiendo del arte público han derivado hacia proyectos de investigaciónacción participativa (IAP), focalizando la atención en la puesta en valor de los saberes populares.

Gran Bretaña
_ José Zavala.
Arquitecto, máster en vivienda y urbanismo (AA), candidato a doctor en la Architectural Association y director de la empresa Econovate Ltd., se ocupa de la resignificación del espacio público a través de esculturas y equipamiento público, construido con materiales reciclados, y mediante procesos de participación ciudadana.

México
_ Emmanuel Arredondo. Cuernavaca.
Arquitecto, trabaja en temas medioambientales desde las culturas populares con la gente de la comunidad.

España
_ Mª Ángeles Ávila Castro. Sevilla.
Trabajadora social; forma parte del núcleo original que diseñó el ilusionismo social, basado en la reivindicación de las artes y culturas populares como recurso metodológico en el campo de la intervención social y comunitaria.

_ Begoña Lourenço. Órgiva (Granada).
Dinamizadora social; está trabajando en la puesta en marcha del proyecto Municipio andaluz sostenible.

_ José Antonio Castro Pérez. Málaga.
Economista; está trabajando desde los presupuestos participativos locales.

_ Iñaki Bárcena. Euskadi.
Director del Departamento de Ciencias Políticas en la Universidad del País Vasco. Miembro del colectivo Parte Hartuz, grupo de investigación y formación que impulsa un máster en desarrollo comunitario y numerosas experiencias de democracia participativa.

_ José Socas. Canarias.
Técnico de participación del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife; se ocupa de generar y producir procesos de autogestión juvenil desde los contextos comunitarios.

_ Salomé Rodríguez. Valencia.
Artista visual, forma parte del colectivo ciudadano para la protección de la huerta como patrimonio cultural El Pou del Quint, creado a raíz de un taller que impartió en el Ayuntamiento de Mislata.

_ Almudena Caso. Valencia.
Gestora cultural; expondrá una experiencia en Nicaragua de talleres de fotografía diseñados para el desarrollo del pensamiento crítico basado en la pedagogía de Paulo Freire.

_ Inmaculada López. Valencia.
Artista visual, presentará el proyecto Unilab, constituido para la organización de estas jornadas, proponiéndose como unidad de gestión para la futura red y como laboratorio nómada de investigación-acción participativa.


Colaboraciones:
Desayuno con viandantes

Grupo formado por arquitectos y artistas de distintas nacionalidades que viven y trabajan en Valencia.

Desde el año 2009 este grupo organiza un sábado al mes un desayuno participativo en el espacio público; de esta manera recuperan la tradición de tomar las calles y convertirlas en puntos de encuentro para distintos colectivos y ciudadanos. Los desayunos son un acto festivo y lúdico que cogen forma dependiendo del lugar donde se ubican. Así las calles de Valencia se activan y los ciudadanos se hacen conscientes de a quién pertenece el espacio público.

www.desayunoconviandantes.com

Lindy hop: Spirit of Saint Louis
El lindy hop es un estilo de baile popularizado en Nueva York, en una sala llamada Savoy Ballroom, por bailarines afroamericanos.

El lindy hop, hoy es un baile que cuenta con miles de aficionados en todo el mundo, que participan en workshops internacionales, en los que bailan durante días al ritmo de swing. Barcelona es una de las principales ciudades de Europa en cuanto a difusión del lindy hop.

www.valencialindyhop.com


PLAYFUL & PLAYABLE: Plataforma de encuentro en torno al videojuego como proceso cultural.

logoOtonio_u.jpg21 oct.: “Como diseñar un videojuego” (Delirium Studios) + Ciclo Machinima I y II
11 nov.: Presentación Mondo Pixel vol. 3 + Ciclo Machinima III
16 dic.: “Experimentación con First Person Games” (D. Pinchbech) + Fiesta clausura

Proyecto Amarika
Comisariado: Lara Sánchez Coterón
Sala Amarica, Plaza Amarica, 4. Vitoria Gasteiz

www.amarika.org/play



Los encuentros de otoño PLAYFUL & PLAYABLE suceden a la muestra de videojuegos independientes que tuvo lugar del 24 junio al 15 septiembre de 2010 en la sala Amarica (Vitoria).

Estas jornadas, que se prolongaran durante los meses de octubre, noviembre y diciembre de 2010, pretenden crear una plataforma de encuentro e intercambio de conocimientos en torno al videojuego como proceso cultural y generar a nivel local una masa crítica en torno al medio.



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21 OCTUBRE 2010

19.00h Sala Amarica. Pz. Amarica, 4. Vitoria-Gasteiz
¿Cómo diseñar y desarrollar un videojuego interesante? Delirium Studios.
Presentación del premio al mejor videojuego vasco del festival hoPLAY y revisión de los juegos indie que juegan sus creadores.

20.00h Sala Amarika. Pz. Amarica, 4. Vitoria-Gasteiz
Cine de animación hecho con Videojuegos: Machinima. Ciclo de videoclips musicales y animaciones experimentales.



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11 NOVIEMBRE 2010

19.00h Sala Amarica. Pz. Amarica, 4. Vitoria-Gasteiz
Mondo Pixel vol.3 Presentación en primicia de la publicación especializada en videojuegos y firma de ejemplares a cargo de John Tones.

20.00h Sala Amarica. Pz. Amarica, 4. Vitoria-Gasteiz
Cine de animación hecho con Videojuegos: Machinima. Ciclo de comedia autorreferencial.



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16 DICIEMBRE 2010

19.00h Sala Archivo del Territorio Histórico De Álava. Avda. Miguel de Unamuno, 1. Vitoria-Gasteiz
Experimentación y juegos First Person (Shooter). Dan Pinchbech del estudio independiente The chinese room presenta sus modificaciones de shooters comerciales.

20.00h Sala Amarica. Pz. Amarica, 4. Vitoria-Gasteiz
PLAYFUL & PLAYABLE: GAME OVER/TRY AGAIN
Concierto 8 bits electropical a cargo de MENEO y FIESTA de clausura.



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Información detallada sobre cada uno de los eventos en www.amarika.org/play


PROYECTO AMARIKA es un colectivo de artistas, creadores y personas relacionadas social y/o laboralmente con el arte y la cultura, abierto y plural en el que tienen cabida los agentes locales vinculados a las prácticas culturales contemporáneas. Es un proyecto independiente que pretende desarrollar e incentivar la creación artística dentro de la comunidad local buscando la dignificación de su medio profesional.

LARA SÁNCHEZ COTERÓN desarrolla su actividad investigadora en el ámbito de convergencia de las Prácticas Artísticas y Culturales Contemporáneas con los Videojuegos. Es miembro fundacional del grupo de Game Studies ARSGAMES y complementa su actividad docente en diferentes Universidades (Universidad Castilla la Mancha y UCJC), con la gestión cultural en colaboración con distintas instituciones y colectivos (Proyecto Amarika, Intermediae Matadero Madrid, La Casa Encendida, Instituto Cervantes, Fundación Telefónica, Medialab-Prado Madrid, etc.).

Guy Bourdin. A Message for You

CalendarioPentax_u.jpg14 de octubre de 2010 - 9 de enero de 2011
Sala Canal de Isabel II, Santa Engracia 125
Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid
Entrada gratuita
www.madrid.org

Crédito: Calendario Pentax, 1980. The Estate of Guy Bourdin

La Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía de Gobierno de la Comunidad de Madrid presenta la exposición Guy Bourdin. A Message for You en la Sala Canal de Isabel II. Esta muestra, que estará en la capital del 14 de octubre de 2010 al 9 de enero de 2011, y que ya ha podido verse en ciudades como Nueva York, Venecia, París, Hong Kong o Pekín, entre otras, expone la obra del fotógrafo Guy Bourdin que surge de la colaboración con la modelo Nicolle Meyer a finales de los años 70.

Esta muestra de Guy Bourdin (París, 1928-1991) se compone de 75 fotografías en color y una proyección de vídeo, donde podemos ver una extensa selección de imágenes de Bourdin. Los años finales de la década de los 70 son los mejores años de su carrera, y constituyen el punto central de esta exposición basada en la colaboración entre Guy Bourdin y su modelo Nicolle Meyer. Recién cumplidos los 17 años, la modelo conoció a Bourdin y su trabajo con el fotógrafo se ha convertido en el cuerpo central de sus imágenes. Es en los proyectos que realizó con esta modelo donde mejor se subraya el aspecto más vanguardista de sus fotografías y su sólida influencia en algunos de los artistas contemporáneos más rompedores. Esta serie de intensas imágenes, por otra parte, constituyen un punto de inflexión en la historia de la fotografía de moda.

En el montaje expositivo podemos disfrutar tanto de las fotografías, como de un espacio en la tercera planta donde el visitante podrá consultar información relativa a esta exposición. Además se proyectarán diferentes imágenes en las capillas de la planta baja.


Catálogo: Con motivo de esta muestra se ha co-editado un catálogo con TF Editores que es una versión reducida del catálogo publicado por la editorial Steidlangin, en el año 2006.
Comisario: Shelly Verthime
Organiza: Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno, de la Comunidad de Madrid.

Horario:
De martes a sábado: De 11:00 h a 14:00 h y de 17:00 h a 20:30 h
Domingos, festivos, 24 y 31 de diciembre: De 11:00 h a 14:00 h.
Cerrado: Todos los lunes; 25 de diciembre y 1 y 6 de enero de 2011.

Visitas guiadas:
Sábados: 12:00 h, 13:00 h, 18:00 h y 19:00 h.
Domingos: 12:00 h y 13:00 h.

Dirección:
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II
Santa Engracia, 125
28003 Madrid
Teléfono: 91 545 10 00 - Ext.2505

Entrada gratuita


SUMATORIOGENERAL-1_u.jpg

Octubre 14, 2010

FUNDACIÓ ANTONI TÀPIES: ANNA MARIA MAIOLINO
(15.10.2010 – 16.01.2011)

06entrevidas_u.jpgFundació Antoni Tàpies, Barcelona
Aragó, 255 - 08007 Barcelona
Tel.: +34 934 870 315 / Fax: +34 934 870 009
museu@ftapies.com / www.fundaciotapies.org

Abierto de martes a domingo, de 10 a 19 h.
Lunes cerrado.
25 y 26 de diciembre, 1 y 6 de enero cerrado.

La Fundació Antoni Tàpies presenta la primera exposición retrospectiva en el ámbito europeo de la artista brasileña de origen italiano Anna Maria Maiolino. La muestra, comisariada por Helena Tatay, hace un recorrido por los 50 años de trayectoria profesional de esta artista, tomando como eje de articulación sus dibujos, pero incluyendo también algunas de sus fotografías, películas, esculturas e instalaciones, así como una serie de creaciones efímeras en barro que la artista ha concebido con motivo de esta exposición, y que ha estado llevando a cabo en las salas del museo durante los días previos a la inauguración.

Anna Maria Maiolino nació en Scalea, Calabria, el año 1942, y poco después emigró con su familia a Venezuela. A los dieciocho años se trasladó a Brasil, donde ha vivido hasta ahora, aunque durante la década de 1970 y 1980 vivió algún tiempo en Nueva York y en Buenos Aires.

Maiolino es una artista multidisciplinar, el trabajo de la cual abarca diferentes técnicas y disciplinas artísticas, y una gran diversidad de intereses y temas. Aunque no formó parte de éste, Maiolino participó en la década de 1960, junto con Hélio Oiticica y Lygia Clark, en algunas exposiciones y actividades del movimiento neoconcreto, que defendía la recuperación del cuerpo y la subjetividad en el arte, alejándose de la abstracción geométrica dominante en el contexto artístico brasileño.

La obra de Maiolino pone de manifiesto una preocupación por el cuerpo y el lenguaje, entendidos como elementos moduladores de la subjetividad y de la dimensión social del individuo, y se articula a menudo a partir de dicotomías (dentro-fuera, positivo-negativo, absencia-presencia). En algunos de sus trabajos encontramos también alusiones a la situación política brasileña durante la dictadura militar (1964-1985). Es también relevante su interés por los materiales, y la utilización de procedimientos no convencionales en la elaboración de sus obras, en especial de los dibujos y las esculturas. Maiolino se interesa también por el proceso de creación, por la condición misma del trabajo artístico, que a menudo pone de manifiesto en la obra resultante. Su trabajo es un referente para artistas de distintas generaciones, tanto en Brasil como a nivel internacional.


PROGRAMA DE ACTIVIDADES


VISITA COMENTADA – Aproximaciones
23 de octubre, 7 de noviembre y 11 de diciembre de 2010, a las 18.00 h

Visita comentada a la Col·lección de obras de Antoni Tàpies y a la exposición temporal Anna Maria Maiolino.


DANZA - Movimiento en Entrevidas
23 de octubre, 20 de noviembre y 18 de diciembre de 2010, y 15 de enero de 2011, a las 18.00 h

Un sábado de cada mes, desde octubre de 2010 hasta enero de 2011, bailarines de IT Dansa Jove Companyia del Institut del Teatre de Barcelona y del Conservatori Superior de Dansa del Institut del Teatre de Barcelona llevarán a cabo una serie de intervenciones en la instalación Entrevidas de Anna Maria Maiolino. Estas intervenciones, de aproximadamente 5 minutos de duración cada una, se sucederán a lo largo de una hora en el Nivel–2 del museo durante el horario habitual de apertura al público.


ACTIVIDAD PARA FAMILIAS – La otra cara del papel
Sábado 6 de noviembre de 2010, a las 18.00 h

Visita a la exposición Anna Maria Maiolino seguida de un taller plástico en en el cual se experimentará con las posibilidades creativas del papel, uno de los materiales predilectos de esta artista.


SEMINARIO – Ser, hacer, pensar: encuentros en el arte como vida
10 y 11 de noviembre de 2010

En el marco de la exposición se llevará a cabo un seminario impartido por Griselda Pollock, profesora de crítica de arte e historia social, en el que a partir de un análisis de la obra de Anna Maria Maiolino se plantearán reflexiones más generales sobre la práctica artística y sobre la influencia del feminismo en la revisión del canon utilizado en la historia del arte.

Miércoles 10 de noviembre

De 10.00 a 12.30 h
Facultat de Lletres de la Universitat de Girona
“Being, Thinking, Making: Why, Where, When and How Art meets Feminist Thought and Practice” (Ser, pensar, hacer: porqué, dónde, cuándo y cómo el arte coincide con el pensamiento y la práctica feministas).

Jueves 11 de noviembre

De 17.00 a 19.00 h
Facultat de Lletres de la Universitat de Girona
“Vision and Difference. Differencing the Canon. Encounters in the Virtual Feminist Museum” (Punto de vista y diferencia. Diferenciando el canon. Encuentros en el museo feminista virtual). Griselda Pollock en conversación con los asistentes, a partir de sus escritos.

De 19.30 a 20.30 h
Fundació Antoni Tàpies
“Gesture, Repetition, Memory” (Gesto, repetición, memoria). Sobre la obra de Anna Maria Maiolino.


TALLER - La otra cara del papel
12 de noviembre de 2010, a las 17.00 h

Taller plástico dirigido a adultos en el cual se experimentará con algunos de los materiales que la artista Anna Maria Maiolino utiliza en sus obras. No es necesario tener una formación artística previa para participar en la actividad.


Información sobre las condiciones de inscripción a las actividades:
Tel.: +34 934 870 315 / museu@ftapies.com

Departamento de prensa: Alexandra Laudo
Tel.: +34 934 870 315 / Fax: +34 934 870 009
press@ftapies.com / www.fundaciotapies.org


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[Anna Maria Maiolino, Entrevidas (Entre vidas), performance, 2005]

CENTRE D’ART LA PANERA. VI CURSO DE IMÁGENES CONTEMPORÁNEAS

IC-cast-U.jpgVI CURSO DE IMÁGENES CONTEMPORÁNEAS
19, 20, 21, 26, 27 y 28 de octubre
De 19 a 21 h
Inscripción y matrícula: Centre d’Art la Panera
Precio: 30 €
Todas las sesiones tendrán lugar en el Centre d’Art la Panera, excepto la sesión a cargo de Pedro Vicente Mullor que tendrá lugar en la LLOTJA (Av. Tortosa, 4, 25005 Lleida)
www.lapanera.cat



Imágenes contemporáneas es un curso anual, de carácter divulgativo, que pretende facilitar una serie de pautas de lectura para acercar las prácticas artísticas contemporáneas. Las sesiones del curso las impartirán seis especialistas de diferentes ámbitos del arte contemporáneo, como la arquitectura, la fotografía, la cultura digital y proyectos de comisariado.


PROGRAMA

Martes 19 de octubre
Izazkun Chinchilla, “Repercusión social y estética de la crisis medioambiental en la arquitectura”

La crisis económica y la concienciación medioambiental pueden dar lugar a un cambio de paradigma arquitectónico. En los últimos cincuenta años, y sobre todo en zonas turísticas, se ha dado una fuerte agresión al territorio, propiciada por la burbuja inmobiliaria, que, en muchas ocasiones, ha causado unos daños irreversibles en el territorio. Esta situación ha provocado la aparición de nuevos proyectos arquitectónicos que se alejan de estas prácticas y que se ajustan al contexto paisajístico y social, con un claro compromiso medioambiental. Proyectos que van más allá de premisas consideradas en la arquitectura como el espacio o la forma, y que permiten una nueva forma de ejercer la arquitectura, en que las palabras clave son sostenibilidad, ecología y participación social.

Izaskun Chinchilla realizó estudios de arquitectura en la Escuela Técnica de Arquitectura de Madrid y desde el año 2007 trabaja como profesora asociada de proyectos en ETSAM. Paralelamente imparte clases en un máster del Institut d’Arquitectura Avançada de Catalunya (Barcelona). Su obra ha sido expuesta en varios colegios oficiales de arquitectura y universidades españolas. Ha participado en la V Bienal de Arte Contemporáneo de Berlín y en la V Bienal de Arquitectura y Diseño de Sao Paulo (2003).


Miércoles 20 de octubre
Pedro Vicente Mullor, “Haz algo más que fotos. Crea historias”

Durante muchas décadas la fotografía ha sido estudiada de una forma estanca, impermeable a influencias por parte de otras disciplinas, fueran estas artísticas o no. El estudio de la fotografía sólo tiene sentido desde fuera de la propia fotografía, desde una aproximación en constante desequilibrio disciplinar y bajo la insistente influencia de otras áreas de conocimiento. Así, en contraposición al tradicional acercamiento teórico único y singular que entiende la fotografía como algo que ‘ha sido’, existe la necesidad de adoptar posturas múltiples y abiertas que piensen la fotografía como algo que ‘es’, ‘podría ser’ o incluso ‘aún no es’."

Pedro Vicente es codirector del postgrado de Fotografía en la Escola Superior de Disseny ELISAVA-UPF; profesor visitante de Historia y Teoría de la fotografía en la University for the Creative Arts, Farnham, Reino Unido, y profesor en el máster de Fotografía de la UPV. En 2009 fue director del simposio teórico del festival de fotografía SCAN 09 en Tarragona; en 2008 codirigió las jornadas de fotografía Pasar Página, celebradas en el MuVIM, Valencia. Es editor del periódico académico internacional de teoría de fotografía Philosophy of Photography publicado por Intellect Books en Londres, y recientemente ha editado el libro Instantáneas de la teoría de la fotografía (Arola, 2009).

Esta conferencia forma parte de la programación EMERGENT-LLEIDA Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales


Jueves 21 de octubre
Sergio Rubira, “RMS La Asociación: Breve historia de cuatro comisarios”

Tras una breve introducción sobre la historia de las exposiciones y a partir de la experiencia comisarial de RMS La Asociación y del comentario de algunos de los proyectos que han realizado, se analizará uno de los muchos modos posibles de enfrentarse a la profesión de comisario de arte contemporáneo. Se insistirá en el concepto de trabajo en colectivo, en el proceso que lleva del proyecto inicial a su realización final, en alternativas al dispositivo de exposición tradicional y en la forma que puede establecerse un relato a través del montaje expositivo. Se presentará también el proyecto más reciente de RMS La Asociación, «RMS El Espacio», que, desde la independencia, pretende convertirse en un lugar para el debate sobre la práctica artística actual, en un laboratorio de proyectos y en un punto de encuentro en Madrid.


RMS La Asociación es una agencia de producción cultural creada en Madrid en 1999 por Rocío Gracia, Marta Rincón, Sergio Rubira y Marta de la Torriente. Sus actividades comprenden el comisariado, la coordinación y producción de proyectos expositivos y editoriales, la elaboración y gestión de proyectos educativos, la comunicación a prensa especializada y la consultoría. Como comisarios, sus intereses se han centrado en proyectos vinculados al contexto en el que se desarrollan («MADRID_PROCESOS_REDES», El Águila, Madrid, 2006; «Entresijos y Gallinejas», CASM, Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona, 2007; «Entornos Próximos», Artium, Vitoria-Gasteiz, 2008), la investigación de otras narrativas posibles del arte contemporáneo («Sur le Dandysme Aujourd’Hui», CGAC, Santiago de Compostela, 2010) y la reflexión sobre el propio medio expositivo («Zapping: una Exposición Portátil», ARCO, 2002, MUCA Roma, México D.F., 2003; «Arruinados», «OffLimits», Madrid, 2002; «Archivo VEO», www.rms.com.es/VEO, 2009, en preparación).


Martes 26 de octubre
Pau Alsina, “Arte y medios digitales: pasado, presente y tendencias de futuro”

En la presente charla vamos a mostrar, por un lado, los antepasados históricos de las nuevas prácticas artísticas vinculadas a las tecnociencias actuales; por el otro, elaboraremos un mapa de las diferentes tipologías actuales, y también nos atreveremos a dibujar las tendencias actuales que preconizan un futuro todavía por llegar. Todo ello lo haremos desde una visión histórica contrastada, basándonos en las prácticas artísticas, así como en las ciencias y tecnologías implicadas, desgranando las ideas y los conceptos clave que nos permitan orientarnos en su gran diversidad y complejidad.
Pau Alsina es doctor en Estética y Filosofía de la Cultura por la UB. Actualmente es profesor de los estudios de Artes y Humanidades de la UOC y director del postgrado de Innovación cultural: artes, medios digitales y cultura popular, impulsado por la UOC y LABoral de Gijón. Es director de Artnodes, espacio de arte, ciencia y tecnología de la UOC (www.artnodes.org); investigador del grupo de investigación GRECS, sobre cultura, tecnología y sociedad, y cofundador de YASMIN, red de arte, ciencia y tecnología (ACT) de los países mediterráneos, impulsada por UNESCO Digiarts, Leonardo/ISAST, Olats, Artnodes/UOC y Universidad de Atenas. Es miembro del Consejo Editorial del proyecto LABS de Leonardo / International Society for the Arts, Sciences and Technology, y director de la versión en español.
Ha asesorado, en temas de arte, cultura y tecnologías digitales, la FECYT, el Institut de Cultura de l’Ajuntament de Barcelona, la EADC de la Generalitat de Catalunya, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Junta de Andalucía o el Ajuntament de Sabadell, entre otros. Recientemente ha cocomisariado con Josep Perelló la exposición «Cultures de Canvi; Àtoms Socials i Vides Electròniques», para Arts Santa Mònica.


Miércoles 27 de octubre
José Miguel Cortés, “La noche: última frontera de la ciudad”

La noche en la ciudad es un escenario rico y polivalente, un espacio público difícil de calificar o encorsetar en el que todo parece tener un carácter más frágil y efímero, lo cual le dota de un aura especialmente sugerente. Hablaremos de encontrar, de adivinar, de qué modo la noche —como un espacio/tiempo determinado y diferenciado de los demás— es generadora de un nuevo imaginario urbano con sus códigos, sus experiencias y sus fronteras más o menos específicas. En otras palabras, se trata de averiguar de qué modo la noche modifica la percepción y las experiencias de la ciudad, redibuja su geografía y reconstruye sus diferentes metáforas, entiendo la noche como un conjunto de horas en el que se amplía la imaginación y nos sentimos más receptivos a percepciones y sensaciones que (desde la oscuridad reinante y lejos del fragor del día) no podemos captar tan sólo con la visión. El paisaje nocturno de las ciudades no es un mero lapsus para preparar o esperar el nuevo día que se avecina, al contrario, durante la noche se practican nuevas capacidades, se crean diferentes situaciones y se ponen en marcha diversos itinerarios que durante el día ni se conocen ni se contemplan.

José Miguel G. Cortés (Valencia, 1955) es doctor en Filosofía y profesor de Teoría del Arte en la Facultad de Bellas Artes de Valencia. Ha sido director del Espai d´Art Contemporani de Castelló (EACC) desde 1998 hasta 2003. Ha escrito diversos libros, como La ciudad cautiva. Control y vigilancia en el espacio urbano (2010), Espacios diferenciales. Experiencias urbanas entre el arte y la arquitectura (2008), Gilbert & George. Escenarios urbanos (2007), Políticas del espacio. Arquitectura, género y control social (2006), Hombres de mármol. Códigos de representación y estrategias de poder de la masculinidad (2004), Orden y caos. Una historia cultural sobre lo monstruoso en el Arte (1997, finalista Premio Anagrama de Ensayo), El rostro velado. Travestismo e identidad en el arte (1997) o El cuerpo mutilado o la angustia de muerte en el arte (1996).

Ha comisariado exposiciones temáticas, entre ellas «Malas Calles», «Cartografías Disidentes», «En Cualquier Lugar. En Ningún Lugar», «Micropolíticas. Arte y Cotidianidad 2001-1968», «Contra la Arquitectura: la Necesidad de (re)Construir la Ciudad», «Lugares de la Memoria», «Ciudades Invisibles», «Héroes Caídos: Masculinidad y Representación». También ha comisariado exposiciones individuales de artistas como Jeff Wall, Pepe Espaliú, Gilbert & George o Christian Boltanski, entre otros.


Jueves 28 de octubre
Manel Berenguer, “Arte sonoro. Entre el objeto y el paisaje”

Una de las cuestiones más profundas que el arte sonoro plantea es la de la caracterización formal de los sonidos con independencia de sus funciones semánticas, a veces adquiridas por convención, a veces, por la relación directa entre los sonidos y las causas mecánicas que son su origen. Esta vía de exploración lleva directamente a la idea de objeto sonoro, tal como la describió Pierre Schaeffer al darse cuenta de que las fuentes sonoras pierden importancia relativa con la aparición de los altavoces y otras herramientas de reproducción automática de sonidos. De hecho, desaparecen y, con ellas, los antiguos significados de los sonidos, que, con esta introducción tecnológica, se convierten en objetos de un espacio mental en el que cualquier operación lógica entre ellos puede ser aceptada siempre que el planteamiento artístico consiga integrar-la en el contexto de un objeto sonoro especialmente complejo: el paisaje sonoro.

José Manuel Berenguer es director de la Orquestra del Caos, con sede en el CCCB; director del Festival Música13, organizado por Nau Coclea, Camallera. Es consultor de sonido en sistemas multimedia en el GMMD-UOC y profesor de Sonido digital en ESDI-Universitat Ramon Llull. También colabora con otras universidades e instituciones de investigación artística, como MECAD, IUA-Universitat Pompeu Fabra, UPC, UAB y Elisava. Artista intermedia, fundador de Côclea con Clara Garí y también de la Orquestra del Caos, colaborador del Institut International de Musique Electroacoustique de Bourges (Francia), fue el diseñador y primer responsable del Laboratorio de Sonido y Música del CIEJ de la Fundació Caixa de Pensions y profesor de Música electroacústica en el Conservatorio de Bourges. Actualmente es presidente de Honor de la International Conference of Electroacoustic Music del CIM/UNESCO, miembro de la Académie Internationale de Musique Electroacoustique/Bourges y de la Academia del Consejo Nacional de la Música del CIM/UNESCO. Su obra musical ha sido editada en Música Secreta, Hyades Arts, Chrysopée Electronique, Côclea.

Octubre 13, 2010

Posgrado de Innovación cultural: artes, medios digitales y cultura popular UOC-LABoral

UOC-laboral_W3art.jpgFormación de posgrado 2010-2011
Programas de Cultura Digital
Másters, posgrados y especializaciones, cursados on-line
Instituto Internacional de Posgrado - UOC
Últimos días de matrícula. Inicio de curso: 20 de octubre

www.uoc.edu/masters

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial y la Universitat Oberta de Catalunya son conscientes de la necesidad de comprender, adaptarse e intervenir en los cambios y transformaciones de la cultura contemporánea. Es por ello que impulsan conjuntamente este programa, con el objetivo de ofrecer las herramientas para comprender e intervenir en la cultura actual desde una perspectiva interdisciplinar, y en conexión con los grandes debates a escala internacional en los ámbitos de las artes, las humanidades, la comunicación y las ciencias sociales.

El posgrado en Innovación cultural: artes, medios digitales y cultura popular consta de 30 créditos ECTS. Ofrece las bases para comprender y analizar los cambios y transformaciones en la relación entre cultura y sociedad y aporta conocimientos clave sobre las nuevas producciones artísticas y culturales contemporáneas transformadas por las tecnologías de la información y comunicación, el dinamismo de las industrias culturales y los procesos de globalización.

La complejidad y la gran velocidad de los cambios en la cultura actual obliga a realizar una aproximación que sea capaz de aunar las perspectivas académica y profesional en las instituciones, industrias y sistemas culturales. En el contexto de los cambios y las transformaciones de la cultura en la Sociedad del Conocimiento es fundamental generar herramientas de análisis adecuadas para investigar, desarrollar e innovar en el ámbito social y cultural.

Este posgrado ofrece una formación que integra diferentes perspectivas de análisis para comprender e innovar en la relación de la cultura con la sociedad, la tecnología, la economía, los medios de comunicación y las artes. Para ello contaremos tanto con los estudios de caso más relevantes como con la colaboración de destacados especialistas del mundo de las artes y la cultura, la investigación, los medios o la industria, analizando en tiempo real aspectos que trabajaremos a nivel teórico, metodológico o práctico.

El programa se enmarca en el ámbito profesional de las artes y las humanidades, así como la comunicación avanzada, pero a la vez entra en clara conexión con el contexto de las industrias creativas y la gestión cultural. El curso se dirige, pues, tanto a los investigadores interesados en el estudio de las artes y la cultura en el mundo actual como a los profesionales y los creadores que trabajan en torno a las artes, la cultura, los medios de comunicación y las industrias creativas.

Pau Alsina.
Director del Posgrado de Innovación Cultural UOC-LABoral.

Rosina Gómez-Baeza.
Directora de LABoral, Centro de Arte y Creación Industrial.

Octubre 07, 2010

La Fundación Carlos de Amberes presenta
JAMES ENSOR
La belleza de lo grotesco

EntradadeCristoenBruselas_u.jpg
1 de octubre a 8 de diciembre 2010
C. Claudio Coello, 99. 28006 Madrid
Lunes cerrado. De martes a viernes de 10,00 a 20,30 h.
Sábados de 11,00 h. a 14,00 h. y de 17,30 h. a 20.30 h.
Domingos y festivos de 11,00 h. a 14,30 h.
Martes: Entrada general gratuita.
De miércoles a domingo: 3 €
Visitas guiadas jueves y viernes: 5 €
Más información en www.fcamberes.org

La Fundación Carlos de Amberes ofrece un recorrido por la obra de una figura mayor de la vanguardia belga y precursor del dadaísmo, el expresionismo y el surrealismo: James Ensor. 140 obras entre las cuales se encuentra la colección completa de sus grabados, algunos en blanco y negro y otros en color (colección Frank Deceunick), así como seis óleos, que incluyen los tres que se conservan en España (Colección Thyssen-Bornemisza y Museo de Bellas Artes de Bilbao). El genio transgresor del artista se puede ver también en varias piezas con formatos menos convencionales: un cartón (2,57 x 4,25 m) de su obra más emblemática, La entrada de Cristo en Bruselas, realizado por Ensor y el artista y crítico Paul Haesaerts en 1930, que se presenta por primera vez junto al tapiz encargado en 2008 por un coleccionista particular; y como guiño a uno de sus temas preferidos, varias máscaras procedentes del Museo internacional del carnaval y la máscara de Binche (Bélgica).

El recorrido de la exposición se divide en cuatro secciones centradas en los temas que marcaron la vida de James Ensor: Yo y los otros (retratos y autorretratos), Naturaleza belga (paisajes y marinas), Cristo revisitado (religión), y La gran farsa (máscaras, esqueletos, ironías)

James Ensor (1860 -1949) nació y vivió en Ostende. No dejó su ciudad, que representó una y otra vez, excepto entre 1877 y 1880, para estudiar en la Academia Real de Bellas Artes de Bruselas, institución que abandonó por “aburrimiento”. En 1883 fundó con Fernand Khnopff, entre otros artistas, el círculo de vanguardia Les XX, y a partir de 1886 se volvió cada vez más simbólico, incluyendo en sus obras la presencia recurrente de la figura de Cristo, con el que se identificó en varios de sus autorretratos. En su obra destacan ciertos elementos característicos: máscaras, de carnaval o japonesas y chinas, esqueletos, así como el tema de la condición humana que fue, en su momento, fundamental para otro gran artista en el que Ensor se inspiró: Francisco de Goya. Esa obsesión se traduce en la omnipresencia de la muerte, la hipocresía y por supuesto, lo grotesco.

El recorrido de la exposición se divide en cuatro secciones centradas en los temas que marcaron la vida de James Ensor: Yo y los otros (retratos y autorretratos), Naturaleza belga (paisajes y marinas), Cristo revisitado (religión), y La gran farsa (máscaras, esqueletos, ironías).

Con motivo de la exposición se ha publicado el catálogo razonado en español de toda la producción como grabador de James Ensor, elaborado por el comisario Xavier Tricot.

La exposición se realiza gracias al patrocinio del Ministerio Federal de Asuntos exteriores de Bélgica, la Embajada de Bélgica y la Lotería Nacional belga, con motivo de la Presidencia belga de la Unión Europea.


(Ilustración: Detalle de la La entrada de Cristo en Bruselas el Martes de Carnaval de 1889, 1898. Aguafuerte en negro [3/3] coloreado a mano con acuarela. © Sabam)

SIMPOSIO DE ARTE CONTEMPORÁNEO “LAS POSIBILIDADES DE LA EXPOSICIÓN”

IMAGENSIMPOSIO_U.jpgOrganizado por Neus Miró
Participantes: Peio Aguirre, Paul O’Neill, Guillaume Désanges, Anselm Franke, Melik Ohanian y Martí Anson.

Fecha: 23 de octubre
Horario: mañana de 10:00 a 14:00 h / tarde de 16:30 a 19:00 h
EACC - Espai d´art contemporani de Castelló.
www.eacc.es

El Centro Pompidou de París y la Kunsthalle de Berna co-produjeron y acogieron sucesivamente una exposición titulada Vides (Vacíos), 2009. La exposición se planteó como una retrospectiva de muestras donde la ausencia de objetos artísticos y por tanto, la exhibición del vacío, era el tema central. El proyecto se articuló como una sucesión de salas vacías que recreaban los diferentes ejercicios de esta práctica expositiva radical iniciando el recorrido con la propuesta de Yves Klein (1958). Una retrospectiva dedicada a revisar este tipo de muestras, de naturaleza claramente dadaísta por su nihilismo implícito, es un claro ejercicio de interpelación a las prácticas expositivas: ¿Cuáles son los límites de una exposición? ¿Qué puede llegar a incluir? ¿Qué discursos se desprenden o integran estas prácticas?

Bajo el título Las posibilidades de la exposición, este simposio pretende explorar la capacidad de crecimiento y transformación que el formato expositivo está experimentando desde las posiciones que sostienen críticos, comisarios y artistas. Entendiendo la exposición como un medio en perpetua evolución, este simposio quiere ser una ocasión para el debate y la reflexión en torno a los nuevos formatos expositivos, a menudo revisiones de modelos pasados, obsoletos u olvidados, donde la práctica expositiva se extiende más allá de sus habituales límites teóricos, físicos y temporales.

El simposio está dividido en tres bloques temáticos. La actividad de inicia a las 10 de la mañana con la bienvenida y presentación a cargo de Lorenza Barboni y Neus Miró. A las 10:30 h Peio Aguirre, crítico de arte y comisario independiente y Paul O'Neill, comisario, artista y escritor participarán en el bloque temático titulado "La exposición como ámbito final de investigación". A las 12:30 h se abordará el tema "La revisión de la exposición desde la institución" a cargo de Guillaume Désanges, comisario independiente y crítico de arte y Anselm Franke, comisario y crítico de arte. Por último, a las 16:30 h, los artistas Melik Ohanian y Martí Anson participarán en el segmento "La exposición como medio de experimentación".


El precio del simposio es de 20 euros y la formalización de la inscripción puede realizarse en el EACC a través del teléfono 964 72 35 40 o del mail actividades@eacc.es


Octubre 06, 2010

Programación OFF LIMITS octubre 2010

imagenofflimits_u0.jpg

Hola, estás haciendo una peli! – octubre

Do it yourself II – 09 y 10 de octubre

IN-SONORA – del 15 al 27 de octubre

La imagen en llamas – 23 de octubre


www.offlimits.es



HOLA, ESTÁS HACIENDO UNA PELI!
Durante el mes de octubre

Hola, estás haciendo una peli! es una experiencia de creación audiovisual colectiva dirigida a sectores de población inmigrante del barrio de Lavapiés.

1/ TALLER DE GUIÓN COLECTIVO. Del 29 de septiembre al 10 de octubre
Diez participantes, convocados a través de diferentes asociaciones del vecindario elaborarán en los talleres una narración colectiva en base a sus experiencias, su situación social, las causas que les llevaron a inmigrar y los detalles de su vida en la comunidad. Los interesados en participar pueden escribir a holaestashaciendounapeli@gmail.com

2/ RODAJE Del 11 al 24 de octubre.
Una vez el editor desglosa el guión en planos, todos los vecinos del barrio están invitados a participar del rodaje de la película. Cada participante filmará un plano de la película sin conocer el resto del guión. Ese plano es el fragmento de una historia que se ha construido colectivamente en los talleres de guión. Por sí sólo no tiene sentido narrativo, pero unido al resto formará un relato con principio y fin. Más de 100 planos se distribuirán entre los vecinos de Lavapiés que quieran participar y también a través de la web: http://holaestashaciendo1peli.org/

Los formatos de grabación son totalmente libres. No importa el formato sino el contenido. La multitud de formatos enriquecerá la plástica del film colectivo. Los interesados pueden escribir a holaestashaciendounapeli@gmail.com

Durante los diez días de rodaje, se creará un centro de producción en Off Limits, donde los interesados podrán recibir asistencia y resolver sus dudas.

3/ MONTAJE
Una vez rodados, el editor monta los planos sin cortes y la película está lista para ser proyectada. El resultado es un film con argumento y trama pero con la particularidad de que no hay racord. Escenario y vestuario cambian continuamente. Los actores también. El protagonista en cada plano es un actor distinto, que incluso habla idiomas diferentes. El elemento que te permite entender la historia es la palabra.

4/ PROYECCIÓN DE LA PELÍCULA. Fecha a definir
La película colectiva se estrenará en una proyección pública en la Plaza de Lavapiés.
Ninguno de los participantes verá el resultado final antes del estreno. Los creadores de la historias (guionistas) verán sus historias a través de los planos rodados por sus vecinos del barrio, mientras que los colaboradores que han grabado algún plano ven como su aportación toma sentido dentro de la historia que ha escrito su vecino.

Este proyecto se realiza con el apoyo de las Ayudas a actividades culturales de impacto social de Fundació "la Caixa".

Más información: http://www.offlimits.es/maelstrom/2010/09/hola_estas_haciendo_una_peli.html
http://holaestashaciendo1peli.org/



DO IT YOURSELF II
Sábado 9 de octubre, 20 h
Domingo 10 de octubre, 20 h

Do it yourself II es un proyecto de investigación y intercambio entre vídeoartistas y artistas del ámbito de la performance.

Nueve artistas multimedia entregan una vídeocreación no superior a 10 minutos a un/una "performer" de su elección y éste interpreta de forma libre el contenido del DVD en vivo.

Programa sábado 9.10:
Juan Alcón con Ila (Isidro López Aparicio)
Ebba Rohweder con Nieves Correa
Carlos Llavata con Victor Bonet
Beatriz Caravaggio con Hilario Álvarez
Ana Matey con Luis Elorriaga

Programa domingo 10.10:
Paula Noya con Analía Beltrán
Johanna Speidel con Bélen Cueto
Antonia Valero con Yolanda Pérez
Fernando Baena con Anna Gimein

Más información: http://www.offlimits.es/calendario.html



FESTIVAL IN-SONORA. VI MUESTRA DE ARTE SONORO E INTERACTIVO
Del 15 al 27 de Octubre
Inauguración 15 de Octubre, 20 h

L a V: 12 a 14 y 15 a 20 h
S: 12 a 14 h

El festival IN-SONORA es un encuentro anual que reúne instalaciones y objetos sonoros/interactivos, eventos experimentales, talleres, debates y presentaciones. A través de una convocatoria que apunta sobre todo a artistas emergentes, IN-SONORA se convierte en una plataforma de difusión e investigación de propuestas arriesgadas de arte sonoro.

En Off limits se presentarán los artistas:
Lars Lundehave Hansen (Alemania/Dinamarca) con la instalación sonora "Spiderbytes"
Mohamed Kacimi y Unai Requejo (Marruecos/España) con la videoinstalación interactiva "Tétouan Sonneries"
Guim Camps Parera (España) con al instalación sonora "YOU’LL NEVER WALK ALONE"
Alberto Bernal (España) con la instalación "Impossible Music”

Performances

El viernes 22 de octubre, a las 20.30h, los artistas Double Wei Factory (Weiwei Jin + Matías Vega Norell) presentarán la performance-video instalación multimedia "Kaleidoscope", un calidoscopio audiovisual en el que los bits de sonido e imágenes son capturados, recopilados y reflejados.

El viernes 29 de octubre, a las 20.30h, la artista portuguesa Adriana Sá clausura la VI edición de la Muestra IN-SONORA presentando la peformance Windowmatter. Windowmatter crea espacios entre los espacios, es una experiencia inmersiva que extrapola la audición con pintura en movimiento.

Más información: http://www.offlimits.es/maelstrom/2010/10/festival_insonoravi_muestra_de.html
http://www.in-sonora.com/



LA IMAGEN EN LLAMAS
Sábado 23 de octubre, 19 h

Ángela López Ruiz, artista, curadora e investigadora uruguaya presenta en Off Limits la investigación “La imagen en llamas”.

A principio de los 70 un incendio extinguió, casi en su totalidad, la colección de films de CINEARTE SODRE, entidad creada en 1943 destacada por su liderazgo América Latina1. Gracias al gesto de política afectiva del poeta Fernando Pereda que dona su colección de primitivos (500 títulos) y al apoyo de filmotecas extranjeras este espacio se refunda y deviene en el Archivo Nacional de la Imagen SODRE (1985). El primer incendio arrasó con la sede del Festival de Cine Experimental y Documental, en el segundo ardió la memoria fílmica de Uruguay. La dictadura militar y los gobiernos que lo suceden no actúan frente a la dispersión de documentos tangibles y la potencia creativa que se promovía durante el Festival quedó enquistada, dando la sensación de que el Cine Uruguayo aún está por nacer.

Este proyecto revisita la historia fílmica de Uruguay desde la década del 20 hasta finales de los 70; los lazos de esta producción con otras disciplinas artísticas en la modernidad y como esas “páginas en blanco” afectaron al pensamiento contemporáneo.

Más información:
http://www.offlimits.es/maelstrom/2010/10/la_imagen_en_llamas.html



Off Limits
Escuadra 11 bajo, 28012 Madrid
Metro: Lavapiés y Antón Martín
www.offlimits.es

PRESENTACIÓN DE NOLENS VOLENS 4

nolens_volens4_u.jpgViernes 8 de Octubre, 20 horas. Asociación Cultural. Mediodia Chica, C/ Mediodia Chica, 10. Madrid. Hasta completar aforo.

A partir del día 9 de octubre, Nolens Volens 4 estará en Manifesta 8, sedes Los Molinos, Murcia y Prisión de San Antón, Cartagena.

uem.es

Mediascapes. Nolens Volens 4

Este cuarto número de Nolens Volens ha sido editado en colaboración con Alfredo Cramerotti, miembro del colectivo curatorial Chamber of Public Secrets, en el marco de su participación en Manifesta 8.

El tema de exploración ha sido “mediascapes”. Y los colaboradores han trabajado en torno al concepto de cómo los medios de comunicación no reflejan el mundo sino construyen un mundo, difícilmente son lugares públicos de información y se han transformando en una industria con una poderosa influencia y manipulación discursiva sobre la audiencia y la sociedad.

Entendiendo la noción de realidad como un constructo, coordenadas simbólicas que determinan nuestra experiencia de la realidad, resulta evidente la importancia central, en el mundo contemporáneo, de los media en la definición de los marcos en los que ésta discurre. La construcción de la realidad a través de los media establece —desde la extensión de las tecnologías, denominadas, de la comunicación— los límites de nuestra experiencia posible en una construcción de mundo con vocación totalizante. Las consideraciones críticas del simulacro y la hiperrealidad baudrillariano ó el espectáculo debordiano, cuyas posturas, si bien resultan un eficiente diagnostico del estado de la cuestión, no dejan demasiadas opciones para operar de manera efectiva, desde posturas otras que se enfrenten las versiones del poder medial, en la construcción del imaginario que determina nuestra experiencia de realidad. Se trata pues de confrontar con el marco experiencial que se propone desde los grandes conglomerados empresariales de comunicación otras formas de tratarse, narrarse y, en definitiva, construir este cierto sentido de realidad.

Por último señalar que publicamos un extracto del libro “Estética periodística: Cómo informar sin informar” (2009) de Alfredo Cramerotti, editado por Intellect, en el que se plantea como la producción de verdad se ha desplazado del dominio de las noticias al del arte y la estética, lo que marca una nueva postura en torno a la discusión de la posibilidad de un arte crítico a través de la estetización de la información.

Los colaboradores de este número de Nolens Volens son: Carlos Jiménez, Alfredo Cramerotti, Arturo/fito Rodríguez Bornaetxea, Jesús Aguilera, GenderArtNet, Ramon Parramon, Anders Eiebakke, Erlea Maneros Zabala, Andreja Kulunčić, Daniel García Andújar, Extrastruggle, Michael Takeo Magruder, Nada Prlja, Nemanja Cvijanovic, Virginia Villaplana, Michael Baers.


logoUEM_u25.jpgUniversidad Europea de Madrid
uem.es



OCTAVA EDICIÓN DEL FESTIVAL VAD DE GIRONA

imag_vad2010_u.jpgVAD, Festival Internacional de Vídeo y Artes Digitales de Girona.
Octava edición: del 7 al 16 de octubre de 2010.
Casa de Cultura y Centre Cultural La Mercè. Girona

www.vadfestival.net

Octava edición del festival VAD, cita anual en Girona de la creación audiovisual independiente.
Vídeos monocanales, proyecciones en loop, instalaciones interactivas, mappings, objetos sensibles… forman el conjunto de obras que se expondrán del 7 al 16 de octubre en la sala de exposiciones de la Casa de Cultura y en el Centro Cultural La Mercè. Las actividades del festival incluyen la proyección de las obras seleccionadas que optan al Premio Metropolis para artistas del estado español y al Premio Fundació Fita para artistas de Girona. Junto a ellas una exposición internacional comisariada bajo el título “Human Relationship” y una muestra de trabajos surgidas de la colaboración en red con otros agentes y artistas de la región.
Las Nits Digitals es el espacio reservado para los espectáculos en directo, donde este año se presenta el concierto visual de Herman Kolgen (Canadá) y el espectáculo de danza de la Compañia Yann Lheureux. Las Nits Digitals se realizan en colaboración con Temporada Alta, Festival de Tardor de Catalunya.


Programación de actividades:

Jueves 7

19.30h. Inauguración en la Casa de Cultura, con la acción performativa “Manual d’instruccions” de Nico Baixas y con la proyección de los premios VAD2010


Viernes 8

de 10 a 14h y de 16 a 20h. Exposición en la Casa de Cultura

de 19 a 21h. “The Particle”, instalación de Alex Posada en el Claustro del Centre Cultural La Mercè

21h. Espectáculo a cargo de:
Herman Kolgen “Inject + Dust”* en el Auditorio de La Mercè. Programado en colaboración con Temporada Alta, Festival de Tardor de Catalunya. Entrada 8€


Sábado 9

de 10 a 14h y de 16 a 20h. Exposición en la Casa de Cultura

de 19 a 21h. “The Particle”, instalación de Alex Posada en el Claustro del Centre Cultural La Mercè

21h. Espectáculo a cargo de:
Cia Yann Lheureux “Manifestement + Reach our Soul” en el Auditorio de La Mercè. Programado en colaboración con Temporada Alta, Festival de Tardor de Catalunya. Entrada 8€


Del miércoles 13 al sábado 16

de 10 a 14h y de 16 a 20h. Exposición en la Casa de Cultura


Domingo 17

Se emitirá en RTVE – La2 el programa especial de Metrópolis dedicado al VAD donde podréis ver los vídeos premiados.


Domingo 10, lunes 11 y martes 12

CERRADO


Consulta toda la información en www.vadfestival.net

¡Os esperamos!

Octubre 05, 2010

BUILDING UP A WASTED LANDSCAPE / Iván Larra

Madrid-M-40_u.jpgDentro de la exposición se muestra el proyecto fotográfico “the back side of the lure”, elegido para las ayudas a la producción de artes plásticas de la Comunidad de Madrid de 2009.

23 de septiembre a 21 de octubre
Sala El Brocense. Cáceres.
www.brocense.com
www.ivanlarra.com/

BUILDING UP A WASTED LANDSCAPE (construyendo un paisaje desolado) esta constituido por pinturas y fotografías que arrojan una visión del paisaje y la intervención constructiva sobre él, cuestionando los habituales modos de verlo y valorarlo a partir de planteamientos instalados en conceptos duales convencionales como pureza frente a residuo, naturaleza frente a artificialidad, objeto frente a contexto o campo frente a ciudad.
En el ámbito de reflexión en torno al paisaje, durante la residencia de Larra en Beijing en los meses de diciembre de 2007 y enero de 2008 para la realización de un work in progress en el distrito periférico de Chaoyang, se despertó en él un creciente interés por las estructuras industriales, viviendas, infraestructuras de diferentes tipos… ya en proceso de creación, ya como elementos residuales, abandonados, sin función alguna o simplemente como elementos “presentes” en el paisaje de una forma casi inmanente.
Asímismo le interesó la idea de como esta relación entre el paisaje y “lo intervenido” se negociaba o podía ser negociada emocionalmente por los individuos que habitan el territorio de muy diversa manera en base a criterios de valor, praxis, belleza o memoria.


Larra opta en sus pinturas y fotografías por aproximarse al paisaje del no-lugar (unos límites o extrarradios que ciertamente están siendo visitados por muchos artistas en los últimos años), es decir, al espacio aún sin ordenar en el que es más perceptible el avance de una construcción aún inidentificada - ya que tal construcción se encuentra aquí, generalmente, inacabada o, al contrario, abandonada- pero cuya materia y geometría –y fealdad- contrasta violentamente con las características del territorio virgen (que no de “la naturaleza”, puesto que no es a ésta a la que vemos. Sabemos, por lo demás, que “paisaje” es naturaleza percibida con mirada estética, que “es la intencionalidad estética puesta en la contemplación la que transforma un lugar en paisaje [y que] una mirada estética es, ante todo, cultural, es decir, está sometida a las convenciones propias de la época, el lugar, la clase social y el nivel de formación de quien contempla”; de modo que la intención del artista es, obviamente, determinar qué podría ser para nosotros el paisaje en un ahora sin relatos, sin pasado ni utopía, sin coordenadas, sin posicionamiento: el paisaje es, como la Cultura RAM, un proceso abierto, en cierto modo apenas comenzado, que ni siquiera tiene ya que ver con la naturaleza y que increíblemente parece depender exclusivamente de procesos ciegos y mecánicos de colonización y explotación.


AREA DE ARTES PLASTICAS
SALA DE ARTE EL BROCENSE
Calle san Antón, 17
Cáceres
Tel. 927 212 887
http://www.brocense.com


SUMATORIOGENERAL_u8.jpg


Inmersiones 2010

INMERSIONES_2010_mini_RGB_u.jpgSala Amárica de Vitoria-Gasteiz. Inscripción y recepción de dossieres del 1 al 16 de octubre. Presentaciones: sábados 20 y 27 de noviembre de 11 a 14 horas. Exposición y talleres del 19 de noviembre al 23 de enero. Bases en http://www.inmersiones10.net. Solicitudes a info@inmersiones10.net

Cita anual de submarinismo cultural en Vitoria-Gasteiz. Pequeño congreso de artistas noveles. Exposición de dossieres, presentaciones personales de proyecto, talleres. Este año queremos incrementar el contexto intelectual del encuentro reuniendo a los artistas con críticos y teóricos incipientes. Estimulando la incursión en este terreno de los propios artistas y del público. Simultaneando el desarrollo del congreso a la participación en nuevos formatos de producción de texto. Involucrando a nuestra asamblea ciudadana (Asamblea Amárica). Generando un ambiente propicio a la lectura y a la escritura sobre arte, al intercambio de pensamiento en el mismo sitio de una exposición que se irá construyendo con los frutos de ese intercambio.

Cómo crear tejido cultural, atmósfera crítica, contexto intelectual. Cómo interesar al publico en tantas experiencias singulares y, sin embargo, próximas. Cómo interesar a los artistas y/o teóricos en colegas que viven en un radio de 60 km. Cómo interesar en el arte a los escritores y filósofos de ciudades pequeñas. Cómo interesar al público y a los artistas en el texto. Cómo influir con el arte en la producción local de texto. Cómo influir en el arte a través del pensamiento de cercanía, esa provincia de lo universal. Cómo concertar alguna política cultural a la oferta propia de experiencia estética. Cómo crear, como intercambiar, cómo multiplicar el comercio de pensamiento, aquí y ahora. Cómo hacerse cercanos a los conciudadanos. Cómo llegar a ser el artista un conciudadano estimado. Cómo dignificar el medio y dignificarse en el medio.

Inmersiones da una respuesta parcial a algunas de estas cuestiones. Sencillamente creando las condiciones del círculo virtuoso del intercambio cultural.


Proyecto Amarika
www.amarika.org
El proyecto Amarika surge en 2008 de un encargo del Departamento de Euskera, Cultura y Deportes de la Diputación Foral de Álava para gestionar tres espacios dedicados al arte contemporáneo y dependientes de la institución. El proyecto se gestiona de manera colectiva a través de un consejo asesor y de una asamblea ciudadana, abierta y participativa que nombra y valida bianualmente los miembros del consejo y las directrices generales del proyecto.


Sala Amárica
Plaza Amárica, 4
01005 Vitoria-Gasteiz
945181977
www.amarika.org
info@amarika.org


Octubre 04, 2010

MEDIALAB-PRADO / OCTUBRE 2010

500_0_u.jpgMedialab-Prado
Espacio de cultura digital
Plaza de las Letras · C/ Alameda, 15
28014 Madrid
info.m@medialab-prado.es
www.medialab-prado.es

CURSOS Y TALLERES

PROSUMIDORES. LÓGICAS DE CONSUMO/PRODUCCIÓN EN LAS CULTURAS DE LA RED
Talleres en Medialab-Prado y CSA “La Tabacalera” de Lavapiés en los que se propone un trabajo colectivo en torno a la producción y consumo de contenidos en la red. Este espacio colectivo de producción-reflexión forma parte de la investigación más amplia que el equipo Cultura Urbana (UNED). El taller se compone de ocho sesiones independientes que requieren inscripción previa y por separado (gratuita). Plazas limitadas.

En Medialab-Prado:
05.10.10 / 18:00h - 20:00h: Consumir produciendo, con Paco Cruces. Presentación y análisis del concepto de “prosumidor”.
19.10.10 / 18:00h - 20:00h: Imaginear, con Amparo Lasén. Reflexión acerca de la función de la imagen personal y colectiva en los dispositivos digitales, así como de sus modelos, expectativas y lenguajes.
26.10.10 / 18:00h - 20:00h: Editar y publicar el mundo, con Fernando González. La función del texto en el ámbito de la web 2.0.
02.11.10 / 18:00h - 20:00h: Musicar, con Héctor Fouce. Conocimientos y experiencias en el terreno sonoro.

En CSA “La Tabacalera”:
16.11.10 / 18:00h - 20:00h: Hacer la casa, con Paco Cruces y Karina Boggio. La vivencia de lo doméstico desde sus múltiples perspectivas.
23.11.10 / 18:00h - 20:00h: Itinerarios, con Fernando Monge. Formas de “hacer” el espacio de la ciudad, según lo recorremos de diversos modos.
30.11.10 / 18:00h - 20:00h: Comistrerías, con Montse Cañedo. Prácticas relacionadas con un sentido amplio del comer en la gran ciudad.
14.12.10 / 18:00h - 20:00h: Urbane@rte, con Gloria Durán y Sara Sama. Procesos de intervención artística y estética en entornos urbanos.
Talleres organizados por el equipo Cultura Urbana (UNED) con la colaboración de CSA “La Tabacalera” de Lavapiés y Medialab-Prado.

CURSO DE DRUPAL 7. SPRING CODE
Drupal es un sistema de gestión de contenido modular y muy configurable. Es un programa de código abierto, con licencia GNU/GPL, desarrollado y mantenido por una activa comunidad de usuarios. Destaca por la cálidad de su código y de las páginas generadas, el respeto de los estándares de la web, y un énfasis especial en la usabilidad y consistencia. Asistencia gratuita sin inscripción.

13.10.2010 / 18:00h – 20:00h: 1ª sesión: db api y cambios habituales en los hooks
20.10.2010 / 18:00h – 20:00h: 2ª sesión: form api y a blocks en detalle. Creación de módulo
27.10.2010 / 18:00h – 20:00h: 3ª sesión: field api y creación de módulo
Organiza e imparte: Documentados.


FACHADA DIGITAL DE MEDIALAB-PRADO

LUMMOBLOCKS
Todos los viernes / 21:00h – 24:00h
Visionado del proyecto lúdico e interactivo LummoBlocks, en el que el público de la plaza colabora entre sí para hacer encajar las piezas del juego por la pantalla en función de su propia situación física en la plaza.
Proyecto del colectivo Lummo, J. Lloret y colaboradores.

ZEROESTIGMA: CUENTOS QUE NUNCA CUENTAN
11.10.2010 / 20:30h
Proyección en la fachada digital de la Plaza de las Letras de Medialab-Prado del proyecto ZeroEstigma: Cuentos que Nunca Cuentan, del colectivo Toxic Lesbian, con motivo del Día Mundial de la Salud Mental (10 de octubre).


JORNADAS Y CHARLAS

¿A DÓNDE VAS, MADRID? E-CIUDADES Y POLÍTICA CULTURAL EN MADRID
e-madrid nació en 2009 como parte de la red de e-ciudades con el objetivo de promover el debate sobre la política cultural de la ciudad de Madrid. [streaming en directo]

06.10.2010 / 17:00h – 20:00h: Presentación y debate
07.10.2010 / 11:00h – 14:00h: Medios hiperlocales en tiempos de twitter (I)
07.10.2010 / 16:00h – 20:00h: ¿A dónde vas, Madrid? Debate sobre política cultural en Madrid
08.10.2010 / 10:00h – 14:00h: Medios hiperlocales en tiempos de twitter (II)
Organiza: e-madrid.org con la colaboración de Medialab-Prado.

PENSANDO Y HACIENDO MEDIALAB-PRADO
14.10.2010 / 17:00h
Sesión de trabajo para analizar el estado actual del medialab y debatir sus posibles vías de continuidad. Tema de esta sesión: formatos de trabajo, modos de hacer y sistemas operativos de Medialab-Prado. Participan colaboradores, usuarios y analistas externos. Las reuniones están abiertas a la participación de cualquier persona interesada. [streaming en directo]


REUNIÓN GENERAL DEL LABORATORIO DEL PROCOMÚN
28.10.2010 / 17:00h
Reunión abierta para la puesta en común de los distintos grupos de trabajo en marcha y perfilar el calendario de actividades y distintas acciones que se llevarán a cabo a lo largo del año. [streaming en directo]


PRESENTACIÓN DE LA ONTOLOGÍA JURÍDICA LIBRE
28.10.2010 / 19:00h
Presentación de la Ontología Jurídica Libre elaborada por el abogado Javier de la Cueva, cuyo objetivo consiste en representar términos de nuestro Ordenamiento Jurídico y, además, las abstracciones necesarias para enlazar o extender el vocabulario con instituciones de otros Ordenamientos. [streaming en directo]


OTRAS ACTIVIDADES

MADRID A RAS DE CIELO
06.10.2010 / 12:00h
Presentación a medios del DVD multimedia Madrid a ras de cielo, con fotografías de los edificios más emblemáticos de Madrid, en el marco de la semana de la arquitectura de Madrid. La herramienta ideal para conocer la ciudad paso a paso, descubriendo aspectos y detalles que habitualmente pasan desapercibidos.


Programación sujeta a cambios. Para información actualizada, consultar http://medialab-prado.es
Prensa: difusion@medialab-prado.es

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(Crédito de imagen: Pensando y haciendo Medialab-Prado. Julio 2010.)

EL ESPÍRITU FUTURISTA EN LA PUBLICIDAD ITALIANA.

resume_u.jpgSelección del Massimo&Sonia Cirulli Archive. N. Y.
Hasta el 12 de octubre de 2010

Comisario, Luigi Cavadini

Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat (MuVIM).
muvim@dival.es / www.muvim.es

La exposición, organizada por el MuVIM y Caja Mediterráneo, se centra en el futurismo y su influencia en la publicidad italiana de la época. Uno de los movimientos de vanguardia más interesantes, que se desarrollaron entre la primera y la segunda década del siglo XX en Italia. Se muestran más de 80 obras, de entre las cuales destacan carteles de gran formato, esculturas, libros, manifiestos, publicaciones y demás obra gráfica, collages y dibujos de los autores más representativos de este movimiento (Alberto Bianchi, Aldo Mazza, Alfredo Cavadini, Antonio Maraini, Carlo Bompiani, Carlo Carrà, Federico Seneca, Filippo Tommaso Marinetti, Fortunato Depero, Giacomo Balla, entre otros).


El futurismo fue lanzado y promovido por Filippo Tommaso Marinetti quien, apremiado por la rápida transformación social que se estaba produciendo, propugnó una amplia revolución cultural que ilustra en el Manifiesto del futurismo publicado en febrero de 1909. Un año después del primer Manifiesto, aparecen los dos manifiestos de la pintura firmados por Umberto Boccioni, Carlo Dalmazzo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini. Y tras la pintura, la atención de Marinetti y de quien lo acompaña se concentra en la música (1911), en la escultura y la literatura (1912), en la fotografía (1913), en el teatro (1913 y 1915), en la arquitectura (1914). Y no faltan proclamas que van más allá del arte y de las artes, deteniéndose en aspectos de la vida social, como la condición femenina (1912), el lujo, la política (1913) y la ciencia (1916).

Todas las diversas experiencias adquieren un carácter unitario cuando, en 1915, Giacomo Balla y Fortunato Depero publican el manifiesto Reconstrucción futurista del universo, en que se evidencia como el espíritu futurista está destinado a permear todos los aspectos de la sociedad. Y aquí es donde se inserta la muestra El espíritu futurista en la publicidad italiana. Selección del Massimo & Sonia Cirulli Archive, New York, que da cuenta de las novedades que la poética futurista introdujo en el cartelismo publicitario, llevando a la calle invenciones, mensajes, imágenes ciertamente más avanzadas de lo que la gente común estaba habituada a ver. Y el dinamismo típico de la investigación futurista, que asume el mito de la velocidad y el progreso de la tecnología como momentos fuertes de una sociedad que mira al futuro, se convierte en momento de estímulo, de provocación y de arrojo.

Una visión amplia, pues, que narra el devenir de la sociedad a través de una mirada que, aún con intenciones comerciales, ha sido posible gracias a la lucidez de artistas que supieron leer sus tiempos con un vigor narrativo y evocador que con toda seguridad producirá un fuerte impacto.


Otras exposiciones en el MuVIM:
Jardines de Arena (hasta el 12 de octubre).
Nevando tinta. Fernando Medina (27 de mayo al 12 de octubre).
La Aventura del Pensamiento.

Octubre 01, 2010

CONVOCATORIA PARA LA SOLICITUD DE TALLERES AVAM DESTINADOS A LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA 2011-2012

logotalleresavam-u2.jpgTalleres disponibles a partir del 1 de enero de 2011:
1 de 47 m2;
1 de 34 m2;
1 de 33 m2;
1 de 30 m2.
Plazo presentación de solicitudes a partir del 1 de octubre de 2010, hasta el 22 de diciembre de 2010
www.avam.net/

CONVOCATORIA PARA LA SOLICITUD DE TALLERES AVAM DESTINADOS A LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA 2011-2012

El objetivo de la presente convocatoria es facilitar el acceso de los creadores a espacios de trabajo en la ciudad de Madrid, para el desarrollo de su actividad profesional en condiciones accesibles, atendiendo así a la demanda del sector.

La puesta en marcha de este programa es el resultado de la estrecha colaboración entre AVAM y el Ayuntamiento de Madrid, a través del Área de Las Artes y la EMVS, para facilitar a los creadores espacios profesionales específicamente destinados a la producción del trabajo artístico, en conexión con la comunidad artística en el ámbito local, autonómico, nacional e internacional.


1.- Objeto

El objeto de la presente convocatoria es ofrecer a los artistas plásticos y visuales el acceso a talleres de uso temporal, con servicios de carácter opcional, así como plantear actividades que potencien el intercambio, la visibilidad, la promoción y la formación continua.

Servicios y actividades:
Asesoramiento tecnológico
Formación tecnológica
Cursos profesionales
Visitas profesionales del ámbito artístico, cultural y político
Open Studios / Jornadas de puertas abiertas
Presentación de proyectos en otros espacios artísticos
Talleres de artista con la comunidad

Las características y condiciones de uso de dichos talleres son las siguientes:

Ubicación física de los talleres: Avenida de Los Poblados (1), esquina calle del doctor Tolosa Latour. 28041 Madrid.

Número de talleres: 4.

Dimensiones:
· Taller nº 1: 47 m2
· Taller nº 2: 30 m2
· Taller nº 3: 34 m2
· Taller nº 4: 33 m2

Prestaciones de cada uno de los talleres: conexión eléctrica, luz natural y luz eléctrica blanca cenital, conexión a Internet (wi-fi), agua corriente, calefacción y aire acondicionado, puerta de carga y descarga (a excepción del taller nº 4), puerta de acceso a zona común, mobiliario básico (cajonera, sillón, taburete, mesa fija). Los artistas usuarios de los talleres podrán aportar los materiales y equipos necesarios para su trabajo. Los aseos y ducha se encuentran en una zona común a los 4 talleres. Los planos y características técnicas pueden consultarse en www.avam.net

Prestaciones del área de recursos tecnológicos para artistas: este área esta destinada, bajo petición, a todos los artistas, beneficiarios o no de los talleres, que necesiten el uso o el asesoramiento profesional tecnológico para el desarrollo de su producción artística. El área tecnológica dispone de técnico especializado opcional, dentro de los horarios y las condiciones establecidos por AVAM. En www.avam.net se pueden consultar los recursos tecnológicos, servicios y tarifas.

Periodo de uso de cada taller: mínimo de 3 meses y máximo de 15 meses. En un periodo comprendido, en cualquier caso, entre el 1 de enero de 2011 y el 31 de marzo de 2012.

Horario de apertura y cierre de los talleres: Horario de mañana y tarde ininterrumpido. Para el acceso a los talleres por necesidades profesionales en horarios excepcionales, será imprescindible la notificación por parte del interesado, y la autorización específica de AVAM.

Coste de uso de los talleres: Los beneficiarios deberán sufragar las prestaciones de los talleres, mediante una aportación económica mensual a AVAM.

_ Taller nº 1: 350 euros/mes
_ Taller nº 2: 225 euros/mes
_ Taller nº 3: 255 euros/mes
_ Taller nº 4: 225 euros/mes

Las aportaciones se incrementarán anualmente según el IPC.

TALLERES AVAM ofrece un descuento del 10% a artistas socios de AVAM.

A los costes anteriormente mencionados, se sumarán los consumos mensuales de electricidad y agua de cada taller.

Fianza: El beneficiario de cada taller deberá abonar con carácter previo al uso del mismo, la cantidad correspondiente a dos mensualidades a AVAM, que le serán reintegradas a término de uso, en caso de no existir daños en los talleres o dependencias comunes a los mismos imputables al usuario.

Acceso al uso de los talleres: Una vez asignados los talleres por la comisión de valoración, cada uno de los beneficiarios firmará con AVAM un documento que les autorizará el uso, con las condiciones y obligaciones indicadas en la presente convocatoria y de acuerdo con la resolución de la comisión de valoración. La autorización de acceso al uso de los talleres tendrá lugar a partir del 1 de enero de 2011, para los primeros beneficiarios.

La información técnica específica de cada uno de los talleres, así como de los servicios del área tecnológica puede consultarse en www.avam.net


2.- Beneficiarios.

Podrán solicitar el uso de los talleres los artistas o colectivos de artistas plásticos y visuales que requieran de un taller o estudio para trabajar en su obra, realizar un proyecto artístico específico o iniciar un proceso de investigación y experimentación artística.

En el caso de personas físicas (artistas), los solicitantes deberán tener una formación o trayectoria artística acreditada en el campo de las artes plásticas y visuales.

En el caso de personas jurídicas (colectivo de artistas), su objeto social debe tener relación con la producción contemporánea en el campo de las artes plásticas y visuales, con trayectoria acreditada.


3.- Plazo y lugar de presentación de solicitudes.

Desde el 1 de octubre de 2010 hasta el 22 de noviembre de 2010, ambos incluidos.

Al cierre de dicho plazo no se admitirá ninguna solicitud ni información complementaria a los formularios ya registrados. En el caso de envío postal se tendrá en cuenta como fecha de entrega la registrada en la oficina postal correspondiente.

La petición se realizará por medio del FORMULARIO DE SOLICITUD, a través de www.avam.net/talleresavam/formulario. El formulario también podrá recogerse en AVAM, calle Mayor 4 - 3º pta. 8, de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 horas (excepto festivos); así como en Matadero Madrid, Paseo de la Chopera 14, en horario de martes a viernes de 16:00 a 22:00 horas.

Documentación a presentar:

1. Formulario de solicitud cumplimentado con los siguientes datos: nombre, apellidos, fecha de nacimiento, nacionalidad, dirección, localidad, provincia, código postal, teléfonos, correo electrónico, y página web (opcional). En el formulario de solicitud el solicitante deberá indicar las opciones de fechas idóneas de utilización de los talleres durante el periodo 2011-2012 (indicar fechas en meses naturales). Asimismo deberá indicar el o los talleres que se solicitan, por orden de preferencia.

2. Fotocopia DNI o pasaporte en el caso de personas físicas.

3. Fotocopia CIF, en el caso de persona jurídica.

4. Declaración responsable del pago mensual del taller asignado.

5. Currículo vitae (un máximo de 1.000 palabras) para las personas físicas. Memoria de las actividades y/o proyectos realizados (un máximo de 1.000 palabras) de los últimos dos años, en el caso de colectivos o personas jurídicas.

6. Documentación complementaria de obra reciente. No se aceptarán originales, ni documentación adjunta como catálogos, folletos, obras originales, etc. En caso de proyectos audiovisuales, el artista podrá aportar un DVD acompañando al dossier.

7. En el caso de presentar para su realización un proyecto concreto, el artista deberá aportar una memoria del proyecto a desarrollar.

8. La documentación complementaria debe presentarse en tamaño folio o DinA4, ocupando un máximo de 10 hojas; si el envío se realiza por correo postal deberá estar encuadernado. Se desestimarán las solicitudes que no se ajusten a esta norma, por cuestiones de organización y valoración.

9. La solicitud y dossier adjunto deberán de presentarse en español.

Lugar de presentación:

1. En mano o por correo postal a nombre de "Convocatoria TALLERES AVAM 2011-2012" a la dirección: AVAM en calle Mayor, 4 - 3º pta. 8 - 28013 Madrid, en horario de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 horas. No se atenderán las solicitudes presentadas en mano con posterioridad al 22 de noviembre de 2010 y fuera de los horarios señalados, o con sello postal posterior a esa fecha en el caso de envío postal.

2. Mediante envío electrónico: La documentación requerida puede ser enviada por correo electrónico a correo@avam.net. El envío electrónico permite adjuntar documentación complementaria mediante un archivo en formato pdf, comprimido zip, en caso necesario. No se tendrá en cuenta ninguna solicitud electrónica recibida después de las 24:00 horas del día 22 de noviembre de 2010.

Recepción de solicitud y documentación adjunta: La recepción de la solicitud y documentación, se confirmará desde AVAM mediante e-mail para envíos por correo electrónico y correo postal, para las entregas en mano se emitirá un resguardo. En caso de no recibir dicha confirmación, deberá entenderse que la documentación no ha sido recibida en las oficinas de AVAM. No se atenderán las reclamaciones en este sentido realizadas después del 22 de noviembre de 2010.


4.- Comisión de valoración para la concesión de talleres.

Para la evaluación y selección de las solicitudes presentadas, se constituirá una comisión de valoración formada por:

· Presidente: El Presidente de AVAM, o persona con cargo de la junta directiva de AVAM en quien delegue.

· Tres vocales:
- La Directora general de Proyectos Culturales del Área de Las Artes del Ayuntamiento de Madrid, o persona en quien delegue.
- La Directora de AVAM, o persona en quien delegue.
- Un Artista, de reconocido prestigio, designado por la comisión de seguimiento AVAM/Área de las Artes del Ayuntamiento de Madrid.
- Secretario: La Coordinadora de AVAM, sin voz ni voto.

El Presidente de la comisión de valoración ostentará el voto de calidad.

Una comisión técnica integrada por 2 técnicos de AVAM, y 2 técnicos del Área de las Artes asesorará a la comisión acerca de la viabilidad de las solicitudes, en base a la naturaleza del trabajo o proyecto a realizar y de acuerdo con las características espaciales y técnicas de los talleres.

La comisión de valoración de las solicitudes podrá entrevistarse con los solicitantes o recabar información complementaria de los mismos, con el fin de poder desarrollar mejor las funciones que le han sido encomendadas.

La decisión de la comisión de valoración será inapelable.


5.- Plazo de resolución de la convocatoria.

La Comisión de valoración examinará y evaluará las solicitudes y la documentación presentada de acuerdo a los criterios que se establecen en el punto 6 de la presente convocatoria.

Una vez valoradas las solicitudes, la comisión de valoración emitirá el resultado en el plazo máximo de 20 días, contados desde el día que finalice el plazo de presentación de las solicitudes.

Finalmente la comisión elaborará un listado con los artistas seleccionados, estableciendo para ello un calendario de ocupación de los talleres durante el periodo comprendido entre el 1 de enero de 2011 y 31 de marzo de 2012, ambos incluidos, así como una lista de espera para casos de renuncia.

La resolución será comunicada a cada uno de los solicitantes seleccionados por escrito y se dará a conocer por medio de www.avam.net


6.- Criterios de valoración.

La Comisión de valoración tendrá en cuenta, a la hora de valorar las solicitudes, los siguientes criterios:

- Calidad y coherencia de la trayectoria profesional o del proyecto a desarrollar.
- Necesidades espaciales y técnicas para el desarrollo del trabajo en base a las condiciones físicas de los talleres.


7.- Seguimiento del uso de los talleres y obligaciones de las personas beneficiarias.

Para realizar un correcto seguimiento de los talleres, informar a la comisión de seguimiento AVAM/Las Artes, e incorporar la información en la memoria anual del programa TALLERES AVAM, un responsable de AVAM realizará entrevistas periódicas personales a los artistas usuarios de los talleres.

Los artistas y/o colectivos seleccionados en esta convocatoria se comprometen a:

1. Aceptar la resolución de la comisión de valoración. Para ello, deberán comunicar por escrito la aceptación del taller concedido en el plazo de 5 días hábiles, contados a partir de la notificación de adjudicación temporal de taller. De no ser así, se entenderá que el artista renuncia, por lo que se entenderá decaído en su derecho, pudiendo concederse el taller al suplente que figure en primer lugar, y así sucesivamente.

2. Cumplir las normas generales y particulares de los talleres, de acuerdo con horarios, calendario, y las instrucciones de AVAM, además de mantener un comportamiento cívico en la convivencia y provechoso en los talleres.

3. Desarrollar su trabajo en el plazo y condiciones previstas en la convocatoria. En caso contrario, la autorización de uso de los talleres podrá ser revocada automáticamente por AVAM.

4. Abonar a AVAM el coste de uso del taller dentro de los cinco primeros días de cada mes, mediante domiciliación bancaria.

5. Rembolsar a AVAM mensual o bimensualmente, según el caso, el gasto corriente de agua y electricidad.

6. Utilizar el espacio de los talleres exclusivamente para dar cumplimiento a los fines comprendidos en estas bases. Cualquier cambio de destino o de uso de los talleres dará lugar a la resolución automática de la autorización de uso de los talleres. En ningún caso el taller podrá tener otro uso que el de espacio destinado a la producción artística; no estando autorizado su uso como almacén, depósito, vivienda, espacio de exposición, centro de reunión; etc.

7. Respetar las instalaciones, tanto del taller como de los espacios comunes, haciéndose cargo de la fianza correspondiente, que será devuelta una vez haya concluido el periodo de utilización y verificado el buen estado de las instalaciones. Si fuera necesario por parte del artista beneficiario pintar, agujerear o realizar cualquier otra modificación del espacio durante su uso, es necesario solicitar el permiso específico para tal fin, asumiendo éste su recuperación posterior. A término de contrato, será obligatorio y responsabilidad del artista, dejar el espacio limpio y recogido, hacerse cargo de la basura generada, no dejar mobiliario personal ni restos materiales u otros objetos. En caso contrario se valorara económicamente el deterioro del espacio, y su recuperación se realizará con cargo a la fianza. Si ésta no fuera suficiente para cubrir los daños, se requerirá la cuantía correspondiente.

8. Permitir la entrada al taller a los profesionales por indicación de AVAM para realizar reparaciones urgentes y necesarias o de mantenimiento del espacio.

9. Colaborar con AVAM para la realización de actividades específicas organizadas con el objetivo de fomentar la convivencia de los talleres con el vecindario.

10. Participar bajo la coordinación y asesoramiento de AVAM, en las actividades destinada a mostrar los procesos de producción desarrollados en los Talleres AVAM 2011-2012, con la participación de profesionales del ámbito cultural (críticos, comisarios, gestores, directores y técnicos de espacios expositivos y museos, técnicos de la administración en materia cultural, periodistas culturales de medios generalistas y especializados, etc.).

11. Autorizar a AVAM a mostrar una parte o la totalidad del proyecto o trabajo realizado por los artistas beneficiarios de los talleres, de común acuerdo con los mismos, a través de su página web y en sus memorias anuales.

12. Citar TALLERES AVAM 2011-2012 en caso de la difusión y divulgación de la obra producida en los talleres, mediante la fórmula: "El presente proyecto ha sido realizado en los TALLERES AVAM 2011-2012".

Las personas o colectivos seleccionados en esta convocatoria no estarán autorizados a:

1. Destinar los talleres a fines distintos a los contemplados en estas bases.

2. Ceder o facilitar el uso del taller a persona o entidad distinta a la autorizada.

3. Realizar trabajos que necesiten el uso de productos tóxicos, maquinaria industrial que genere ruidos por encima de lo permitido o supongan un peligro para el espacio y el propio artista. Esta norma se encuentra sujeta a las condiciones de seguridad y físicas de los talleres.

Quedará sin efecto, la autorización de uso de los talleres, previa audiencia al interesado, cuando el beneficiario incurra en alguna de las siguientes causas:

- No realizar la actividad que motiva la autorización de utilización del taller.

- Incumplir sin causa que lo justifique las condiciones establecidas en la presente convocatoria.


8.- Devolución de la documentación presentada por los solicitantes.

Para la devolución por correo postal de la documentación enviada, se deberá incluir un sobre de tamaño adecuado y correctamente franqueado, con la dirección postal en la que se desee recibir, o bien acudir a la oficina de AVAM, en horario de 10 a 14 horas, durante los 30 días hábiles posteriores a la comunicación del fallo. Transcurrido ese periodo de tiempo, AVAM no se hará responsable de la documentación depositada.


9.- Interpretación y aceptación de las bases.

Cualquier duda que pueda surgir en relación a la interpretación de estas bases será resuelta por AVAM.

La participación en la presente convocatoria supone la aceptación plena de las normas que la regulan. El incumplimiento de cualquiera de las obligaciones que se fijan en las presentes bases supone la suspensión inmediata del acuerdo, con independencia de la responsabilidad a que pudiera dar lugar.


AVAM - Artistas Visuales Asociados de Madrid
C/Mayor 4, 3º- 8 · 28013 Madrid · Tel. /Fax: 913913293 · correo@avam.net · www.avam.net


logosAvamA_u.jpg

TRASLACIÓN: CÁDIZ-GIJÓN

cadizgijonw3art_u.jpgIntercambio artístico entre el Colectivo Arte 90 (Cádiz) y El hervidero (Gijón)
Inauguración: 8 de octubre de 2010 a las 20:00 h // Clausura: 27 de noviembre de 2010
El hervidero. C/Jovellanos, nº3, sótano. 33202-Gijón
www.elhervidero.org // www.colectivoarte90.com // www.elherviderocadiz.com

Cádiz y Gijón se acercan en este intercambio artístico para ofrecer una exposición que acoge la propuesta “Entre lo natural y lo urbano”, del colectivo gaditano Arte90 y la propuesta “Territorios en ebullición”, con 8 proyectos de artistas que participan en El hervidero de Gijón.
El intercambio surge como conexión entre dos puntos geográficos opuestos de la Península Ibérica con voluntad de aproximación, acortando distancias en un sentido amplio.

La primera parte del intercambio expositivo tuvo lugar en Cádiz, en el Baluarte de la Candelaria, del 16 de julio al 28 de agosto de 2010.
Este mes de octubre se inaugura en El hervidero de Gijón la segunda parte del proyecto.

“Entre lo natural y lo urbano”, del Colectivo Arte90 reflexiona sobre los bordes y fisuras entre el paisaje urbano y el natural, atendiendo a la relación entre el hombre, la naturaleza y la urbe. Este proyecto fue desarrollado con las ayudas para la creación y difusión del Arte Contemporáneo INICIARTE 2008. Han trabajado en él Montserrat Pérez, Juan Candón, Manuel Chica, María Zaballa, Francisco de Asís López, Nieves Salinas y Mariano Roldán.

“Territorios en ebullición” es la propuesta de El hervidero de Gijón que hace alusión a un camino de múltiples vías que se abre durante el viaje vital. Las 8 propuestas de Jose Luis Macías, Fernando Gutiérrez, Bonus Extra, Eduardo Guerra, Fiumfoto, Bailarinas Parabólicas + Tape, Kilo Miyares y Alicia Jiménez, nos hacen reflexionar sobre las zonas efervescentes que desvían, pausan o alteran lo que parece un camino en línea recta.

El hervidero de Cádiz, como plataforma de apoyo al arte emergente de la Delegación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Cádiz, y la Asociación Cultural El hervidero (Gijón), acuerdan en 2009 el desarrollo de esta propuesta de colaboración a raíz de la coincidencia en sus nombres.

El hervidero de Cádiz toma como representantes artísticos para dicha colaboración al colectivo Arte 90. La asociación Cultural El hervidero cuenta con la subvención de la FMCUP de Gijón y de la Consejería de Cultura del Principado de Asturias para el desarrollo de su propuesta

“Las zonas en ebullición, “los hervideros”, son zonas calientes donde cualquier cosa es posible, donde los cambios de estado, las vueltas atrás y los caminos se bifurcan, donde fluyen ritmos vivos y se agilizan las sensaciones, donde la línea recta desaparece para convertirse en otra cosa capaz de desplegarse en múltiples direcciones”

Con esta propuesta expositiva, desde El hervidero gijonés, manifestamos nuestra intención de seguir creando conexiones y de mantener abierta una línea de colaboraciones e intercambio a modo de Traslaciones.

Promueve: El hervidero. Delegación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Cádiz
Subvencionan: Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular del Ayuntamiento de Gijón y Consejería de Cultura del Principado de Asturias.

DOCTORADO Y MASTER EN ARTES VISUALES
UNIVERSIDAD DE ÉVORA, Escuela de Artes
PORTUGAL

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MASTER EN ARTES VISUALES Y DIGITALES
MASTER EN DESIGN
Ecodesign / Comunicación / Industrial
DOCTORADO EN ARTES VISUALES

Especialidades:
Artes, Ciencias y Tecnologías
Investigación artística, media y estudios culturales
Metamedia y Design

Titulaciones oficiales Sistema Europeo de Bolonia
Candidatura: del 15.09 al 15.10.2010
Matrícula: entre 02 a 10.11.2010

UNIVERSIDAD DE ÉVORA, Escuela de Artes
Departamento de Artes Visuales y Design
(Portugal)

http://www.sac.uevora.pt/sac/estudos_pos_graduados
http://www.artesvisuais.uevora.pt

Doctorado en Artes Visuales
Especialidades:
_Artes, Ciencias y Tecnologías
_Investigación artística, media y estudios culturales
Metamedia y Design

Director: Dra. Claudia Giannetti
Contacto: cg@uevora.pt
http://www.artesvisuais.uevora.pt/UE_DoutorArtesVisuais2010.pdf

La transversalidad y la transdisciplinaridade son características esenciales de este Doctorado en Artes Visuales. La relación de las artes y las humanidades con las ciencias y las tecnologías es abordada en las tres especializaciones innovadoras, atendiendo a las tendencias más internacionales en las artes y el design. La tesis podrá ser tanto de índole teórica como teórico-práctica, con la realización de obras creativas. El programa tiene un total de 180 ECTS con una duración de tres años, de los cuáles 120 ECTS corresponden al desarrollo de la tesis y 60 ECTS corresponden al curso de doctorado (2 semestres en horario intensivo: primer semestre, clases cada 15 días viernes/sábado; y 2.º semestre, una vez al mes viernes/sábado). Su vocación de internacionalización se refleja en el cuadro docente, que incluye reconocidos profesores, vinculados a universidades o instituciones destacadas, tales como: Rudolf Frieling (SFMOMA, San Francisco Museum of Modern Art, EE.UU.), Siegfried Zielinski (Universidad de Artes de Berlin, UdK), Eduardo Kac (The School of the Art Institute of Chicago, SAIC), Lucia Santaella (PUC Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, Brasil), Aurora Fernández Polanco (Universidad Complutense de Madrid, Espanha), Dieter Daniels (Ludwig Boltzmann Institute Media Art Research, Linz, Áustria).


Master en Artes Visuales - Intermedia
Especializaciones:
_Artes Bidimensionales
_Artes Tridimensionales
_Artes Digitales

Directora: Dra. Claudia Giannetti
Contacto: cg@uevora.pt
http://www.artesvisuais.uevora.pt/UE_MestradoArtesVisuais2010.pdf

Este Master en Artes Visuales - Intermedia —que cuenta con siete ediciones consecutivas y que gana en esta edición impulso renovador— ofrece una formación especializada y centrada en la adquisición de conocimientos en la confluencia de las artes con los nuevos medios digitales. Un cuadro docente formado por especialistas de reconocido prestigio nacional e internacional favorecerá el posicionamiento de los alumnos en medios competitivos globales y las competencias equiparables a los más elevados niveles académicos europeos. El master abarca las áreas de sus formatos expandidos bi-, tridimensional y digital, fomentando sobre todo la formación en los campos de los sistemas interactivos y de la creación audiovisual multimedia, acompañada de conocimientos en las áreas teóricas y conceptuales más contemporáneas. Clases en horario intensivo (viernes/sábado) el primer año y desarrollo de proyecto el segundo año. Créditos: 120 ECTS.


Master en Design
Especializaciones:
_Gestión del Design, Ecodesign y Design para la Sostentabilidad
_Proyecto de Design de Comunicación
_Proyecto de Design Industrial

Directora: Dra. Inês Secca Ruivo
Contacto: isruivo@gmail.com / miruivo@uevora.pt
http://www.artesvisuais.uevora.pt/4_Mestrados/mestrado_design.htm

El Master en Design ofrece una formación especializada cuyo núcleo reside en la adquisición de conocimientos actualizados, transversales y específicos, que abarcan las áreas del design ecológico, design industrial y design de comunicación. Con clases presenciales durante el primer año en horario intensivo (viernes/sábado), el curso vincula las teorías contemporáneas con una componente práctica y tecnológica actualizada, consonante con las necesidades profesionales vigentes. Renovadas estrategias metodológicas de proyecto son exploradas en este Master mediante una visión pluridisciplinar de los conceptos de calidad e innovación. Créditos: 120 ECTS


Master en Ilustración
Especializaciones:
_Ilustración Científica
_Ilustración Artística

Contacto: maria.vilhena@isec.universitas.pt
http://www.universitas.pt

Este Master, promovido por el Departamento de Artes Visuales y Design de la Universidad de Évora en colaboración con el Departamento de Artes Gráficas del ISEC, es un curso esencialmente práctico que visa formar Ilustradores en dos áreas: la Ilustración Científica y la Ilustración Artística, tiendo como base común la comunicación visual. Parte de un núcleo de disciplinas teóricas comunes que visa introducir los profesionales en la problemática, la tradición y la estructura de la ilustración, desarrollando así la componente del pensamiento que la distingue de una actividad meramente ornamental. El curso es impartido en el ISEC en Lisboa. Créditos: 120 ECTS