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Mayo 31, 2010

MÉXICO ILUSTRADO. LIBROS, REVISTAS Y CARTELES (1920-1950)

imagen_u2.jpgDel 27 de mayo al 4 de julio de 2010
Comisario, Salvador Albiñana
Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat (MuVIM).

muvim@dival.es
www.muvim.es

La exposición “México ilustrado. Libros, revista y carteles (1920-1950)” -organizada por el MuVIM, Caja Mediterráneo y el Instituto Cervantes-, muestra por medio de 400 documentos la estrecha relación entre la cultura española y mexicana en la primera mitad del siglo XX y confirma que ésta no se ciñó exclusivamente al exilio republicano, sino que se manifestó con bastante anterioridad. Españoles en México, mexicanos en España, y la tarea de algunas editoriales en ambas orillas hilvanan ese intenso trato literario, artístico y de las industrias del libro, de la que la muestra ofrece los ejemplos de mayor importancia.

Antes de la Revolución mexicana y también durante ella, fueron muchos los artistas y escritores mexicanos que estuvieron en España. Valga la mención a Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Alfonso Reyes o Jaime Torres Bodet. Rivera pintaría el conocido retrato de Ramón Gómez de la Serna y Siqueiros publicó en Barcelona, en 1919, el primer y único número de la revista “Vida Americana”, primera llamada a las vanguardias latinoamericanas. La estancia en España de Alfonso Reyes (1914-1924), figura mayor de la literatura en lengua española, fue decisiva para soldar el trato entre ambas culturas. En Madrid se publicaría su Visión de Anahuác (1915) y su vinculación al Centro de Estudios Históricos propiciarían sus trabajos sobre Góngora que tanto influyeron en los gustos poéticos de la generación el 27 o del grupo mexicano de los Contemporáneos. A este grupo perteneció Jaime Torres Bodet, escritor y diplomático, algunos de cuyos primeros libros se publicaron en España en los años 20 y 30. También residente en Madrid hay que destacar la figura de Martín Luís Guzmán, tan cercano a Manuel Azaña. La estancia de Reyes sería decisiva en la creación de La Casa de España en México (germen del actual El Colegio de México) puesta en marcha en 1938 para acoger a intelectuales españoles de la que fue promotor y director. Tras el manifiesto de Siqueiros surgió el primer movimiento de vanguardia mexicano, el movimiento estridentista en cuyos manifiestos fue notable la influencia de autores españoles, como pone de manifiesto la investigación de Juan Manuel Bonet que se publica en el catálogo de la exposición.

Las editoriales españolas fueron decisivas en la difusión y éxito de las tres grandes novelas sobre la Revolución mexicana: Los de Abajo, de Mariano Azuela, comenzó a ser reconocida a partir de su publicación en Madrid (Biblos, 1927 y Espasa-Calpe, 1930); y El águila y la serpiente y La sombra del Caudillo, de Martín Luis Guzmán se editaron por vez primera en Madrid (Ciap, 1928 y Espasa Calpe 1930). En el mismo sentido, debe mencionarse que el texto que inauguró la editorial Cenit, una de las más importantes de las llamadas “de avanzada” fue El problema religioso en México, de Ramón J. Sender, publicado en 1928. El prólogo lo escribió Rafael Giménez Silés pero accedió a firmarlo Ramón del Valle-Inclán, ilustre invitado a las celebraciones mexicanas de 1921, quien en 1926 había publicado Tirano Banderas, una novela plagada de mexicanismos que consigue el efecto del habla coloquial americana.

Un apartado notable de la relación España-México es el protagonizado por el artista, impresor y editor Gabriel García Maroto. Gran divulgador en España de las experiencias artísticas promovidas por la Revolución, fue el responsable de la citada edición de Los de Abajo, de 1927. La novela de Azuela mereció los elogios de Ernesto Giménez Caballero, promotor de La Gaceta Literaria, revista y sello editorial que, al cuidado de Maroto, publicó en 1928 la Nueva antología de poetas mexicanos. La antología, ilustrada por Maroto, dio a conocer en el ámbito de la lengua española al decisivo grupo mexicano de los Contemporáneos. Maroto residió en México entre 1928 y 1934. Realizó el diseño de la revista Contemporáneos (1928-1931), publicación muy influida por la Revista de Occidente, y promovió diferentes experiencias educativas infantiles y populares que acompañó con excelentes publicaciones que se exhiben en la muestra. Estos ejercicios de pedagogía artística fueron amparados por Lázaro Cárdenas a quien Maroto dedicaría un libro –Hombre y pueblo, con cubierta de Josep Renau- apenas iniciado su exilio mexicano, en 1940.

En al capítulo de la relaciones literarias entre España y México, destaca la actividad de dos editoriales mexicanas en los comienzos de los años 30, editoriales “gourmets”, animadas por Edmundo O’Gorman, Justino Fernández y Miguel N. Lira, que publicaron obras de exquisita presentación y corta tirada muchas de las cuales se exhiben. Pueden destacarse la Oda a Walt Whitman (1933) de Federico García Lorca; La Fábula de Equis y Zeda y Poemas adrede (1932), de Gerardo Diego; Oscuro dominio (1934), de Juan Larrea; y Verte y no verte. A Ignacio Sánchez Mejía (1935), de Rafael Alberti. Con ese horizonte de estrecha relación entra las vanguardias españolas, mexicanas y latinoamericanas, se exhiben las ilustraciones que Federico García Lorca realizó en Buenos Aires para la obra Seamen Rhymes, del poeta mexicano Salvador Novo, publicada en 1934.

Por último, debe destacarse la importancia literaria, artística, cultural y editorial del exilio español de 1939, del que la muestra ofrece los ejemplos de mayor relieve. Junto a figuras como José Moreno Villa, Max Aub, Benjamín Jarnés, Agustí Bartra, Enrique Díez-Canedo, Juan Rejano o Pedro Garfías, destaca la tarea editorial animada por Manuel Altolaguirre y José Bergamín. México ilustrado pretende cubrir parcelas de la actividad literaria y gráfica no bien atendidas y en tal sentido presenta una sección dedicada a la literatura infantil, un ámbito en el que la aportación del exilio fue determinante para la normalización de un género didáctico y festivo y una actividad editorial. Así lo pone de relieve la obra de Salvador Bartolozzi y de Antoniorrobles. Entre los artistas merecen especial mención Josep Renau y Miguel Prieto, cuyo tarea en la profesionalización de la figura del diseñador gráfico fue decisiva. Renau impulsó y modernizó la industria de la publicidad y del cartelismo cinematográfico y Prieto renovó la prensa cultural mexicana como recuerda su espléndido trabajo en “México en la cultura”, suplemento del diario Novedades comenzado a publicar en 1949. Cerrando la cronología de la exposición se exhibe uno de los trabajos mayores de Prieto como diseñador, el Canto General (1950), de Pablo Neruda, con guardas de Diego Rivera y David Alfaro Sequeiros, un buen ejemplo de la intimidad entre las vanguardias españolas y americanas a lo largo de la primera mitad del siglo XX.


Otras exposiciones en el MuVIM:
El espíritu futurista en la publicidad italiana. Selección del Massimo&Sonia Cirulli Archive. New York (27 de mayo al 12 de octubre).
Nevando tinta. Fernando Medina (27 de mayo al 12 de octubre).
La Aventura del Pensamiento (todo el año).

ESPACIO ABISAL / PROGRAMACIÓN EXPOSITIVA SEGUNDO SEMESTRE 2010

w3art12_u.jpgEspacio Abisal elabora su programación en base a proyectos expositivos y de comisariado seleccionados por su alto grado de experimentación dentro de los discursos de la cultura contemporánea, haciendo especial hincapié en proyectos individuales de artistas locales jóvenes y en proyectos colectivos. La programación de 2010 está destinada a dar visibilidad a diferentes formas y procesos de trabajo y permitir su permeabilidad dentro del contexto expositivo.

www.espacioabisal.org/es/





ESPACIO ABISAL
PROGRAMACIÓN EXPOSITIVA SEGUNDO SEMESTRE 2010

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Espacio Abisal elabora su programación en base a proyectos expositivos y de comisariado seleccionados por su alto grado de experimentación dentro de los discursos de la cultura contemporánea, haciendo especial hincapié en proyectos individuales de artistas locales jóvenes y en proyectos colectivos.


Del 1 al 7 de junio / AMORPHOPHALLUS TITANUM
Santiago F. Mosteyrín

Santiago F.Mosteyrin es artista y biólogo. Su trabajo se centra en procesos de creación vinculados al dibujo y la animación. Afincado en Bilbao desde 2009, permanecerá en Espacio Abisal durante 72 horas (repartidas durante una semana a razón de 8 horas de trabajo al día) dibujando sobre el muro de la sala una AMORPHOPHALLUS TITANUM, planta carnívora cuyo período vital es, precisamente, de 72 horas.


Del 12 al 30 de junio / DANGER.
Usune Bravo + Alba Burgos + Ibai Diaz + Inés García

Cuatro artistas locales, un trabajo colectivo de una semana, un mes de producción, una lista de correo y un espacio: un proceso basado en la convivencia que extirpará los desos, los miedos, las fobias y los pánicos para ser lanzados a bocajarro contra el espacio expositivo.


Del 3 de junio al 23 de julio / FOREWORD CUBISTA
Mariano Mayer, Gastón Pérsico y Cecilia Szalkowicz

Todo proceso de traducción resulta permeable y esta cualidad permite que en su pasaje muchas cosas queden fuera o se incorporen otras. En ningún caso se trata de una traslación directa sino de un proceso de creación, cuyo resultado produce un desplazamiento diferente. El proyecto FOREWORD CUBISTA en su totalidad puede ser visto como un comentario tanto sobre los mecanismos de producción del campo del arte y la necesidad de generar nuevas situaciones y herramientas como sobre las diferentes proposiciones que un mismo trabajo es capaz de contener.


Agosto / PROCESOS (Fase I)
Del 4 al 24 de septiembre / PROCESOS ( Fase II)

Entendiendo que muchos procesos de trabajo en arte no siempre terminan en la formalización de una pieza y que resulta complicado trasladar este tipo de problemáticas al espacio expositivo, Abisal plantea a un grupo de artistas centrados en el trabajo en escultura generar una dinámica colectiva de trabajo sin llegar a anular la naturaleza específica de su proceso. Para ello se cederá el espacio para un uso como taller durante el mes de agosto (Fase I) y a principios de septiembre se abrirá al público (Fase II). No habrá guía, jerarquía, motor o motivo, ni tampoco se contempla el proyecto como un trabajo de didáctica ni mediación. El ejercicio toma lugar allí donde desaparece la exposición.


Del 1 al 3 de octubre / CORRESPONDENCIA DESDE EYJAFJALLAJÖKULL

Espacio Abisal acoge una de las sesiones de trabajo del grupo de investigación “Correspondencia desde Eyjafjallajökull”, formado por Regina de Miguel, Luz Broto, Lorenzo Sandoval, Javier Fresneda, Carlos Fdez Pello, Antonio R Montesinos, Edu Hurtado y Teresa Solar. El objetivo de este grupo es analizar la identidad europea mediante el análisis procesual de las relaciones existentes entre geomorfología, paisaje, política o sociología. El grupo de investigación se articula a partir de una herramienta web, el envío de documentos mediante correo postal y un conjunto de sesiones de trabajo no periódicas.


Del 9 al 29 de octubre / PROYECTOS: ARCHIVO/LECTURA/TALLER
Pepe Miralles

Pepe Miralles, Jávea (Alicante), 1959. Trabaja como artista visual y es profesor de proyectos de la Facultad de Bellas Artes de Valencia. Su línea de trabajo se vincula a proyectos de intervención, acción e instalación. Es un artista de destacado recorrido nacional e internacional y actualmente lleva a cabo trabajos relacionados con la documentación y la recogida de datos. En Abisal rescatará todos aquellos proyectos que, desde 2000, permanecen ocultos en su archivo y procederá a “sacarlos del armario” bajo un formato de lectura/conferencia que además servirá como espacio-taller para un grupo de alumnos de segundo ciclo de Bellas Artes.


Del 6 al 26 de noviembre / FESTIVAL MUSIKA EX MAXINA
MEM

MEM defiende la pluridisciplinaridad a través de proyectos transgresores en un momento en el que la creación toma pocos riesgos. MEM combina lo internacional con lo local buscando un diálogo fructífero entre los diferentes artistas participantes; acercar a Bilbao propuestas que se hacen en otros puntos del planeta y a la vez mostrar dentro del mejor marco algunas de las producciones locales más interesantes. El modo en el que MEM presenta y trabaja es una parte importante de su apuesta e identidad. MEM es un festival organizado desde y para Bilbao, es por esto que su identidad y campo de interés están totalmente ligados al de la ciudad.


Del 4 al 24 de diciembre / NADIA BARKATE

Nadia Barkate presenta un proyecto específico para Abisal. Se trata de una artista que milita en el dibujo y cuenta ya con un recorrido significativo, siendo uno de los más claros exponentes de la nueva remesa de artistas vascos. Ha participado en exposiciones colectivas en Carreras Múgica, Windsor Kulturgintza, Sala Rekalde o La Casa Encendida. Actualmente es becaria del Centro Cultural Montehermoso de Vitoria-Gasteiz y recientemente ha presentado KO, una publicación que reúne parte de sus últimos trabajos.


Del 8 al 28 de enero / DIÁLOGOS I
Javier Fresneda + Juan Zamora

Dos artistas cuya trayectoria les ha llevado a ser exponentes claros del panorama artísitico contemporáneo español, cuyas biografías están unidas por la amistad pero cuya obra tiene pocos puntos en común. Estas son las coordenadas de DIALOGOS I con Juan Zamora y Javier Fresneda, un proyecto con el que Abisal quiere poner en contacto a dos artistas para que trabajan conjuntamente en la elaboración de un proyecto expositivo con el objetivo de que el resultado no evidencie los procesos ni de uno, ni de otro.

Mayo 27, 2010

TALLERES DE PAISAJE

talleres2010_u.jpgDEL 28 DE SEPTIEMBRE AL 3 DE OCTUBRE DE 2010

Los sonidos del paisaje: escuchar Blanca.
Taller de José Iges

Ritual Comida Cultura: Blanca
Taller de Antoni Miralda

www.espacioav.es/





El Ayuntamiento de Blanca y la Comunidad Autónoma de la Región de Murcia co-organizan dos talleres de paisaje que se celebrarán en Blanca durante el mes de septiembre. Los talleres serán impartidos por José Iges y Antoni Miralda. Se pretende analizar el concepto de paisaje bajo perspectivas contemporáneas diferentes y bajo el prisma de personalidades definidas y consolidadas en la práctica y teoría del paisaje en su más amplia acepción; un género histórico que hoy se encuentra en la diana del arte contemporáneo.


Los sonidos del paisaje: escuchar Blanca.
Taller de José Iges

José Iges (Madrid, 1951) http://joseiges.com\ Compositor y artista sonoro e InterMedia. Su actividad está fuertemente marcada por la creación radiofónica y por una dramaturgia del espacio donde la obra se exhibe y desarrolla. Comisario de exposiciones internacionales en torno al arte sonoro y la instalación sonora, ha dirigido tambiién ciclos de conciertos sobre música contemporánea y ha sido coordinador de eventos, publicaciones y encuentros sobre arte radiofónico. Asimismo realiza talleres, cursos, conferencias, ensayos y artículos sobre esas materias en diversos países.

Objetivos del Taller
“El término "paisaje sonoro" tiene ya más de 30 años de antigüedad. Como disciplina analítica se vincula a la ecología acústica y al estudio del medio ambiente, mientras como género artístico forma parte del Arte Sonoro. A partir de un acercamiento a la historia de ese género y de algunas de sus obras representativas, se propone aquí escuchar Blanca y su rico entorno natural haciendo uso del trabajo de campo y de la toma de sonido con criterios artísticos. El posterior análisis, manipulación y montaje de las muestras recogidas tendrá como objetivo realizar trabajos prácticos que podrían mostrarse bien como obras sonoras en soporte CD, como intervenciones puntuales, como instalaciones o en forma de concierto o performance.

Horario: intensivo de mañana y tarde


Ritual Comida Cultura: Blanca
Taller de Antoni Miralda

Terrassa (Barcelona), 1942. Inicia sus estudios, en 1962, en la Escuela Textil de Tarrasa y en el Centro de Estudios Pedagógicos de Sevres, París. En 1966 se instala en París, trasladándose posteriormente, en 1972, a Nueva York. En 1978 obtiene la Beca Juan March para asistir al Center of Advanced Visual Studies y al Institute of Technology de Massachussets, la Beca del Comité Conjunto para Asuntos Culturales en 1981, y la Council on the Arts en 1984. Sus primeras obras tienen un marcado carácter objetual de resonancias políticas pacifistas. En 1972 forma equipo con Dorotheé Selz, adentrándose, mediante obras mixted media y happenings en la idea de rito y de la comida. Miralda esboza un panorama gastronómico de la sociedad post industrial marcado por la desaparición de los particularismos en favor de la uniformidad internacional y ofreciendo una forma participativa del comportamiento social en donde el grupo humano se reúne en torno a la mesa. En 1990 presenta en la Bienal de Venecia su Honeymoon Proyect, consistente en la puesta en escena del enlace entre la estatua de Colón de Barcelona y la Estatua de la Libertad neoyorquina.

Objetivos del taller
En Antoni Miralda el paisaje se entiende como tejido humano, como ámbito donde se establecen las relaciones y los rituales. En las últimas décadas su trabajo se ha centrado en las relaciones entre la comida y la cultura, cuestión que el taller pretende profundizar en el espacio específico de la población murciana de Blanca.


Horario: intensivo de mañana y tarde


INSCRIPCIONES:

Número de plazas: 15 alumnos por taller

Requisitos para la pre-inscripción: Currículum actualizado y dossier fotográfico de obra. Al término de la selección se devolverá la documentación.

Documentación adjunta: Nombre y apellidos. Dirección. Teléfono de contacto. Dirección de correo electrónico.

Enviar al Departamento de Artes Visuales. Espacio AV, C/ Santa Teresa 14, 30005 Murcia, Tel.: 968 93 02 02, Fax: 968 93 02 02, e-mail: rosa@espacioav.es, hasta el 10 de julio de 2010.

Importe del taller:
Sólo la matrícula 150 €
Matrícula más alojamiento y comida: 300 €

Que deberán ingresar los candidatos seleccionados antes del 10 de septiembre en la siguiente cuenta de la Caja de Ahorros del Mediterráneo: 2090 0106 36 0064000196

Becas: Se prevén ocho becas de matrícula, alojamiento y manutención por cada taller.

Peticiones de solicitud de beca:
Departamento de Artes Visuales
Espacio AV
C/ Santa Teresa 14
30005 Murcia
tel. 968 93 02 02
Fax: 968 93 02 02
e-mail: rosa@espacioav.es

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Mayo 26, 2010

Ciudadanos
El nacimiento de la política en España, 1808-1869

Ciudadanoscartel_u.jpgExposición
Del 26 de mayo al 12 de septiembre de 2010
Comisarios: Emilio La Parra, María José Millán

La Nau, Centre Cultural de la Universitat de València.
Salas Estudi General y Thesaurus

www.uv.es/cultura
www.secc.es
www.fpabloiglesias.es

Introducción
Con motivo del bicentenario de la Constitución de 1812, la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), bajo la coordinación del Ministerio de Cultura, la Fundación Pablo Iglesias y el Consorcio para la Conmemoración del Bicentenario de la Constitución de 1812 han organizado, con la colaboración de la Universitat de València, la exposición Ciudadanos. El nacimiento de la política en España, 1808-1868, que recrea de manera rigurosa, pero con intención divulgativa, el nacimiento de la política moderna en España.
Emilio La Parra y María José Millán, son los comisarios de esta exposición que reúne más de doscientas piezas de la más diversa procedencia y significación: grabados, manuscritos, láminas, estampas, esculturas, enseres, mobiliario, prensa, medallas, etc… que reflejan el momento en que se comienza a considerar en un marco nacional que las formas institucionales, jurídicas e ideológicas del poder no son inmutables ni de carácter sagrado (como se concebía en el Antiguo Régimen), sino que están fundadas sobre el principio de la soberanía nacional. Por tanto, pueden ser contestadas y es legítimo intentar conquistar el poder.
El nacimiento de la política moderna, que surge como resultado de la dialéctica revolución-contrarrevolución que se impuso en España (y en Europa) durante la primera mitad del siglo XIX, corresponde a una manera de concebir la organización de la sociedad fundada en el individuo. En consecuencia, los lazos sociales, que en el Antiguo Régimen quedaban ligados al grupo al que cada persona pertenecía, se convierten en relaciones de carácter asociativo, establecidas de forma voluntaria por los individuos. Surgen, así, nuevas formas de sociabilidad que no reciben su legitimidad de la costumbre, sino de la libre voluntad de los individuos.


Guión expositivo:
El recorrido por la exposición, dividida en cuatro secciones, permite seguir cronológicamente la evolución de la política española entre 1808 y 1868 y, al mismo tiempo, conocer a los grandes protagonistas de la politización como la aparición de nueva terminología política, los nuevos lugares y maneras de difundir la política, los nuevos sectores de la población activos políticamente y las nuevas herramientas para el desempeño de la nueva política:

1) El principio de Soberanía Nacional
2) Espacios y formas de sociabilidad
3) Los agentes sociales
4) Los instrumentos de la actividad política


Una exposición didáctica:
La exposición tiene una clara intención divulgativa. De ahí que se hayan diseñado elementos gráficos que sitúan al visitante en el periodo y le ofrecen información complementaria en cada una de las secciones. Además, se han instalado 7 pantallas táctiles a lo largo de todo el recorrido. Cinco de ellas están dedicadas a las pinturas elegidas como imagen de cada bloque; a través de las pantallas se accede a información sobre el autor y la obra así como a datos complementarios sobre el bloque de contenido. Las pantallas permiten también a los visitantes ampliar las obras para observar sus detalles. Las pinturas elegidas son:
Ricardo Balaca y Orejas Canseco: El café. Museo de Bellas Artes de Bilbao (Introducción)
Francisco de Goya: España, el tiempo y la historia. Museo Nacional de Estocolmo (El principio de soberanía nacional)
Manuel Rodríguez Guzmán: Los aguadores. Museo Nacional del Prado (Espacios y formas de sociabilidad)
Antonio Gisbert: El fusilamiento de Torrijos. Museo Nacional del Prado (Los actores sociales)
Eugenio Lucas Velázquez: Una escena parlamentaria en el hemiciclo de las Cortes. Congreso de los Diputados (Los instrumentos de la actividad política)
La muestra se completa con dos pantallas “pasapáginas” donde se puede consultar y leer la prensa de la época y las Constituciones aprobadas entre 1808 y 1869. Por último, un audiovisual, proyectado en una gran lona colgada del techo, repasa el contenido de la exposición en imágenes.


Catálogo
El catálogo que acompaña a la muestra incluye textos de los máximos especialistas en la Constitución de 1812, como Emilio La Para López, Politización y movilización popular en España; Manuel Pérez Ledesma, La invención de la ciudadanía moderna Universidad Autónoma de Madrid; Jean-Philipe Luis, España y los modelos occidentales de nacimiento de la política moderna; José M. Portillo Valdés, El nacimiento de la política moderna en el Atlántico hispano; Juan Francisco Fuentes, La sociabilidad política. Espacio público y parcelas de libertad; María Cruz Romero Mateo, Un fenómeno no previsto: los partidos políticos; Alberto Ramos Santana, Constitución y sufragio: el ejercicio de la política en España, y Alberto Romero Ferrer, “Libres nacimos, libres moriremos”: la literatura como vehículo de politización. El volumen se cierra listado de las piezas de la muestra.


ORGANIZAN: Consorcio para la Conmemoración del Bicentenario de la Constitución de 1812, Fundación Pablo Iglesias, Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales Y la Universitat de València

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Fundación Pablo Iglesias

COORDINACIÓN: Óscar Martín (Fundación Pablo Iglesias); Norberto Piqueras (Universitat de València); Manuel Mortari (SECC)


La Nau, Centre Cultural de la Universitat de València.
Salas Estudi General y Thesaurus
C/ Universitat, 2
46003 València.
Tel. 963864377.
www.uv.es/cultura

HORARIO DE VISITA:
De martes a sábado de 10 a 14 horas y de 16 a 20 horas
Domingos de 10 a 14 horas
ENTRADA LIBRE

Mayo 25, 2010

PRAE -Propuestas ambientales educativas-, VALLADOLID, presenta: 'Revolviendo en la basura. residuos y reciclajes en el arte actual'

MarkDionFieldworkInt_U.jpgHasta el 5 de septiembre 2010
Miércoles, 26 de mayo, 18:30 hs.
Visita comentada con el comisario de la muestra

Exposición coproducida por:
Koldo Mitxelena kulturunea, San Sebastián
y CDAN. Centro de Arte y Naturaleza
Fundación Beulas. Huesca

Complejo PRAE
Cañada Real, 306
47008 - VALLADOLID
Tel. (+34) 902.350.010
www.praecyl.es

PRAE, Propuestas Ambientales Educativas
Fundación Patrimonio Natural
Consejería de Medio Ambiente
Junta de Castilla y León

Artistas: Basurama; Donna Conlon; Mark Dion; Regina José Galindo; Chus García-Fraile; Chris Jordan; Vik Muniz; Ester Partegàs; Diet Wiegman

Comisario: Seve Penelas


¿Basura? Sí. Pero ni huele mal, ni hay detritus orgánicos que resulten nauseabundos. Ni siquiera gráficas y estadísticas de consumo y de cuántos kilos o toneladas se generan por persona, día, país, etc.; ni comparativas de tasas municipales por el servicio de limpieza; ni nuevas ordenanzas europeas sobre futuros contenedores para nuestras calles. Por no haber, no hay intención de sacar conclusiones de fondo que quieran provocar lamentos apocalípticos y catastrofistas o, al contrario, utopías visionarias con la esperanza vestidita de verde. Tal vez no lleguen a encontrar ninguna moralina sobre cómo comportarse para ser unos ciudadanos más limpios, más armónicos con la naturaleza. Somos humanos y, de momento, no parece que seamos capaces de ponernos de acuerdo en redactar un manual de instrucciones para que coexistan el desarrollo y el bienestar, de una manera contenida y sostenible, en este planeta superpoblado y sobresaturado.

Todos estos aspectos citados tienen que estar ya interiorizados en nuestros pensamientos. Y todas esas funciones nos corresponden por igual a todos, como sociedad, como comunidad. Con las instituciones que nos administramos y con la educación que nos proporcionamos, desde pequeños, a través de la familia y de la escuela. También a través de proyectos como el del PRAE (Propuestas Ambientales Educativas), de Valladolid, que produce, acoge y amplía propuestas ambientales educativas entre las que también tiene cabida el camino del conocimiento que supone el arte contemporáneo.

Ésta es, pues, una exposición de arte actual, con lo que implica de toda su libertad creativa, en torno a las nociones de basura, residuos y reciclajes, y cómo son abordadas, formal y conceptualmente, a través de las obras de 9 artistas, muy diferentes, pero en cuyo trabajo dichos temas son motivo habitual.

Hay un total de 26 obras en materiales, soportes y formatos diversos: desde fotografías y vídeos, hasta esculturas con ensamblajes de menaje de cocina que proyectan una sombra sorprendente, pasando por instalaciones con contenedores de basura de colores o túneles de invernadero como laboratorios de trabajo de campo y clasificación de basura del río Támesis. Son invitaciones y miradas con perspectivas a veces lúdicas, a veces críticas, algunas con afán de archivo, otras de belleza sublime, también duras, e incluso, cómo no, mágicas. Todas entran por los ojos y por el resto de los sentidos, pero es en la cabeza, y en nuestras actitudes, donde al final nos gustaría que anidaran. Para que el pájaro no deje nunca de cantarnos al oído en los paisajes del PRAE.


SINOPSIS, ARGUMENTOS Y GENEALOGÍAS PREVIAS

Arte y ciencia, cultura y naturaleza, espacio y ambiente, forma y materia, ideas y sensaciones, educación y conocimiento, preguntas y respuestas... La enumeración de duettos podría ser interminable, pero siempre complementarios. Y es en el espíritu de esta secuencia donde se inscribe la razón de ser para que esta exposición de arte actual se presente en las salas del PRAE, Propuestas Ambientales Educativas, de Valladolid. Un centro joven, abierto y transparente, que amplía sus propuestas para ofrecer más estímulos a la sociedad, y con la audacia de su equipo es capaz de invertir y descubrir nuevas miradas, acogiendo la aparente oscuridad de la basura entre el luminoso verde que les rodea.

Las reacciones ante la basura suelen tener un carácter peyorativo o nauseabundo, lo que delata un conflicto interiorizado desde las entrañas. Somos conscientes de los procesos de la materia que nos constituye y rodea, empezando por nuestra propia corporalidad como organismos vivos, pasando por diferentes grados en la naturaleza, construcciones técnicas, producciones industriales, objetos manufacturados, para terminar en la fase de uso, gasto y deterioro que enlazan otra vez el arranque del ciclo. Esta dinámica genera sus desajustes entre población, recursos, producción, desórdenes en el consumo y, por extensión, residuos como síntomas ante los que muchas veces no sabemos cómo reaccionar, o que acabamos por esconder bajo la alfombra mientras miramos hacia otro lado.

La mirada del arte es poliédrica, y aunque abunden las connotaciones positivas –excelencia, belleza, orden, gracia, etc.–, la visión relacional de los artistas ha querido mirar bajo la alfombra. Durante el siglo XX, desde los collages y ensamblajes con restos y objetos encontrados del cubismo, dadaísmo o surrealismo, hasta las prácticas del pop art, arte conceptual, land art, arte povera y otras tendencias de los años 60-80, que hicieron de lo matérico, de lo orgánico y de los trances entre lo natural y lo producido el foco de sus intereses, lo cierto es que la idea de residuo no resulta extraña a la creación artística.

En consecuencia nos encontramos también con el término reciclaje, familiarizado a partir de la crisis energética de 1973 y las alarmas del movimiento ecologista. Desde entonces, reciclar se ha convertido en un comodín que aplicamos tanto a nuevos ciclos de utilidad tras el tratamiento selectivo de los residuos, como a la idea de que un artista recicle su obra. Ya sea para resultar más eficaz ante las exigencias de continua novedad enraizadas en la actividad artística, así como en el circuito expositivo y el mercado de la experiencia estética.

Entre residuos y reciclajes fluctúa esta exposición, sustentada en las obras de nueve artistas, en cuyas trayectorias la noción de basura ha sido abordada, significativamente, a través de diversas propuestas técnicas, formales y conceptuales. Desde el horror vacui que rebosa la sociedad de consumo (fotografías de Chris Jordan y vídeos de Donna Conlon), hasta las resignificaciones en ingeniosos resultados visuales (fotografías de Vik Muniz, escultura proyectada de Diet Wiegman e instalación de contenedores de Chus García-Fraile), pasando por el factor más crítico y de denuncia ante la degradación del medioambiente, combinado con la audacia, la ironía, el extrañamiento y la poética (fotografías de Ester Partegàs, vídeos de Basurama y Regina José Galindo, e instalación de Mark Dion). Con sus obras y argumentos, la presente exposición quiere invitar a la reflexión y al debate, revolviéndose en una trama de dobles direcciones y sentidos:

ARTE como valor de excelencia y calidad < > ARTE como valor del exceso superfluo.
RESIDUOS como restos con memoria < > RESIDUOS como desechos inútiles.
RECICLAJE como reutilización sensata < > RECICLAJE como aprovechamiento falaz.
ARTE como RECICLAJE de RESIDUOS < > RECICLAJE de RESIDUOS como ARTE.

Seve Penelas


Información general:
Complejo PRAE
, Propuestas Ambientales Educativas
Cañada Real, 306 · 47008 - Valladolid.
Martes a viernes 10:00 a 14:00 h. / 16:00 a 20:00 h.
Sábados y domingos: 10:00 a 20:00 h.
Lunes: cerrado (excepto festivos)
www.praecyl.es


[Imagen: Mark Dion. Vista interior de la instalación Fieldwork 4. 2007.]

SEMINARIO DE JUAN ANTONIO SUÁREZ
El underground: sexualidad, materialidad, cine

flamingcreatures-exotic-shots_u.jpg25 y 26 de mayo
CENDEAC
Asistencia libre y gratuita

www.cendeac.net

Seminario

Este seminario tiene una vertiente histórica y otra teórica. Por un lado quiere completar la visión, algo parcial, que aún tenemos del cine underground estadounidense de los años sesenta. El conocimiento actual de este cine está centrado en unas pocas figuras relativamente bien estudiadas, aunque de forma parcial, figuras como Andy Warhol, Kenneth Anger y Jack Smith. Sin embargo, estos tres autores fueron parte de una amplia corriente en la vanguardia de la época, que comprende muchas otras figuras que aún permanecen sin estudiar plenamente (Marie Menken, los hermanos Kuchar, Ron Rice, Gregory Markopoulos, Warren Sonbert, José Rodríguez Soltero, y muchos otros).
Además su cine linda con los inicios de la performance, con los primeros happening e instalaciones, el arte conceptual, el minimalismo, el arte sonoro de John Cage, David Tudor, Dick Higgins, y sus seguidores, y tiene además importantes conexiones con la utilización de la cibernética y las tecnologías de la información para usos artísticos, algo concretado en organizaciones como E. A. T (Experiments in Art and Technology), liderada por Billy Klüver, que llevó a cabo la famosa serie de eventos, Nine Evenings: Theater and Engeneering. Estas conexiones sitúan el cine experimental de los sesenta en un contexto de amplia hibridación trans-mediática donde se mezclan los impulsos artísticos con los políticos y con los intentos de redefinir la vida pública, los espacios urbanos, y los usos del conocimiento en contra de una sociedad tecnocrática y funcionalista.

Además, el underground fue un cine polisexual, acompañado por choques frontales con la censura. Para algunos autores, se trata de un cine que apunta al nacimiento del movimiento gay y lésbico, que surge a partir de la revuelta de Stonewall en 1969, y que, por tanto, supone un importante paso adelante en la progresiva liberalización de sexualidades anteriormente proscritas. Sin embargo, las sexualidades que encontramos en este cine no se ajustan a los modelos identitarios que emergen de Stonewall. El underground no buscó despenalizar las sexualidades marginales para integrarlas en la vida social, sino que acentuó su carácter marginal e inasimilable, refractario a todo proyecto colectivo. Pero además, este cine subrayó el carácter inestable de la sexualidad como una fuerza que no es necesariamente confesional ni personal, sino más bien una pulsión supra-individual que se proyecta sobre materiales, sustancias, espacios, y geografías, creando conjunciones inéditas, algunas de las cuales explorará este
seminario: la Factory y la anfetamina; los hermanos Kuchar y los plásticos; Maríe Menken, la materia y la repetición; Kenneth Anger, William Burroughs y la mecánica queer; Jack Smith, Helio Oticica y el tropicalismo; Warren Sonbert, el afecto y el desplazamiento. Al explorar estas conexiones, el seminario busca ampliar el campo de la teoría queer al introducir en el radio de análisis elementos (el ruido, la repetición, la materia, el espacio) cuyas latencias sexuales apenas han sido analizadas.


Biografía

Juan Antonio Suárez es Profesor Titular de Literatura Norteamericana en la Universidad de Murcia. Es doctor en Literatura Comparada por Indiana University y ha sido profesor invitado en el Departamento de Estudios de Cine en la Universidad de Nueva York. Ha escrito sobre el cine y la literatura de vanguardia, a menudo desde una perspectiva queer. Es autor de los libros Bike Boys, Drag Queens, and Superstars (Indiana UP 1997), sobre el cine underground, Pop Modernism (University of Illinois Press 2007) y Jim Jarmusch (University of Illinois Press 2007). Sus artículos han aparecido en revistas como New Literary History, Journal of American Studies, Grey Room y GLQ: A Journal of Lesbian and Gay Studies, entre otras, y ha colaborado en numerosos volúmenes editados, entre ellos Experimental Cinema: The Film Reader (Routledge 2002), Film and Television after 9/11 (Southern Illinois University Press 2004), StillMoving: Between Cinema and Photography (Duke UP 2008), Malas Calles (IVAM 2010) y Manhattan--Mixed Use (MNCARS/MIT Press, julio de 2010). Ha comisariado programas de cine para la Filmoteca de Zaragoza, el CCCB y Tate Modern.

Mayo 21, 2010

Buscando comisario para la Sala de Arte Joven 2011

BuscandocomisarioSalaArteJoven_u.jpgConvocatoria para la Sala de Arte Joven
Para ciudadanos residentes en Madrid y menores de 35 años
Hasta el 3 de septiembre de 2010
Más información: www.madrid.org

La Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid convoca por segunda vez el concurso de selección de comisario para la Sala de Arte Joven, sita en la Avenida de América 13 y dependiente de la Comunidad de Madrid.

Esta convocatoria nació con el objetivo de crear un espacio de referencia, reflexión y debate sobre las manifestaciones artísticas más innovadoras en las que vienen trabajando los jóvenes creadores madrileños. El comisario de esta sala será el encargado de realizar la programación para 2011, presentando una panorámica de la creación artística emergente en la Comunidad de Madrid.

Para participar en la presente convocatoria se deberá presentar un proyecto, antes del 3 de septiembre de 2010, con la programación de exposiciones temporales durante el período de enero a julio de 2011 y ajustándose al presupuesto marcado en las bases. El comisario podrá elegir el número de exposiciones y el formato de éstas, siempre dentro de los límites de calendario y presupuestarios definidos en esta convocatoria.

Las propuestas presentadas, mayoritariamente con obras de artistas residentes o trabajando y exponiendo en la Comunidad de Madrid, podrán versar sobre cualquier disciplina artística y deberán demostrar un alto grado de conocimiento del panorama artístico madrileño. Se valorarán muy positivamente aquellas que experimenten con nuevos formatos expositivos, así como el desarrollo de actividades paralelas tales como: conferencias, visitas guiadas, mesas redondas, talleres…


+ Info
www.madrid.org
Tfno.: 91 720 82 32.


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Mayo 20, 2010

Nuevos: Grado en Arte Electrónico y Digital/Grado en Artes Escénicas y Mediáticas.

La apuesta innovadora de la Universidad Europea de Madrid.

La nueva Facultad de Artes y Comunicación de la Universidad Europea de Madrid, de acuerdo a su filosofía creativa e innovadora, ofrece dos nuevos grados dentro de su portfolio: el Grado en Arte Electrónico y Digital* y el Grado en Artes Escénicas y Mediáticas*.

www.uem.es

El Grado en Arte Electrónico y Digital*, es un claro ejemplo de la transversalidad que la Universidad Europea de Madrid implanta en la formación de sus estudiantes: nace con el objetivo fundamental de formar profesionales de alto nivel capaces de moverse con destreza en el territorio de intersección entre las prácticas artísticas, las tecnologías electrónicas y la comunicación digital.

El programa del Grado ha sido diseñado pensando en los apasionados de la aplicación de la tecnología y la ingeniería al arte, la comunicación y el ocio digital, pero también en todos aquellos que conciben el arte como creación digital (medios interactivos, vídeo digital) y necesitan adquirir los conocimientos científicos y tecnológicos imprescindibles para poder desarrollarlos.
Como graduado en Arte Electrónico y Digital, el estudiante obtendrá una formación híbrida entre artes y ciencias, con todas las competencias artísticas y tecno-científicas necesarias para destacar en diferentes ámbitos profesionales, como:
_ Sector nuevos medios (creación de arte digital actual, generación y difusión de contenidos multimedia sobre diversos tipos de soportes y formatos, dirección y desarrollo de proyectos multimedia).
_ Sector audiovisual (diseño, dirección y desarrollo de proyectos para estudios y productoras audiovisuales de música, radio, televisión digital, dirección de arte, fotografía digital, cine digital, animación clásica e infografía).
_ Sector de los juguetes y los videojuegos (juguetes electrónicos, juguetes con interactividad, juegos para los nuevos dispositivos como móviles, consolas, set-on-boxes, etc.).
_ Sector Informática (usabilidad y diseño de interfaces de usuario de nueva generación, programación de aplicaciones multimedia e interactivas en diversos escenarios tecnológicos).
_ Sector publicitario (creatividad publicitaria, fotografía publicitaria, asesoramiento técnico, etc.).
_ Sector editorial clásico y digital (libros digitales e interactivos, empresas editoriales de revistas, periódicos y libros, discográficas, páginas web, etc.).
_ Sector de ocio y entretenimiento (parques temáticos, asesoramiento visual, diseño y producción de objetos, atracciones mecánicas y digitales, etc.).
_ Sector del diseño (gráficas, de producto, de moda, de interiores, etc.).
_ Sector de la construcción (hogar digital, ciudades digitales, domótica, ocio en el hogar, consultorías de arquitectura, urbanismo, arte público, arquitecturas efímeras, decoración, etc.).
_ Sector de la ingeniería (asesoramiento visual, dirección de proyectos con gran impacto visual, etc.).
_ Sector turístico (planes de excelencia turística, planificación de eventos, montaje de recintos feriales, etc.).
_ Sector educativo (docencia en enseñanzas infantiles, medias, universitarias, academias privadas, etc.).
_ Sector cultural (patrimonio, museos, exposiciones, eventos culturales, crítica de arte, industrias musicales, teatro, danza).


El Grado en Artes Escénicas y Mediáticas*, innovador en cuanto a que es la primera universidad en España que imparte un grado oficial de estas características, nace con el propósito de formar a los futuros actores, directores y gestores que protagonizarán el sector de la escena y los medios en el futuro.
Está dirigido a aquellos estudiantes que quieren tener una formación universitaria en esta área, incluyendo aquellos que, sin tener una preparación académica previa, su vocación les lleve a querer prepararse profesionalmente en una institución universitaria.
La formación interdisciplinar de este Grado, reflejada en sus tres módulos básicos (interpretación, dirección y gestión) y la importancia dada al aprendizaje de la lengua inglesa, con un semestre en el extranjero, añaden aquellas competencias necesarias para que el estudiante desarrolle una excelente vida profesional a nivel internacional.

A través del Grado en Artes Escénicas y Mediáticas*, el alumno adquirirá las competencias necesarias para el desenvolvimiento de la profesión tanto a nivel de experiencias en directo como a través de los medios de comunicación.

Las salidas profesionales a las que accederán, son:
_ Sector del espectáculo (interpretación, dirección y gestión en industrias musicales, teatro, títeres, danza, etc.)
_ Sector audiovisual (interpretación, dirección y gestión en industria del cine y del vídeo, industria del vídeoclip, dirección, desarrollo de proyectos para estudios y productoras audiovisuales de música, radio, televisión digital, etc.)
_ Sector nuevos medios (interpretación, dirección y gestión en generación y difusión de contenidos multimedia sobre diversos tipos de soportes y formatos y nuevas plataformas, dirección y desarrollo de proyectos multimedia, etc.)
_ Sector de ocio y entretenimiento (interpretación, dirección y gestión en parques temáticos, animación sociocultural, animación infantil y tercera edad, animación en la calle, etc.)
_ Sector turístico (interpretación, dirección y gestión en animación, etc.)
_ Sector educativo (docencia en enseñanzas infantiles, medias, universitarias, academias privadas, etc.)


*Nueva titulación conforme al Espacio Europeo de Educación Superior, pendiente de aprobación.


logoUEM_uu.jpgCAMPUS VILLAVICIOSA
C/ Tajo, s/n
Villaviciosa de Odón. 28670 Madrid
Tel.: 902 23 23 50
www.uem.es



Co·labor organiza La Escuela de Junio del 2 al 5 de junio en Rampa, Madrid

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http://proyectorampa.net/laescueladejunio/
http://escopica.net/colabor/

La Escuela de Junio es un laboratorio experimental sobre arte y educación organizado por el grupo de trabajo Co·labor. La Escuela de Junio es un conjunto de actividades dirigidas a desarrollar nuevos enfoques didácticos en la educación artística y se celebrará del 2 al 5 de junio en Rampa, espacio de producción independiente ubicado en Madrid.

Rampa acoge la presentación pública de Co·labor, un proyecto del Aula de Propulsión Escópica. Co·labor es un grupo de trabajo para la puesta en marcha de un programa de estudios independiente orientado hacia la experimentación de metodologías investigadoras y a la producción de conocimiento divergente. El grupo, formado por artistas y creadores madrileños, viene reuniéndose en privado desde febrero de este mismo año, e inicia ahora en Mayo su actividad pública a través de su web, la presentación de su boletín y los encuentros planeados para junio y la temporada de otoño.

La Escuela de Junio se compone de varias actividades en las que cada miembro del grupo de trabajo pondrá en práctica los contenidos y metodologías de su propia línea de trabajo. Para ello invitamos a todo investigador, estudiante o profesional interesado a participar en la escuela a generar debate sobre el interés, los contenidos o la viabilidad de la iniciativa.


Más información sobre el evento: http://proyectorampa.net/laescueladejunio/
Más información sobre Co·labor: http://escopica.net/colabor/

Mayo 19, 2010

TALLER INNER LABYRINTH
A CARGO DE PATRICIA MENESES

IMAGENINNERLABYRINTH_u.jpgFecha: 4 al 6 de junio
Horario: viernes: 17:00 a 20:00 h / sábado: 11:00 a 14:00 h y de 16:00 a 20:00 h / domingo: inauguración de la pieza 12:00 h

EACC - Espai d´art contemporani de Castelló
www.eacc.es

Inner Labyrinth es una experiencia de taller dirigida a todo tipo de público (niños, jóvenes y adultos) que se desarrollará en el EACC a lo largo de tres días.

El taller, de carácter teórico práctico, propone la creación individual y colectiva de un espacio laberíntico, una pieza de carácter escultórico en la plaza del Espai. La pieza invitará a los espectadores a ser recorrida. Se trata de un espacio de introspección, una analogía de la vida que nos introduce en un recorrido hacia el interior de nosotros mismos.

Patricia Meneses (México, 1976) es arquitecto y actualmente reside en Barcelona. Ha desarrollado su trabajo en disciplinas artísticas como la escultura y la instalación y en otras más funcionales como la arquitectura y el diseño.

Ha llevado a cabo una gran variedad de proyectos en países como Suiza, Italia, Senegal, México, Portugal, España, entre los que se encuentran intervenciones artísticas, arquitectónicas, creación de objetos, escenografías y vestuario. A través de estos proyectos investiga y experimenta nuevas maneras de relacionar el espacio y la sociedad.


Inscripción
Fin de las inscripciones: 2 de junio o cuando se cubran las plazas.
Máximo de asistentes: 15 plazas.
Precio: jóvenes y adultos 20 € / niños gratis.
Forma de pago: En la recepción del EACC.
Para más información: actividades@eacc.es o por teléfono al 964 72 35 40.


EACC - Espai d´art contemporani de Castelló
Prim s/n 12003. Castelló
Tel: 964 72 35 40
www.eacc.es

EXPOSICIÓ Bienales Martínez Guerricabeitia 1999-2010 (adquisiciones)

AngelMateoCharris22_u.jpgComisario: Vicent Sanz i Persiva
Coordinación general: Lydia Frasquet Bellver
Del 19 de mayo al 4 de julio de 2010

La Nau, Centre Cultural de la Universitat de València.
Sala Martínez Guerricabeitia

www.uv.es/cultura

La colección Martínez Guerricabeitia
Arte, como coleccionistas, hay de muchos tipos, pero no abunda el ejemplo que representa la Colección Martínez Guerricabeitia. En ella sus propietarios, Jesús Martínez Guerricabeitia y Carmen García Merchante, primaron el convencimiento de los valores y de las ideas por encima del pragmatismo inversor, dotando a su colección de un perfil de arte políticamente comprometido y demostrando su generosidad mediante la donación de la misma a la Universitat de València efectuada en 1999. Una de las vías de adquisición de obra es la celebración de la Bienal que lleva su nombre y que, desde 1990, bajo un lema diferente cada edición, ha seguido aumentando su patrimonio artístico. La fórmula empleada por la organización consiste en invitar a 5 críticos y 5 galeristas que proponen a los artistas que integran la exposición y a partir de los cuales se acuerda la adquisición de obras. Ahora, tras celebrarse la décima edición, el Patronato Martínez Guerricabeitia vuelve la vista atrás y presenta una exposición que reúne las obras adquiridas desde la quinta Bienal. Un balance que permite al público actualizar su visión de conjunto de una colección que prosigue su ritmo sereno, pero seguro, a través de sus últimas incorporaciones.


Las últimas Bienales
La quinta Bienal, celebrada en 1999 centró su reflexión en la visión exterior del arte joven español bajo el lema “Mirándonos desde fuera”. En aquella ocasión, al menos, la percepción interior y la exterior no eran coincidentes. En este caso, las obras adquiridas fueron Matanza de civiles en Sarajevo por proyectiles caídos junto al mercado principal, lunes 28 de agosto de 1995 de Simeón Sáiz Ruiz y Double viewer-microevent de Darío Urzay. La sexta Bienal, en 2001, “Concienciarte” fue el lema que fijó su atención en las propuestas artísticas más recientes que expresaran formas de contestación social o política a través del arte, mediante una voluntad de denuncia ideológica a través de miradas críticas y comprometidas con el ser humano y sus conflictos. Se adquirieron las obras Esperando a Zachary Fitz (Bilbao, un cuento de invierno) de José Ramón Morquillas y Mare nostrum de Juan Ugalde. Con la séptima Bienal, en 2004, partiendo del concepto de “Violencias” se vuelca la atención al modo en el que se suceden las numerosas demostraciones de violencia de las que somos receptores y cómplices en multitud de ocasiones, así como la manera en la que éstas se filtran en nuestra cotidianidad, persistentes, a través de los medios de comunicación de masas, como testimonio visual de las desgracias humanas. Se adquirieron las piezas Nubes negras de Chema López y Moments ago de Isidre Manils. La octava bienal, en 2005, partiendo de la idea de “Robos” en el ámbito del arte, dirigió la atención tanto al proceso de apropiación que se produce en el ámbito de la creación, como base del proceso de generación cultural, como al robo simbólico y la destrucción material de obras de arte ejercido por la presión del poder político y económico, o a las nuevas barreras que se alzan ante la sociedad a causa de la extrema mercantilización de los derechos de autor y de propiedad intelectual. Se adquirió una única pieza La alegre divorciada, de Ángel Mateo Charris.

En su novena edición, la Bienal adoptó en 2008 el lema “Inmigración. Emigración” haciéndose eco de la creciente preocupación en la sociedad española por el incremento en el flujo de los movimientos migratorios y la transformación del perfil poblacional, coincidiendo con el principio del fin de una época de intensa actividad económica. Se adquirieron las obras El sueño: un lugar entre las flores, de Manuel Bouzo y Experiencia de relacionar: autorretrato contexto de Salomé Cuesta / Bárbaro Miyares, con la peculiaridad de que ambos trabajos son fotográficos, en una colección caracterizada por abrazar de un modo predominante el lenguaje pictórico como vehículo de expresión. Transcurridos veinte años desde la primera Bienal Martínez Guerricabeitia de la Universitat de València, en 2010 se ha celebrado su décima edición abordando la problemática ambiental, bajo el lema “Contra natura”. El verdadero reto de nuestras sociedades no es ya producir más ni generar más riqueza, sino lograr satisfacer las necesidades presentes sin hipotecar la posibilidad de futuro de las generaciones venideras. En esta ocasión las obras adquiridas han sido El desagüe de Jordi Ribes y Serie Rangali de Enrique Zabala.


Sumar voluntades
El papel de la educación es la fuerza del futuro, constituyendo uno de los instrumentos más poderosos para realizar el necesario cambio social. Uno de los mayores desafíos, en ese terreno, será el modificar nuestro pensamiento de manera que haga frente a la creciente complejidad, la rapidez de los cambios y la imprevisibilidad que caracterizan nuestro mundo. Será necesario reconsiderar la organización del conocimiento, debiendo derribar las barreras tradicionales entre las disciplinas y concebir una manera de reunir lo que hasta ahora ha estado separado. No hay que pasar por alto que la no acción también cuenta como acción y que, ni aquellos que se niegan a creer en la continuidad, ni los que no ven sentido alguno en posponer la satisfacción y deciden vivir el momento, se quedan sentados sin hacer nada, ya que no hacer nada, o hacerlo demasiado lentamente, será probablemente perjudicial. La educación, el conocimiento y el saber son las llaves que abrirán un nuevo tiempo de verdadera libertad y equilibrio. La balanza soporta ya demasiado peso en la parte de las pasiones, de las reacciones primitivas. Se impone un cambio de ciclo, pero no llegará solo. Sumemos voluntades.

José Luis Pérez Pont


ORGANITZA Y PRODUCE: Universitat de València y Fundació General de la Universitat de València, Patronat Martínez Guerricabeitia

PATROCINA: Santander / Heineken España
COLABORA: FESORD

La Nau, Centre Cultural de la Universitat de València.
Sala Martínez Guerricabeitia
C/ Universitat, 2
46003 València.
Tel. 963864377
www.uv.es/cultura

HORARIO DE VISITA:
De martes a sábado de 10 a 14 horas y de 16 a 20 horas
Domingos de 10 a 14 horas. Lunes cerrado
ENTRADA LIBRE


Mayo 18, 2010

CONVOCATORIA DE INTERVENCIÓN ARTÍSTICA. MUSEUM CEMENTO REZOLA

w3art_u.jpgEn el marco de su 10º Aniversario, Museum Cemento Rezola abre una convocatoria de intervención artística dirigida a jóvenes creadores de entre 20 y 35 años, de cualquier nacionalidad que tengan su residencia habitual en el Estado Español.

La convocatoria está abierta a cualquier disciplina artística y cuenta con la colaboración de Arteleku. Centro de Arte Contemporáneo de Donostia- San Sebastián.

El plazo de presentación de proyectos es el 21 de junio de 2010.

www.museumcemento.rezola.net/

Este proyecto surge con la idea de “llevar la práctica artística a espacios aptos para la expresión, experimentación y reflexión artística”. Por ello, se ofrecen una serie de espacios en el exterior del museo, susceptibles a ser intervenidos por el artista en función de las especificidades y características de la obra seleccionada.

La dotación realizada por el Museum Cemento Rezola a la presente convocatoria es de un importe de 5.000 euros, desglosados en: 1.500 euros en concepto de honorarios para el artista seleccionado y 3.500 euros destinados a los gastos de producción de la obra. Así mismo el artista contará con un espacio de cesión en Arteleku para trabajar y una bolsa de viaje (gastos alojamiento, viaje y dietas).

El jurado valorará, sobre todo, la originalidad y el carácter innovador de las diferentes propuestas artísticas y la adecuación del proyecto al tema de la convocatoria, el 10º Aniversario del Museo.


BASES DE LA CONVOCATORIA ARTÍSTICA

10º ANIVERSARIO

El museo está de celebración, ¡cumple 10 años!
… Y quiere celebrarlo invitándote a participar, a disfrutar…
… Mediante un programa específico de actividades creado especialmente para la ocasión.
… Que se desarrollarán en octubre, mes que se inauguró el museo.

Con el objeto de fomentar la creatividad y contribuir a la reflexión en torno a las prácticas artísticas contemporáneas, se abre una convocatoria para realizar un proyecto específico de intervención artística en el Museo.

Esta convocatoria está dirigida a jóvenes artistas, de entre 20 y 35 años, de cualquier nacionalidad que tengan su residencia habitual en el Estado Español.
Los artistas se podrán presentar de forma individual o colectiva, pudiendo presentar un máximo de dos trabajos por participante o colectivo.


TEMA: 10º aniversario Museum Cemento Rezola

La idea es llevar la práctica artística a espacios aptos para la expresión, experimentación y reflexión artística mediante la creación de una obra específica para el 10º aniversario del Museo.

La presente convocatoria está abierta a cualquier disciplina artística siempre y cuando se adecue al espacio destinado para la intervención. Los espacios / zonas para la intervención (no excluyentes) son:

-Fachada* exterior del museo. 9m de largo x 4 m alto
-Inmediaciones del Museo: Jardín exterior y zona perimetral del museo. 5m2

* La fachada del museo no puede ser intervenida directamente, por lo que se facilitará al artista, en caso que elija este espacio de intervención, un soporte exento a la misma.


VALORACIÓN:
En el proceso de valoración y selección de proyecto se valorará positivamente el cumplimiento de los siguientes criterios:
- La calidad artística e innovación de la propuesta
- El rigor de la intervención y la coherencia del discurso del proyecto
- Adecuación del presupuesto al proyecto presentado


CONDICIONES:
- La duración de la exhibición pública de la obra seleccionada se verá determinada por los criterios del Museo.
- La intervención tiene que ser específica para el espacio en el que se concibe, por tanto proyectos de obra inédita, que traten el tema propuesto en la convocatoria.
- El autor de la obra seleccionada cede en exclusiva a FYM, sin ningún tipo de restricción ni limitación, los derechos de reproducción, distribución, comunicación pública y transformación, que le confiere la Ley de Propiedad Intelectual 1/1996 de 12 de abril, derivados de la propiedad de la obra.
- Se hará especial hincapié en el proceso creativo, documentándolo (fotografía), para que pueda mostrarse en la página web del Museo o en otro soporte.
- Durante el periodo estipulado para la producción de la obra, del 13 de septiembre al 7 de octubre se ofrecerá al artista la posibilidad de disponer de un espacio de cesión, en Arteleku Centro de Arte Contemporáneo de Donostia-San Sebastián para trabajar. Así mismo, el artista recibirá, en la medida que sea posible, el apoyo técnico del equipo de producción del Centro.
- Así mismo, durante el proceso de producción de la obra, del 13 de septiembre al 7 de octubre de 2010, Museum Cemento Rezola ofrecerá al artista alojamiento gratuito (Albergue la Sirena. Donostia-San Sebastián), y 810€ euros (30€/día), en concepto de dietas.
- El Museum Cemento Rezola se hará cargo del desplazamiento del artista (ida y vuelta de su lugar de residencia hasta Donostia-San Sebastián) en el inicio (día 13 septiembre), y finalización (entre los días 7-9 de octubre) del periodo de producción de la obra.
- El artista deberá aportar los materiales para producir la obra, excepto en el caso que incorpore el hormigón. En este caso, este material será proporcionado de forma gratuita por Cementos Rezola – FYM.
- El Museo se reserva los derechos de publicación y reproducción del proyecto seleccionado en relación a la promoción del mismo, e incorporará a su archivo la documentación generada de los proyectos presentados a la convocatoria.
- Así mismo, la totalidad de los trabajos podrán ser utilizados en exposiciones reales o virtuales y en publicaciones previo acuerdo con los artistas y siempre mencionando su autoría.
- El museo se reserva el derecho a declarar desierto el resultado de la convocatoria en caso que así lo considere.


Resolución de la convocatoria:
La cantidad destinada a la presente convocatoria es de un importe máximo de 5000 euros, desglosados de la siguiente manera:
En concepto de honorarios, el artista recibirá 1.500 euros, ya sea el proyecto individual o colectivo. El importe se hará efectivo por transferencia bancaria y se le practicará la retención fiscal establecida legalmente.
En concepto de gastos de producción de la obra seleccionada se destinará un importe máximo de 3500 euros.
(Los gastos que sobrepasen esta cantidad correrán a cargo del artista).
Plazo de presentación de los proyectos:
21 de junio de 2010 (día inclusive), a las 14.00h
El resultado de la convocatoria se comunicará personalmente a todos los participantes, en un plazo máximo de un mes, 21 de julio.


Jurado:
- Ana Salaverria. Jefa de Servicio de Artes Visuales – Arteleku. Diputación Foral de Gipuzkoa
- Álvaro Ledesma / artista visual
- Alicia Chillida / Comisaria independiente
- Ayuntamiento de Donostia-San Sebastián
- Amaia Llorente / Antonio Nolasco / Museum Cemento Rezola
El fallo del jurado será inapelable y se aceptará como mínimo por mayoría simple.


Documentación a presentar:

-Solicitud de inscripción cumplimentada (la encontrarás junto a estas bases)

-Currículum vitae del autor o autores del proyecto.

-Fotocopia del DNI del autor o autores del proyecto

-Descripción conceptual del proyecto, incluyendo un boceto original, con los colores aproximados, en tamaño A3 o A1. El boceto llevará en su parte posterior el título de la obra. Las imágenes que se incluyan tendrán una resolución mínima de 72dpi.

-Descripción detallada de los materiales a emplear y necesidades técnicas del proyecto.

-Presupuesto detallado de los costes de producción de la obra.

De conformidad con la Ley Orgánica 15/1999, de Protección de Datos de Carácter Personal (LOPD), y su desarrollo reglamentario de 21 de diciembre de 2007, los datos suministrados por los participantes a la presente Convocatoria Artística, serán recogidos en un fichero cuyo responsable es Sociedad Financiera y Minera, S.A. siendo utilizados exclusivamente para dar curso a la Convocatoria Artística.
Los datos de carácter personal serán tratados con el grado de protección adecuado para evitar su alteración, pérdida, tratamiento o acceso no autorizado por parte de terceros que lo puedan utilizar para finalidades distintas de aquéllas para las que han sido recabados.
Los titulares de los datos podrán ejercer sus derechos de acceso, rectificación, cancelación y oposición conforme a la normativa vigente


Participación y lugar de entrega:

Para participar imprime y rellena la solicitud de inscripción y mándala junto con el resto de documentación requerida a la dirección del Museo. También puedes recoger la solicitud directamente en las dependencias del museo.


MuseumCementoRezolafachada_u.jpg


MUSEUM CEMENTO REZOLA
Av. De Añorga, 36.
CP 20018 Donostia-San Sebastián
El envío de los proyectos y documentación se realizará por correo postal (costes de envío a cargo del solicitante), o se entregará directamente en el Museo (Av. De Añorga, 36. CP 20018 Donostia-San Sebastián)
Por cualquier duda, ponte en contacto con el Museo:
Email: museumcemento@k6gestioncultural.com
Tl. 943 364192


El Museo Patio Herreriano presenta un Nuevo Montaje de la Colección Arte Contemporáneo

CAC_W3ART_u.jpgHoy, 15 de mayo de 2010 se presenta un nuevo montaje con obras de la Colección Arte Contemporáneo en el Museo Patio Herreriano, que ocupa 7 salas del Museo, además del espacio del claustro de la segunda planta, y que se une a las salas de carácter permanente, es decir, las Salas 1 y 2.

Con esta nueva presentación se podrán ver, prácticamente en la totalidad del espacio expositivo del Museo, 183 obras de casi 100 artistas diferentes.

www.museopatioherreriano.org/MuseoPatioHerreriano

La Colección Arte Contemporáneo depositada en el Museo Patio Herreriano viene consolidándose desde 1987 como una de las más importantes de nuestro país. Se trata de un conjunto de obras imprescindibles para estudiar en su complejidad el arte contemporáneo en España. A día de hoy la Colección cuenta con 1105 obras que permiten una infinidad de combinaciones o propuestas de lectura. En consecuencia, el Museo ha asumido el compromiso de tener una Colección dinámica y cambiante, ofreciendo al público que viene al Patio Herreriano con regularidad facetas diversas de la misma.

Este montaje que hoy presentamos cumple un doble objetivo, el establecimiento de nuevos recorridos que atiendan a criterios temáticos y estilísticos de los fondos de la Colección y la exploración de nuevas lecturas dentro del complejo y denso discurso interno de ésta. Estos recorridos se articulan en torno a diferentes y amplios conceptos como son: abstracción, materia, figuración, objetos y referencias, entornos urbanos y nuevas realidades. El resultado permite una aproximación temática pero también dotada de un cierto orden cronológico en torno a la producción artística en la España del siglo XX y la primera década del XXI.

MATERIA (Sala 4). Ensalzar el valor de la materia como vehículo de expresión e indagar en las posibilidades de los elementos y las texturas, sin tener en cuenta al color, es la línea común de trabajo de artistas como Lucio Muñoz, Luis Feito, Manuel Millares, Antoni Tàpies, Antonio Saura, Rafael Canogar, Hernández Pijuan, Manuel Rivera y del escultor Martín Chirino. El inicio de esta línea de trabajo es la formación del grupo El Paso en 1957, cuyo principal objetivo es reactivar y modernizar el arte contemporáneo español hacia las nuevas corrientes artísticas como el Informalismo europeo y el Action Painting americano. Aunque este grupo tan solo se mantiene activo tres años, cada uno de los artistas que lo integran continúan individualmente con ese interés por la materia. Incluso podríamos decir que aunque todos ellos emplean gestos violentos, destructivos de la materia de sus obras, cada uno utiliza una serie de materiales y de procesos de trabajo que les identifican, la arpillera desgarrada de Millares, la madera quemada y arrancada de Lucio Muñoz y la malla metálica de Rivera, entre otros. Quizás a simple vista, parezca que la obra de Antonio Saura no conecta con el resto, pero aunque se resiste a eliminar la figuración de sus obras, su figuras son violentamente distorsionadas, al igual que Hernández Pijuan salpica fuertemente el lienzo con pintura y Rafael Canogar modela con los dedos el óleo, la agresividad que transmiten sus obras es el elemento común a todos ellos. En torno a la ciudad de Cuenca en esos mismos años, trabajan Gerardo Rueda, Gustavo Torner y Fernando Zóbel, otra serie de artistas que comparten ese interés por la materia, empleando el lenguaje abstracto, pero imprimiendo un sentido lírico a sus obras. Su principal objetivo es la búsqueda de la esencia de lo pictórico.

ABSTRACCIÓN (Sala 5). El concepto de abstracción es un concepto contemporáneo, una obra abstracta es aquella que no hace referencia a ningún objeto o forma concreta del mundo visible o imaginado. Se centra en la objetividad del arte basado en conceptos elementales del lenguaje artístico. Pero hay diferentes formas de interpretar la abstracción, bien de una manera geométrica, o de otra lírica y espontánea.
Las obras que están dentro de esta abstracción geométrica son neutras, en las que los elementos geométricos dotan a la obra de claridad, precisión y objetividad, eliminando la capacidad sensitiva y expresiva de los materiales se logra una composición estructurada de una forma lógica. El equipo 57 (fundado en París y activo entre 1957 y 1962) ataca el subjetivismo y todo contenido emocional, individualista y literario de la obra de arte. Contrarios a la creación artística con nombre, forman un equipo y se plantean la actividad artística como un medio de investigación sobre cómo interactúan en el espacio artístico, forma, color, línea y masa. Otros artistas como Pablo Palazuelo y Jorge Oteiza se centran en el estudio de las formas geométricas en el espacio tanto en pintura como en escultura.
Todo lo contrario es lo que potencia la abstracción lírica, ya que incide en signos y formas en las que son fundamentales el inconsciente y la espontaneidad. Dotan a la obra del elemento expresivo y físico del trabajo del pintor.
Las obras de Esteban Vicente y de José Guerrero sintetizan la corriente norteamericana del Expresionismo Abstracto. En las creaciones de Guerrero el color es un elemento primordial, las dota de intensidad y de un sentido lírico y la pincelada rápida y violenta las dota de fuerza. Esteban Vicente realiza lo que él denomina “paisajes interiores” combinando armónicamente los colores y entendiendo a estos como generadores de luz.
Albert Ráfols-Casamada crea una estructura ordenada en la composición de sus obras y consigue la creación del espacio mediante el color. Busca efectos de transparencia, de vibración y la luminosidad del color para preproducir el sentimiento de las cosas. José Manuel Broto genera atmósferas en sus trabajos a través de la utilización del color que combina con el dibujo. La imagen y el signo surgen en la composición como autenticas apariciones.

FIGURACIÓN (Sala 3). Desde mediados de los años 60 especialmente en pintura, se recupera la figuración como reacción a la anterior etapa oscura del Informalismo. El inicio de ese rechazo a la abstracción se encuentra en Luis Gordillo, que inicia esta recuperación de las formas en sus obras, influido por la obra de Bacon y del Pop americano, la exposición se sus trabajos en 1971 influenció a una serie de jóvenes pintores como Chema Cobo, Carlos Alcolea y Carlos Franco entre otros, formarán la Nueva Figuración Madrileña, caracterizada principalmente por el uso del color de forma impactante, recuperando en las obras el interés por relatar historias y la inclusión de elementos autobiográficos. Las obras de Eduardo Arroyo se podrían definir como una figuración crítica, provocadora con claras referencias políticas y sociales a través del empleo de una estética Pop. Los trabajos del Equipo Crónica, creado en 1964 por Rafael Solbes y Manolo Valdés, se generan desde un contexto de denuncia política e incluyen referencias a imágenes del arte moderno, utilizando una técnica impersonal. Dos años más tarde, en 1966, Jordi Ballester y Joan Cardells forman el Equipo Realidad, que analiza la transformación de España en ese momento y adquiere una posición crítica sobre la sociedad de consumo, por ello emplean el arte para servir a la sociedad. Comparten con el Equipo Crónica la idea de obra colectiva, ya que su intención es utilizar un lenguaje pictórico totalmente anónimo, sin marcas de pinceladas, y el empleo del color y de procedimientos gráficos de los mass-media como en el Pop Art. Esta recuperación de las formas de la realidad también llega a la escultura, como la figuración expresionista en las obras de Francisco Leiro, o las obras tridimensionales de Rafael Canogar, realistas y de claro tinte social y político.

OBJETOS Y REFERENCIAS (Salas 6 y 7). A mediados de los 70, surge un movimiento artístico denominado Arte Objetual, éste es el criterio de selección empleado para elegir las obras que conforman este espacio. El proceso creativo de estos artistas no se reduce simplemente a la inserción de objetos o a hacer referencia a ellos, sino que crean un nuevo medio de expresión, ya que los objetos, extraídos de su contexto significativo, se transforman en materiales que el artista dota de un nuevo mensaje. Este concepto de generar nuevas asociaciones es el que nosotros denominamos como “Referencias” y que tiene múltiples enfoques. Si analizamos de manera individualizada cada uno de los casos, encontramos referencias poéticas y narrativas, en las obras de Llena, Carmen Calvo, Susana Solano y Elena Blasco, que incluso llegan a ser autobiográficos como es el caso de Elena del Rivero, Carta a la madre, 2001. Miquel Barceló, hace referencia al proceso creativo del artista. De la misma manera podemos encontrar referencias a la literatura, al lenguaje y a la tipografía, en las obras de Eva Lootz, Rogelio López Cuenca y José Maldonado.

La instalación constituye una nueva línea de expresión contemporánea en la que los límites físicos de la materia escultórica desbordan y se integran en el espacio del espectador. Este es el caso de la obra de Antoni Muntadas, La siesta, 1995, que proyecta sobre un sillón imágenes extraídas de la realidad y lo enfoca desde un punto de vista conceptual. Por otra parte, la reutilización de objetos de cristal en la instalación de Nacho Criado, muestra un cambio de uso de los objetos, y su empleo en la obra se centra en el poder simbólico de la transparencia y la fragilidad.

NUEVAS REALIDADES (Sala 8). El arte trata de reflejar la realidad, mejor dicho, el artista utiliza la realidad en la que vive como elemento con el que crear sus obras. La realidad es un elemento objetivo, pero se transforma en subjetivo en el momento en que cada uno de nosotros lo interpretamos de manera diferente. A su vez ese elemento real puede ser transformado en irrealidad y fantasía en un momento.
Juan Ugalde parte de fotografías y amplia sus límites con pintura, incluyendo toques y recortes que dotan a la obra de un toque irónico e irreal.
Alberto García-Alix representa o crea escenografías vacías, ausentes de personajes pero en los que los objetos crean continuas alusiones a sus habitantes.
Estas referencias a otras realidades, a otras historias y personajes ausentes en la imagen, también lo encontramos en la obra de Miguel Rio Branco.
La utilización de la narración de historias está presente en la obra de Vicente Blanco y en la instalación de Mateo Maté, Desubicado, 2003, en la que el propio título describe las sensaciones que transmite la obra y que utiliza el lenguaje cinematográfico tan cercano a nosotros como las películas de Alfred Hitchcock.
Las obras más conceptuales de este espacio, son las de Antoni Muntadas en las que experimenta con los reflejos y la doble exposición. De la misma manera, Txomin Badiola emplea referencias políticas y sociales.

Entornos Urbanos (Sala 9). La sociedad contemporánea se desarrolla en torno a ciudades, éstas son el campo de trabajo de los artistas que se reúnen en esta sala. La fotografía es un medio idóneo para trabajar dichos entornos urbanos, ya que posibilita diferentes formas de expresión, pero no es la única.
Joan Rabascall y Jiri Georg Dokupil comparten el interés en innovar con nuevas técnicas, el primero de ello, con impresiones fotográficas en tela, y en el caso del segundo, con las marcas que producen sobre el lienzo una llama de vela.
El eje conceptual de todas las obras reunidas en esta sala es la ciudad y el entorno urbano, desde el boom inmobiliario de nuestras costas, reflejado en las obras de Rabascall, a la vista desde las azoteas de una gran ciudad como es Barcelona, que nos ofrece Hannah Collins, pasando por artistas que trabajan transformando y distorsionando imágenes digitales como es el caso de Dionisio González y Juan Carlos Robles. A su vez Concha Pérez nos hace caer en los detalles que nos ocultan las ciudades tras estructuras y andamios. Otras obras llegan a traspasar la bidimensionalidad de la imagen fotográfica, como la instalación de María Zárraga que se convierte prácticamente en una estructura arquitectónica. Pero no hay que dejar de hacer referencia a la pintura a través del trabajo del arquitecto y artista Juan Navarro Baldeweg que juega en La casa, 1985, con el espacio interior/exterior de una vivienda, dando diferentes perspectivas en un mismo plano.


SOBRE EL MUSEO PATIO HERRERIANO

El proyecto del Museo es fruto de la colaboración entre el Ayuntamiento de Valladolid, titular del edificio y principal fuente de financiación, y la Colección Arte Contemporáneo, propietaria de la Colección Permanente del Museo. El 14 de enero de 2000 se firmó un acuerdo mediante el cual la Colección Arte Contemporáneo, integrada por 23 empresas españolas, cedía sin contraprestación alguna, durante cinco años, prorrogables tácitamente, los fondos artísticos actuales y futuras adquisiciones de su colección para el disfrute público.

El Patio Herreriano posee una colección de arte contemporáneo español desde 1918 hasta la actualidad. Sus funciones principales son mostrar y estudiar el arte contemporáneo a través de proyectos específicos y programas de exposiciones, así como constituirse en referencia y herramienta ineludible para su estudio y difusión a nivel internacional. Atiende a las necesidades de conservación, estudio, exhibición y difusión de la colección permanente, organiza exposiciones temporales y ofrece a los ciudadanos diversas actividades culturales, servicios y programas de educación y apoyo a la creación artística para una mejor divulgación y conocimiento del arte contemporáneo en todas sus expresiones.

La sede del Museo es el antiguo Monasterio de San Benito, que tiene su eje en el Patio Herreriano, ejemplo emblemático de la arquitectura renacentista de nuestro país que da nombre al Museo.


SOBRE LA COLECCIÓN ARTE CONTEMPORÁNEO

La Colección Arte Contemporáneo, cedida en comodato al Museo Patio Herreriano desde el año 2000, es el resultado del esfuerzo de un numeroso grupo de empresas privadas españolas que en 1987, alentadas por su presidente entonces, Julián Trincado, asumieron el compromiso de contribuir a la conservación y divulgación del patrimonio artístico español a través de la formación de una colección de arte contemporáneo. Con ella se pretendía dar respuesta, por un lado, a una demanda de mecenazgo y protección del emergente y cada vez más maduro arte contemporáneo español, y por otro, a una tarea de rescate y puesta en valor de la historia brillante de las vanguardias, recuperando un gran número de obras apenas conocidas.

Hasta hoy la Colección Arte Contemporáneo ha reunido un conjunto de 1.105 obras (desde 1987 no ha dejado de adquirir nuevas obras) esculturas, pinturas, obras sobre papel, fotografías, vídeos e instalaciones donde aparecen representados la mayor parte de artistas españoles, o que habiendo nacido en otros países han producido en España, de los siglos XX y XXI y donde destaca con claridad el Fondo Ángel Ferrant, formado por esculturas, dibujos y el archivo documental de este importante artista de la primera mitad del siglo pasado.

El objetivo prioritario de la Asociación ha sido desde sus inicios poner la Colección al servicio de la sociedad, objetivo que se ve satisfecho con la apertura del Museo (año 2002) donde el público puede disfrutar de sus fondos en las salas de la Colección Permanente y en distintas exposiciones temporales. A lo largo de su trayectoria, la Asociación ha desarrollado una importante y continuada labor de difusión mediante el préstamo de obras y la organización de exposiciones de sus propios fondos dentro y fuera de España. La Colección cuenta desde su origen con el asesoramiento de una comisión formada por algunos de los más destacados especialistas en la Historia del Arte español. El Comité actualmente está formado por Antonio Bonet Correa, Simón Marchán Fiz y Eugenio Carmona y María Corral, en calidad de Coordinadora General de la Asociación.

La Colección, que desde el año 2000 preside D. José Lladó Fernandez-Urrutia, arropado y apoyado por los miembros de la Colección, asesores y coordinadores, mantiene vivo su compromiso con la labor de mecenazgo y viene, día a día, incrementando sus fondos artísticos, confirmándola en un primerísimo lugar en su carácter de coleccionismo privado con vocación de servicio. De conformidad con el mencionado convenio de cesión, las obras que la Colección va adquiriendo se incorporan inmediatamente a la colección permanente del Museo Patio Herreriano.

Destacar que La Colección Arte Contemporáneo ha sido merecedora del Premio Castilla y León de Restauración y Conservación del Patrimonio en su edición correspondiente a 2008.

Los miembros de la C.A.C. son: Accenture, S.L.; ACS, Actividades de Construcción y Servicios, S.A.; Aon Gil y Carvajal, S.A.; Banco Bilbao Vizcaya Argentaria, S.A.; Banco Pastor, S.A.; Bodegas Vega Sicilia, S.A.; Fernando de la Cámara García; Cartera Industrial Rea, S.A.; Colecciones de Arte, S.A.; Ebro Puleva, S.A.; Electra del Jallas, S.A.-Grupo Gas Natural; Carlos Entrena Palomero; Finisterre, S.A.; Gas Natural-Unión Fenosa; Hullas del Coto Cortés, S.A.; Hullera Vasco Leonesa, S.A.; Lignitos de Meirama, S.A.-Grupo Gas Natural; Navarro Generación, S.A.; Pedro Navarro Martínez; S.G.L. Carbón, S.A.; Técnicas Reunidas S.A.; Tilifor, S.L.; Zara España, S.A.



Información general:
Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo Español de Valladolid
C/ Jorge Guillén, 6, 47003, Valladolid.
Martes a viernes 11:00 a 20:00 h.
Sábados: 10:00 a 20:00 h.
Domingos: 10:00 a 15:00 h.
Lunes: cerrado (excepto festivos)


Mayo 17, 2010

Conversación con Bruce High Quality Foundation

BeyondPastoral_u.jpgEl CENDEAC forma parte del programa de actividades paralelos del PAC 2010 con la coorganización de un ciclo de conversaciones con los artistas que participan en la bienal.

Conversación entre Bruce High Quality Foundation, Cuauhtémoc Medina y Juan Antonio Suárez.

18 de mayo 2010, 18:00h.
CENDEAC, Murcia
www.cendeac.net

Bruce High Quality Foundation
2001, Nueva York, EEUU. Tienen sede en Brooklyn

La Fundación Bruce High Quality, árbitro oficial del legado del escultor social Bruce High Quality, está dedicada a preservar el legado de este escultor social, Bruce High Quality. De acuerdo con el espíritu de la vida y la obra de Bruce High Quality, aspiramos a invertir con admiración la experiencia en el espacio público para hacer resurgir la Historia del Arte de las entrañas de la desesperación e impregnar las instituciones artísticas de aquella alegría propia de las personas que desean.


Desafios Profesionales. Soluciones de Aficionados

Aunque la mayor parte de su obra fue destruida a su fallecimiento, de acuerdo con los deseos del artista, el legado Bruce High Quality sigue vivo, según los deseos del artista, a través del esfuerzo de la Fundación Bruce High Quality. Más allá de su muerte, el espíritu del artista permanece vivo gracias a los esfuerzos de la fundación. La corta de vida de Bruce High Quality fue un testamento para las posibilidades contemporáneas de la escultura social. Es a través de los incansables esfuerzos de la fundación gracias a los cuales los deseos del artista continúan siendo deseados.


Bruce High Quality Foundation participa en el PAC 2010, en el proyecto Dominó Canibal , comisariado por Cuauhtémoc Medina. Su intervención, en la Sala Verónicas de Murcia se inaugurará el día 19 de mayo a las 20.00 h. Más información en www.pacmurcia.es

Mayo 14, 2010

Con la probabilidad de ser visto.
Dorothee y Konrad Fischer. Archivos de una actitud

1967-CarlAndre_u.jpg15 mayo – 12 octubre 2010

Museu d’Art Contemporani de Barcelona
Plaça dels Àngels, 1
08001 Barcelona

www.macba.cat

Esta exposición en torno a la figura de Konrad Fischer –artista, coleccionista, galerista y comisario– permite al Museo estudiar las fuerzas sociales, políticas y económicas que conforman la producción artística y su efecto sobre una amplia comunidad internacional. La exposición incide en algunos aspectos clave de la investigación que lleva a cabo el MACBA: el papel del artista no solo como creador, sino también como organizador y espectador; el papel del coleccionista en la historia del arte; y el estímulo que las exposiciones seriadas como Prospect representan para el desarrollo de propuestas vanguardistas en la producción artística contemporánea. Las obras y documentos que se presentan aquí evidencian la aportación a la historia del arte de una personalidad que no solo introdujo obras nada convencionales en los contextos occidentales de los años sesenta y setenta, sino que marcó también un movimiento artístico que iba a ser canónico. La exposición se divide en tres secciones: Konrad Lueg, artista; Dorothee y Konrad Fischer, galería y archivo; y Konrad Fischer, comisario de exposiciones.

A principios de los años sesenta, Konrad Fischer (Düsseldorf 1939–1996) estudió pintura con Bruno Goller y Karl Otto Götz en la Kunstakademie de Düsseldorf, donde conoció a otros artistas como Manfred Kuttner, Sigmar Polke y Gerhard Richter. El 29 de octubre de 1967, Fischer inauguró un espacio para el arte contemporáneo en la Neubrückstrasse 12 de Düsseldorf, en el angosto pasaje de acceso a la finca. Fischer evitó a propósito el nombre de «galería» y todas sus exposiciones recibieron la denominación «Bei Konrad Fischer» («En casa de Konrad Fischer»). Invitó a Düsseldorf a la vanguardia internacional de su generación, en especial con la idea de desarrollar proyectos específicos para aquel espacio insólito y singular.

Fischer extendió su actividad como comisario de exposiciones más allá de su galería. En verano de 1968, cuando la Asociación de marchantes de arte alemán progresista celebró en Colonia el primer Mercado de Arte, Fischer criticó que solo se hubiera invitado a marchantes alemanes. Junto a Hans Strelow, organizó en la Kunsthalle de Düsseldorf una exposición alternativa, Prospect 1968, donde invitó exclusivamente a galeristas internacionales y a sus artistas. Las sucesivas ediciones de Prospect (1969, 1971, 1973 y 1976) siguieron esa tendencia de reunir en Düsseldorf durante una semana a la vanguardia internacional. En 1969, Fischer comisaró la hoy legendaria exposición Konzeption/Conception. Dokumentation einer heutigen Kunstrichtung (Concepción. Documentación de una corriente artística actual) en el Städtisches Museum de Leverkusen.


Actividades

Ciclo de conferencias
Konrad Fischer: un contexto, una actitud

Lunes 17 de mayo, a las 19 h
La serie de exposiciones Prospect (1968-1976)
Jürgen Harten
Auditorio MACBA. Entrada libre. Aforo limitado

Lunes 31 de mayo, a las 19 h
okey dokey Konrad Fischer. La exposición de arte como práctica artística
Brigitte Kölle
Goethe Institut (Manso, 24-28, Barcelona). Entrada libre. Aforo limitado

Lunes 14 de junio, a las 19 h
Unconcealed. Konrad Fischer y las redes del arte conceptual 1967-1977
Lynda Morris
Auditorio MACBA. Entrada libre. Aforo limitado

Con la colaboración de Goethe Institut Barcelona


Publicación

Con la probabilidad de ser visto. Dorothee y Konrad Fischer. Archivos de una actitud. Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), Museum Kurhaus Kleve y Richter Verlag, 2010. Textos de Rudi Fuchs, Thomas Kellein, Friedrich Meschede, Roland Mönig y Guido de Werd. Ediciones en catalán/castellano e inglés/alemán.


Exposición organizada por el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y coproducida con el Museum Kurhaus Kleve.


(Konrad Fischer con visitantes en la exposición inaugural de su galería, Neubrückstrasse 12, Düsseldorf, 1967. Foto de Fred Kliché, cortesía de Konrad Fischer Galerie)

LA NOCHE DE LOS MUSEOS DE CARTAGENA 2010

alterna_mmm2_u.jpgEl Festival Mucho Más Mayo de Cartagena, consolidado como una de las grandes apuestas culturales de la ciudad, se dispone a celebrar la II edición de la Noche de los Museos con nueve espacios museísticos y veinte propuestas culturales. Se promete un éxito aún mayor del que ya obtuvo el año pasado, cuando se registraron 15000 entradas a los museos de la ciudad.

www.muchomasmayo.com

En esta edición permanecerán abiertos la noche del sábado 15 de mayo, sumándonos de nuevo a la Noche Europea de los Museos, hasta 9 museos y centros museísticos, dentro y alrededor de los cuales se desarrollarán veinte propuestas culturales (música medieval, jazz, polipoesía, música clásica, pop urbano, proyecciones, cine, danza, etc.) en una noche de gran fiesta de la cultura gracias a la estrecha cooperación y colaboración de los tres niveles de la administración pública y diversas entidades públicas y privadas. Los museos permanecerán abiertos de forma gratuita entre las 21,00h y las 02,00h.

La ciudad ha previsto también la prolongación extraordinaria del horario de autobuses hasta el final de la noche y un servicio especial de voluntarios para informar y explicar las obras a los visitantes.

Las nuevas infraestructuras museísticas de que se ha dotado Cartagena en los dos últimos años, que completan una oferta incomparable en una ciudad de sus dimensiones, y la calidad del programa cultural que acompaña su apertura nocturna, convierten a La Noche de los Museos en una de las grandes apuestas culturales y turísticas de la ciudad.
Ya que la amplitud del programa de La Noche de los Museos hace que resulte muy difícil disfrutar de la totalidad de las actuaciones previstas, la organización del Festival Mucho Más Mayo propone seis itinerarios según preferencias temáticas (literario, histórico, de arte, música, de teatro, danza y circo), que se puede consultar en la página web oficial del Festival www.muchomasmayo.com

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Mayo 13, 2010

LA FUNDACIÓ ANTONI TÀPIES INAUGURA DOS NUEVAS EXPOSICIONES

EH_28_S105_pag55_u.jpg14 mayo – 1 agosto 2010
Inauguración: 13 de mayo, 19.30 h
Fundació Antoni Tàpies
Departamento de prensa: Alexandra Laudo
Aragó, 255 - 08007 Barcelona
Tel.: +34 934 87 0315
press@ftapies.com / www.fundaciotapies.com

El próximo 13 de mayo la Fundació Antoni Tàpies inaugura las exposiciones Eva Hesse. Trabajos del estudio y Alma Matrix. Bracha L. Ettinger y Ria Verhaeghe. Tras las exposiciones inaugurales del pasado marzo, estas dos muestras y la dedicada a la artista Anna Maria Maiolino (que tendrá lugar el próximo otoño) definen el programa de exposiciones temporales de la institución para el 2010.

Eva Hesse. Trabajos del estudio
Comisarios: Briony Fer y Barry Rosen.
Organizan: The Fruitmarket Gallery, Edimburgo, en colaboración con Camden Arts Centre, Londres, Fundació Antoni Tàpies, Barcelona, Art Gallery of Ontario, Toronto, y University of California, Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive, Berkeley.

A pesar de que la carrera artística de Eva Hesse (1936-1970) abarca tan sólo diez años, su producción ha tenido una importancia decisiva para la historia del arte creado a partir de la segunda mitad del siglo xx. Esta exposición muestra, a través de pequeñas obras o "trabajos del estudio", la aportación de Hesse a la transformación radical de la escultura en una época en donde la categoría misma del objeto artístico estaba en crisis.

Alma Matrix. Bracha L. Ettinger y Ria Verhaeghe
Comisarios: Catherine de Zegher.
Organiza: Fundació Antoni Tàpies.

En su obra, Ettinger (Tel Aviv, Israel, 1948) y Verhaeghe (Roeselare, Bélgica, 1950) hacen uso de las imágenes de personas anónimas encontradas en diarios y material de archivo, las cuales articulan mediante métodos de compilación y técnicas de copia, borrado, trazado y pintura. Como artista y psicoanalista, Ettinger integra en su trabajo las dos prácticas y desarrolla un enfoque peculiar del psicoanálisis aplicado, entre la práctica artística y la terapéutica. Verhaeghe reúne, religa y enlaza las imágenes con herramientas informáticas o materiales suaves y protectores como por ejemplo el látex y la guata que se encuentran en sus esculturas. Esta exposición muestra cómo las formas de representación de estas dos artistas generan un espacio de cura hacia los otros.


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[© University of California, Berkeley Art Museum & Pacific Film Archive (donación de Helen Hesse Charash, 1979). De la fotografía: © Ben Blackwell, Alameda, California]

CENTRE D’ART LA PANERA. INAUGURACIÓN NUEVAS EXPOSICIONES

NachoCarbonell_u.jpgSábado, 15 de mayo, de 2010, a partir de las 12h.
Inauguración de las exposiciones 7ª Biennal d’art Leandre Cristòfol y American Typewriter: Amor a 33 RPM
Live del Taller Broadcasting Art de Fluido Rosa (Radio 3) a las 13h.
Visitas guiadas a las exposiciones a las 20 y a las 22 h.
Concierto a cargo del trombonista inglés Hilary Jeffery y proyecciones de las películas en super 8 del cineasta neerlandés Jaap Pieters a las 20.30 y las 22.30 h.

Entrada, visitas guiadas y actividades gratuitas

www.lapanera.cat

7ª Biennal d’art Leandre Cristòfol
Del 15 de mayo al 29 de agosto de 2010

Siguiendo la línea iniciada en el año 1997, la Bienal reúne una serie de artistas catalanes y españoles para ofrecer un panorama diversificado de la situación de las artes visuales en nuestro país con la voluntad de seguir mostrando trabajos que han escogido moverse en zonas fronterizas entre el arte, la arquitectura y el diseño. Asimismo, habrá un apartado importante dedicado a los libros de artista y publicaciones especiales.

Participantes:
Efrén Álvarez, Nacho Carbonell, Izaskun Chinchilla, Patricia Esquivias, Daniel Jacoby, Kaoru Katayama, Juan López, Sara Ramo, Fernando Sánchez Castillo y Belén Uriel

Publicaciones:
Adiccionesporquesi, Columpio. Galería de dibujo contemporáneo , Crani, Doropaedia, Dientes de ojo, Fast Gallery, The Gutenberg's Quarterly, Papermind, Picnic Editorial, Save As...


La génesis de una nueva edición de la Biennal d’Art Leandre Cristòfol conlleva un proceso dilatado de preparación que supone, por una parte, el seguimiento de una serie de artistas que son tenidos en cuenta no sólo por su emergencia o por una trayectoria ya consolidada, sino, más bien, porque la intuición nos mueve a considerar que es en aquel momento cuando los trabajos seleccionados apuntan hacia un progresivo afianzamiento. Por otra parte, no podemos olvidar que la finalidad de las sucesivas ediciones de la Biennal, que han tenido lugar desde 1997, año de la primera edición, ha sido la de configurar una colección de arte contemporáneo para la ciudad de Lleida; una colección que fuera recogiendo el panorama artístico que se iba produciendo tanto en Catalunya como en el resto del Estado español y que, con el paso de las diferentes ediciones, fuera mostrando las transformaciones, los avances y las vicisitudes que, rápidamente, ha ido experimentando la creación artística en nuestro país. Al mismo tiempo, no podíamos dejar de tener presente en cada una de las sucesivas ediciones que toda colección conlleva unas líneas de trabajo intrínsecas, unos ejes vertebradores que serían igualmente decisivos en el momento de hacer las selecciones de artistas y obras. Y hablamos también de selección de obras y no sólo de artistas porque es un elemento añadido más y de suma importancia a la hora de organizar una nueva Biennal, teniendo muy presente que de lo que se trata es de reunir una colección; una colección que siempre se ha ido construyendo con una mirada desde el presente y, desde este presente, apostando hacia el futuro, sin querer recuperar tiempos pasados por razones posibilistas, simplemente las que marcan las restricciones presupuestarias.
Los ejes vertebradores mencionados se han configurado, por un lado, a partir de aquellos rasgos fundamentales que enmarcan, hoy, la creación contemporánea, como es, por ejemplo, el análisis del yo, los rasgos autoreferenciales por parte del artista y, como consecuencia, su posicionamiento enfrente del otro, con los componentes subjetivos, pero también de orden social y político, que estas opciones suelen comportar. Sin embargo, también se han ido configurando directrices de trabajo más específicas, como es la revisión y la investigación en cuanto al hecho pictórico hoy, que hemos enmarcado bajo el epígrafe de «pintar sin pintar»; el transversalismo entre disciplinas artísticas, lo que nos ha llevado a invitar a arquitectos y diseñadores desde la edición de 2004, con unas aportaciones que siempre han estado marcadas por posicionamientos bastante críticos con el mundo actual y dando opciones de futuro con la sostenibilidad como objetivo preferente de sus proyectos, o bien una línea de trabajo que, también desde esa misma edición de 2004, se ha ido consolidando y ha cosechado una importancia insospechable en el momento de emprenderla, como es el apartado dedicado a ediciones especiales, libros de artista y todos aquellos elementos subsidiarios al propio trabajo del creador, como son postales, juegos de cartas, chapas, pegatinas, etc. La colección reunida en este último apartado nos ha permitido, al mismo tiempo, generar una actividad propia desde el Centre de Documentació de la Panera, que se concreta en la presentación regular de exposiciones de pequeño formato para dar a conocer no sólo los fondos reunidos, sino también nuevos y continuados descubrimientos en el ámbito editorial.

Con motivo de la última edición de la Biennal d’Art Leandre Cristòfol, la de 2008, ya poníamos de manifiesto el desinterés generalizado y reiterado de las administraciones públicas catalanas para apoyar a la creación de colecciones públicas de arte contemporáneo, y planteábamos la importancia que tendría la creación de un fondo regional de arte contemporáneo catalán, al estilo de los FRAC franceses. Como era de esperar, no hemos avanzado nada en este sentido, y la casi totalidad de museos existentes en Catalunya siguen sufriendo la falta de recursos para ampliar sus colecciones.
Asimismo, los centros de arte, a menudo impulsores de nuevas producciones artísticas, ven como éstas se les van de las manos para entrar en el mercado artístico sin tener posibilidades de retenerlas. Todo esto ha hecho que, trece años después de la puesta en marcha de la Biennal d’Art Leandre Cristòfol, su objetivo principal de reunir una colección siga siendo todavía hoy del todo vigente y necesario.

Glòria Picazo
Directora del Centre d’Art la Panera


AMERICAN TYPEWRITER: AMOR A 33 R.P.M.
Del 15 de mayo al 30 de junio de 2010.
Centro de Documentación

AMERICAN TYPEWRITER + SOPA

American Typewriter es una editorial musical creada a mediados de 2008 por Pep Gaya. Desde Aitona (Segrià) publica a artistas de todo el mundo (Estados Unidos, Inglaterra, Suiza, Suecia o Canadá) exclusivamente en disco de vinilo, reivindicando de esta forma las peculiaridades de este formato. Colaboran también con el sello profesionales vinculados al territorio: el estudio de diseño SOPA, el fotógrafo Joan Vicent Cantó o la distribuidora Guerssen, entre otros.

http://www.desopa.com/
http://americantypewriter.net/


Más información sobre las exposiciones en nuestra página web.

Centre d’Art la Panera
Pl. de la Panera, núm. 2
25002 Lleida
Tel. 973 262 185
www.lapanera.cat

HORARIO: de martes a viernes, de 10 a 14 h y de 17 a 20 h. Sábados, de 11 a 14 y de 17 a 20 h. Domingos y festivos, de 11 a 14 h. Lunes, cerrado.

Entrada gratuita


(Nacho Carbonell, Pump it up)

Mayo 12, 2010

ZoOo –la palabra salvaje-

e-flier-Zooo_u.jpgEXPOSICIÓN: Del 13 de mayo al 24 de junio. Archivo del Territorio Histórico de Alava. Miguel de Unamuno, 1 –01006 Vitoria-Gasteiz

ZoOo es un proyecto expositivo que plantea un diálogo entre disciplinas como la antropología cultural, la biología y las prácticas artísticas en torno a la figura del animal. Un acercamiento a un universo, el animal, tan estudiado y cercano como desconocido y extraño. Para ello, la primera parte de ZoOo desarrollada durante el verano de 2009, centró su atención en las representaciones visuales de los animales. Esta segunda entrega propone un recorrido desde lo acústico para observar ese mundo paralelo. Una invitación a dejarse llevar guiado por palabras y cantos, superando las condiciones establecidas por los cánones oficiales del conocimiento que nos han enseñado a escuchar y valorar cada sonido de una forma determinada.
Actividad enmarcada dentro del Proyecto Amarika (Diputación Foral de Álava)
Es un proyecto ideado por Oier Etxeberria

http://www.cristinaenea.org/zooo



EXPOSICIÓN:
Violencia, repetición Nader Koochaki

Violencia, repetición se presenta como el despliegue de una serie de artefactos que remiten a una doble aproximación del autor al ámbito del pastoreo.

Por un lado propone un análisis de la tipología y el desarrollo formal de las retransmisiones televisivas de concursos de perros pastores en el País Vasco. Por otro lado un trabajo de campo que sirve como excusa para conocer el pastoreo en su dimensión cotidiana. De estas prácticas emerge una serie de intervenciones con las que se pretende articular ciertas nociones y conceptos cercanos a la mediación, la idea de dispositivo o la representación de la cultura.

Centrando su interés en los cruces y las tensiones inmanentes a las taxonomías y órdenes que estructuran y sostienen lo real y entendiendo éstos como habilitadores de marcos de sentido para su gobierno, esta propuesta es un ejercicio que permite visibilizar, articular y estetizar estos artefactos o vehículos de los cuales el lenguaje podría ser su mas importante expresión en cuanto que higieniza el divorcio entre esa cosa llamada cultura y esa otra denominada naturaleza.


13 MAYO
19.00 CONCIERTO: Xabier Erkizia

Si el mundo sonoro audible de los animales nos resulta incomprensible y ajeno, existen otros universos sonoros fuera de los límites de nuestro rango de escucha que nos resultan aún más desconocidos. Las redes de comunicaciones que la naturaleza construye y utiliza dentro de ese amplio e ilimitado espectro están formadas por señales sonoras que nosotros, los humanos, no somos capaces de comprender y en muchos casos ni siquiera de percibir. Probablemente ésta sea la razón principal que nos empuja a obviar esos sonidos que se nos escapan, aunque éstos, junto al uso que nuestras tecnologías hacen de ese espectro, sí tienen influencia en nosotros. Por tanto, podemos decir que ese mundo formado por infrasonidos e ultrasonidos es un espacio que hasta cierto punto compartimos con los animales, seamos o no conscientes de ello. Precisamente, esas voces pertenecientes a complejas redes de comunicación animales y que paradójicamente resultan en muchos casos musicales para nuestros oídos, sirven como punto de partida para este concierto.
A continuación se procederá al ACTO DE INAUGURACIÓN DE LA EXPOSICIÓN.


14 MAYO
19.00 CONCIERTO:
Francisco López

Para Francisco López (Madrid, 1964), biólogo y artista sonoro, la visión que la ciencia, en este caso la Bioacústica ofrece sobre el entorno sonoro es un ejercicio de reducción que justificado por sus propios intereses limita el estudio aural del mundo animal a funciones categorizantes. Sin embargo cualquier entorno sonoro, especialmente aquellos que guardan características acusmáticas como por ejemplo el de las selvas, contiene una complejidad impresionante que la ciencia tiende a obviar. Y es precisamente el interés en esa complejidad sónica la que mejor puede definir el trabajo artístico de López, que ha dedicado los últimos 20 años ha adentrarse en una gran diversidad de entornos sonoros de todo el mundo para posteriormente, con el material registrado, construir una suerte de música absoluta capaz de despertar cualquier oído.

2 Y 3 DE JUNIO
19.00 CINE:
ZOOOSONIDO: Andreas Wutz

El programa Cine Zoosonido reúne películas documentales y artísticas que exploran el campo del lenguaje y la comunicación animal. Hay lenguajes ingénitos, hay lenguajes que deben ser aprendidos, y otros que son como en el caso del ser humano, una combinación de ambas. También hay signos que sólo podemos percibir con ayuda técnica o mensajes que permanecen como enigmas si no llegamos a comprender su contexto. Y muchas veces no podemos. Nos acercamos a un limite, a una frontera que no podemos cruzar. Por eso las ciencias lingüísticas y etiológicas a menudo se conectan con preguntas de ámbito ético, territorial y político. Al igual que este programa de cine.


I Los signos y la escritura de cuerpos
Esta sesión incluye la primera película sobre la danza de abejas, films dedicados a las estructuras de señales visuales y acústicas, a los signos de movimientos y su anotación y otras que muestran cómo todo se reúne en la imaginación artística de una selva grabada o reaparece en un mimetismo humano-aviario.
Duración: 60 m

Marcus Coates
Dawn Chorus, Reino Unido 2005
15 m

Karl von Frisch
Sprache der Bienen // Lenguaje de abejas, Alemania 1926
8 m

Hermann Kalkofen
Signalverhalten und Signalstrukturen // Acciones señalizadoras y estructuras señalizadoras, Alemania 1963-80
11 m

Jean Painlevé
Ecriture du mouvement, Francia 1947
10 m

Wolfgang Heinrich & Klaus Dornfeldt
Elektroortung und – Kommu¬nikation beim Tapirfisch // Sonar electrico y comunicacón del pez elefante, Alem.1986
9 m

Karl Lemieux & Francisco López
Mamori, Cánada/ España 2010
8 m


II La vocalización y su vuelta a lo salvaje
Las películas de esta sesión nos ofrecen la posibilidad de estudiar cómo un lenguaje irrumpe en el mundo o como se retira del mismo. Al final la dificultad del acercamiento lingüístico hacia lo humano o lo animal se asemeja, y la pérdida del lenguaje puede mostrar la fragilidad del suelo sobre el que paseamos.
Duración: 80 m

Jane Goodall & Peter Marler
Vocalizations of Wild Chimpanzees, EEUU 1971
40 m

Karl Lemieux & Francisco López
Mamori, Cánada/ España 2010
8 m

Luke Fowler
Bogman Palmjaguar, Reino Unido 2007
30 m


Proyecto Amarika

www.amarika.org
El proyecto Amarika surge en 2008 de un encargo del Departamento de Euskera, Cultura y Deportes de la Diputación Foral de Álava para gestionar tres espacios dedicados al arte contemporáneo y dependientes de la institución. El proyecto se gestiona de manera colectiva a través de un consejo asesor y de una asamblea ciudadana, abierta y participativa que nombra y valida bianualmente los miembros del consejo y las directrices generales del proyecto.

Mayo 11, 2010

CaixaForum (Barcelona)

imagenCaixa_U.jpgAv. De Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8
08038 Barcelona
Actividades de la Obra Social “la Caixa”

www.laCaixa.es/ObraSocial

Canal Mediateca

Horario
De lunes a sábado, de 10.00 a 20.00 h

Proyecciones
Del 6 de Abril al 8 de Mayo

Videonautas
Panorámica de la videocreación española (2002-2008)

La videocreación se desliza en el filo entre el cortometraje estándar y el videoarte y, sin necesidad de sostenerse en la excusa de la ficción, estira al máximo las posibilidades del lenguaje audiovisual.
Creadores procedentes de diversas disciplinas, más formados en la comunicación audiovisual que en las artes visuales, y desde el dominio de diferentes formatos –del digital a los 35 mm, sin olvidar el Súper 8– nos demuestran un amplio conocimiento del lenguaje audiovisual, basándose en sus posibilidades expresivas para ofrecernos una propuesta monocanal que logra hechizarnos desde el primer visionado.
Atreviéndose con diversas temáticas, y huyendo del sustento de la literalidad de la ficción, intentan dar un paso más y hacer avanzar el campo de la imagen en movimiento. Explorando la capacidad de transmisión de diversas técnicas y sin perder los requisitos estéticos, juegan con la narrativa y los recursos estilísticos de la imaginería fílmica y sus formas, para desarrollar nuevos abanicos de expresión (de la animación a la danza, pasando por el ensayo).
Desde la perspectiva de que existe un espectador al que dirigirse, esta joven generación de creadores nos ofrece una confluencia entre imagen y sonido que nos encandila los ojos y la mente.
Las piezas seleccionadas provienen de la sección Videocreación del REC, Festival de Cine de Tarragona (www.festivalrec.com).
Comisario: Javier García Puerto

Videonautas
Panorámica de la videocreación española
InGenio InMotion (2006-2008)

La influencia de las posibilidades del motion graphic y la accesibilidad de los software de retoque digital han incidido en las diversas vertientes de la videocreación, no sólo en su estética final y sus resultados plásticos, sino también llevándonos a un flirteo continuo con diversos modos de encarar la narratividad. Y a la navegación por unos hilos conductores que a menudo devienen muy sutiles.
Ciudad leve (2006, 4’30’’) - Annamaria Anderloni, Ángel Tirado
Five months trying to draw New York (2005, 2’) - Marcel Pie Barba
Aprop (2007, 6’20’’) - Aitor Echevarria
Al final de la vía (2006, 6’) - Gerard Gil
Sonata in motion (2006, 5’) - Josep Antoni Duran, Laia Gil Balagueró
Annabel (2006, 12’30’’) - Rubén Latre
Timelapsus (2008, 2’36’’) - Pablo Marquen, Marcos Coral, Mauro Gimferrer
Moby Dick (2006, 2’30’’) - Laura Ginés, Pere Ginard
Comisario: Javier García Puerto

Videonautas
Panorámica de la videocreación española
Maniobras secuenciales (2002-2005)

Mixtura de técnicas y texturas, guiños al metalenguaje, presencia de una voz en off sugerente y una voluntad discursiva muy cercana, en ocasiones, a la propuesta conceptual. Éstas son algunas de las características de las obras que presentamos, con un intenso aroma a handmade.
Cada día paso por allí (2004 , 8’30’’) - Raúl Arroyo
Margaritas (2004 , 4’) - Jose Luis Tirado
Divadlo (2002 , 9’30’’) - Guillem Morales / Erre que erre Cinedanza. ¿Bailaría Tom Waits?
Digital (2004 , 6’50’’) - Elías León Siminiani
Imagine (2002 , 5’) - Luís ‘Bezeta’
El hombre invisible (2003 , 10’) - Daniel Cuberta Touzón
Las bellas flores (2004 , 1’10’’) - Laura Ginés, Pere Ginard

Del 10 de mayo al 30 de junio

Festival LOOP:
Historias del Este

Actividad gratuita


i-TUBE CXF
PROYECCIONES

Proyecciones de trabajos artísticos audiovisuales seleccionados de varios colectivos del ámbito académico y de la creación independiente.

Horario
De lunes a domingo
De 10.00 a 20.00 h
Sábados, de 10.00 a 22.00 h

Calendario:
Del 16 de abril al 11 de mayo
Del 23 de mayo al 10 de junio

EMAV. Escuela de Medios Audiovisuales

Del 12 al 22 de mayo
Festival LOOP:
Street Scene (London)

EMAV. Escuela de Medios Audiovisuales
Muestra de Trabajos Audiovisuales y Multimedia
Primer i segundo Curso de Realización Multimedia

Muestra de trabajos de los alumnos de 1º y 2º de Realización Multimedia.
EMAV lleva 40 años de historia dentro del panorama de la formación audiovisual. Inicialmente nos dedicamos al cine y la fotografía, pero actualmente cubrimos todas las especialidades de los ciclos formativos de Imagen y Sonido. Nuestra tradición como escuela pública vinculada a la ciudad de Barcelona y a muchas empresas del sector, nos obliga a estar al día y nos permite ofrecer a los alumnos el gran abanico de posibilidades que actualmente existe dentro del audiovisual y los media.
Hemos querido dedicar esta pequeña muestra a los trabajos de multimedia, la especialidad más joven de la escuela y en muchos casos la que mayor diversidad de herramientas y elementos creativos reúne para sus creaciones. Son trabajos de aula, realizados con ilusión y con la voluntad de encontrar espectadores que se dejen sorprender, que se dejen seducir por la magia de las imágenes en movimiento.
Las animaciones han sido elaboradas por dos grupos de alumnos. Las primeras diez animaciones han sido realizadas por los alumnos de 1er. curso de Realización Multimedia, a partir de fotografías propias y mediante la técnica de StopMotion, con el objetivo de fomentar la expresión visual y plástica, así como las técnicas de producción.
El segundo grupo de seis animaciones es obra de los alumnos de 2º curso de Realización Multimedia, como parte del crédito de animación 2D. Aquí se puede apreciar la utilización de diferentes técnicas, con el objetivo de estimular la creación artística y la expresión poética y visual. En este caso se ha partido de un tema como motor generador de ideas: el fomento de la cultura de la paz y la sostenibilidad del planeta.

1º de Realización Multimedia
_ Andoni García :"Gu sortu ginen enbor beretik sortuko dira besteak" ("Del mismo tronco del que nacimos nosotros nacerán otras ramas jóvenes que continuarán la lucha")
_ Rubén Ruiz :uns clics de Playmobil construyen un puzzle
_ Xavier Chaume: unas velas se animan como piezas del Tetris
_ Pau Garcia: las aventuras de un Indiana Jones de Playmobil
_ Xavier Fabregat: se presenta un buen día
_ Carla Minguella: hilo a hilo
_ Alejandro Moral : los grupos de música también pueden ser de plastilina
_ Toni Milán: sensaciones, emociones, música
_ Nacho Alonso : ruidos, una historia de amor entre zapatos

El segundo grupo de seis animaciones es obra de los alumnos de 2º curso de Realización Multimedia, como parte del crédito de animación 2D. Aquí se puede apreciar la utilización de diferentes técnicas, con el objetivo de estimular la creación artística y la expresión poética y visual. En este caso se ha partido de un tema como motor generador de ideas: el fomento de la cultura de la paz y la sostenibilidad del planeta.

2º de Realización Multimedia
_ Diana Miranda: unidos podemos cambiar el mundo
_ Iker Oiz : el mundo se ha de cambiar
_ Adrià González: un extraterrestre sorprendido por el estado de la Tierra
_ Xavier Melguizo : la guerra provoca la destrucción
_ Andreu Balart : a un niño es fácil decirle qué está bien y qué está mal.¿Cómo se lo dices a un adulto?
_ Esther Bernal: careta para un programa nocturno de TV

Estos proyectos se pueden visionar también en la Mediateca de CaixaForum Barcelona
Del 16 de abril al 10 de junio

Para la presentación de propuestas, puedes informarte en los teléfonos 93 476 86 61 y 93 476 86 44
Actividad gratuita


Media Art
Centros de enseñanza en arte multimedia y nuevas tecnologías

La colaboración con los centros de formación es una plataforma de presentación, visibilidad y difusión de proyectos artísticos que usan de maneras diferentes la tecnología (edición, diseño, programación, instalación multimedia, web, trabajos en red).

Jueves 27 de mayo | 19.00 h
Master class con Johan Grimonprez

Actividad gratuita


Festival Loop 2010

Videoarte
Del 12 al 22 de mayo
CaixaForum Barcelona participa, un año más, en la edición del Festival Loop.

Loop en i-Tube CXF
Loop presenta en la pantalla i-Tube CXF un programa comisariado por Steve Bode, director de la plataforma de vídeo londinense Film and Video Umbrella, diseñado especialmente para el espacio de tránsito en el que se sitúa la pantalla.
Street Scene (London)
Aquest programa articula una reflexió sobre el lloc de l'individu en l'espai dens i saturat de la ciutat, a través de les obres dels artistes Melanie Manchot, Suki Chan i Dryden Goodwin.

Dissenyat específicament per a l'espai de trànsit en el qual està situada la pantalla i-Tube, el programa ofereix imatges que realcen la presència de determinats personatges –individus sols o bé persones d’un grup- en relació amb el rerefons urbà en el qual transiten.

ARTISTES / OBRES:

SUKI CHAN, Sleep Walk, Sleep Talk, 2009, 21’ 54”
DRYDEN GOODWIN, Closer, 2001, 6’ 30”
MELANIE MANCHOT, Celebration, 2010, 10’ 52’’

Loop en Canal Mediateca
Historias del Este

En el marco del Festival Loop, y con el título de Historias del Este, el programa de vídeo que presentamos, comisariado por Neus Miró, reúne una serie de trabajos realizados por artistas como Clemens von Wedemeyer, Anri Sala y Maya Schweizer, entre otros.
En ellos se presentan imágenes y reflexiones sobre los cambios producidos en los países pertenecientes al antiguo bloque del Este después de la desaparición del telón de acero y la asunción del sistema capitalista como modelo económico.
Las distintas obras ponen de manifiesto las dificultades, las reticencias y los sentimientos, a veces contradictorios, que conlleva todo proceso de transición, en especial después de transcurridos los primeros momentos de euforia, cuando todo parecía posible y todo estaba por hacer.
Clemens von Wedemeyer - Otjesd, 2005, 15’; The Making Of Otjesd, 2005,10’
Mona Vatamanu & Florin Tudor - Plus Valoarea, 2009, 10’
Maya Schweizer- Plus Valoarea, 2009, 4,3
Maya Schweizer- Passing down, frame one, 2007,10 ‘
Anri Sala- Intervista (Finding the Words), 1998

Loop - Una obra de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación “la Caixa” en el Loop

La obra La tentación de la Tierra, del artista chino Qiu Anxiong, se podrá ver en la Sala 5 en el marco del Festival Loop.

Qiu Anxiong, La tentación de la Tierra, 2009
Vídeo de animación de doble canal, 13’ 21’’, blanco y negro
Sonido: Jin Wang
Colección de Arte Contemporáneo Fundación “la Caixa”
El artista:
La transposición de la tradición al contexto contemporáneo es el rasgo más característico de la obra de Qiu Anxiong, un artista chino especialmente conocido por sus vídeos de animación.
Su obra más reciente se compone de grandes pinturas inspiradas en los métodos tradicionales de la técnica con tinta china, y de vídeos en los que adapta esta pintura a las modernas tecnologías del vídeo de animación para narrar historias inspiradas en la cultura china.
La obra:
The Temptation of the Land (La tentación de la Tierra)

La fuente de este vídeo es la revista china ilustrada Companion, editada en Shangai desde 1926, cuyo contenido abarca desde los temas políticos y sociales de mayor controversia hasta los de interés general.
Para componer el vídeo, Qiu Anxiong ha tomado una serie de imágenes que ilustran la rápida transformación de China desde el nacimiento de la República de China en 1911, iniciado después del final de la Dinastía Qing. De alguna forma, el artista ha querido evidenciar cómo el sentido histórico se ha perdido en su país, y cómo la sociedad china ha dejado caer en el olvido sus raíces culturales. La tentación de la Tierra es pues un vídeo en el que el artista ofrece su visión particular del precio que ha pagado China para modernizarse. Sus imágenes poseen una cualidad surrealista, con dibujos muy imaginativos que narran de forma subjetiva el proceso que ha llevado a ese gran país a abandonar sus viejas tradiciones y valores.
Qiu Anxiong trabaja sus imágenes ejecutándolas primero en pintura acrílica sobre tela, con la apariencia de aguadas de tinta negra. Posteriormente, fotografía digitalmente sus composiciones para luego editarlas y animarlas en el ordenador.

De lunes a domingo,
de 10.00 a 20.00 h
Sábados, de 10.00 a 22.00 h
La obra se podrá visitar hasta el 9 de junio

Actividades gratuitas


Exposición
Un mundo flotante
Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894-1986)

Del 5 de mayo al 3 de octubre

Jacques Henri Lartigue ha sido uno de los referentes visuales del siglo xx. Nació en Courbevoie, cerca de París, hijo de una familia de industriales adinerada. Su padre le compró la primera cámara fotográfica a los ocho años y, desde muy pequeño, empezó a llevar un diario con fotografías y breves textos que le acompañaría durante toda la vida y que constituye un documento extraordinario para conocer la forma de vivir de una generación que descubrió la moda, el deporte y las competiciones de motor. Sus imágenes reflejan la rápida transformación de las costumbres, el estallido de novedades, la vibración de las cosas y, al mismo tiempo, la búsqueda de los pequeños detalles, del instante perdurable y atemporal.
Hasta el año 1963, en que el MOMA presentó su primera exposición antológica, Lartigue era un fotógrafo casi desconocido. Sin embargo, la extraordinaria fuerza de sugestión de sus imágenes explica que su prestigio no haya parado de crecer desde aquel momento. Lartigue capturó la vida a su alrededor, la exaltación de la felicidad y la alegría de vivir y lo hizo con unas ideas estéticas que proponían la renovación del lenguaje fotográfico.
La exposición recoge cerca de 230 imágenes representativas de las distintas etapas y temáticas que abordó a lo largo de su vida, todas ellas procedentes de la Donation Jacques Henri Lartigue de París, entidad encargada de velar por la conservación y divulgación de la donación que hizo el fotógrafo en 1979 al Estado francés.

Actividad gratuita


Exposición
Infancia
Fotografías de Isabel Muñoz

Del 16 de marzo al 29 de agosto
Esta exposición, organizada por UNICEF y la Fundación “la Caixa” con motivo del 20 aniversario de la Convención sobre los Derechos de la Infancia, pone de relieve, a través de las fotografías de Isabel Muñoz tomadas en cuatro continentes, la grandeza de los niños y las niñas y las marcadas diferencias de sus distintas situaciones, pese a tener los mismos derechos. “Nosotros no somos el problema, somos la solución”, afirmó un grupo de niños en la Sesión Especial de Naciones Unidas, en 2002.
La Convención sobre los Derechos de la Infancia
En 1989, los dirigentes mundiales decidieron que los niños y las niñas merecían una convención destinada exclusivamente a ellos, pues los menores de 18 años requieren unos cuidados y una protección especiales. Los dirigentes querían asegurarse además de que el mundo reconociera que los niños y las niñas gozan también de derechos humanos. Así nació la Convención sobre los Derechos de la Infancia.
Esta convención define los derechos humanos básicos de los que gozan los niños y las niñas de todo el mundo: el derecho a la supervivencia; al pleno desarrollo; a la protección contra influencias peligrosas, malos tratos y explotación; y a la plena participación en la vida familiar, cultural y social. Todos los derechos que se definen en la convención son inherentes a la dignidad humana y velan por el desarrollo harmónico de todos los niños.

Actividad gratuita


Ciclo de cine en torno a la exposición Infancia

Del 15 al 29 de mayo
Os proponemos dos películas protagonizadas por jóvenes que viven en contextos muy diferentes del nuestro: una favela de Río de Janeiro y el Irán de la Revolución islámica.

Sábado 15 de mayo l 19.00 h
Ciudad de Dios

La película narra la vida de Buscapé, un niño de una favela de Río de Janeiro llamada Ciudad de Dios. La historia se desarrolla a lo largo de treinta años, entre la década de 1960 y la de 1980, en un contexto donde el tráfico de cocaína, los asesinatos, la delincuencia juvenil y el soborno policial son cotidianos. El film se caracteriza por una puesta en escena frenética, su estética “sucia”, una fuerte carga emocional y las impactantes imágenes.
Fernando Meirelles, Brasil, 2002, 135 min, VOSE

Sábado 29 de mayo l 19.00 h
Persépolis

Marjane es una joven de nueve años que crece en el Irán de la Revolución islámica. A través de sus ojos vemos romperse las esperanzas de todo su pueblo en el momento en que los fundamentalistas toman el poder. Inteligente y nada temerosa, Marjane engaña a los “guardianes sociales” y descubre el punk y la música de Abba e Iron Maiden. Cuando cumple catorce años estalla la guerra entre Irán e Irak y sus padres toman la difícil decisión de enviarla a una escuela en Austria. Vulnerable y sola en un país extraño, resiste los apuros de la adolescencia. Esta película de animación está basada en el cómic homónimo de la iraní Marjane Satrapi.
Marjane Satrapi y Vincent Paronzaud, Irán, 2007, animación, 95 min, VOSE

Actividad gratuita


CaixaForum Barcelona
Av. De Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8
08038 Barcelona

Horario:
De lunes a domingo, de 10 a 20 h
Sábados, de 10 a 22 h

Entrada gratuita
Servicio de Información
Obra Social Fundación ”la Caixa”
Tel: 902 22 30 40
De lunes a domingo, de 9 a 20 h

www.laCaixa.es/obrasocial


[Jean Rouzat, septiembre de 1911. Fotografía de Jacques Henri Lartigue © Ministère de la Culture. France / AAJHL]

PREMIO BIENNAL DE ARTE CIUTAT D’AMPOSTA. 2010

Biennal_Dist_Mail_u.jpgLa recepción de la documentación se hará del 1 de Mayo al 30 de Junio de 2010.

www.biam.cat



El Ayuntamiento de Amposta convoca para el año 2010 el Premio Biennal de Arte Ciutat d’Amposta, 2010. El objetivo de este Premio, des de su creación, ha sido ser una plataforma de promoción y difusión que ha apostado de forma continuada por los artistas más jóvenes: sus obras son un claro exponente de su trabajo creativo, de las posibilidades expresivas y de la variedad de conceptos del lenguaje visual.

La participación está abierta a todos los artistas de ámbito estatal que pueden participar con obras originales y inéditas, sin ningún tipo de restricción de tema, técnica o dimensiones. El certamen, definido a partir de los criterios de un jurado cualificado y independiente, está abierto al conjunto de los lenguajes y formatos de las artes visuales.

El Ayuntamiento de Amposta otorga un primer premio dotado con 4.000€; y dos empresas de Amposta patrocinan dos premios-compra de 1.200€ cada uno. El ganador del Premio, además de la retribución económica, podrá realizar una exposición individual durante el año siguiente.

Descargar Bases completas

Más información: www.biam.cat

Mayo 10, 2010

CONFERENCIA DE ARJEN OOSTERMAN

schoolyard01_u.jpgMiércoles 12 de mayo a las 20:00 h.
Salón de actos. Colegio Oficial de Arquitectos de Murcia.
C/ Jarra Carrillo 5, MURCIA
Asistencia libre y gratuita
www.cendeac.net

Dentro del grupo de trabajo “Ciudad y Ciudadanía” iniciado por el CENDEAC en colaboración del Colegio Oficial de Arquitectos de Murcia (COAMU) y el Observatorio del Diseño y la Arquitectura de la Región de Murcia (OBS), recibiremos el próximo miércoles, 12 de mayo, la visita de Arjen Oosterman.

La Arquitectura de la Paz
La ciudad y ciudadanía son, de hecho, la forma dominante de existencia ya que, en la actualidad, más de la mitad de la población habita en ciudades. A pesar de parecer simples y directas, estas nociones están sometidas a constantes desafíos. El derecho a la ciudad, la lucha por el lugar y el espacio, la exclusión, la segregación, la marginación y la expulsión de las minorías, todo esto está ocurriendo dentro de los límites de la ciudad. Esto no resulta algo lejano, que esté ocurriendo exclusivamente en el tercer mundo o en países devastados por la guerra, ocurre también en las sociedades occidentales. El programa La Arquitectura de la Paz analiza estos mecanismos centrándose especialmente en áreas post-conflictivas, que oscilan de reconstrucciones en tiempos de posguerra, como es el caso de Beirut, Kabul y Prishtina a dirigir potenciales conflictos en vecindarios pobres y áreas en rehabilitación. En resumen ¿de qué manera se materializa la paz? La ciudadanía necesita paz como requisito previo para que tenga sentido y sea verdadera. La ciudadanía en su sentido democrático e inclusivo.


Biografía
Arjen Oosterman (1956) es editor jefe de la revista Volume. Cursó sus estudios de Historia Arquitectónica en la Universidad de Utrecht. Como docente ha impartido clases de Historia Arquitectónica y ha dirigido tesis en escuelas de arquitectura en los Países Bajos. Como investigador y escritor ha publicado en diversas revistas holandesas e internacionales. Ha escrito y editado varios libros sobre arquitectos y arquitectura holandesa contemporánea. También ha contribuido a la creación de documentales televisivos y ha sido miembro de jurados y premios. Recientemente ha comisariado (en colaboración con Anneke Abhelakh) una exposición sobre el arquitecto holandés Jos. Bedaux y ha coorganizado el congreso La Arquitectura de la Paz en Rotterdam.
Algunos de sus artículos se pueden en contrar en www.volumeproject.org


[Credit: Aernout Mik, Schoolyard (2009)]

Mayo 07, 2010

‘Ecotopografías’ de Jorge Yeregui, serie fotográfica becada por KREA, en la Universidad de Salamanca

yereguiecotopografias_w3art_u.jpgEl Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca acoge la exposición ‘Paisajes Mínimos’ del fotógrafo y arquitecto Jorge Yeregui. Parte de este proyecto lo forma la serie fotográfica ‘Ecotopografías’, una obra becada por KREA Expresión Contemporánea. Podrá verse en la Sala Patio de Escuelas de la Universidad de Salamanca del 13 de mayo al 4 de julio.

KREA coedita, junto a la Universidad de Salamanca, el catálogo de este proyecto fotográfico que analiza el nuevo paisaje en el que la naturaleza se traslada a la ciudad.

www.kreared.com

Las series fotográficas ‘Ecotopografias’ y ‘Sitescape’ forman parte de este proyecto artístico. La primera fue creada gracias a la beca de producción KREA 2009 que recibió Yeregui e investiga las nuevas relaciones establecidas entre el hombre y la naturaleza a partir de la divulgación del pensamiento sostenible y la proliferación de discursos respetuosos con el medio ambiente. Según Yeregui, este trabajo analiza “las nuevas topografías de la sostenibilidad, edificios que nacen directamente del terreno, como un ‘pliegue’ que se rellena con un programa funcional, donde la cubierta recupera el paisaje existente”.

‘Sitescape’, por su parte, analiza el paisaje singular y característico de la ciudad contemporánea, mostrando determinados espacios que quedan fuera del planeamiento urbanístico que organiza la urbe. “Aunque, en ocasiones, son lugares consolidados, con una calificación asignada y ubicados en lugares estratégicos de la ciudad, el abandono los transforma en paisajes neo-naturales donde buenas y malas hierbas crecen libremente al azar, al margen de cualquier diseñador”, explica su autor.

Este trabajo pudo verse el pasado invierno en la oficina de KREA Expresión Contemporánea, ya que fue la encargada de inaugurar el ciclo ‘En proceso’, una nueva propuesta dirigida a difundir la trayectoria y el trabajo de los artistas becados en las convocatorias 2007-2009 del Programa de Creación.


Colaboración con la Universidad de Salamanca

Asimismo, este trabajo expositivo se completa con la publicación de un catálogo, titulado también ‘Paisajes Mínimos’, coeditado por KREA Expresión Contemporánea y la Universidad de Salamanca. Esta publicación cuenta con textos del arquitecto Iñaki Ábalos, del paisajista Gilles Clément y del propio Yeregui. Se editará en castellano, euskera e inglés.

Esta iniciativa forma parte de la filosofía de trabajo en red que KREA lleva a cabo con diferentes instituciones nacionales e internacionales, como la UPV-EHU o el Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz.

En este caso colabora con la Universidad de Salamanca y su Centro de Fotografía, que nace de la especialización de la actividad expositiva de la Universidad de Salamanca en el campo de la imagen en el año 1992. La Sala de Exposiciones de Patio de Escuelas acoge desde entonces una programación de exposiciones de arte contemporáneo orientada hacia la práctica fotográfica. En estrecha conexión con esta programación se ha ido creando una colección de fondos fotográficos, que actualmente cuenta con más de 400 obras de un centenar de artistas. Como extensión de la actividad del Centro de Fotografía se ha impulsado una política de publicaciones. Entre ella, figuran publicaciones como ‘Profecías VV.AA’ con obras del prestigioso fotógrafo Joan Fontcuberta, Premio Nacional de Fotografía en 1998, entre otros.


Fotografía y arquitectura

Jorge Yeregui Tejedor (Santander, 1975) es licenciado en Arquitectura por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla. Ha realizado varias exposiciones individuales en Frankfurt, Sevilla, París o Barcelona, además de haber participado en exposiciones en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, el Centro Atlántico de Arte Moderno, el Pingyao International Photography Festival o en el Instituto Cervantes de Beijing. Ha trabajado en varios proyectos de fotografía y arquitectura con diferentes organizaciones y en numerosos proyectos y grupos de investigación, teórica y artística, sobre ciudad (y arquitectura). Ha obtenido diferentes becas y premios y sus proyectos han sido expuestos en diferentes países, Alemania, Francia, EEUU, Slovakia, China, y Polonia, por nombrar algunos de ellos así como en Sevilla, Granada y Barcelona, dentro del ámbito nacional. En la actualidad, su labor se centra en desarrollar sus propios proyectos de investigación y creación artística.


www.kreared.com

MUCHO MÁS MAYO. FESTIVAL DE JÓVENES TALENTOS. MAYO 2010.

alterna_mmm_u.jpgEl Festival Mucho Más Mayo organizado por la Concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Cartagena, consolidado como una de las grandes apuestas culturales de la ciudad, vuelve en su V edición del 10 al 23 de mayo.
Mucho Más Mayo es un festival multiartístico y multidimensional, desarrollado por jóvenes creadores y dirigido a toda la población, que encuentra en la utilización de los espacios colectivos el escenario para ofrecer sus propuestas.
www.muchomasmayo.com

Vuelve Mucho Más Mayo,14 días de Festival, 123 actividades, 602 artistas. Un Festival que intenta romper fronteras convencionales, que se articula como una constelación de propuestas distintas que conforman un único programa y que incluye una rica diversidad de expresiones y formatos:

La II edición de la Noche de los Museos, con hasta 8 museos y centros museísticos, dentro y alrededor de los cuales se desarrollarán veinte propuestas culturales.

La III Fería ART-Hotel, en el último piso del Hotel NH, por primera vez abierta a galerías de fuera de la Región.

Mucho Más Música: Una selección de grupos relacionados con el pop-rock indie: Sidonie, Sidecars y Los últimos bañistas. La Novedad, “Directo en tu salón”, conciertos en pequeño formato acústico en casas particulares, con aforo limitado y con invitación. Y el concierto inesperado.

El micro festival de arte urbano One Urban World con las distintas tendencias de la disciplina del hip hop, graffiti y street art en su máximo exponente. Artistas internacionales Belin, Microbo, Bo 130, Igone, Seal, Kraser, Poli 124, Heron, Geo... y “Yo SOY”, la primera exposición de Street art en la Región de carácter internacional.

Y Mucho Mucho Más...: La V Semana Corta de Cartagena; Los Talleres de Mucho Más Mayo, KUNSTrePUBLIK; la Muestra Internacional de Performance & Live Art y el taller “ON THE SPOT”; La artista invitada, Ana Cortils; Räfven Zoo, Música Narrativa y Teatro Físico; Conferencias, donde se debate sobre los problemas del arte contemporáneo; y en la noche de clausura, la compañía Xarxa Teatre con el espectáculo Veles e Vent.

Descargar programa completo en pdf

Mayo 06, 2010

FORO DE LA EDICIÓN

foro_U.jpgOrganiza: MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
Fecha: 15 de mayo
Participan: A*DESK; Brumaria; Estudios Visuales; mus-A; salonKritik y ZEHAR
Inscripción gratuita y obligatoria en www.musac.es
Publicación: Boletín del Foro

MUSAC CELEBRA EL 15 DE MAYO EL FORO DE LA EDICIÓN, DEDICADO EN ESTA OCASIÓN A PUBLICACIONES DE TEORÍA Y CRÍTICA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Actividad: Foro
Título: Foro de la Edición. Publicaciones de pensamiento y crítica del Arte Contemporáneo
Fecha y lugar: sábado 15 de mayo, Salón de actos del MUSAC.
Publicaciones participantes: A*DESK; Brumaria; Estudios Visuales; mus-A; salonKritik y ZEHAR
Edición especial: El Boletín del Foro, con textos de Darío Corbeira, José Luis Brea, Maider Zilbeti, Mar Angosto, Mª Virginia Jaua y Martí Manén
Coordinación: Araceli Corbo, Responsable de la Biblioteca-Centro de Documentación del MUSAC
Inscripción obligatoria y gratuita a través de www.musac.es:
Número de plazas y plazo de presentación: 100. Hasta completar aforo


MUSAC, como plataforma de pensamiento contemporáneo, pondrá en juego con este Foro dedicado a la Teoría y la crítica de Arte Contemporáneo, de la mano de las publicaciones seleccionadas, diferentes aspectos relacionados con la crítica de arte y el papel que ésta desarrolla en la sociedad contemporánea. El foro pretende evocar las siguientes cuestiones: el nivel de incidencia en el sistema actual del Arte en España; las publicaciones de crítica del Arte como herramienta de reflexión, participación y educación; los distintos modelos para generar opinión; las relaciones entre publicación e Institución; las decisiones editoriales de las publicaciones; la participación de las publicaciones en debates concretos en torno al sistema del arte contemporáneo en España; la publicación de cada número como compromiso con la creación; la libertad de expresión y la crítica participativa-ciudadana

Concebido como un espacio para la puesta en común de ideas y el debate crítico, línea fundamental de la programación desarrollada por la Biblioteca-Centro de Documentación del MUSAC, el formato se establece en mesas redondas y posterior turno de argumentación para los asistentes. El panel del foro contará con la participación de Martí Manén, Co-director y co-fundador de A*DESK; Darío Corbeira, Editor de la revista Brumaria, Mar Angosto, Coordinadora revista mus-A, José Luis Brea, Director de Estudios Visuales; Mª Virginia Jaua: Directora editorial de salonKritik y Maider Zilbeti Pérez, Directora de Zehar, publicación promovida por Arteleku.


- PROGRAMA:

10:30 – 12:00 h.- Las revistas como plataforma de pensamiento dentro de la institución. Intervienen: Estudios Visuales; mus-A; Zehar

12:30 – 14:00 h.- La crítica de Arte como generadora de discursos y cuestionamientos. Intervienen A*DESK; Brumaria y salonKritik

17:00 h.- Panorama general de la crítica del Arte en España. Intervienen A*DESK; Brumaria Estudios Visuales; mus-A; Zehar; salonKritik. Exposición argumental y debate

El Foro, supone una prolongación de las jornadas Publico Arte, programa de conferencias mensuales llevadas a cabo entre 2009 y 2010 organizadas por la Biblioteca-Centro de Documentación del MUSAC, sobre publicaciones de creación contemporánea españolas. El Foro de la edición se realizará dos veces al año. La próxima cita se celebrará en diciembre de 2010 y estará dedicada a publicaciones de creación y crítica de arte en Latinoamérica, en sintonía con la programación del segundo semestre, volcada en el Arte Contemporáneo Latinoamericano, tanto en la exposición MODELOS PARA ARMAR. Pensar Latinoamérica desde la Colección MUSAC, como en el proyecto vitrinas dedicado a la Revista Pulgar o el Simposio Internacional Pensar Latinoamérica en noviembre de 2010.


- EL BOLETÍN DEL FORO: LA PUBLICACIÓN

Continuando con la línea editorial del MUSAC, que incluye la edición y publicación de catálogos de exposiciones, publicaciones de artistas y próximamente la revista RADAR*, Revista de Arte y Pensamiento de MUSAC, el Foro de la Edición, editará una pequeña publicación en soporte papel titulada El Boletín del Foro, en la que se recogerán textos críticos e inéditos de los participantes, sinopsis de las revistas invitadas al foro, y la agenda del próximo Foro. La distribución gratuita del boletín favorecerá la accesibilidad a los contenidos que serán tratados durante la jornada, contribuyendo a la aproximación de los públicos a la crítica contemporánea. Asimismo, los visitantes del museo durante la jornada, tendrán a su disposición para consulta, ejemplares de las publicaciones en su formato on-line y papel.


- LOS PARTICIPANTES:

A*DESK

A_DESK_u.jpgPublicación: A*DESK
Formato: revista on-line
Carácter: Crítica y Arte Contemporáneo
Dirigida por: Montse Badia, Martí Manen y David G. Torres. Gestión y coordinación de A*DESK: Ester Martínez. Media y vídeos: Andreas M. Kaufmann. Colaboradores: Milena Pi, Nizaia Cassian Yde, Aimar Arriola, Claudio Iglesias, Marcela Römer, David Armengol, Javier Hontoria, Cecilia Martín, Elena Vozmediano, Manuela Moscoso, Paloma Checa, Rosa Naharro, Clara Paolini...
Dirección web: http://www.a-desk.org/spip/spip.php?article68

A*DESK, Instituto Independiente de Crítica y Arte Contemporáneo, se dedica a la formación, la edición y la investigación en torno a la crítica de arte contemporáneo. Bajo la visión de que el pensamiento crítico hace libres a los individuos, su misión es reivindicar activamente el valor de la crítica: generar debate en torno al arte contemporáneo, retar las ideas comunes, poner en cuestión lo establecido, dotar al individuo de libertad de opinión e impulsar, así, la cultura.

Investigación: Fiel a la voluntad por romper las barreras entre arte y público y enfatizar el pensamiento crítico, A*DESK desarrolla proyectos de investigación en diferentes ámbitos: desde al asesoramiento en temas de arte contemporáneo, hasta exposiciones, pasando por documentaciones historiográficas y contextuales. Al mismo tiempo A*DESK desarrolla proyectos que investigan nuevas líneas de comunicación del arte contemporáneo: nuevos medios, discusiones, simposios, televisión...

Desde 2005 A*DESK edita una revista on-line sobre crítica y arte contemporáneo que ha devenido un referente en el ámbito catalán y latinoamericano.También tiene una sección de discusión y noticias en torno al arte contemporáneo y prepara la edición de una colección de ensayos.

Desde 2007 A*DESK ha realizado una serie de workshops en España y latinoamérica sobre crítica de arte. En 2010 A*DESK iniciará una serie de seminarios on-line. Y para la temporada 2010-2011 prepara un curso intenso de formación profesional en arte contemporáneo (Programa de estudios avanzados en arte contemporáneo). A*DESK entiende la formación desde una perspectiva participativa y abierta, con el objetivo de profundizar en las herramientas de pensamiento contemporáneo en arte.

A*DESK constituye un espacio relacional, un network social que pone en contacto a individuos interesados en arte contemporáneo, acercando la realidad del arte y la cultura contemporánea: señalando lo que está pasando para formar parte de ello. Cree en el individuo, en su capacidad de acción, pensamiento y opinión. Señalan, aportan criterio, contribuyen a generar pensamiento, abrimos nuevas miradas. A*DESK considera que el pensamiento, la reflexión y la discusión son experiencias estimulantes, divertidas y creativas. Quiere desarrollar pensamiento crítico: generando debate en torno al arte contemporáneo, estimulando la participación de individuos activos, y abriendo el debate.


Brumaria:

BRUMARIA_u.jpgRevista: Brumaria
Director: Darío Corbeira
Formato: soporte papel
Carácter: arte y cultura contemporánea
Equipo Editorial: Juan Albarrán; Alejandro Arozamena; Ebba Corbeira; Carlos Jiménez
Irene Montero; Víctor del Río; Daniel Patrick Rodriguez Dirección web: http://www.brumaria.net/

Brumaria es un proyecto de artistas para la construcción de un espacio de estudio, reflexión y propuesta, que tiene por objeto la puesta en circulación de materiales teórico/prácticos relativos a las ideas artísticas y estéticas y su relación con las estructuras sociales y políticas que le son inherentes. La publicación, inicialmente revista, ha editado 14 importantes títulos hasta la fecha. A partir del número 4, trata temas monográficos de gran interés como el vídeo, arte y política, net art, la documenta 12, etc.

Darío Corbeira, Director de la revista, vive en Madrid, es artista y profesor de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca donde imparte las asignaturas Espacios del Arte y Soportes Artísticos Alternativos. Comenzó su carrera a finales de los años setenta. Su obra de carácter conceptual se vehicula a través de diferentes medios y soportes. Ha expuesto sus trabajos en España y el extranjero. Autor del libro “Construir... o deconstruir” una selección de textos sobre la obra de Gordon Matta-Clark. Ha sido autor y comisario de “Comer o no Comer”, un proyecto expositivo, cinematográfico y editorial sobre las relaciones entre comida y hambre a través del arte del siglo XX. Publica ensayos críticos en periódicos y revistas especializadas y ha sido conferenciante en diversas universidades de España. EE. UU, Canadá y Alemania.


Estudios Visuales:

ESTUDIOS_VISUALES_u.jpgRevista: Estudios Visuales
Director: José Luis Brea
Formato: soporte papel y digital
Carácter: crítica de la cultura visual a través de ensayos y estudios
Periodicidad: anual
Dirección web: www.estudiosvisuales.net

El CENDEAC, Centro de Documentación y Estudios Avanzados de Arte Contemporáneo (Murcia), edita Estudios Visuales, dirigida por José Luis Brea, una revista que pretende abordar la problemática de los estudios de cultura visual y convertirse en breve tiempo en uno de los referentes editoriales de la crítica de la cultura visual y su relación con la Historia del Arte.

Estudios visuales es una revista de carácter ensayístico y universitario que se dedica a explorar y promover el desarrollo de los nuevos estudios de crítica de la cultura visual y las formaciones de imaginario, analizando la vida social de las imágenes y su decisivo papel en el mundo contemporáneo no tanto como hechos estéticos o vinculados a una práctica socialmente muy codificada y ritualizada –cuál es el arte- sino fundamentalmente en su potencial de generación de formaciones de representación y en última instancia condicionamiento de los modos –y mundos- de vida.

José Luis Brea es Profesor Titular de Estética y Teoría del Arte Contemporáneo de la Universidad Carlos III de Madrid. Es director de la revista Estudios Visuales. Crítico de arte independiente, colabora con diversas revistas nacionales e internacionales. Es director de las colecciones Estudios Visuales de la editorial AKAL.

Entre sus libros más recientes destacan: Las 3 eras de la imagen. Imagen-materia, film, e-image, ed. AKAL, Madrid, 2010; cultura_RAM. mutaciones de la cultura en la era de su distribución electrónica, Gedisa, Barcelona, 2007. El tercer umbral. Estatuto de las prácticas artísticas en la era del capitalismo cultural. CENDEAC, Murcia, 2003.

Su última exposición fue La Conquista de la Ubicuidad, Centro Parraga (Murcia), CAAM (Canarias), KM (SanSebastian), 2003-4.


Mus-A:

Mus-a_u.jpgRevista: mus-A
Coordinadora: María del Mar Angosto Acuña
Formato: soporte papel
Carácter: Museología: monografías
Periodicidad: semestral
Dirección web: http://www.museosdeandalucia.es/cultura/museos/musa_des.jsp?idreg=15

mus-A pretende ser un vehículo de comunicación de carácter plural, tanto en la materia que aborda como en los puntos de vista y manifestaciones que recoge, así como dinamizador de las instituciones del patrimonio histórico. De carácter semestral, la revista está editada por la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía y depende de la Dirección General de Museos y Arte Emergente. Cada número es una monografía sobre un tema de museología, abordado a través de ensayos de colaboradores especialistas en la materia. Hasta la fecha, se han editado 11 números de la revista, donde se han analizado las siguientes temáticas: Las Colecciones de los museos andaluces; Sedes institucionales; El museo y su edificio; Museos y nuevas tecnologías; el museo y los niños; La Arqueología y los museos; Museos locales: naturaleza y perspectivas; La Fotografía y el museo; El público y el museo; Miscelánea juridica para museos; Hablamos de Arte Emergente

mus-A se distribuye a través de suscripción y en los siguientes puntos de venta directa: tiendas del Museo de Bellas Artes de Sevilla, del Museo de Bellas Artes de Córdoba, del Museo de Cádiz, del Museo Casa de los Tiros de Granada, del Conjunto Arqueológico Itálica (Santiponce, Sevilla) y del Conjunto Monumental La Alcazaba de Almería, además de la tienda de la Empresa Pública de Gestión de Programas Culturales de Andalucía, situada en c/ José Luis Luque nº 2, junto a la Plaza de la Encarnación, de Sevilla.


:: salonKritik ::

salonk_u.jpgRevista: ::salonkritik::
Formato: blog digital
Carácter: crítica artística y cultural
Director: José Luis Brea
Directora editorial: María Victoria Jaua
Editorial: asociación cultural no lucrativa [ART, a.c.]
Publicada bajo licencia Creative Commons
Secciones: opinión; artes; libros; cine; música; más info
Dirección web: http://salonkritik.net/index.php

:: salonkritik :: es una revista electrónica de crítica artística y cultural publicada en formato blog que busca conciliar el rigor del análisis y la teoría crítica con el reto que para su desarrollo supone el estar y ejercerse “en línea”. Para lograrlo, :: salonkritik :: opera principalmente como un repositorio selectivo de la crítica cultural de calidad -republicando los mejores artículos aparecidos online, tanto en revistas especializadas como en suplementos culturales- pero también actúa como un dispositivo editorial autónomo, capaz de cuestionar la autoridad instituida de tales medios, al abrir un espacio tanto a la teoría crítica independiente como a la dialogación colectiva en el ámbito de la esfera pública.
www.salonkritik.net

María Virginia Jaua
Editora, traductora y ensayista. Nació en Madrid y ha vivido entre Caracas, México, París y Madrid. Ha desarrollado y colaborado en diversos proyectos editoriales vinculados a la literatura y a la cultura contemporánea. Durante diez años fue jefe de redacción de la revista mexicana de literatura Líneas de Fuga de la Casa Refugio Citlaltépetl. Ha colaborado con textos de su autoría y con traducciones en diversas publicaciones como: El Ángel, Confabulario; revistas: Líneas de fuga, Letras Libres, Fractal, Picnic, Estudios, Paréntesis, Celeste, Damas Chinas y en las editoriales Aldus, Fondo de Cultura Económica, Cal y Arena, Tumbona ediciones, Ediciones sin nombre, Mateus, entre otras. Actualmente trabaja en el grupo académico, de entrecruce entre arte y literatura, “Escrituras de la Modernidad” de la Universidad Sorbonne Nouvelle y desempeña la dirección editorial de la revista online salonkritik.


ZEHAR

zehar_u.jpgRevista: zehar
Formato: soporte papel y digital
Carácter: arte y cultura contemporánea
Directora: Maider Zilbeti Pérez
Periodicidad: tres ediciones anuales, una digital, dos en soporte papel
Publicada bajo licencia Creative Commons
Números publicados hasta la fecha: 66
Dirección web: http://www.arteleku.net/publicaciones/editorial/zehar/

Zehar es una revista promovida por ARTELEKU -centro de arte y cultura contemporáneo dependiente de la Dirección de Cultura de la Diputación Foral de Gipuzkoa-, lugar de apoyo a la creación y producción desde la perspectiva de generar e impulsar toda clase de propuestas que permitan una proyección externa y, a su vez, se adscriban de un modo social, público y comunitario en su entorno.

Zehar se dedica al arte y a la cultura contemporánea. Empujada por la convicción de la necesidad de consolidar bases estables que enriquezcan el contexto y conformen un entorno plural, la revista mantiene un espíritu crítico y de reflexión.

Zehar publica dos números anuales en papel. Cada número presenta un tema de debate y reflexión en torno a un monográfico que viene propuesto por la programación anual y las líneas de trabajo del centro. Zehar publica los textos en castellano, euskera e inglés. Los artículos publicados en papel tienen la posibilidad de ser comentados a través de la página web de Arteleku. Al mismo tiempo, la versión en papel se complementa con los foros electrónicos que posibilitan una continuación a las propuestas y debates planteados en papel.

Durante 2007, la revista Zehar participa en el proyecto Documenta 12 magazines, dirigido por Georg Schoellhammer, editor de la revista Springerin. Documenta 12 magazines, la cual plantea crear una herramienta de edición descentralizada que permita la producción y distribución de contenidos de manera asociada. La revista ha participado en diferentes ferias, exposiciones y archivos: La Otra (2008), Periferic 8 (2009), Colophon (2009), Archive Kabinett (2009), Magazine Library (2009, 2010),


__________________________________________________________________________________________

*RADAR, Revista de Arte y Pensamiento de MUSAC, publicación temática con periodicidad semestral que contará con la contribución de destacados pensadores, críticos de arte, comisarios de exposiciones, artistas y especialistas en diversas ramas del saber contemporáneo, lanzamiento en la FIL de Guadalajara y en el Foro de la edición MUSAC de diciembre 2010.

* Los textos sobre las publicaciones han sido facilitados por las personas responsables de las mismas o extraídos de sus respectivas webs


Mayo 05, 2010

Programación OFF LIMITS mayo 2010

CuadraAngela_u.jpgPresupuesto: 6 euros. Prácticas artísticas y precariedad
Hasta el 21 de mayo
Eleusis – 06 de mayo
Experimentaclub LIMb0 -10 de mayo
No tendrás casa en la puta vida – 21 de mayo
Muestra Itinerante de Cine Playtime – 24 de mayo
Imagineindia 2010 – 26 de mayo
Sala Vip – 27 de mayo
Perfect Day – 28 de mayo
Interconexiones: ciudades en movimiento – 29 de mayo


www.offlimits.es



Presupuesto: 6 euros. Prácticas artísticas y precariedad
Hasta el 21 de mayo
L a V 12 a 20 h
S de 12 a 14 h

Exposición de los proyectos seleccionados en la convocatoria del mismo título, una denuncia creativa de Cabello/Carceller.

A pesar de que en gran parte de la sociedad permanece asentada la idea de que el arte y los artistas ocupan un espacio económicamente boyante, se trata de un contexto en el que los modos de hacer están cada vez más extendidamente precarizados. La exposición se plantea como una propuesta abierta desde la consciencia de que esa situación debe mejorar así como de la necesidad de su denuncia para poder pensar el presente.

Artistas invitados: Daniel G. Andújar y Jana Leo.

Artistas participantes: 3x2, Albano y Cristina González, Alberto de Pedro, Alejandra Valero, Alfred Porres Pla, Ana Matey, Ángela Cuadra, Anna Raimondo, Art to Complete, Bonifacio Barrio Hijosa, Daniela Ortiz, Daños Colaterales, Dientes de Ojo, DosJotas, E.G+Y.M, Elvira Palazuelos, Fermín Diez de Ulzurrun, Ignacio Chávarri, Javier Cruz, José Antonio Juárez Seoane, José Jurado Gómez, Juan Gil Segovia, Juan Gimeno Ramallo y Antonio Díaz Correa, Mikel Telleria, Miranda & Mirón, Momu & No Es, Natalí Larriera Glasserman, Nuria Güell, Robert Ben Eclectiktronik, Sécolectivoforzoso y Sofía Misma.


Eleusis
Jueves 6 de mayo, 20.30 h

La asociación Eleusis presenta la conferencia "Amazonia ayer y hoy” a cargo de Luis Eduardo Luna. El antropólogo y etnobotánico brasileño ha estudiado a fondo las religiones ayahuasqueras de Brasil –Iglesia del Santo Daime y Unió do Vegetal- y en la actualidad estudia los efectos de la planta en el sistema nervioso central.

Eleusis es una organización sin ánimo de lucro que se dedica a la investigación y difusión de los estados modificados de consciencia (EMC), incluyendo sustancias psicoactivas y técnicas extáticas de las distintas culturas.

Más información: www.asociacioneleusis.es


Experimentaclub LIMb0: Conferencia de Jorge Haro
Lunes 10 de mayo, 20 h

Experimentaclub LIMb0 presenta al compositor y artista sonoro/audiovisual Jorge Haro (Argentina, 1963), quien brindará una conferencia sobre con la música experimental, el arte sonoro, las instalaciones sonoras y las piezas audiovisuales, reactivas e interactivas. También se abordarán temas relacionados a la situación de la música experimental en Latinoamérica y el rol del sonido en el contexto del arte contemporáneo.

Jorge Haro ha editado seis trabajos: Works based on field recordings (Sudamérica Electrónica, 2008), early works_8991 (online ep, Experimenta Club, 2007), u_xy (audio CD, fin del mundo, 2005), u_2003 (CD-R extra + net-disc, Fin del mundo, 2003), Música 200(0) (CD extra, Fin del mundo, 2001) y Fin de siècle (CD extra, Fin del mundo, 1999). Además tiene piezas de música y de vídeo publicadas en distintos compilados en Argentina, Canadá, USA, España, Suiza y Polonia.

Nota: La presencia de Jorge Haro en Madrid es posible gracias al proyecto de intercambio artístico y de cooperación cultural Experimentaclub LIMb0, que cuenta con el apoyo de la AECID.

Más información: www.jorgeharo.com.ar


No tendrás casa en la puta vida
Viernes 21 de mayo, 21 h

Presentación del libro No tendrás casa en la puta vida que recoge los relatos de 10 jóvenes autores (Toni Betrán, Javier P. Mancuso, Diana Junyent, Robert Juan-Cantavella, Óscar Gual, María Llopis, Maties Segura, Carolina Hernández, Llucia Ramis y Ximo Folch) junto con 49 fotografías. En el volumen se pretende explicar por qué muchas veces los jóvenes se ven forzados a compartir piso si quieren, por ejemplo, desarrollar un trabajo que les satisfaga, o cómo y de qué manera se puede combinar la vida laboral sin tener que renunciar a otros proyectos.

Ismael Llopis Navarro (Castellón de la Plana, 1978) Cofundador de la editorial Edicions Autors Anònims y la revista Code Magazine. Comienza su actividad profesional como redactor gráfico en el Periódico Mediterráneo, Metro, ADN y en Rockdelux trabajo que ha compaginado con proyectos en moda y publicidad.


Imagineindia 2010
Miércoles 26 de mayo, 21.30 h

Celebración de la novena edición del festival de cine Imagineindia. El evento comprenderá la actuación del Grupo Sabah, con bailes Bhangra, Rajestaní, Bollywood y Clásico, la representación del cuento indio "Una historia de amor y magia" adaptado por José Luis Checa con actores de la escuela AKATT (Akademia de teatro Triángulo) y la lectura de poesías basadas en piezas audiovisuales sobre la India.

La noche será amenizada por dj "La Trama", productor y multi-instrumentista que junto a su colectivo Chandra Sound System lleva más de 10 años promoviendo la fusión de músicas de mundo y la electrónica, una cálida experiencia musical que llenará de color la celebración de Imagine India.

Más información: www.imagineindia.net


Muestra Itinerante de Cine Playtime
Lunes 24 de mayo, 21 h

Programa “Puente” comisariado por Playtime Audiovisuales.

Tradicionalmente las obras audiovisuales se han clasificado en dos grandes grupos, en función de que fueran de ficción o documental. Sin embargo la línea que separa esta división es cada vez más estrecha. Ficciones que parecen realidades, realidades que sobrepasan los límites de la ficción, vídeos musicales para grupos 2.0, o fieles retratos de rostros inexistentes, son algunos de los puentes que unen estas dos orillas y a los que va dedicado este nuevo programa de la Muestra Itinerante de Cine Playtime.

PROGRAMA PUENTE
Historia nº52785/614-18 (Historias de una historia) de Javier Gamar y Gonzalo de Pedro.
Communi de Javier Romero.
Moss Media Acción Urbana de Left Hand Rotation.
Ivan Istochnikov de Lluís Escartín.
Mucho Phillips [Los Gru] de Fur Alle Falle.
On the line de Jon Garaño.

Más información: www.playtimeaudiovisuales.com

Con este programa, Playtime Audiovisuales, se propone dar a conocer a los nuevos autores nacionales que trabajan dentro de este campo.


Sala Vip
Jueves 27 de mayo, 20 h

El libro Sala VIP de Rafael Suárez documenta un proyecto realizado a finales de 2008. El enunciado del proyecto que se planteó es sencillo: "cazar una rata viva y hacerme cargo de ella durante un tiempo limitado para generar un proceso de reinserción. Darle temporalmente un hogar y hacerle partícipe de las ventajas de una vida acomodada, incluso a costa de su voluntad". La documentación y la memoria de un conjunto de ejercicios de carácter dietético-educativo hasta llegar a la “redención” del roedor maligno.

Más información: http://rafaelsuarez.es/arte/casos/salaVip.php


Perfect Day
Viernes 28 de mayo, 20 h

Presentación de la pieza de videoarte Perfect Day, en la que Juanma Carrillo y Félix Fernández desarrollan un trabajo creativo en torno a la soledad y las relaciones afectivas-emocionales.

Este trabajo, que forma parte de una trilogía titulada “Cover me” conecta con una energía de constante cambio y con la búsqueda de un ideal que se esfuma con la proximidad de los cuerpos. Cada frame capta la fricción entre lo sublime y lo cotidiano de cada encuentro sexual, de cada despedida.

Las piezas de la trilogía, en formato de vídeo, presentan una nueva versión de canciones ya conocidas. En esta segunda obra revisitan el tema Perfect Day de Lou Reed de la mano del músico y compositor Rubeck.


Interconexiones: ciudades en movimiento
Sábado 29 de mayo

Circuito internacional de visionado y difusión de videodanza. Proyección simultánea entre las ciudades participantes y videoconferencias interactivas entre artistas, académicos y público.

La 1ª Muestra Internacional simultánea de videodanza se desarrollará en Recursos d’ Animació Intercultural (Barcelona), Fundación Imagen en Movimiento (Bogotá),
Todo Mundo (Buenos Aires), Casa Tres Patios (Medellín), Ballet Nacional de Ecuador (Quito), Galería Jesús Alviarez Hurtado (Venezuela), Corporación Cultural Artek (Santiago de Chile), Salón de Actos de la Universidad Politécnica de Valencia y Escenalborde Artes Escénicas Contemporáneas (Valparaíso), entre otros.



Off Limits
Escuadra 11 bajo, 28012 Madrid
Metro: Lavapiés y Antón Martín
www.offlimits.es

Paisaje?

IMATGEEXPO_u.jpgNico Baumgarten, Clara Boj y Diego Díaz, Alfonso Borragán
y Lluís Sabadell i Artiga

Del 7 de mayo al 29 de agosto de 2010
(Inauguración 6 de mayo a las 19.30h en Bòlit-LaRambla)
Bòlit-La Rambla/Dadespai

Pauline Oliveros/ Ione
Del 11 de junio al 29 de agosto de 2010
(Inauguración 10 de junio a las 19.30h en Bòlit-SantNicolau)
Bòlit-Sant Nicolau

www.bolit.cat



El jueves 6 de mayo a las 19.30h en Bòlit-LaRambla tendrá lugar la inauguración de la primera parte de la exposición Paisaje? que incluye los trabajos de Nico Baumgarten, Clara Boj y Diego Díaz, Alfonso Borragán, y Lluís Sabadell i Artiga.

La muestra se desplegará a partir del 6 de mayo en Bòlit-LaRambla i en Dadespai, y desde el 10 de junio continuará con la segunda inauguración en Bòlit-SantNicolau, donde se presentarán las propuestas sonoras y audiovisuales de Pauline Oliveros /Ione.

Paisaje? reúne cinco propuestas artísticas que ponen el punto de mira en el concepto de paisaje, bordeando hipótesis instaladas en la duda, con procesos que quieren poner en crisis la misma noción de paisaje.

Paisaje? presenta trabajos basados en la experiencia del territorio, mediante el aprendizaje del mismo, para aclarar si el paisaje se evoca, descubre, o construye y si es la destrucción un elemento común a todo ello. Planteando la posibilidad que fuera precisamente esta ambivalencia la fuerza generadora de todo paisaje, se abordan aspectos como el progreso, la identidad, o lo público, a través de la exploración de las facetas natural, urbana y emocional del paisaje.

Siendo la construcción y la destrucción caras de una misma moneda, la exposición reflexiona sobre la incidencia de éstas en las transformaciones sociales, económicas y políticas, respecto al paisaje, y viceversa. ¿Cuál es el grado de pertenencia a un territorio frente a la creación de paisaje? ¿Y respecto a su destrucción?

Nico Baumgarten (Alemania, 1981) ha seguido el curso del río Ter desde su nacimiento hasta su desembocadura, extrayéndole fotografías y estableciendo una particular conversación con el territorio.

Revelar lo oculto, obtener las imágenes existentes en el propio paisaje desde su interior es el trabajo que ha desarrollado Alfonso Borragán (Santander, 1983) en diversos enclaves naturales, y a través del taller Cámaras de Tierra.

Clara Boj y Diego Díaz (Murcia, 1975) sitúan su campo de operaciones en enclaves del paisaje urbano específicamente diseñados para jugar, como son los parques infantiles, combinando su uso con la incorporación de los paisajes virtuales que proponen los video juegos.

La selección de piezas de Pauline Oliveros (Houston, 1932) e Ione (Washington DC, 1937) remite a unos paisajes interiores que parten de la experiencia y la escucha del propio cuerpo, de la respiración y de su relación con un entorno que modela conciencias.

Lluís Sabadell i Artiga (Girona, 1974) despliega su propuesta en el espacio expositivo a través de unas piezas que reflexionan sobre la existencia del paisaje y su negación y, por otra parte, con la publicación en la revista Bonart del Manifiesto contra el paisaje y las réplicas efectuadas por expertos en ámbitos como la ciencia, el paisajismo o la arquitectura.


ACTIVIDADES INTEGRADAS
http://www.bolit.cat/cas/actual/paisatge/activitats_integrades.html

WORK IN PROGRESS / WORKSHOP
Cámaras de tierra de Alfonso Borragán
Proceso de creación de cámaras fotográficas de arcilla a orillas del Ter.

Marzo - Abril 2010

ACTIVIDAD INFANTIL
Hybrid Playground de Clara Boj y Diego Díaz

Todos los viernes de 18 a 20 h hasta el 27 de agosto. Previa inscripción (gratuita)

COLABORACIÓN CON LA REVISTA BONART
Junio de 2010

VISITAS GUIADAS
Horarios a convenir

ACTIVIDADES VINCULADAS
http://www.bolit.cat/cas/actual/paisatge/activitats_vinculades.html

TALLER
XX curso intensivo de Deep listening, con Pauline Oliveros e Ione

6-10 de julio de 2010 en Nau Côclea, Camallera, Girona

EN PARALELO

DOCUMENTAL
Va de Bòlit, de Joanot Cortès


Más información e inscripciones en www.bolit.cat / info@bolit.cat / 972 427 627


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Mayo 04, 2010

VI PREMIO “ESCRITOS SOBRE ARTE” DOTADO CON 6.000 EUROS. FECHA LÍMITE: 15 DE JUNIO

escrito-arte-6000_u.jpgLa Fundación Arte y Derecho convoca en su sexta edición el Premio “Escritos sobre Arte” con el propósito de contribuir al fomento de la investigación y la creación literaria en materia de arte.
Fecha límite: 15 de Junio de 2010
Bases en www.arteyderecho.org

La Fundación Arte y Derecho convoca en su sexta edición el Premio “Escritos sobre Arte” con el propósito de contribuir al fomento de la investigación y la creación literaria en materia de arte.


BASES

Objeto de la convocatoria
Podrán optar al Premio de la Fundación Arte y Derecho “Escritos sobre Arte”, aquellos escritos originales e inéditos que versen sobre arte y que estén relacionados con la creación visual. Se deja plena libertad formal de los textos (ensayo, entrevista, diario de artista, etc.…). La obra no puede haber sido premiada con anterioridad en ningún otro certamen. Esta condición deberá mantenerse hasta el momento del fallo del Jurado. Los textos, además de en lengua castellana, pueden presentarse en euskera, gallego y catalán. En estos casos, se enviará, junto con el texto, su traducción al castellano.

Presentación y entrega de los originales
La extensión del escrito no podrá ser inferior a 50 folios ni superior a 100 folios mecanografiados a doble espacio y por una sola cara.
Los trabajos que se presenten habrán de entregarse en CD-ROM, junto con cuatro copias en formato papel. Dichas copias tienen la función de permitir la deliberación del Jurado, por lo que no se devolverán al concursante. El escrito se identificará con su título y carecerá de detalles que puedan identificar a su autor. El CD Rom y los cuatro ejemplares de cada escrito irán acompañados de un sobre cerrado, mencionándose en el exterior exclusivamente el título de la obra, en el interior se incluirá el nombre, apellidos, DNI o NIE, dirección, teléfono, fax, e-mail y “currículum vitae” del autor.
Se procederá a la apertura del sobre en el momento del anuncio del fallo del Jurado.
El plazo de presentación de los trabajos se abrirá el 15 de febrero de 2010 y se cerrará el 15 de Junio de 2010. Los originales deberán ser entregados en la sede de la Fundación Arte y Derecho: C/ Gran Vía, 16. 1º. 28013 Madrid, o bien se enviarán por correo certificado, dentro del plazo de presentación, a esta misma dirección.

Premio
De entre los originales presentados, el Jurado escogerá uno de ellos al que se concederá un único Premio de 6.000 €. El pago del Premio estará sujeto a la normativa fiscal vigente.
La Fundación Arte y Derecho se reserva el derecho de edición del escrito premiado durante el plazo de un año a contar desde la fecha del fallo.
La Fundación Arte y Derecho se reserva el derecho de opción preferente para editar aquellas obras presentadas al Premio que sean consideradas de interés, procediendo a su publicación previo acuerdo con los autores y en ambos casos, tras la suscripción del correspondiente contrato de edición.

Jurado y publicación del fallo
El Jurado estará designado por el Patronato de la Fundación Arte y Derecho y estará formado por cuatro miembros, reservándose el voto de calidad al presidente. Actuará como Secretario del Jurado, con voz, pero sin voto, la Secretaria General de la Fundación Arte y Derecho.
El premio podrá ser declarado desierto si el Jurado estimase que las obras presentadas no tienen el nivel mínimo exigible. Todas las incidencias no previstas en estas bases serán resueltas por el Jurado y su decisión será inapelable.
La Fundación comunicará de forma inmediata a todos los participantes la resolución del Jurado.
La participación en la convocatoria supone la aceptación de estas bases.

Mayo 03, 2010

José María Díaz-Maroto
Sol y sombra

EstaciondeBulowstraBe_u .jpgINAUGURACIÓN SÁBADO 8 DE MAYO A LAS 12.00 H.
Del 8 de mayo al 12 de junio

www.lacajanegra.com

La Caja Negra presenta un conjunto de fotografías de José María Díaz-Maroto en el que reflexiona sobre la luz como elemento vital y como metáfora. Al margen de alusiones taurinas o combinaciones alcohólicas el título Sol y sombra alude a la vida, al color y al esplendor pero también al dolor, a la muerte y a la desaparición. La cadencia de las imágenes que componen este trabajo, con un principio pero sin un final, propone un sinfín de dualidades que se relacionan con los conceptos de luz y oscuridad: el bien y el mal, la esperanza y la desesperación, el frío y el calor, el norte y el sur.
La sencillez y simpleza de los lugares fotografiados conforman además un escenario soñado en el que el lugar y la ubicación real de cada toma fotográfica representan únicamente un dato geográfico, una anécdota, frente a la relación que se establece entre las imágenes.
Esa constante dualidad no significa sin embargo que la puesta en escena se reduzca a los tradicionales dípticos, dado que el “sol y la sombra” en muchas ocasiones están presentes en una misma imagen. Tal es el caso de la imagen de la Puerta de Brandemburgo (Berlín), donde un espacio arquitectónico contiene una carga de simbolismo que ha sobrevivido, impasible y durante largo tiempo, a dos formas muy distintas de convivencia definidas con una carga de ironía hasta hace veinte años, como este y oeste, la luz y las tinieblas…

Se presenta también el libro Sol y sombra que recoge al completo el trabajo de Díaz-Maroto dedicado al tema.


José María Díaz-Maroto (Madrid | 1957) Fotógrafo identificado con el reportaje cotidiano y con una tendencia creativa a la realización de “retratos ambientados”. Expone su obra regularmente desde 1981, participando en los últimos años en numerosas exposiciones colectivas e individuales destacando como lugares más importantes Madrid, Barcelona, Cádiz, Valencia, Sevilla, Orense, Málaga, Pamplona, Almería, Oviedo, San Sebastián, Valladolid, Atenas, Nápoles, Roma, Milán, La Habana, New York, Lisboa, Oporto, Braga, Palermo, Siracusa, Huy (Bélgica) y Pekín. Viajero incansable, curioso y observador, imprime a sus trabajos una coherencia estilística, con dosis de naturalidad y de abierta visión. Cofundador del Colectivo-28 perteneciendo a él hasta su disolución. Fundador y presidente de la asociación entrefotos hasta el año 2005. Ha comisariado numerosas exposiciones y proyectos destacando Ocultos y Agua la desnudo exposiciones producidas íntegramente por la Fundación Canal. En la actualidad trabaja como conservador y responsable de la Colección de Fotografía Géneros y Tendencias del Ayuntamiento de Alcobendas. Ha publicado más de cien artículos desde 1983 en numerosas revistas (Exit, Photo, Foto Profesional, Diorama - Foto, Revista FV, Europ-Art, El País, Diario El Mundo, ABC, Visual, La Fotografía, etc…), publicaciones, libros y catálogos.


Para mayor información e imágenes por favor póngase en contacto con la galería.

Galería La Caja Negra Ediciones

Fernando VI, 17- 2º- I
28004 Madrid (ES)
T. 91 310 43 60
F. 91 308 72 38
info@lacajanegra.com
www.lacajanegra.com
Abierto de lunes a viernes de 11 a 14 y de 16.30 a 20.30 hrs. Sábados de 11 a 14 hrs.

Seminario-Taller Narrativas de fuga III. Eduardo Molinari. Abierto plazo de inscripción.

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El Archivo Caminante es un archivo visual en progreso que indaga las relaciones existentes e imaginables entre arte, historia y política. El caminar como práctica artística, la investigación con métodos artísticos y la interdisciplinariedad se encuentran en el centro de su labor, así como la creación de una estética y la construcción de un pensamiento críticos con los procesos de momificación de la memoria social.

“¿Pueden las mulas cruzar las aguas?” es el título de la propuesta del Archivo Caminante para Narrativas de fuga III, un seminario teórico-práctico que intentará estimular al interior de las prácticas artísticas contemporáneas, mediante reflexiones y acciones individuales y colectivas, la creación de poéticas y narrativas visuales liberadas de la cronología y de las concepciones bunkerizantes de la historia.

La imagen utópica del cruce de océanos por parte de las mulas (animales especialmente dotados para el transporte de cargas pesadas y/o preciadas en terrenos difíciles y peligrosos) busca tornar visible un objetivo central del seminario: las experiencias históricas del pasado (remoto o reciente) y la historicidad de nuestras experiencias cotidianas presentes serán tomadas como puntos de partida de una serie de recorridos materiales e inmateriales. Caminos a través de los hilos que vinculan nuestras dudas e incertidumbres, que permitan compartir intuiciones y sueños a la hora de enfrentarse a los conflictos e interrogantes que el semiocapitalismo global actual impone a nuestro futuro.

Un esqueleto es un conjunto de piezas sólidas, articuladas entre sí, que sostiene y organiza nuestros movimientos. Sin embargo, no somos solamente “un montón de huesos”. Precisaremos sin duda de una encarnadura que active nuestros sentidos. Pero… tampoco bastará la mera relación entre partes duras y partes blandas, entre la mecánica y la sensibilidad para conformar un cuerpo vivo y vulnerable al otro.

¿Qué fuerzas activan nuestros movimientos? ¿Qué energías del pasado y del presente organizan nuestros vectores, aquéllos que nos acercan a determinados sitios y personas, y nos mantienen distantes de otros? ¿Cómo es posible crear formas espaciales y temporales que nos permitan habitar no ya “mi historia” o “tu historia”, sino “nuestra historia”?

A través de un programa de lecturas, conversaciones y actividades, el seminario tiene como objetivos generales:

- Crear un espacio de reflexión y acción, individual y colectivo, en torno a las relaciones actuales entre arte, historia y política.
- Repensar los modos de construcción de las categorías espaciales y temporales y de las narrativas que den cuenta de las experiencias sociales consideradas valiosas.
- Reflexionar en torno a las actuales relaciones entre imagen y palabra y articulaciones entre cuerpos, ideas e ideales.
- Explorar mediante caminatas diversos tipos de cualidades espaciales y temporales.
- Realizar un pequeño cuerpo de producciones visuales que den cuenta de las inquietudes del seminario.


SEMINARIO-TALLER

Asistencia previa inscripción
14 - 20 mayo 2010
Antiguo Convento Santa María de los Reyes, c/Santiago nº 33, Sevilla
Dirección: Eduardo Molinari

Viernes_14 mayo 2010

11:00 - 14:00 h.
Las mulas

Introducción al seminario-taller, aproximación a los contenidos y conceptos generales (la dinámica de un archivo visual, códigos fuente, relaciones entre arte, historia y política, imágenes fotográficas, documento, transportación) y presentación de ponentes e inscritos.

Lunes_17 mayo 2010

10:00 - 20:00 h.
La brújula

Encuentro teórico/práctico centrado en las categorías espaciales y la figura del caminante. Espacio, territorio, paisaje. Domicilio existencial. Caminos y caminantes. El andar como práctica artística. El movimiento y las coreografías. Los camiones. Los peajes. Cinco llaves visuales.

10:00 - 11:30 h.
Lectura, conversación, preguntas. Un proyecto de investigación artística. Introducción de cinco llaves visuales.
11:30 - 14:00 h.
Actividades. Bocetos de diseño de la propia brújula. Intuiciones de posibles caminos.
17:00 - 18:30 h.
Lectura, imágenes, conversación, preguntas. Sesión a cargo de Azul Blaseotto.
18:30 - 20:00 h.
Lectura, imágenes, conversación, preguntas. Sesión a cargo de Carlos Masotta.

Martes_18 mayo 2010

10:00 - 19:00 h.
Las constelaciones

Encuentro teórico/práctico centrado en las categorías temporales y las formas narrativas que dan cuenta de las relaciones espacio-temporales del andar. Imagen y palabra. Investigación con métodos artísticos. Poéticas y narrativas de memoria social y cultural. Los agujeros. Aferrados a la cronología. El recuerdo del presente. Agarrarse y orientarse. El río. El hilo rojo. El quipu. La fábrica de tiempo.

10:00 - 11:30 h.
Lectura, conversación, preguntas. Reflexiones en torno a las narrativas y argumentos personales. La lengua popular. Documentos.
11:30 - 14:00 h.
Actividades. Construcción de una constelación grupal. Espejo retrovisor.
17:00 - 19:00 h.
Actividades. Continuación, inquietudes.

Miércoles_19 mayo 2010

10:00 - 19:00 h.
El eternauta

Encuentro teórico/práctico centrado en las nociones de cuerpo vibrátil y encarnaduras. Identidades, subjetividades, otredades. Encarnaduras, cuerpos, ideas e ideales. Los esplendores. Presencias y ausencias. Mediums o ventrílocuos. Anestesia y vulnerabilidad.

10:00 - 11:30 h.
El cuerpo vibrátil. Encarnaduras. Ejemplos: los hombres de maíz y los niños de la soja.
11:30 - 14:00 h.
Actividad. El cuerpo.
17:00 - 19:00 h.
Conversación entre las personas inscritas y los ponentes.

Jueves_20 mayo 2010

10:00 - 20:00 h.
Los pliegues

¿Qué consecuencias podrían ocurrir en nuestra práctica artística y de construcción de pensamiento si en lugar de transitar los límites y fronteras urbanos / suburbanos, nos dispusiéramos a habitar sus pliegues?

10:00 - 14:00 h.
Caminata por la ciudad.
17:00 - 20:00 h.
Reflexiones finales. Conversación, preguntas.


CONFERENCIAS

Asistencia libre
18 y 19 de mayo 2010
Antiguo Convento Santa María de los Reyes, c/ Santiago nº 33, Sevilla

Martes_18 mayo 2010

19:30 h.
Agujereando la máquina de lavar, a cargo de Eduardo Molinari.
Reseña del origen, fuentes y desarrollo de la experiencia de configuración del Archivo Caminante, un archivo visual que articula relaciones posibles e imaginables entre arte, historia y política. Reflexiones en torno a las potencias del arte al interior del semiocapitalismo.

Miércoles_19 mayo 2010

19:30 h.
Efecto de archivo: entre los estantes y la memoria trashumante, a cargo de Carlos Masotta.
Se realiza un abordaje de la relación entre archivo, memoria y arte. El archivo como documento, guarda y metáfora. Acumulación y memoria social. Intervenciones del arte y teorías de los archivos.

20:30 h.
Incidental critic. El cómic expandido hacia el documento, a cargo de Azul Blaseotto.
Observación crítica en situación. El dibujo en contexto como herramienta documental. Producción de los propios documentos y heterogeneidad de Historias.


PONENTES

Azul Blaseotto
Artista visual, fotógrafa y docente. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón (Buenos Aires) y obtuvo el Master Art in Context de la Universidad de las Artes de Berlín. En 2007 participó en Documenta XII con un proyecto de educación por el arte. En 2009 obtuvo el Premio Szenario del Festival Internacional de Cómic de Lucerna. Desde 2010 es miembro fundadora de UNAGDO (Usina de Narrativas Gráfico-Documentales). Desarrolla una praxis artística biodiversa basada en proyectos interdisciplinares de investigación y cooperación con personas y/o agrupaciones de fuera del mundo del arte. Los temas que aborda son el mundo del trabajo, la migración y el lenguaje, la crítica institucional y la producción cultural y ecológica. Su trabajo toma las formas de dibujo y cómic, fotografía, instalación, vídeo y performance.

Carlos Masotta
Antropólogo. Es docente universitario e investigador en la ciudad de Buenos Aires. Ha desarrollado diversos trabajos aplicando un enfoque antropológico al uso social de imágenes. Realizó numerosos vídeos en diferentes comunidades aborígenes. Recientemente ha publicado Álbum postal, un libro sobre la circulación de tarjetas postales en Argentina entre 1900 y 1930. Ha participado en seminarios sobre memoria social en la Universidad de Buenos Aires. Desde 2008 dirige el proyecto de investigación “Fotografía, memoria y archivos. Políticas y poéticas de la mirada nacionalitaria”. En relación a dicho proyecto organiza en la actualidad la muestra Fotos en el cuerpo: fotografía, memoria y archivos, que reúne la obra de diferentes artistas visuales en torno a las consecuencias del terrorismo de Estado de la última dictadura militar en ese país.

Eduardo Molinari
Artista visual y docente en el IUNA (Instituto Universitario Nacional de Arte). Vive y trabaja en Buenos Aires. El caminar como práctica estética, la investigación con métodos artísticos y la acción interdisciplinaria y colectiva están en el centro de su hacer. Su obra se compone de dibujos, collages, fotografías, instalaciones, acciones e intervenciones en el espacio público, películas y publicaciones. En 2001 funda el Archivo Caminante. Entre sus exposiciones más recientes se encuentran: Los niños de la soja, instalación y publicación para el proyecto Principio Potosí (MNCARS, Madrid, 2010); Tertulia, intervención nocturna sonora y visual junto a Nicolás Varchausky en el cementerio de Mirogoj (Festival Internacional de Teatro y Perfomance Eurokaz, Zagreb, 2009); Don’t talk about the past!, instalación en In 7 Feldern, (Akademie der Künste, Berlín, 2008); Tras los pasos de los Hombres de Maíz, instalación, film y publicación en Trans-aktion, Esculturas de la transición (Galería Weltecho, Chemnitz, 2008); KMK, acción, intervención en el monumento a Karl Marx, film junto a Christian Doehler (Chemnitz, 2008) y Casa Matriz, instalación junto a Azul Blaseotto en Vida Pública (Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, 2007).


INSCRIPCIÓN

La asistencia al seminario-taller requiere inscripción previa.

Este seminario-taller está dirigido a artistas, gestores culturales, historiadores, público en general, con el único señalamiento de estar predispuestos a realizar algunas producciones visuales simples. La metodología del seminario-taller incluirá la construcción de un pequeño cuerpo de obra a partir de la producción de bocetos, dibujos y textos; presentación y selección de imágenes; mapeo y recorrido por la ciudad, registro y documentación de la caminata.

Número máximo de participantes: 25.
Número de horas: 29 h.
MATRÍCULA GRATUITA.

Las solicitudes se realizarán rellenando el siguiente formulario on line o enviando un email a uniaarteypensamiento@unia.es antes de las 14:00 h del 6 de mayo de 2010, incluyendo los datos personales y una reflexión sobre las razones por las que desea participar en el seminario-taller. La admisión se comunicará a las personas seleccionadas. Aquellas que estén trabajando sobre estos temas a nivel artístico, académico o autodidacta tendrán la oportunidad de presentar sus trabajos si lo desean para contrastarlos con los ponentes y otros participantes.

Certificados
Los alumnos matriculados en el seminario/taller que acrediten al menos la asistencia al 80% de las jornadas y, en su caso, hayan superado el sistema de evaluación previsto en el curso recibirán un certificado de asistencia en el que constará el número de horas del curso (29 horas).

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

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5 mayo al 23 de agosto 2010
Desvíos de la deriva.
Experiencias, travesías y morfologías

Esta exposición recoge el conjunto de heterotopías y contra-modelos que transformaron la arquitectura racionalista y mecanicista del Movimiento Moderno en un modelo sensible, poético y abierto en América Latina.

www.museoreinasofia.es








Desvíos de la deriva. Experiencias, travesías y morfologías

Esta exposición recoge el conjunto de heterotopías y contra-modelos que transformaron la arquitectura racionalista y mecanicista del Movimiento Moderno en un modelo sensible, poético y abierto en América Latina. Las diferentes propuestas brasileñas y chilenas comparten una potencia visionaria en su forma de pensar la relación entre espacio público y vida colectiva, topografía y urbanismo, que se refleja tanto en los dibujos, textos y maquetas de Flávio de Carvalho (1899-1973), Juan Borchers (1910-1975), Lina Bo Bardi (1914-1992), Roberto Matta (1911-2002), Sergio Bernardes (1919-2002), como en la experiencia comunitaria de enseñanza desarrollada en la Escuela de Valparaíso.

En relación a la exposición, tendrá lugar La deriva es nuestra, un taller y seminario con arquitectos y urbanistas que busca reactivar las enseñanzas de la Escuela de Valparaíso, basadas en lo oral, en el juego, en el azar y en la exploración de la ciudad a través de la experiencia subjetiva.

Fecha: 5 mayo al 23 de agosto 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

Taller y seminario La deriva es nuestra:

Fecha: Del 30 de junio al 3 de julio
Terrazas del Edificio Nouvel
Lugar: Entrada gratuita



The Watchmen. ¿Quién vigila al vigilante?

Taller destinado a adolescentes en el que se busca responder a preguntas como de qué manera influye la vigilancia en el museo y sus públicos, quién y bajo qué criterios vigila a los vigilantes y si esta situación afecta a la exhibición y relación con los artistas y su trabajo.

En colaboración con: Equipo
Fecha: 8 de mayo
De 11.00 a 13.30 o de 16.30 a 19.00, cada taller se desarrolla en una sesión
Lugar: Edificio Nouvel, Acceso Museo
Inscripción en: hastadieciocho.mncars@mcu.es



Del éxtasis al arrebato. 50 años del otro cine español.

Del éxtasis al arrebato. 50 años del otro cine español es una coproducción del CCCB y SEACEX (Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España), que cuenta además con la colaboración de la editora y distribuidora de DVD Cameo y la Filmoteca de Catalunya.

Su objetivo ha sido dar a conocer fuera de España nuestro cine experimental desde la década de los 50 hasta la actualidad,a través la proyección en pantalla grande de un programa de cine en diferentes museos e instituciones y la edición de un catálogo en forma de DVD con libreto.

Se trata de un tipo de cine importante pero muy desconocido tanto en nuestro país como fuera de nuestras fronteras. Consideramos, por tanto, que resulta prioritario alumbrar este patrimonio cultural y otorgarle la visibilidad que merece. Facilitando el acceso a obras que no circulan habitualmente y que ha sido preciso rescatar de los archivos de las filmotecas o incluso de las propias casas de los autores, nuestra iniciativa quiere servir como un medio de conocimiento para los no iniciados al tiempo que vehicular una investigación rigurosa sobre estas obras ignotas y fascinantes de la historia del cine español.

Para ello, se ha llevado a cabo una fase exhaustiva de documentación y catalogación de más de un millar de títulos, de entre los cuales se ha seleccionado un total de 43. Y para asegurar la óptima condición técnica de dichas piezas para su exhibición, se han realizado labores de restauración, transfer digital o tiraje de copias nuevas.

El programa de cine que ahora se presenta en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía abarca 43 títulos de autores diferentes y está desglosado en 6 sesiones, de proximadamente 70 minutos cada una, que pretende trazar un amplio recorrido por las obras de referencia que conforman la poco conocida historia del cine experimental en nuestro país. Además, incluye una conferencia del artista Toni Serra (24 de mayo), en donde presentará su obra más reciente.

Las películas se ofrecen en soporte cinematográfico (35mm) y videográfico, según la disponibilidad, el estado y las características de cada obra. La mayoría no tienen diálogos, pero para aquéllas en castellano, catalán u otros idiomas, ofrecemos copias con subtítulos en inglés. En concreto, el programa consiste en una retrospectiva del cine experimental español desde finales de los años 50 (José Val del Omar, Joaquim Puigvert o Eugenio Granell) hasta la producción actual de las jóvenes generaciones (David Domingo, Oriol Sánchez o Laida Lertxundi), pasando por la obra de Carles Santos, Javier Aguirre, Eugeni Bonet, José Antonio Sistiaga o Iván Zulueta. Organizadas de manera transversal y no necesariamente cronológica, las distintas sesiones fomentan un diálogo entre las obras clásicas y las más recientes.


Programa:
Documentos / itinerarios

19 de mayo, 19:30h
Duración total: 78’
Apropiaciones / gran súper 8
20 de mayo, 20:00h
Duración total: 71’
Experimentos animados:
Ritmos, luz y color.

21 de mayo, 20:00h
Duración total: 66’
Conferencia de Toni Serra
24 de mayo, 20:00h
Duración: 90’
Pintura - movimiento
26 de mayo, 20:00h
Duración total: 70’
Indagaciones / metacine
27 de mayo, 20:00h
Duración total: 75’
Arrebatado
28 de mayo, 20:00h
Duración total: 105’

Entrada: Gratuita hasta completar el aforo



Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Edificio Sabatini

Santa Isabel, 52
Edificio Nouvel
Plaza del Emperador
Carlos V, s/n
28012 Madrid

Horario
De lunes a sábado
De 10.00 a 21.00 h.
Domingo
De 10.00 a 14.30 h.
Martes cerrado.


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Mayo 01, 2010

The Art Books Project

68_CV_u.jpg29 de abril - 5 de junio de 2010
Inauguración Jueves, 29 de abril de 2010, 20:00 h.

La galería Esquina Arte Contemporáneo (Madrid) inaugura la exposición The Art Books Project. Tres artistas mostrarán sus diferentes concepciones del libro de artista a través de varios trabajos que fueron premiados en la XII Convocatoria de Ayuda a la creación visual por la Fundación Arte y Derecho.

www.galeriaesquina.com

Belén Rodríguez González, Raúl Díaz Reyes y Pedro Luis Cembranos son los protagonistas de la exposición The Art Books Project. A través de sus libros, pinturas y dibujos la muestra realiza un recorrido por el proceso creativo y la evolución plástica de los tres artistas.

Todos ellos utilizan el formato como único elemento de conexión. Cada uno partirá de diferentes conceptos, diseños y materiales que derivarán en esta ocasión en la edición de tres modelos de libros de artista.

Belén Rodríguez González (Valladolid, 1981) estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Más tarde se formaría en Escultura Textual en Viena. A pesar de su juventud, cuenta con un buen número de publicaciones y exposiciones premiadas en su haber. En The Art Books Project, Belén presenta pequeñas pinturas, óleos y acrílicos sobre tabla, todas ellas reproducidas al mismo tamaño que el original dando lugar a un libro totalmente visual carente de título o cualquier otra referencia tipográfica.

Raúl Díaz Reyes (Madrid, 1977) posee una amplía formación en grabado, dibujo y pintura. Varios de sus trabajos y colecciones han sido premiados y expuestos en diferentes museos. La obra que presenta en esta muestra se reúne bajo el título Always in love. Dibujos y pinturas en las que recurre a su imaginario personal e incluso a caricaturas de sí mismo para dar vida a estas figuras.

Pedro Luis Cembranos (Madrid, 1973) se ha formado en diversas disciplinas que aplica a la hora de realizar sus trabajos. Este artista multidisciplinar centra su proceso de creación en el individuo y en las estrategias para desenvolverse dentro de la sociedad. A esta exposición llega con un trabajo de fotografías, dibujos y diapositivas que recoge bajo el nombre de Civil Defense. En ellas muestra desde distintos ángulos el espejismo de una libertad individual manipulada por los diferentes estamentos del poder.


Para más información ponerse en contacto con:


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Galería Esquina Arte Contemporáneo
Almadén, 19
28014 Madrid
91 429 80 31
www.galeriaesquina.com
info@galeriaesquina.com


(del libro Civil Defense; Pedro Luis Cembranos)