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Marzo 31, 2010

Seminario. En torno a la investigación artística

Viernes 9 de abril, de 17 a 21 h
Sábado 10 de abril, de 10 a 14 h

www.macba.cat

En la última década se ha ido consolidando el uso del concepto de «investigación artística» para referirse no solo a la naturaleza del proceso artístico, sino también a una nueva disciplina entre la práctica artística y la especulación teórica. En el concepto de «investigación artística» se percibe, por un lado, el deseo de asociar el valor del arte al del conocimiento, que al fin y al cabo es una de las principales divisas de nuestro sistema económico. Por otro lado, la investigación artística obedece a la necesidad de adaptar la educación artística a las estructuras cada vez más homogéneas, también a nivel global, del sistema de educación superior, en el que reina la investigación científica como modelo indiscutido. En tercer lugar, la idea de la práctica artística como investigación está íntimamente relacionada con la propia evolución del arte contemporáneo hacia la desmaterialización, que acerca el trabajo del artista a la especulación teórica.

Pero, ¿a qué tipo de investigación nos referimos cuando hablamos de «investigación artística»? ¿En qué consiste? ¿Cuál es su método y de dónde toma sus modelos? ¿Qué facultades moviliza? Ante quienes defienden la validez de una investigación artística sujeta a determinadas normas y susceptible de ser enseñada, otros celebran precisamente la capacidad del arte para confundir y para desafiar las verdades establecidas. Este seminario pretende generar un diálogo productivo en torno a esas cuestiones, con el objetivo de determinar la validez del concepto de investigación artística y también de explorar nuevas formas de hablar –y por tanto de pensar– sobre la complejidad del trabajo artístico.

Programa

Viernes 9 de abril, de 17 a 21 h
Guadalupe Echevarría, Jan Verwoert y Natascha Sadr Haghighian

Sábado 10 de abril, de 10 a 14 h
Dora García, Tony Brown y Dieter Lesage


Participantes

Tony Brown, artista y profesor en la École Nationale Supérieure des Beaux-arts (ENSBA) de París.

Guadalupe Echevarría, directora de la École Nationale des Beaux-arts de Burdeos y comisaria de arte.

Dora García, artista formada en la Universidad de Salamanca y en la Rijksakademie de Amsterdam, participante en numerosas exposiciones internacionales.

Dieter Lesage, filósofo y crítico, coordinador del departamento de artes performativas y audiovisuales del RITS Erasmushogeschool de Bruselas.

Natascha Sadr Haghighian, artista residente en Berlín, dedicada al vídeo, la performance, el computer art y el sonido.

Jan Verwoert, crítico e historiador del arte, profesor en el Piet Zwart Institute de Rotterdam y en el Royal College of Art de Londres.


Inscripción: hasta el 6 de abril en www.macba.cat y en la recepción del MACBA
Lugar: Auditorio MACBA
Precio: 30 € (tarifa reducida: 20 €)
Plazas limitadas

Más información en www.macba.cat
Museu d’Art Contemporani de Barcelona
Plaça dels Àngels, 1
08001 Barcelona

Marzo 30, 2010

QUID PRO QUO. Tecnología y Humanidad

quidproquobannercopia_u.jpgPresentación de la exposición QUID PRO QUO en la sala Amárica de Vitoria-Gasteiz.
Del 31 de marzo al 4 de junio de 2010
Inauguración el 31 de marzo a las 19:00

Actividad enmarcada dentro la programación del Proyecto Amarika de Vitoria-Gasteiz
Comisario: Diego Soroa

Más información:
http://elquiddelaexposicion.blogspot.com
www.amarika.org
info@amarika.org

QUID PRO QUO es un programa de exposición y debates que traslada al espectador a una hipotética bifurcación entre tecnología y humanidad. Durante el mes de abril la Sala Amárica expondrá una combinación de obras artísticas y prototipos científicos y albergará un debate entre creadores e investigadores para desgranar algunas implicaciones de esta transición acelerada del presente al futuro digital.

Vivimos tiempos fascinantes en que la humanidad ha alcanzado un potencial sin precedentes. La comunicación global e instantánea ha abierto las puertas a nuevas formas de “socialidad” independientes del mundo físico, que multiplican nuestras capacidades individuales y colectivas.

Vivimos tiempos acelerados en que lo imposible es temporal. Cada día amanecemos con un nuevo producto o una nueva aplicación que podría cambiarlo todo. El potencial de la tecnología es deslumbrante, porque nos trae y nos conecta a infinidad de mundos instantáneos.

Son tiempos anómalos en que la innovación tecnológica es un credo y su adopción es fetichista. Han bastado dos décadas de evangelización tecnológica para que todos las adoremos. Y hoy las incubamos y enaltecemos en cada rincón de nuestras vidas. Además su instalación es automática… Ni firmar garantías, ni leer instrucciones, y mucho menos atender a esas clausulas crípticas de consentimiento en letra pequeña, basta con “tiquearlas” para pasar de pantalla.

Y así la implantación masiva de tecnologías lo ha cambiado todo; con sus aplicaciones hemos virtualizado la calle, los negocios, los encuentros, los datos, e incluso nuestra identidad. Cambia el concepto de espacio público, de comunidad, de presencia, de relación, de intimidad... Posiblemente estemos viviendo una transformación más esencial de lo que somos conscientes, quizás incluso estemos modificando lo que significa ser humano. ¿Podría ser que perdamos tanto como ganamos?

Quizás todo necesite ser repensado. “Quid pro Quo” propone nuevas formas de explorar lo que significa ser humano en el XXI.

http://elquiddelaexposicion.blogspot.com
Del 31 de marzo al 4 de junio de 2010


INSTALACIONES

-In-habiting II_ Verónica Eguaras + Izaskun Etxebarrieta

-Tecno Fovea_ Matt Wright + Diego Soroa + Armin Seltz

-Neurona digital de Hodgkin-Huxley_ Dpto de Ingeniería Electrónica, UPV-EHU

-Variaciones Solaris_ Rubén Díaz de Corcuera

-Zoospace 2.0 interactivas_ Jaime de los Ríos + Andy Koening, Artek(Lab)


DEBATES

JUEVES 8 DE ABRIL
“Cuerpos, mentes, individuos y sociedades expandidas”

19:00. PRESENTACIONES Muestra de Obras y Prototipos
Presentación de la “Neurona digital de Hodgkin-Huxley”
20:00. TEMA DEBATE:
• Isusko Vivas Ciarrusta, BBAA. UPV/EHU
• Pablo Garaizar Sagarminaga “Txipi”, Universidad de Deusto
• Jose Manuel Tarela. Catedrático Dept. Ing. Electr. UPV/EHU
• Inés del Campo, Dept. Ing. Electr. UPV-EHU
• Pablo Echevarría, Dept. Ing. Electr. UPV-EHU.

JUEVES 15 DE ABRIL
“Redes, Espacios Colectivos y Complejidad Emergentes”

19:00. PRESENTACIONES. Muestra de Obras y Prototipos
• “Variaciones Solaris” Rubén Díaz de Corcuera
• “Tecno Fóvea” Matt Wright y Diego Soroa
• “X BlUE” Javier Arza de Endora Soft
20:30. DEBATE MESA REDONDA
• Olivier Schulbmaun ( Platoniq )
• David Juarez de Straddle
• Rubén Díaz de Corcuera.
• Matt Wright + Armin Seltz
• Abraham Vélez de Endora Soft

JUEVES 22 DE ABRIL
“Arte y Post-Humanismo”

19:00. PRESENTACIONES:
• Verónica Eguaras e Izaskun Etxebarria, “In- habiting II”
• Jaime de los Ríos. Artk[LAB] ”Zoospace 2.0”
20:00. DEBATE MESA REDONDA
• Verónica Eguaras e Izaskun Etxebarria, “In- habiting II”
• Jaime de los Ríos. Artk[LAB] ”Zoospace 2.0”
• José Ibarrola, Artista

JUEVES 28 DE ABRIL
“Conclusiones” 19:00

• Diego Soroa
• Isusko Vivas Ciarrusta, BBAA. UPV/EHU
• Jaime de los Ríos de Artk[LAB]
• Izaskun Etxebarria
• Pablo Echevarría, Departamento Ing. Electr. UPV-EHU

VIERNES 4 DE JUNIO
FIESTA CLAUSURA. “Música y Tecnología”

Presentación demo a cargo de JAVIER LETAMENDI músico batería de WE ARE STANDARD


Proyecto Amarika

www.amarika.org
El proyecto Amarika surge en 2008 de un encargo del Departamento de Euskera, Cultura y Deportes de la Diputación Foral de Álava para gestionar tres espacios dedicados al arte contemporáneo y dependientes de la institución. El proyecto se gestiona de manera colectiva a través de un consejo asesor y de una asamblea ciudadana, abierta y participativa que nombra y valida bianualmente los miembros del consejo y las directrices generales del proyecto.


Sala Amárica
Plaza Amárica, 4
01005 Vitoria-Gasteiz
945181977
www.amarika.org
info@amarika.org

Horarios:
De martes a sábados: de 11:00h a 14:00h y de 18:00h a 21:00 h
Domingos y festivos: de 11:00h a 14:00h
Lunes cerrado


Convocatoria de comunicaciones REU08 ¿Quién está detrás de la cultura?

imagen_REU08UI.jpgwww.unia.es/arteypensamiento
www.r08.es

Convocatoria de comunicaciones REU08 ¿Quién está detrás de la cultura?

La convocatoria de comunicaciones ¿Quién está detrás de la cultura? está enmarcada dentro del proyecto REU08. Prácticas artísticas-políticas-poéticas, hacia la experiencia de lo común, del programa UNIA arteypensamiento 2010. REU08 es el nombre que hemos dado a un terreno de encuentro y colaboración entre proyectos e iniciativas relacionadas con el arte, la política y la producción cultural de distintos puntos de Andalucía.

La noción misma de producción cultural esconde tras de sí un escenario habitado por sujetos y actores con características e intereses muy dispares, es por eso que REU08 ha puesto en marcha la coinvestigación ¿Quién está detrás de la cultura?, sobre la producción cultural en el territorio andaluz, como un intento de dialogar, conocer y escuchar aquellos proyectos, iniciativas, autorxs y colectivos que habitan en nuestro territorio. Esta convocatoria de comunicaciones nace con esa voluntad de toma de contacto.

Nos interesan especialmente las reflexiones y análisis en torno a cuestiones que nos parecen hoy fundamentales para intentar entender el contexto cultural y las condiciones de vida-trabajo desde las que operamos:

- Una mirada a la economía de la cultura, recursos, distribución y acceso: ¿qué mecanismos económicos sustentan hoy la cultura?, ¿en qué medida la creatividad y la flexibilidad se están transformando en precariedad?, ¿qué papel juega la cultura en los procesos de transformación social del actual modelo productivo?

- Analizar de forma crítica las políticas institucionales en materia de cultura: ¿qué influencia tiene la cultura en los actuales ordenamientos urbanos?, ¿cómo se construye la ciudad-marca?, ¿qué tipo de intereses subyacen en la gestión de las políticas culturales?, ¿qué papel deberían jugar las instituciones culturales?

- Detectar qué relaciones y conflictos existen entre prácticas estéticas y políticas: ¿qué proyectos artísticos están proponiendo nuevos enunciados, definiendo otros escenarios, avanzando en el conocimiento del mundo contemporáneo y forzando al mismo tiempo cierta ruptura con él?, ¿dónde se están produciendo nuevas formas de representación que propongan otras posibilidades de acción para la transformación de lo existente?

- Pensar cómo se distribuye, regula y expande el conocimiento hoy: ¿qué papel juegan en la actualidad los derechos de autor en el acceso a los recursos culturales necesarios?, ¿cómo gestionar el conocimiento bajo formas colectivas de distribución?, ¿qué relación tiene las leyes de propiedad intelectual con la explotación del capital simbólico?

- Atender a las perversiones y persuasiones de la representación del yo como empresario/marca de sí-mismo: ¿qué patologías identitarias y simbólicas alimentan y/o se activan en el actual modelo hegemónico?, ¿cómo las nuevas formas de alienación cognitiva orientan las energías de lxs creadorxs?, ¿de qué manera se proyectan las nociones de vida buena y de buena vida como formas de desmarcarse de las lógicas del capitalismo cognitivo?

En el marco de las Jornadas de presentación del proyecto REU08 en Sevilla, que tendrán lugar los días 28, 29 y 30 de abril de 2010 en la sede del Rectorado de la UNIA, se establece la siguiente convocatoria para presentación de comunicaciones con los siguientes objetivos:

_ Posibilitar un espacio de encuentro con nuevos actores, proyectos e iniciativas cuyo trabajo se desarrolla en el territorio andaluz.

_ Recabar materiales y documentos con el objetivo de dar cabida a otros puntos de vista, modos de producir conocimiento y metodologías de investigación que puedan sumarse a las ya iniciadas por REU08.

_ Integrar nuevxs agentes para emprender futuras líneas colaborativas.

_ Contribuir a una mayor visibilización de las propuestas así como de las comunicaciones presentadas.


Condiciones de presentación

La convocatoria está dirigida a creadorxs, artistas, colectivos sociales, gestorxs culturales, investigadorxs y profesionales de cualquier campo de trabajo relacionado con la producción cultural (Antropología, Historia del arte, Comunicación, Sociología, Filosofía…).

Deberá rellenarse un formulario por cada comunicación que se presente.

Las condiciones para la aceptación de las comunicaciones son las siguientes:

_ Responder al tema de ¿Quién está detrás de la cultura? y estar claramente inscritas dentro de las cuestiones desarrolladas en el marco general.

_ Adaptarse a uno de estos formatos:

. Textos-documentos: la extensión de las comunicaciones textuales no debe exceder las 6.000 palabras (word, pdf, rtf…).
. Multimedia/vídeo, animación, imagen, sonido, fotografía, performance, etc.: el tiempo de duración de estos formatos no debe exceder los 15 minutos.

Cada comunicación deberá ir acompañada de:
Un texto, que no exceda las 300 palabras, resumiendo el propósito de la comunicación y dejando clara su pertinencia en relación con la convocatoria.

Breve currículum vitae.
Lxs interesadxs pueden enviar la documentación solicitada:

- A través del siguiente formulario online.
- Por correo electrónico, rellenando y enviando como archivo adjunto este formulario en pdf(para ello es necesario tener Adobe Acrobat Professional o alguna aplicación libre como PDF Creator) junto a la comunicación a cartuja@unia.es, haciendo constar en el asunto del mensaje: “Convocatoria comunicación ¿Quién está detrás de la cultura?”.
- Por correo postal, enviando este formulario de inscripción
debidamente cumplimentado y la comunicación a nombre de “Convocatoria comunicación ¿Quién está detrás de la cultura?” a la siguiente dirección:

Universidad Internacional de Andalucía
C/ Américo Vespucio 2
Isla de la Cartuja
41092 Sevilla

* Los archivos de las comunicaciones que se envíen deben ser nombrados con el nombre del autor/a, el título del archivo y el número de archivos que se adjunta.
Ejemplo:
- nombredelautor_titulodelarchivo_1
- nombredelautor_titulodelarchivo_2
- nombredelautor_titulodelarchivo_3
...

** Las comunicaciones multimedia que por su tamaño no sean susceptibles de enviarse online deben enviarse por correo postal.


PLAZO DE PRESENTACIÓN DE COMUNICACIONES: HASTA EL 12 DE ABRIL DE 2010.

Selección de comunicaciones

Las comunicaciones y documentos que se propongan formarán parte de la coinvestigación sobre la producción cultural en el territorio andaluz que bajo el nombre de ¿Quién está detrás de la cultura? hemos empezado a elaborar como una de las actividades centrales de REU08.

Todas las comunicaciones que se ajusten a las condiciones de la convocatoria serán incluidas tanto en la web www.unia.es/arteypensamiento como en la web del proyecto REU08 (www.r08.es).

Presentación de comunicaciones

Lxs coordinadorxs seleccionarán un máximo de 30 comunicaciones para ser expuestas por sus autorxs en las Jornadas de presentación pública del proyecto REU08 en Sevilla los días 28, 29 y 30 de abril de 2010.

Cada comunicación tendrá un tiempo de exposición máximo de 15 minutos.

El desplazamiento y alojamiento correrán a cargo del/la ponente.
Se informará personalmente a los autores de las comunicaciones seleccionadas el 19 de abril de 2010.

Marzo 29, 2010

iD#5 Manresa. Intervenciones en el espacio público.

iD_manresa-u.jpgExposición: del 9 al 25 de abril 2010
Presentación de proyectos: el 9 de abril 2010 a las 19.00h
Lugar: Casino de Manresa, Passeig Pere III, 29, 08242 Manresa. Tel 93 875 36 36
http://idensitat.net

iD#5 Manresa propone un recorrido por la ciudad de Manresa a partir de las intervenciones que diferentes artistas y colectivos han realizado. Los proyectos cubren numerosos aspectos complementarios entre sí: desde detectar conflictos a plantear estrategias de diálogo; desde camuflarse en el espacio u ocuparlo; desde involucrar a la gente en el proceso hasta buscar espectadores. Sea cuál sea la táctica, la temática, los objetivos o la formalización, se proponen mecanismos de negociación con elementos de tensión latentes en el espacio público.

Proyectos que forman parte de iD#5 Manresa
MOTOCARRO de Domènec, SPERMÖLA. Proyecto de tienda gratis de Basurama, SUBTEXTOS MANRESA de Democracia, TRACING MANRESA/CALAF de Traces of Autism , DISJECTA de Patrick Raddatz, DISPOSITIVO ITINERANTE de Idensitat con el proyecto BUSCANDO PARIENTES de Verónica Luyo/María Celeste Venico


MOTOCARRO
Domènec

Este proyecto se basa en la construcción de un "motocarro" parecido al que sale en la película "Plácido", rodada en 1961 prácticamente de forma íntegra en Manresa y considerada uno de las mejores películas de Luis G. Berlanga. El Instituto Lacetània de Manresa ha integrado en el programa pedagógico de su departamento de automoción la restauración y recuperación de un antiguo vehículo similar al de la película. Una vez restaurada y modificada, este vehículo se convertirá en un "monumento conmemorativo" en movimiento, un dispositivo irónico y cápsula de memoria crítica, que circulante por las calles evoca el paisaje social de la película y lo pone en relación con las imágenes globalizadas que proceden de los países emergentes. El reconstruido vehículo de "Plácido" se podrá utilizar de múltiples formas y podrá ser el catalizador de diferentes acontecimientos: como pequeño dispositivo multimedia móvil, como soporte de un proyector de vídeo al aire libre, utilizando sus altavoces para comunicar y difundir las actividades de diferentes colectivos, e incluso se podrá utilizar como transporte de "turismo alternativo" por los espacios urbanos emergentes de Manresa.

En el proyecto han participado Jordi Aligué Pujals, Balan Mihaita Catalin, Dima Nicolae Alexandra, Joan Segarra Jordana, alumnos del Instituto Lacetènia tutorizados por el profesor Pere Izquierdo Maria.

Actividades del proyecto Motocarro

Sábado 17 de abril, 22.00h
Lugar: Plaça Icària (delante de La Kampana)

Projección de Plácido de Luis García Berlanga
Duración: 87 mm
Idioma: Castellano

Sábado 24 de abril, 22.00h
Lugar: Pati del Centre Cultural el Casino, Passeig de Pere III, 29

Projección de Cycle de Tran Anh Hung
Duración: 124 mm
Idioma: Vietnamita subtítulos en castellano
No recomendada a menores de 18 años


SPERMÖLA. Proyecto de tienda gratis
Basurama

La sociedad de consumo tiene como consecuencia inevitable la producción imparable y excesiva de los bienes que consumimos. Las ciudades y sus habitantes no son capaces de absorber toda esta producción por lo que nos vemos abocados a consumirlos y a desecharlos continuamente para no alterar este proceso y para que la rueda nunca se pare. Es entonces cuando cobra importancia la necesidad de valorar nuestros recursos, y a nivel cotidiano, recuperar el valor de los objetos que nos rodean.

Frente a este proceso de consumo, el proyecto propone una actuación que se constituye en la inserción de estos objetos en un ciclo de uso distinto al impuesto para dotarles de segundas y terceras oportunidades, obviando el ultimátum imperioso del consumo obligatorio. En la tienda gratis se regalan objetos útiles rescatados de la basura. Lo que tú no quieres, otro lo puede necesitar, porque tu basura no es basura. La tienda gratis también es un espacio de debate de políticas medioambientales, un lugar donde pensar juntos qué podemos hacer para desarrollar políticas efectivas anticonsumistas.

Puedes llevarte todo tipo de objetos de la tienda gratis sin llevar nada a cambio, así como traer todo aquello que ya no quieras, todas las tardes, desde las 5 de la tarde entre el 16 y el 23 de abril de 2010 en la Iglesia de San Francesc. También puedes asistir a los diversos actos públicos que tendrán lugar en este foro de pensamiento, propuestas, basura y reutilización. Todas las actividades se comunicarán en el punto de información de Idensitat en el Casino.


SUBTEXTOS MANRESA
Democracia

Dentro de las artes dramáticas el subtexto es lo que hay debajo del texto, o sea, las emociones, sentimientos, ideas o concepciones vitales que laten bajo las líneas de cada diálogo, lo que cada personaje piensa y siente realmente en su fuero interno pero que no se explicita en el diálogo. Si pensamos en la ciudad como un texto que ha sido construido con los mensajes que proliferan en el espacio público, su subtexto sería el de los antagonismos dados entre las distintas comunidades que conforman una determinada ciudadanía. Aspiraciones, reivindicaciones, auto-representaciones que nunca llegan a reflejarse en el canal comunicativo que es ese mismo espacio público.

El espacio público se presenta de manera habitual como un espacio homogéneo donde el consenso se hace presente a través del tipo de mensajes que habitualmente se insertan en él, los que provienen del poder político que se expresan en la arquitectura institucional y en la monumentalidad y los que provienen del poder económico expresados por medio del sistema publicitario. La ciudadanía por su parte es heterogénea, constituida por distintos grupos de intereses, por comunidades diferentes. Según los postulados de la democracia radical los conflictos particulares y específicos que surgen invariablemente entre grupos de intereses diferentes son el verdadero principio constitutivo de la organización social. La discordia y la consiguiente necesidad de acuerdo con el fin de obtener objetivos comunes es el principio articulador de la sociedad civil. No entendamos entonces el espacio público como un ámbito para el consenso sino para la diferencia, o al menos para su representación.

Colaboran con el proyecto la Televisió de Manresa y la Associació Bages per a Tothom.


TRACING MANRESA/CALAF
Traces of Autism

El proyecto propone una metodología para recorrer la ciudad y un mecanismo para analizar e indexar los diferentes elementos que se encuentran en el espacio público. Los tres miembros que forman parte de este colectivo desplegaron este protocolo en Manresa y Calaf siguiendo la ruta prefijada en los mapas donde se definió una cuadrícula que traza las líneas del trayecto entre las dos ciudades. El objetivo es caminar quedándose lo más cerca posible de estas líneas en lugar de seguir rutas más evidentes, itinerarios comerciales o derivas anárquicas. De esta manera, los autores consideran que se consigue una mirada más profunda del uso de espacio público que se origina a partir de la confrontación con el desconocido, la sorpresa, la inseguridad y, sobre todo, con una práctica de observación que se realiza de manera solitaria. Una publicación y un graffiti se presentan como trabajo final.


DISJECTA
Patrick Raddatz

Disjecta es una instalación que muestra fragmentos de textos y conversaciones seleccionadas previamente. Un aparato generador de mensajes los reorganiza de manera aleatoria. El tiempo de exposición de cada fragmento es diferente e imprevisible, de manera que las letras, palabras o frases enteras se intercambian entre sí para modificar su sentido. A través de este proyecto el artista propone una reflexión sobre el carácter maleable y no perdurable de la memoria o la opinión. Los significados que se derivan evocan una lectura y una interpretación subjetiva, conducida por un aparato que originariamente formaba parte de un espacio de tráfico: era el letrero de una estación de tren. Los mensajes precisos que originariamente comunicaba se han sustituido por textos abiertos y aleatorios.

El proyecto cuenta con la colaboración del Conservatori Municipal de Música de Manresa.


IDtv : VídeoDiàlegs
Oriol Fontdevila, Laia Ramos

IDtv : VídeoDiàlegs es un proyecto de vídeo documental sobre el proyecto Idensitat. Se ha constituido a partir del diálogo con todos los creadores y agentes que confluyen en la realización de las propuestas artísticas, con el objetivo de crear un relato videográfico que pueda servir tanto de herramienta para la comunicación general del proyecto, como para la evaluación y para incentivar el debate en torno a la creación artística y de la cultura contemporánea a partir de los casos y situaciones específicas que se provocan a través de Idensitat.

El proyecto cuenta con la colaboración de Televisió de Manresa.


DISPOSITIVO ITINERANTE
Idensitat / Verónica Luyo, María Celeste Venico

En diferentes momentos del 2009 el Dispositivo Itinerante ha formado parte de talleres y seminarios como un elemento expositivo que vehicula actividades específicas generadas en el entorno de Idensitat. Ha estado presente en Calaf (Espacio Hivernacle Cultural), Prat de Llobregat (Torre Muntadas) y Barcelona (La Capella). Persigue la idea de exposición expandida en el territorio y funciona como un emisor - receptor de datos. Su carácter itinerante permite incidir en aspectos específicos del territorio a través de la movilidad. En Manresa, el Dispositivo Itinerante se propone como elemento de soporte para un proyecto seleccionado a través de una convocatoria pública abierta a artistas y colectivos residentes en Cataluña Central. De esta manera se transforma, se adapta y se ubica en un espacio público de la ciudad.

La propuesta de Verónica Luyo y María Celeste Venica que ha sido seleccionada en esta convocatoria se la que se desarrollará dentro del programa de intervenciones en el espacio público. Para más información sobre este proyecto y sus actividades dirigir-se al punto de información de Idensitat en el Casino.


Presentación de proyectos
9 de abril 2010 a las 19.00h

Lugar: Casino de Manresa, Passeig Pere III, 29, 08242 Manresa. Tel 93 875 36 36

Domènec. Artista visual. Ha creado una obra escultórica, fotográfica, instalaciones e intervenciones en el espacio público, que toman el proyecto arquitectónico como una de las construcciones imaginarias más complejas de la modernidad. Ha realizado numerosas exposiciones y proyectos in situ en diferentes países como Irlanda, México, Bélgica, Francia, Italia, Estados Unidos, Israel, Palestina, Argentina o Brasil.

Basurama. Colectivo dedicado a la investigación y gestión cultural que ha centrado su área de estudio y actuación en los procesos productivos, la generación de desechos que estos implican y las posibilidades creativas que suscita esta coyuntura contemporánea.

Democràcia. Colectivo artístico constituido en Madrid por Iván López y Pablo España. Entre las últimas exposiciones en las que ha participado Democracia podemos señalar: Evento, Burdeos, Francia (2009); X Bienal de la Habana (2009), Bienal de Taipei 2008, 10ª Bienal de Estambul, 3rd Goteborg Biennial. Democracia trabaja también en la edición (son directores de la revista Nolens Volens) y en el comisariado (No Futuro, Madrid Abierto 2008, Creador de Dueños). Fueron fundadores y miembros del colectivo El Perro (1989-2006).

Traces of Autism. Colectivo interdisciplinario que trabaja sobre el análisis y cartografía del territorio realizando largos recorridos por el espacio público para producir un archivo de elementos encontrados, traduciéndolo en mapas, textos, imágenes y videos.

Patrick Raddatz. Estudios en comunicación visual en el Hochschule für Gestaltung Offenbach. Entre las exposiciones individuales más recientes se destacan: I Forgot More Than You`ll Ever Know, HfG Offenbach Satellit Berlin, Musik ist..., i Robert-Johnson Club Offenbach/M.

Oriol Fontdevila. Comisario de exposiciones y crítico de arte. Es miembro del equipo gestor de la Sala d'Art Jove de la Generalitat de Catalunya. Ha estado comisario de «Art Lovers. Algunes controvèrsies a l'entorn de la topografia de l'art » (Espai d’Art de Roca Umbert) y de las tres ediciones de «ona Intrusa. Un projecte artístic i pedagògic pels instituts de secundària de Mataró». Ha colaborado con colectivos como Experimentem amb l'Art, LaFundició, La Pinta y Sinapsis en el desarrollo de proyectos de gestión y de investigación, así como ha sido coordinador de proyectos de Idensitat en las ediciones de 2005 y 2007. Ha publicado artículos en prensa y en revistas especializadas.

Laia Ramos. Desde el año 2003 coordina proyectos en torno al arte y la pedagogía, como " Captura el Raval ", " Càmeres a Sallent ", "Vivo en Manresa" o " La ciutat de les dames". Ha colaborado con proyectos como " Zona Intrusa III. Un projecte artístic i pedagògic pels instituts de secundària de Mataró " y hecho una investigación con el colectivo Sinapsis. Por otra parte, sus trabajos de vídeo se han visto en diferentes muestras y festivales, como la Bienal de Cine Español de Annecy, el Festival Internacional de Cine de Las Palmas, el Festival de Locarno y el Festival Cine Global México DF. Desde el año 2007, colabora con Idensitat en diversos proyectos.

Veronica Luyo. Graduada en escultura en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Su trabajo ha sido presentado en Lima, España, México, Holanda, Berlín, Cuba, Tokio entre otros. Es artista residente en Can Xalant, Centre de Creació i Pensament Contemporáni y está cursando el Programa de Estudios Independientes del MACBA.

María Celeste Venica. Licenciada en Artes visuales por la IUNA Buenos Aires. Participa en trabajos artísticos en Argentina, Paraguay, Colombia y España. Actualmente está cursando el master en el Programa de Estudios independientes MACBA.



IDENSITAT es un proyecto de arte que se desarrolla en diferentes ciudades, con la voluntad de aportar mecanismos para la articulación de proyectos creativos en relación con el territorio y que inciden en el ámbito del espacio público. Constituye una plataforma de producción e investigación en red que actúa desde el ámbito de la producción artística para experimentar nuevas formas de implicación e interacción en el espacio social.

IDENSITAT está impulsado por: Ajuntament de Manresa, Ajuntament de Calaf, Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació de la Generalitat de Catalunya y Diputació de Barcelona.
Desarrolla proyectos compartidos con Can Xalant, Centre de Creació i Pensament Contemporani de Mataró; Priorat Centre d’Art; Ajuntament del Prat de Llobregat; Consonni (Sondika); La Capella (Barcelona) y Hangar (Barcelona). Forma parte de la red de espacios de producción Xarxaprod.

http://idensitat.net

ARTE SALVADO. 70 aniversario del salvamento del patrimonio artístico español y de la intervención internacional

cartelLanau-u.jpgDel 30 de marzo al 30 de mayo de 2010
Comisario: Arturo Colorado Castellary, Profesor Titular de Historia del Arte Contemporáneo, Universidad Complutense (Madrid)
Coordinación general: Yolanda Hernandez (SECC), Norberto Piqueras (Universitat de València)

La Nau, Centre Cultural de la Universitat de València. Claustre Major (Valencia)
www.uv.es/cultura
www.secc.es

La exposición Arte salvado. 70 aniversario del salvamento delpatrimonio artístico español y de la intervención internacional,organizada por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) con la colaboración de la Universitat de València, recupera y difunde una de las historias más apasionantes de la guerra civil: la protección y evacuación del patrimonio artístico realizadas por el Gobierno de la República, así como la intervención del Comité Internacional para e lSalvamento de los Tesoros de Arte Españoles, para evitar su destruccióny garantizar su conservación. La muestra, que se enmarca en el programa de actividades organizadas con motivo de la Presidencia Española de la Unión Europea, podrá verse desde hoy y hasta el 30 de mayo en el claustro mayor del Centre Cultural La Nau de la Universitat de València.
Tras exponerse en la explanada del Museo del Prado en Madrid, la exposición Arte Salvado, que está comisariada por Arturo Colorado Castellary, profesor de Historia y Análisis del Arte Visual de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, llega ahora a Valencia siguiendo así el itinerario recorrido por las obras durante la contienda y exponiéndose en las ciudades que como sede acogieron el patrimonio artístico español salvado por la Segunda República Española. La exposición podrá visitarse en Barcelona y Figueres, últimos lugares en las que fueron custodiadas antesde ser evacuadas a Ginebra gracias a la intervención del Comité Internacional para el Salvamento de los Tesoros de Arte Españoles en febrero de 1939.
La exposición, que está concebida para instalarse en un espacio urbano con el objetivo de popularizar la evacuación del patrimonio artístico nacional, está planteada con un diseño creativo e innovador para que el visitante se sienta inmerso en las dramáticas circunstancias que rodearon esta labor y los peligros y dificultades que tuvieron que afrontar los miembros de la Junta del Tesoro Artístico y del Comité Internacional. Una serie de embalajes de diferentes formas y tamaños se distribuyen en el espacio expositivo, en este caso en el emblemático claustro de la Universitat, en un espacio céntrico de la ciudad de Valencia.

“La exposición tiene un sentido narrativo y explica los avatares y peligros que sufrió el patrimonio artístico español durante la guerra civil y la labor de protección del gobierno de la República y posteriormente, en el momento de mayor peligro cuando las fuerzas republicanas estaban siendo empujadas hacia Francia por el avance y bombardeo de la aviación franquista y de sus aliados, la intervención del Comité Internacional”, relata el comisario de la muestra, que detalla que del Prado fueron evacuadas las obras señeras del museo, en total 525 pinturas, 198 dibujos y el Tesoro del Delfín, una de las colecciones más espectaculares del Prado, que reúne enseres y joyas del Gran Delfín Luis, hijo de Luis XIV de Francia.

Para Arturo Colorado, el lugar escogido para la exposición, el edificio de la Universitat, es muy idóneo porque, según explica, “justo enfrente, el Colegio del Patriarca, fue uno de los dos depósitos de la obras, además de las Torres de Serranos, y los espectadores valencianos podrán reconocer los espacios por las fotografías de la muestra”. Además recuerda que el pintor valenciano Josep Renau, como Director General de Bellas Artes, creó la Junta del Tesoro Artístico, el organismo encargado del proceso de evacuación de las obras, y ha contado la anécdota, que durante el traslado del patrimonio en Valencia se produjo el único accidente de la forzosa evacuación: “Concretamente al camión que transportaba El 2 de mayo y Los fusilamientos del 3 de mayo, de Goya se le derrumbó un balcón en Benicarló como consecuencia de un bombardeo y ambos lienzos sufrieron un desgarro importante, pero los cuadros fueron restaurados en Peralada, en 1938”.

En el claustro mayor de La Nau se recrea el ambiente y el paisaje de guerra, con carteles de época y sacos terreros (queservían de protección en los museos), además del sonido ambiente y canciones de la época. Estos embalajes dejan entrever reproducciones a tamaño real de las obras más representativas salvadas y que fueron pintadas por Velázquez, Goya, Tiziano, Rafael, El Bosco, Ribera, Murillo, Rubens, etc., Es decir, lo más representativo del Prado.

Además, estás cajas son, a su vez, los soportes para la exposición de información grafica y documental que reúne un centenar de fotografías de la época acompañadas por planos, mapas, carteles y diverso material documental. La muestra se completa con un puesto interactivo sobre las fases de la evacuación, con la proyección de secuencias de vídeo y de diapositivas digitales que muestran una selección de las obras salvadas y con la proyección de dos extractos de los documentales Salvemos el Prado, de Alfonso Arteseros, y Las cajas españolas, de Alberto Porlan.

El visitante podrá seguir cronológicamente los pormenores del salvamento de las obras de arte, primero de Madrid al Ampurdán pasando por Valencia, gracias a la política de protección de la Junta del Tesoro Artístico de la República, así como la gestación del Comité Internacional para el Salvamento de los Tesoros de Arte Españoles, las dramáticas circunstancias del Acuerdo de Figueras con el bombardeo sobre la zona y el difícil paso a Francia desde el Ampurdán.

La tercera parte recrea el traslado de Perpiñán a Ginebra, el inventario de las obras salvadas, la exposición que se celebró en esta ciudad suiza y el regreso a España en septiembre del 39.

La muestra se cierra con un epílogo sobre la deuda histórica contraída con todos aquellos que, españoles o extranjeros, lucharon durante la guerra por poner a salvo el patrimonio artístico español.


ORGANITZA :
Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) y Universitat de València

COLABORA:
Ayuntamiento de Madrid, Ajuntament de Barcelona i Ajuntament de Figueres.


La Nau, Centre Cultural de la Universitat de València. Claustre Major
C/ Universitat, 2
46003 València.
Tel. 963864377.
www.uv.es/cultura
www.secc.es

HORARIO DE VISITA:
de lunes a sábado de 9 a 21 horas.
Domingos y festivos de 10 a 14 horas
Los lunes 5 y 12 de abril el edificio permanecerá cerrado

ENTRADA LIBRE




Marzo 27, 2010

EL SILENCIO COMO PUNTO DE PARTIDA/Fotografías de Germán Herrera

imagen-w3art_u.jpgDel 27 de Marzo al 2 de mayo de 2010
Escuela de Arte José Mª Cruz Novillo y Fundación Antonio Saura, Casa Zavala
Pza. San Nicolás/16001 Cuenca/969236054
fundacion@fundacionantoniosaura.es
www.fundacionantoniosaura.es
Lunes-Sábado: 11-14 h./16-19 h. Domingos y festivos: 11-14 h. Martes cerrado

Doble exposición de Germán Herrera en Cuenca, por un lado "El silencio como punto de partida", su más reciente montaje acústico y visual, que podrá ser contemplado en la sala de exposiciones de la Escuela de Arte José María Cruz Novillo; y por otro, una serie de fotografías en pigmento sobre papel, que se mostrarán en la antigua biblioteca de la Fundación Antonio Saura.

Se trata de una iniciativa fruto de colaboración entre la Semana de Música Religiosa y la Reseña de Arte Digital Discoduro.QNK que coordina la Fundación Antonio Saura.

La exposición se compone de varias series de imágenes fotográficas, posteriormente tratadas digitalmente a través de un proceso de introspección, que establecen vínculos y conexiones que urden la trama de un montaje compositivo generalmente intuitivo. El resultado es inquietante, de libre interpretación y con grandes dosis de simbolismo.

Germán Herrera (Méjico, 1957) se formó como fotógrafo y músico, su obra explora la expresión visual de la emoción a través de la utilización de imágenes fotográficas.
Fue beneficiario de una estancia en la residencia para artistas del Museo Young en San Francisco, California en 2006. Su trabajo fue seleccionado por el SFCamerawork, por el Centro de Arte Fotográfico en el Carmel y en Photoalliance.
Su obra está incluido en varias colecciones:
Museo Bolinas, Bolinas, California, EE.UU.
Centro Cultural Santo Domingo, México DF, México.
Green Library, Universidad de Stanford, California, EE.UU.
Museo de Bellas Artes. Houston, Texas, EE.UU.
Museo de Artes Fotográficas. San Diego, California, EE.UU.
Portland Art Museum, Portland, Oregon, EE.UU.
Zoellner Arts Center, Lehigh University, Filadelfia, EE.UU.


Organizan:
Semana de Música Religiosa de Cuenca
Fundación Antonio Saura

Marzo 26, 2010

EXPOSICIÓN LÚMEN_EX 2010 - Premios de Arte Digital / Digital Art Awards – Universidad de Extremadura

PromoLUMEN_EX3_u.jpgPalacio de Camarena – Cáceres (26 marzo – 11 abril)
INAUGURACIÓN viernes 26 de marzo 19:30 h.
Presentación del CATÁLOGO LÚMEN_EX 2010 (Descargar PDF)
Web: http://www.unex.es/premiosartedigital
Blog: http://lumenex.wordpress.com/
Contacto: premiosartedigital@unex.es
I Redes Sociales: www.facebook.com/PremiosLUMENEX

Organiza: Vicerrectorado de Extensión Universitaria de la Universidad de Extremadura

PREMIADOS LÚMEN_EX 2010

El primer premio en la categoría de Arte Gráfico Digital ha sido concedido a la Obra “Planetas aislados II“ de la artista española Ana Soler Baena; y el accésit ha sido concedido a la obra “La civilización de la imagen” del artista español Pablo Martínez Caulín.

El primer premio en la categoría de Animaciones Digitales de corta duración ha sido concedido a la obra “Mon amour, historias de muros” de la artista española Maysun Cheikh Mediavilla y el accésit ha sido concedido a la obra “Transformation” del neoyorquino Scott Draves.


SELECCIONADOS LÚMEN_EX 2010

:: Artistas seleccionados Categoría GRÁFICA DIGITAL ::

Ana Soler Baena – Planetas Aislados II (PREMIO)
Ángel de la Rubia Barbón - Espectadores de Guernica #1
Bernardo Rivavelarde – Futura
Chus García Fraile – For sale
Cristina Fontsaré Herraiz – Paisajes Variables (tríptico)
David Cantera - Sin título
Eduardo Nave Silvestre - Paisajes intermedios (XI)
Enrique Núñez Traver – KOKESHI
Francisco Nicolás Parra - El camino que lleva al otro lado
Francisco J. Orallo Álvarez – Fragile
Inma Ávalos Marqués – Heterotopías
Javier Lloret Melis – Sin título
Joan Cruspinera Muñoz – Poliembrionía
José Antonio Blanco Angulo – Blanco: Paisaje: Tipográfico. De la Serie Abstracciones Paisajísticas
Juan Martín Zarza – El Zen de la Calle I
María Zarraga – Fusión y pasado 4
Pablo Martínez Caulín - La civilización de la imagen (ACCÉSIT)
Patricia Aragón Martín – Sin título
Patxi Araujo Barón – Sun Mirror
Ricardo Merino Sáez – Brainnest 1.0
Rubén Tortosa – Invisibles
Sergio Zavattieri – Orquídea III: Gimnodemia Conopea
Tete Alejandre – Ciudad de ciudades
Tilo Martín Caravia – Pesadilla
Toya Legido García – Transgénicos


:: Artistas seleccionados Categoría ANIMACIÓN DIGITAL ::

Andrea Pazos López – Sonotonialand
Ángela Moreno Moreno – L’invitée
Brenda Roberts Costa – Jack
Chus García-Fraile - Protected zone.sea
Daniella Serrano Serrano – Trayectoria del Café
David Cantera de la Huerta – Es Prioritario
David Sananman – Flyer
Elisabeth Moreno Terroba – Ferias de arte
Franck Soudan y Marc Veyrat– U-rss (http://www.u-rss.eu)
Francisca Bernal López – Dentro del tiempo de un reloj
Gonzalo Rey Mouriсo – Tobby
Jaime Munárriz Ortiz – Flux/Pulse/Nns
Jansen Peter - Human motions: Heel Daoyin-Soccer-Runner
Jorge Morais Valle – El pintor de cielos
Khaled Hafez - The A// a Project (On Presidents & Superheroes)
LARA + COTO (Santiago Lara y Beatríz Coto) - Small Biographie of a Monster
Luís M. Rivas González – Bolboreta
María José Vega Ampudia – Koke está en el Mundo
Marta Alvim – Devir/Tobecome
Maysun Cheikh Ali Mediavilla – Mon Amour. Historias de Muros (PREMIO)
Miguel Ángel Gaete CÁceres – Monotonic
Miguel Francisco Jara Moreno – Abelianas
Scott Draves – Transformation (ACCÉSIT)


BALANCE LÚMEN_EX 2010

La organización de los Premios muestra su satisfacción por la gran acogida y la respuesta que ha tenido esta primera convocatoria:
_ Se han recibido más de 200 obras y piezas procedentes de 21 países de 4 continentes (sólo ha faltado Oceanía).
_ Muchos de los artistas que han participado son profesionales con una gran experiencia y un elevado caché profesional: entre los presentados a la sección de Gráfica Digital había 6 premios nacionales de Grabado y Gráfica, y entre los presentados a la sección de Animación Digital, había varios artistas con primeros premios en certámenes internacionales de gran prestigio, como Ars Electrónica o en Siggraph.
_ La calidad y la categoría de las obras premiadas permiten a la Universidad de Extremadura comenzar una Colección de Arte Digital que, sin duda, se convertirá en referencia ineludible, a la par que en un patrimonio de gran valor artístico .
_ La selección de obras realizada por el Jurado (compuesto por algunos de los más prestigiosos profesionales de este campo), permite alcanzar uno de los objetivos principales propuesto por la dirección certamen: la renovación del imaginario en las iconografías del arte grafico actual, así como el distanciamiento con las obsoletas propuestas tecno-expresivas que inundan los premios al uso.
_ En el catálogo que a tal fin se ha editado han participado reconocidos especialistas en este campo artístico, quienes, a través de sus importantes textos críticos, le han proporcionado a dicha publicación (junto con el elegante diseño gráfico realizado por Daniel Hervás) una calidad y un interés muy por encima de lo que viene siendo habitual en este tipo de publicaciones. Está disponible en la Red una versión digital online en PDF del mismo.
_ La página web de LÚMEN-EX 2010 está siendo visitada y consultada por miles de usuarios.
_ Su muro en la red asocial Facebook tiene ya 1.212 amigos y 245 fans (números estadísticos consultados el 23/03/2010)

La organización está convencida de que la exposición de las obras premiadas y seleccionadas (25 obras físicas y 23 animaciones digitales), que se inaugurará en el Palacio de Camarena de Cáceres, el próximo viernes, día 26 de este mes de marzo, a las 19,30 horas, conseguirá trasmitir todos estos logros alcanzados en esta primera edición de 2010, con una “puesta en escena” expositiva (confiada a la Profesora Titular del Departamento de Historia del Arte de la UEx, Rosa Perales Piqueres), que sin duda conseguirá darle la claridad y la “usabilidad” que requiere un montaje híbrido (físico-virtual) como el que conforma el conjunto de todas estas obras.

Os invitamos a que visitéis físicamente la exposición de Cáceres, así como virtualmente a través de su versión online desde la web del certamen en Internet. Confiamos que, a través de todos estos datos estadísticos, podáis haceros una idea lo más aproximada posible de la realidad ya consolidada que supone en esta su primera edición de 2010 los Premios de Arte Digital / Digital Art Awards LÚMEN_EX de la Universidad de Extremadura, y cuyo éxito se debe, en buena medida, al apoyo recibido desde sus mismos comienzos por todos vosotros, sin duda el factor determinante para que la organización del Certamen haya confirmado ya su segunda edición, que se celebrará el próximo año 2011.

FLYING LETTERS. Elena del Rivero

imagendesala_u.jpgEspacio AV y Espacio 1 de La Conservera
26 de marzo– 30 de mayo de 2010
Consejería de Cultura y Turismo de la Región de Murcia, Departamento de Artes Visuales, Murcia Cultural, S.A.
26 de diciembre de 2010 a las 20 horas.

www.espacioav.es

Elena del Rivero inició su carrera artística en 1975. La mayor parte de los años 80 residió en Madrid, realizando pinturas y grabados que reflejaron su interés en el Nuevo Expresionismo. El que quizás sea su cambio estilístico más significativo en su modo de hacer, tuvo lugar durante su estancia de un año en Roma, en 1988, cuando comenzó a experimentar con formas geométricas y estructuras en retícula. Al principio de los años 90 -después de que se trasladara a Nueva York-, se acentuaron, cada vez más, los aspectos de serialidad y orientación procesual de su práctica, estableciendo matices compositivos que le permitían profundizar en los temas, revelando sus entresijos.

Las primeras series de Cartas a la madre son de 1992 y consisten en varias combinaciones de grafito, óleo blanco y aceite de oliva. Estos trabajos sugieren una transición desde las tendencias neoexpresionistas de Elena del Rivero hacia propuestas más contenidas. Cartas a la madre, una serie de dibujos que figuran en torno al arquetipo de la madre, fueron los primeros trabajos de una serie que la artista realizó con rapidez entre 1992 y 1999, creando aproximadamente un total de tres mil. La inspiración para estas cartas fue la Carta al padre de Franz Kafka (1919), unos ardientes relatos sobre la relación entre un padre y un hijo. Desde principios de los años 90 en adelante, Elena del Rivero amplió el alcance de las cartas, con series realizadas bajo títulos como Cartas de la novia. Cada uno de estos grupos de dibujos está inspirado en un rol femenino tradicional (madre, hija, esposa, amante), demostrando que estos antiguos arquetipos sociales son un campo especialmente fértil para la creación artística.

[Sw:it] Home: A Chant (2001-2006), es un apéndice monumental de todos sus trabajos que han tratado el tema de lo doméstico. Poco después de completar [Sw:it] Home, la vivienda-estudio de la artista sufrió grandes daños durante los ataques al World Trade Center en Nueva York, el 11 de septiembre de 2001. Al estar situada frente a la Torre Sur, cuando ésta se derrumbó, entraron por sus ventanas una avalancha de documentos, enseres y papeles. Elena del Rivero reaccionó de una forma que le es habitual, es decir, incorporó todo aquello que ocurrió a su alrededor a su propio trabajo, lo hizo suyo y, metafóricamente, lo reconstruyó. La artista limpió, restauró y catalogó estos restos. Quemó los nombres que en ellos aparecían y los cosió y bordó en cinco rollos de muselina. Esta cortina de papeles que cae en cascada se acompaña de vídeos del lugar en tiempo real y música compuesta por Butch Morris.


Elena del Rivero
Flying Letters
Espacio Artes Visuales, Murcia

Producida por Espacio AV, Elena del Rivero presenta la exposición Flying Letters (Cartas voladoras). Esta muestra se compone de doce dibujos de gran formato colgados por pinzas en los perímetros de la sala y cuatro vitrinas con dibujos y objetos en el centro del espacio. En la pequeña sala del fondo se exponen una serie de nidos realizados en papel trenzado a mano.

El hilo conductor de estas obras es la reiteración de dos motivos, los cosidos y las plumas. Utilizando varios tipos de papel de abacá, Del Rivero ha intervenido los dibujos con lápiz, hilo, pan de oro y plumas. En algunos de ellos ha escrito encima utilizado diferentes máquinas de escribir, incluyendo aquellas que imitan la escritura manuscrita. Como explica John Yau en su texto para el catálogo de esta exposición: “Las plumas han caído, pero las cartas andan, como sus títulos indican, “volando”. En la obra reciente de Del Rivero tenemos plumas reales y dibujos de ellas. Con un dibujo es posible representar plumas de cualquier tamaño, de la diminuta a la enorme, de la aparentemente real a la claramente fantástica. Y sin embargo, para contrarrestar la corriente de fantasía que impregna al dibujo, su estilo está anclado en la precisión. Tenga el tamaño que tenga, cada pluma se compone de una miríada de líneas que nos recuerdan a los dibujos y bocetos taxonómicos. El trabajo de Del Rivero no trata de otro mundo; nos habla de este.

Muchas de las plumas que la artista incorpora a estos dibujos son las que recoge en el parque cercano a su residencia en el Lower East Side de Manhattan. En las vitrinas que acompañan a estos dibujos, a modo de expositores sacados de un museo de ciencias naturales, podemos encontrar varias de estas plumas así como otras regaladas por amigos provenientes de otras localizaciones, cartas manuscritas que nunca llegaron a sus destinatarios, nidos encontrados en parques y más dibujos de pequeño formato.

Con esta muestra Elena Del Rivero nos recuerda que lo que estamos haciendo es mirar y pensar, con nuestras mentes y nuestros recuerdos deambulando por todo el espacio, desencadenando un enorme espectro de asociaciones, que va de las reflexiones y los recuerdos personales a mitos y arquetipos bien conocidos.


Elena del Rivero
A Drawing Fallen From The Sky
La Conservera - Espacio 1. Ceutí-Murcia

Producida por La Conservera, Elena del Rivero presenta en el Espacio 1 la instalación A Drawing Fallen From The Sky (Un dibujo caído del cielo). Esta instalación representa la galaxia Andrómeda caída en el suelo del espacio expositivo. La obra es la continuación de una serie de instalaciones tituladas Agujeros Celestes (óculos que en las catedrales mostraban el discurrir del firmamento), expuestas con anterioridad en San Sebastián, Salamanca, Madrid y Gerona. Todas ellas están realizadas con lentejuelas, perlas y azabaches, elementos anteriormente utilizados por del Rivero en su obra sobre papel, la obra expuesta en La Conservera tiene la peculiaridad de quedar envuelta por un sonido nítido, procedente del pueblo de Ceutí a tiempo real.


Esta instalación está conectada con la exposición de la artista en el Espacio AV titulada Dibujos Voladores. Ambas exposiciones están concebidas como un solo proyecto.

La Conservera y Espacio AV han publicado un catálogo con motivo de estas dos exposiciones con textos de José María Parreño, John Yau, Alissa Casey y Joana Masó


Elena del Rivero (Valencia, España, 1949) vive y trabaja en Nueva York. Ha tenido exposiciones individuales en 2009: Universidad de Barcelona, Barcelona. 2008: The Corcoran, Washington. 2006: Art Nueve, Murcia; IVAM, Valencia; Patio Herreriano, Valladolid; Fundación La Caixa, Lerida. 2004: Dieu Donne, NY. 2002: Edificio Histórico de la Universidad de Salamanca. 2001: Drawing Center, NY; Art in General, NY; Dieu Donné Papermill, NY. 1998: Reina Sofía, Madrid. 1996: Espacio Caja Burgos.
Su obra ha sido incluida en 2007: Lines, Grids, Stains, Words, MOMA, NY. 2005: Barrocos y Neobarrocos, DA 2 Domus Artium, Salamanca. 2004: Encuentro entre dos colecciones, Fundación Serralves, Oporto / Fundación la Caixa Barcelona; Dont`t call it performance, Museo del Barrio, NY / CAAC, Sevilla; Books as Art, National Museum of Women in the Arts, Washington. 2003: Il Raconto del Filo, MART di Trento e Rovereto; Miradas complices, CGAC, Santiago de Compostela. 2002: Entre Líneas, Casa Encendida, Madrid; Gótico.... pero Exótico, ARTIUM, Vitoria. 2000: Greater New York, P.S.1 Contemporary Art Center, NY. 1998: Interlacings: The Craft of Contemporary Art, Whitney Museum, Stamford. 1997: New Work: Drawings Today, SFMoMA, San Francisco. 1995: Bienal de Johannesburgo.


Horario de la exposición:
Martes a sábado de 10 a 14 horas y de 17 a 21 horas.
Domingos y festivos de 10 a 14 horas.
Lunes y Bando de la Huerta cerrado.


Contacto / Prensa
Consejería de Cultura y Turismo
Palacio González Campuzano
Plaza Julián Romea, 4
30001 Murcia
Telf.: 968 375144

Contacto / Exposición
Departamento de Artes Visuales,
C/ Santa Teresa, 14
30005 Murcia
Telf: 968 930205/02
www.espacioav.es

(Imagen de sala)


Marzo 25, 2010

Crea tu visión de la Red con el espíritu de ABSOLUT Network como inspiración.

natalia-herrero_u.jpgConvocatoria abierta: "Únete. Crea. Comparte" en Flickr.

Organiza:
ABSOLUT Network

Más información en:
www.absolutnetwork.com/crea/
www.flickr.com/groups/absolutnetwork/

En el espacio CREA seleccionamos cada semana, en colaboración con los editores de algunas publicaciones de la Red de contenido de ABSOLUT Network, talentos emergentes, visiones frescas, jóvenes artistas visionarios que comparten sus creaciones en esta comunidad.

Participa en "Únete. Crea. Comparte". Sólo debes solicitar tu ingreso al grupo con una creación original (fotografía, diseño o ilustración) que refleje tu visión. Los editores de publicaciones como DressLab, METAL, TheTrendNet, Endtopic y otros personajes invitados seleccionarán las propuestas más interesantes para compartirlas con la Red de ABSOLUT Network.

Crea #1 Ana Himes
Crea #2 Ibán Ramón
Crea #3 Natalia Herrero


www.absolutnetwork.com/crea/
www.flickr.com/groups/absolutnetwork/

J. L. JOVER. COLLAGES

imagenMuvim-u.jpgHasta el 18 de mayo de 2010
Comisario, Juan Manuel Bonet
Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat (MuVIM)
muvim@dival.es
www.muvim.es

La exposición reúne más de un centenar de collages realizados por José Luis Jover a lo largo de los últimos quince años. La selección incluye cuatro series realizadas entre 1996 y 2006 que se completan con la más reciente titulada Parejas de hecho (2009). En las imágenes desfilan, filtrados, diferentes mundos: el cine, la pintura, la música y, muy especialmente, la literatura (Borges, Nabokov, Kafka, Cortázar…).

José Luis Jover (Cuenca, 1946) pertenece a la generación poética de los 70, también llamada “novísima”. Su poesía siempre ha sido “puro hueso”, breve, seca, en un afán por decir lo máximo con lo mínimo, según el dictado de Joan Brossa. Y esa misma ambición está también en sus collages: concisión, esencialidad. Por eso es frecuente escuchar a Jover la expresión –aplicada a su trabajo– “siempre sobra algo”.

Como collagiste, su procedimiento es sencillo: tijeras y pegamento. Y entre corte y pegado, Jover mitad busca y mitad encuentra. Busca la pieza entre los jirones de una imagen cuya existencia anterior nadie recordará, porque de ella surgió una nueva, indiscutible y rotunda. Una imagen, por otro lado, llena de ese humor joveriano tan “inconfundible, zumbón y descarnado”.


Otras exposiciones en el MuVIM:

Imágenes al margen (4 marzo al 18 de mayo).
Artel. Arte de uso diario 1908-1935 (4 marzo al 2 de mayo).
La Aventura del Pensamiento (todo el año).


Marzo 24, 2010

47 ª CERTAMEN INTERNACIONAL DE ARTES PLÁSTICAS DE POLLENÇA 2010

ANUN_2010_u.jpgEl último día para presentar el dossier será el 31 de marzo de 2010
museu@ajpollenca.net
Tlf. 971531166

El Ayuntamiento de Pollença (Illes Balears) convoca la 47 ª edición del Certamen Internacional de Artes Plásticas e invita a participar en él a todos los artistas que quieran mostrar su propia concepción del arte
con los diferentes motivos, técnicas y modalidades que permite la creación artística.






Descargar bases completas

DIALOGOS ARTÍSTICOS: DESHACIENDOLACAMA
(PROYECCIONES/CONFERENCIAS)

parpallo2-u.jpg25 y 30 de marzo – 21 y 28 de abril de 2010
La Sala Parpalló
Programación: Ángela Molina F.
Comisarias: Maite Ibáñez y Áurea Ortiz

www.salaparpallo.es

La Sala Parpalló presenta desde el próximo 25 hasta el 28 de abril, el ciclo de cine "Diálogos artísticos: deshaciendo la cama" en el que se visionarán cuatro obras cinematográficas de los directores Matias Bize, Rainer Werner Fassbinder, Ingmar Bergman y Tsai Ming-liang, y en donde la cama, como objeto/lugar, tiene un papel relevante en el argumento. Las proyecciones son una actividad complementaria a la exposición “A piel de cama: miradas sobre un espacio cotidiano”, que se exhibe en la Sala Parpalló hasta el 30 de mayo de 2010 y narra la escenografía de la cama desde la lectura de 13 artistas: Antoni Tàpies, Louise Bourgeois, Darío Villalba, Guillermo Kuitca, Mateo Maté, Eulàlia Valldosera, Montserrat Soto, Gilberto Zorio, Manuel Bouzo, Enrique Marty, Miguel Borrego, Cristina Lucas y Alberto García-Alix.

El visionado de cada película estará precedido por una conferencia en la que la comisaria de la exposición, Maite Ibáñez, y la experta en cinematografía, Áurea Ortiz, pondrán en relación la obra cinematográfica seleccionada con las piezas de la muestra (pinturas, esculturas, instalaciones, fotografías, etc.).

Las sesiones cinematográficas se estructuran en torno a cuatro temas, referentes a algunas de las funciones que la cama cumple en las obras artísticas seleccionadas: territorio de poder, escenario del dolor, rincón del placer o refugio. La cama, como objeto cotidiano y artístico, y también como imagen y signo de nuestras emociones, será analizada en las conferencias para reflexionar en torno a la vida y su representación.

La película titulada En la Cama (2005) del director chileno Matías Bize, será la encargada de abrir el ciclo, el próximo jueves, 25 de marzo, a las 18 horas, bajo el epígrafe El rincón del placer. La película será contrastada con la instalación artística de Mateo Maté, Viajo para conocer mi geografía, 2001. El ciclo continuará el 30 de marzo con la proyección de Las Amargas Lágrimas de Petra Von Kant (Die bitteren Tränen der Petra von Kant. Alemania 1972. Color. 119 min), de Rainer Werner Fassbinder. Con esta película, que será analizada junto al grabado de Louise Bourgeois para el libro Metamorfosis, de 1999, se abordará la cama como el territorio del poder. La cama como Escenario de dolor, será tratada el 21 de abril a través de las siguientes obras: El silencio, de Ingmar Bergman (1963), El enfermo I, de Darío Villalba (1975. Técnica mixta) y The last will of Walter Benjamin (2005. Fotografía) de Cristina Lucas. Clausurará el ciclo, el 28 de abril, la jornada dedicada a La cama como refugio en la que será proyectada la película de Tsai Ming-liang. No quiero dormir solo (2006). Se trata de una película no estrenada comercialmente en España e inédita en Valencia. Junto al largometraje de Ming-liang serán analizadas la obra de Alberto García-Alix, Jana y Perdita, 1997. Fotografía, y de Guillermo Kuitca, Escultura Sin título de 1992.


PROGRAMACIÓN:

Martes 23 de marzo, 18:00 h.

El rincón del placer
Obras:
Matías Bize. En la cama. 2005. Cine
Mateo Maté, Viajo para conocer mi geografía, I, 2001. Instalación.

Bajo este epígrafe se analizará la cama como escenario de sexo y deseo, pero también de complicidad y confidencia, principal marco de los protagonistas de la película En la cama. Por su parte, la obra de Mateo Maté, evocadora del juego y la infancia, proyecta nuevas lecturas donde imaginar aventuras, soñar despierto, leer un libro o descansar.

Proyección: En la cama
Chile, Alemania, 2005. Color. 85´

Dirección: Matías Bize.

Sinopsis: Unas horas después de conocerse en un café Bruno y Daniela alquilan una habitación en un hotel barato para tener un encuentro sexual y pasar la noche juntos. No saben nada del otro, ni siquiera sus respectivos nombres, y después de esa cita jamás se volverán a ver. Tras el sexo, los dos comienzan a hablar, abriendo las puertas de su pasado y su intimidad.


Martes 30 de marzo, 18:00 h.

El territorio del poder
Obras:
Rainer Werner Fassbinder. Las Amargas Lágrimas de Petra Von Kant. 1972. Cine
Louise Bourgeois. Metamorfosis. Serie La Sage-Femme, 1999. Grabados.

En esta sesión se analizan las relaciones amorosas, los traumas, la confrontación y la violencia que se pone en juego en el terreno del sexo y en la lucha de poder por la construcción de la identidad. Temas que ponen en relación la obra de Louise Bourgeois, donde el papel de la familia queda patente al representar su pasado rememorando el dormitorio de sus padres y los recuerdos en torno a la cama, con la película Las amargas lágrimas de Petra Von Kant del director R. W. Fassbinder donde la complejidad de las relaciones es el núcleo central de la obra.

Proyección: Las Amargas Lágrimas de Petra Von Kant. Die bitteren Tränen der Petra von Kant.
Alemania 1972. Color. 119´
Dirección y guión: Rainer Werner Fassbinder.

Sinopsis: Petra von Kant es una diseñadora de moda, recientemente separada de su marido, que vive con su secretaria-esclava Marlene. Cuando su amiga y confidente Sidonie le presenta a Karin, una joven de origen humilde, se enamora locamente de ella y le promete que va a convertirla en una famosa modelo.


Miércoles 21 de abril, 18:00 h.

Escenario del dolor
Obras:
Ingmar Bergman. El Silencio. 1963. Cine
Darío Villalba. El enfermo I, 1975. Pintura.
Cristina Lucas. La última voluntad de Walter Benjamín. Fotografía

A través de las imágenes de la película El Silencio de Ingmar Bergman y de los enfermos presentes en la obra de Darío Villalba, así como la espera en la muerte de Walter Benjamin, de la artista Cristina Lucas, se establecen nuevos vínculos que trasladan a escenarios de pesadilla y terror. La cama, de esta forma, queda asociada con la enfermedad, el sufrimiento y la muerte.

Proyección: El Silencio. Tystnaden
Suecia, 1963. B/N. 95´

Dirección y guión: Ingmar Bergman.

Esther y Anna, dos hermanas que mantienen una compleja relación, viajan de vuelta a Suecia con Johan, el hijo de Anna. Cuando la enfermedad de Esther se agrava se ven obligadas a detenerse en un extraño lugar de ignoto idioma, alojándose en un viejo hotel.


Miércoles 28 de abril, 18:00 h.

La cama como refugio
Obras:
Tsai Ming-liang. No quiero dormir solo. 2006. Cine.
Guillermo Kuitca, Sin título, 1992. Escultura
Alberto García Alix. Jana y Perdita, 1997. Fotografía

El anhelo de protección y la evasión de la realidad vinculan la película No quiero dormir solo de Tsai Ming-liang con los colchones de mapas imaginarios de Guillermo Kuitca o los retratos cotidianos de García-Alix. En todas estas obras la cama aparece como un microcosmos donde combatir la soledad: lugar donde esconderse del mundo y descansar tras el largo día.

Proyección: No quiero dormir solo. Hei Yanquan
Taiwán, Malasia, China. 2006. Color. 115´

Dirección y guión: Tsai Ming-liang.

Sinopsis: Un obrero de Blangladesh encuentra en las calles de Kuala Lumpur a un joven vagabundo chino y, enamorado de él, le lleva a su cama, donde le dedica todos los cuidados que su condición de inmigrante irregular le permite. Mientras, un tetrapléjico recibe los cuidados, tremendamente profesionales pero sin atisbo de cariño, de su hija y su mujer.

(Película no estrenada comercialmente en España e inédita en Valencia)

Marzo 23, 2010

SIMPOSIO INTERNACIONAL: MEDIATECAS Y ARCHIVOS PARA EL SIGLO XXI / INTERNATIONAL SYMPOSIUM: MEDIA LIBRARIES AND ARCHIVES FOR THE 21th CENTURY

_4M_4547-uu.jpgFechas / Dates
Viernes 28 y sábado 29 de mayo de 2010
Friday 28th and Saturday 29th May 2010

Lugar / Venue
LABoral Centro de Arte y Creación Industrial

Organiza / Organized by
LABoral Centro de Arte y Creación Industrial

www.laboralcentrodearte.org

El panorama actual de los centros de arte e investigación demanda un planteamiento nuevo y transgresor en el modo de conservar, documentar y poner al alcance del usuario los fondos y proyectos de nuevos medios. LABoral quiere iniciar una serie de debates en un foro internacional de expertos con intención de favorecer el debate entorno al patrimonio cultural de nuevos formatos y los archivos, mediatecas y centros de documentación que respondan a las necesidades del siglo XXI. Este foro reúne en una convocatoria anual a expertos e investigadores en el área, procedentes de instituciones, centros de investigación e industria del sector de las artes visuales, que destacan en sus aportaciones al desarrollo tecnológico e innovación en la cultura audiovisual, en el área de la conservación y archivo digital.

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial organiza los días 28 y 29 de mayo de 2010 el Simposio Internacional de Mediatecas y Archivos para el siglo XXI que reunirá a reconocidos expertos e instituciones destacadas en el ámbito de la preservación y archivo del patrimonio cultural contemporáneo.

Este simposio coincide con la apertura de la Mediateca_Archivo en LABoral, que pretende ser un espacio permanente dedicado a la documentación, consulta y difusión del arte actual y las industrias culturales más experimentales, así como un lugar de referencia en el estudio y la investigación actuales.


*********
The current situation of art and research centres calls for a new, groundbreaking approach to forms of conserving and documenting new media projects and collections and making them available to the user. LABoral wishes to begin a series of debates in an international forum of experts with the intention of fostering debate on the cultural heritage of new formats and the archives, media libraries and documentation centres which respond to the needs of the 21st century. This forum is conceived to be an annual meeting that will bring together experts and researchers in the field, coming from institutions, research and industry centres in the visual arts sector who are making outstanding contributions to technological development and innovation in audiovisual culture, in the area of digital archives and conservation.

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial is organising the International Symposium of Media libraries and Archives for the 21st Century for May 28th & 29th 2010, inviting renowned experts and leading institutions in the field of the conservation and archives of contemporary cultural heritage.

The symposium coincides with the opening of Mediateca_Archivo at LABoral, which was conceived with a mandate to be a permanent space exclusively dedicated to the documentation, consultation and diffusion of the art of today and experimental cultural industries, as well as a pioneering centre for study and research.


Inscripción / Registration
Cuota de inscripción: 40 €. 25€ (tarifa reducida con carnet de estudiante universitario y si formalizas la matrícula antes del 6 de abril de 2010)
Fee: 40€. 25€ for students and interested people who register before 6th April 2010

Para inscribirte por favor escribe a simposio@laboralcentrodearte.org o llama al +34 985 185 577 hasta el 21 de mayo de 2010
For registration please contact simposio@laboralcentrodearte.org or call +34 985 185 577 until 21st May 2010


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LABoral Centro de Arte y Creación Industrial
Los Prados 121
33394 Gijón (Asturias)
T. +34 985 185 577
F. +34 985 337 355
info@laboralcentrodearte.org
www.laboralcentrodearte.org

XXI Edición de Circuitos de Artes Plásticas, 2010

imagen-2u.jpgConvocatoria para artistas plásticos residentes en la Comunidad de Madrid menores de 35 años
Hasta el 12 de abril de 2010
Más información: www.madrid.org

La vicepresidencia, consejería de Cultura y Deporte de la Comunidad de Madrid convoca la XXI Edición Circuitos de Artes Plásticas con el fin de promocionar la obra de los jóvenes artistas y facilitar su acceso a la vida profesional.
A través de esta convocatoria se seleccionará un máximo de 10 artistas. Cada artista recibirá una ayuda económica y participará en la exposición colectiva que organizará la Dirección General de Archivos, Museos y Bibliotecas. Las ayudas tendrán la misma cuantía para todos los beneficiarios, no pudiendo exceder individualmente de 3.000 euros. La cuantía global de las ayudas tendrá un importe máximo de 15.000 euros. La exposición se presentará en la Sala de Arte Joven sin perjuicio de su posible itinerancia en otras salas nacionales e internacionales.

Participantes: Artistas plásticos residentes en la Comunidad de Madrid, menores de 35 años al cierre del plazo de la presente convocatoria. El tema, la técnica y materiales utilizados serán de libre elección por el artista.

Solicitudes y presentación de documentación: Las solicitudes se podrán descargar en www.madrid.org, “Servicios y Trámites”. Dichas solicitudes y la documentación requerida en las bases se presentarán preferentemente en el Registro sito en la calle Caballero de Gracia, nº 32, 28013 Madrid, o bien por cualquiera de los medios previstos en el artículo 38.4 de la Ley 30/1992, de 26 de noviembre, de Régimen Jurídico de las Administraciones Públicas y Procedimiento Administrativo Común, o a través del Registro Telemático.


Para más información consultar las bases en el Boletín Oficial de la Comunidad de Madrid 22/03/2010 nº 69.

Información: Subdirección General de Museos. Programa de Arte Joven. c/ Alcalá, 31. 28014 Madrid. Tel. 91 720 81 23


+ Información:
www.madrid.org


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Marzo 22, 2010

Jordi Teixidor
L’atelier rouge

Teixidor703052-u.jpgINAUGURACIÓN JUEVES 25 DE MARZO A LAS 20.00 H.
Del 25 de marzo al 30 de abril

www.lacajanegra.com

Esta nueva exposición de Jordi Teixidor que presenta La Caja Negra con el titulo de L’atelier rouge, gira en torno al conocido cuadro de Matisse del mismo nombre, el cual aparece como el espacio desde el cual se van generando los diversos trabajos que presenta. No es la primera vez que Teixidor elabora su trabajo en referencia a Matisse. Ya entre 1998 y 2000 realizó ocho cuadros a partir de ese mismo Atelier Rouge, y a menudo ha utilizado su particular reflexión sobre la pintura del artista francés como referencia: obras como La joie de vivre, La danse o La Riviere le han servido bien como soporte formal que relaciona con el aspecto de sus composiciones, bien como alusión poética para generar sensaciones e inquietudes. Por no citar el cuadro que para Teixidor ha llegado formar parte de su propia iconografía y es una constante en su proceso pictórico: Porte-fenêtre à Colliure de 1914. La inquietante evidencia de lo exterior-interior, junto a la no menos inquietante sugerencia de la presencia-ausencia que toda esta pintura trasluce, ha estado presente en el proceso de creación y en el desarrollo de su obra en los últimos años.

En esta ocasión, el Atelier Rouge ha servido para dar pie a un conjunto de trabajo amplio y diverso. Matisse, al bañar de rojo esa habitación no está representando un espacio real, sino que tiene la intención deliberada de introducirnos en un espacio de ilusión. Esta habitación es un mundo de recuerdos y también de homenajes a otros pintores, a otras pinturas. Por su parte, Teixidor se sirve de cuatro fotografías de su propio estudio, una realidad señalada de forma obvia, para realizar grabados, monotipos o impresiones digitales en los que aparecen las formas geométricas características de su lenguaje. Estas valoran y sugieren particulares homenajes que nos hablan claramente de lo pictórico. De un sentido de la pintura que se entremezcla con las imágenes reales cotidianas del estudio del artista, momentos y secuencias del proceso de elaboración de las obras, esparcidos por muros y mesas que la fotografía refleja. El espacio captado por el objetivo fotográfico no sugiere una narración figurativa. Es un espacio abierto, un espacio a recorrer. Se trata también de un recuerdo y una referencia intimista al mundo personal del artista; en su taller, con sus proyectos, sus ambiciones, con sus dudas ocultas para el público o la crítica. Se trata del mundo del estudio, del atelier, al que se acude con más o menos ilusión y ánimo, pero donde se halla el espacio en el cual el artista debe enfrentarse a la no siempre dichosa y siempre ingobernable creación.


Jordi Teixidor (Valencia| 1941) Su temprana colaboración durante los años sesenta con el Grupo de Cuenca (Zobel, Rueda, Torner) en la fundación del Museo de Arte Abstracto Español marcó la pauta pictórica de un arte comprometido, de rígida y austera abstracción que Teixidor seguiría durante más de treinta años. En 1979 recibió una beca de la Fundación Juan March que le permitió vivir en Nueva York durante varios años. Allí conoció a fondo la pintura de los expresionistas abstractos de la Escuela de Nueva York que abrieron para él las posibilidades del trascendentalismo inherente en la pintura. Caracterizadas por una estética reduccionista y una reducida gama cromática, en el trabajo de Teixidor se repiten las bandas de color que se extienden desde negros sombríos a expresivas marcas gestuales que evocando las pinturas devocionarias Mark Rothko o los iconos de Andrej Rublev. Jordi Teixidor ha expuesto extensamente en exposiciones individuales y colectivas a través de Europa y los Estados Unidos incluyendo museos como el IVAM, Valencia, donde tuvo una importante retrospectiva en 1997, el Centro Santa Mónica de Barcelona y el Solomon Guggenheim Museum, Nueva York. Su obra se encuentra entre las colecciones permanentes de los museos e instituciones más prestigiosos del mundo.


Para mayor información e imágenes por favor póngase en contacto con la galería.

Galería La Caja Negra Ediciones
Fernando VI, 17- 2º- I
28004 Madrid (ES)
T. 91 3104360
F. 91 3087238
info@lacajanegra.com
www.lacajanegra.com
Abierto de lunes a viernes de 11 a 14 y de 16.30 a 20.30 hrs. Sábados de 11 a 14 hrs.

EXPOSICIÓN “Monumento a los Pájaros. Hito y Mito. Una escultura de Alberto Sánchez”

FOTOALBERTOsaNCHEZ-u.jpg23 de marzo – 9 de mayo 2010
Sala El Águila
Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid

Inauguración: 22 de marzo a las 20:00 horas
Entrada gratuita
www.madrid.org

“Monumento a los Pájaros. Hito y Mito. Alberto Sánchez”, que se presenta en la Sala El Águila de la Comunidad de Madrid hasta el 9 de mayo, muestra por primera vez una escultura creada por Alberto Sánchez (1895-1962) que la Comunidad de Madrid ha recuperado a partir de las fotografías tomadas del proyecto original.

En Madrid había realizado una primera versión de “Monumento a los pájaros”, con la intención de instalar una reproducción a gran escala en el Cerro Almodóvar de Vallecas para que sirviera de refugio a los pájaros, como un símbolo de libertad. A esta obra hizo referencia su amigo, el poeta Miguel Hernández: “Es el único escultor del rayo, el único que graba el color de la madrugada, el único que ha hecho un monumento a los pájaros y una estatua al bramido”.

Al igual que la mayoría de su obra, la escultura fue destruida durante la guerra civil, lo que llevó al artista, tras años de inactividad escultórica, a realizar una segunda versión en 1957-58, con algunas modificaciones, durante su estancia en Moscú, donde falleció. Tampoco esta escultura se conserva completa y por ello se ha querido restituir, utilizando las únicas fotografías de la obra, tomadas en Moscú por Enrique Segarra, amigo de Alberto.

La muestra se completa con documentación gráfica sobre el proceso de restitución de la obra y sobre el proyecto de emplazamiento de la misma a gran escala en el Cerro Almodóvar. Se ha querido resaltar la importancia de este Cerro, pues también se le considera testigo de los compromisos éticos y estéticos de la Escuela de Vallecas, que fundara Alberto junto con Benjamín Palencia, constituyéndose así como un símbolo del nacimiento del arte de vanguardia en nuestra Comunidad.

Además de la obra restituida, en la exposición se presentan varios bocetos, dibujos y un autorretrato a lápiz y acuarela, originales del artista, así como varias de sus esculturas, en su versión en bronce.

La Comunidad de Madrid se ha involucrado en este proyecto desde su inicio y se ha hecho cargo de la financiación de los trabajos de restitución de la obra, que pasará a formar parte de la colección del Centro de Arte Dos de Mayo. Asimismo ha financiado la producción de la muestra y la publicación de este catálogo, que incluye textos del comisario de la muestra –Rafael Zarza– y de especialistas como Antonio Bonet Correa, José María Ballester, Joaquín Araújo y otros, que abordan el proyecto desde diversas perspectivas: artística, histórica, urbanística y ecológica.


Organiza: Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid.

Comisario: Rafael Zarza Ballugera

Dirección:
Sala El Águila
C/ Ramírez de Prado, 3 - 28045 Madrid
Teléfono: 91 720 88 48

Horario:
De martes a sábado: De 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00
Domingos, festivos: De 11:00 a 14:00
Cerrado: Todos los lunes, 2 de abril y 1 de mayo

Visitas guiadas:
Miércoles: 12:00 h
Sábados: 12:00, 13:00, 18:00 y 19:00 h.
Domingos: 12:00 y 13:00 h.

Entrada gratuita


FOTO: Alberto Sánchez. Monumento a los pájaro. Versión final en bronce. Madrid (2008)

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www.madrid.org

Marzo 18, 2010

KREA Expresión Contemporánea lanza una ayuda para la realización de un proyecto audiovisual

ayudaaudiovisual_w3art_u.jpgLa ayuda consta de un máximo de 12.000 euros.
La obra audiovisual deberá realizarse en un plazo máximo de un año y podrá pertenecer a cualquier género y realizarse en cualquier registro del lenguaje audiovisual: videocreación, cortometraje, documental…

El plazo de presentación de solicitudes es hasta el 30 de abril de 2010

Bases en www.kreared.com

La ayuda consta de un máximo de 12.000 euros para la realización de un proyecto audiovisual.

La obra audiovisual deberá realizarse en un plazo máximo de un año y podrá pertenecer a cualquier género y realizarse en cualquier registro del lenguaje audiovisual.


Destinatarios

Realizadores o colectivos de realizadores nacidos o residentes en la Comunidad Autónoma del País Vasco o en provincias ámbito de actuación de Caja Vital Kutxa : Burgos, Cantabria, Guadalajara, La Rioja, León, Madrid, Navarra, Salamanca, Toledo, Valladolid y Zaragoza.


Criterios de selección

- Calidad, innovación, originalidad e interés del proyecto
- Viabilidad e idoneidad
- Aplicación de nuevas tecnologías y nuevos lenguajes contemporáneos


Documentación requerida

- Ficha de solicitud cumplimentada
- Fotocopia del DNI, pasaporte o documento acreditativo. En caso de residencia, certificado de empadronamiento.
- Desarrollo del proyecto a realizar.
- Presupuesto desglosado y plan de financiación.
- Plan de producción.
- Currículum de la persona o colectivo solicitante.


Presentación de solicitudes

Hasta el 30 de abril de 2010.


Formas de envío

- Por correo electrónico a info@kreared.com
- En KREA Expresión Contemporánea. Postas, 17. 01004. Vitoria-Gasteiz.
- Por correo certificado


Bases completas y hoja de inscripción en www.kreared.com

Marzo 17, 2010

MUSAC. PROGRAMACIÓN DE SEMINARIOS, JORNADAS Y FOROS DURANTE ABRIL, MAYO Y JUNIO

jornadas2-u.jpg- 16 y 17 de abril: Toda práctica es local. III Jornadas de Estudio del Arte Contemporáneo de Castilla y León
- 15 de mayo: I Foro de la Edición
- 18, 19 y 20 de junio en MUSAC, León y 26, 27 y 28 de noviembre en Casa Encendida, Madrid: Encuentro de profesionales de la educación en museos y centros de Arte Contemporáneo. I Jornadas de Producción Cultural Crítica en la práctica artística y educativa actual.
Texto extendido e información práctica en www.musac.es




TODA PRÁCTICA ES LOCAL. III JORNADAS DE ESTUDIO DEL ARTE CONTEMPORÁNEO DE CASTILLA Y LEÓN. 16 Y 17 DE ABRIL

:: FICHA TÉCNICA:
Actividad: Jornadas
Título: Toda práctica es local. III Jornadas de Estudio del Arte Contemporáneo de Castilla y León, MUSAC, 2010
Fechas: 16 y 17 de abril
Lugar: Salón de actos MUSAC
Director: Víctor del Río, Crítico de Arte, Profesor en la facultad de BBAA de Salamanca, Miembro del comité asesor de MUSAC
Coordinadoras: Mariola Campelo y Araceli Corbo
Aforo: 80 plazas
Modo y plazo de inscripción: Inscripción obligatoria a través de www.musac.es. Desde el 16 de marzo
Precio: Gratuito
Plataforma digital: Desde el 16 de marzo: www.todapracticaeslocal.com

Bajo el título Toda práctica es local, las jornadas continuarán la labor desarrollada en ediciones anteriores en la evaluación del estado de las artes en Castilla y León y su inserción en el contexto internacional. Las jornadas se abordan en torno a dos ejes temáticos que afectan a la práctica artística e institucional en nuestro momento: La Implantación de las instituciones en los contextos locales; y los Contextos de producción y recepción del arte contemporáneo en la actualidad.


:: PROGRAMA:
16 de abril. Viernes:

10:00 h. Inauguración de las jornadas: Agustín Pérez Rubio, Director MUSAC y Víctor del Río, Director III Jornadas de Estudio del Arte Contemporáneo de Castilla y León

10:30 h. Conferencia: Darío Corbeira, artista, editor de la revista Brumaria y profesor de la Universidad de Salamanca.

11:45 h. Conferencia: Juan Albarrán investigador de la Universidad de Salamanca y Crítico en diversos medios. Esplendor y ruina de un paradigma. Lo relacional: parís-madrid, madrid-león.

17:00 h. Mesa 1: Implantación de las instituciones en los contextos locales. Coordinación: Miguel Ángel Fernández, artista, Miembro de AVA y Profesor de Dibujo de Educación Secundaria
Participan: María Martín Velázquez, Centro de Documentación y Programas Públicos, Museo Patio Herreriano, Valladolid; Bruno Marcos, artista y escritor; Alberto Martín, Crítico y Comisario de exposiciones; Amparo Moroño, Educadora artística, DEAC MUSAC.

17 de abril. Sábado:
10:30 h. Conferencia: Javier Hernando, Catedrático de Historia del Arte de la Universidad de León y Crítico de exposiciones. Lectura de uno de sus textos

11:45 h. Conferencia: Javier Redondo, Artista y Presidente de AVA. Sobre los resultados y proyectos de AVA en el contexto Castellano y Leonés. Presentación del “Proyecto de estudio sobre el estado de la cuestión: el arte contemporáneo en Castilla y León”, por AVA

12:30 h. Presentación del informe sobre espacios y proyectos alternativos de nueva aparición en Castilla y León: Belín Castro, artista y miembro de la Junta Directiva de AVA; Elena Santos, y Víctor del Río

17:00: Mesa 2: Contextos de producción y recepción del arte contemporáneo en la actualidad. Arte y artistas. Coordinación: Belín Castro
Participan: Rufo Criado,Artista y ex director del CAB de Burgos; Adora Calvo, Galería Adora Calvo, Salamanca; José Luis Pinto, artista y Profesor de Artes Plásticas y Diseño de la Escuela de Arte y Superior de Diseño y CRBC de Burgos; Rafael Torres, Colectivo Navegantes de Palomar


:: OBJETIVOS DE LAS JORNADAS:

- Elaborar un documento plural en el que se recojan las propuestas de los agentes convocados y que permita una base para futuros encuentros y debates. Este documento tratará de constituirse como una primera evaluación crítica e independiente de las relaciones entre las instituciones museísticas en la comunidad y sus públicos. Del mismo modo se tratará de hacer propuestas concretas de mejora sobre las condiciones de producción y recepción artística en nuestro entorno.
- Crear una plataforma de debate on line para el debate público de los documentos derivados de las jornadas: www.todapracticaeslocal.com
- Involucrar a las asociaciones profesionales y a los diversos agentes en un debate constructivo que permita dar voz a quienes trabajan desde diferentes ámbitos en el arte contemporáneo.
- Hacer efectiva una reflexión en común del contexto artístico en la comunidad que pueda ser presentada como propuesta de mejora a los responsables de la administración regional para su evaluación y consideración.


:: ESTRUCTURA DE TRABAJO:

La tercera edición de estas jornadas estará dividida en dos modelos de intervención: Mesas de trabajo y conferencias. En las mesas se propone una forma de trabajo a partir de grupos en los que estén representados buena parte de los agentes culturales (artistas, críticos, comisarios, galeristas, representantes de las instituciones, etc.). Los participantes en las mesas también trabajarán previamente de forma colectiva sobre los contenidos en un encuentro privado el sábado 13 de marzo.

Todo ello apoyado por la plataforma digital www.todapracticaeslocal.com, activa desde el 16 de marzo con una serie de temas de debate y documentación propuesta por los integrantes de las mesas de trabajo. A partir de esa fecha, se abrirá la participación a las personas interesadas en las jornadas, quienes podrán solicitar en este foro digital, turno de participación durante la celebración de las jornadas, así como aportar nueva documentación, realizar consultas, responder a los documentos aportados y proponer posibles temáticas a tratar que serán recogidas para su traslación pública durante las jornadas.

:: VÍCTOR DEL RÍO, DIRECTOR DE LAS JORNADAS:

Profesor de Teorías Artísticas de la modernidad y Teoría del Arte Contemporáneo en la Universidad de Salamanca. Autor de Fotografía objeto. La superación de la estética del documento, Ediciones Universidad de Salamanca (2008), así como editor de varias obras colectivas. Forma parte del comité asesor del MUSAC y del consejo de redacción de la revista Brumaria. Crítico de arte en El Cultural del diario El Mundo. Colaborador habitual de varias revistas especializadas en las que se ha desarrollado su labor ensayística en el terreno de la estética y la teoría de las artes. Además de las conferencias que ha venido impartiendo en diversos foros, dirige el curso internacional Conciencia histórica y arte contemporáneo que se desarrolla anualmente en la Universidad de Salamanca. Ha sido Jefe de Colección y Exposiciones del Museo Patio Herreriano, en Valladolid, y, anteriormente, Jefe de Investigación y Educación en la misma institución.


I FORO DE LA EDICIÓN. 15 de mayo

Foro en el que participarán profesionales relacionados con el mundo de la edición y las publicaciones: editores, directores de centros de arte, museos y espacios culturales donde la edición es un objetivo y una actividad primordial.

El objetivo del I Foro de la Edición es crear una plataforma de discusión acerca de la producción, las temáticas elegidas, la estructura interna de las publicaciones, del criterio para la selección de artículos y/o títulos, de los públicos, de los detalles del diseño y de la distribución.

Enfocado en su primera edición en las publicaciones de pensamiento y crítica del Arte Contemporáneo, el foro se estructura en conferencias a cargo de David G. Torres, Co-director y co-fundador de A*Desk; Darío Corbeira, Editor de la revista Brumaria, Mar Angosto, Coordinadora revista mus-A, Mª Virginia Jaua: Directora editorial de salonKritik y Maider Zilbeti Pérez, Directora de Zehar, publicación promovida por Arteleku

El I Foro de la Edición se programa el sábado 15 de mayo desde la Biblioteca-Centro de Documentación del MUSAC, con entrada gratuita previa inscripción a partir del 15 de abril en www.musac.es


ENCUENTRO DE PROFESIONALES DE LA EDUCACIÓN EN MUSEOS Y CENTROS DE ARTE CONTEMPORÁNEO. I JORNADAS DE PRODUCCIÓN CULTURAL CRÍTICA EN LA PRÁCTICA ARTÍSTICA Y EDUCATIVA ACTUAL

1. ENCUENTRO DE PROFESIONALES DE LA EDUCACIÓN EN MUSEOS Y CENTROS DE ARTE CONTEMPORÁNEO.

:: FICHA TÉCNICA:
Fechas, horarios y lugares: Junio 2010. Días 18 y 19 de 17:00 a 20:00 h. Día 20 de 12:00 a 14:00 h. Lugar: MUSAC. Noviembre 2010. 26, 27 y 28 (el programa de Madrid se publicará próximamente). Lugar: Casa Encendida, Madrid

Plazo de admisión de solicitudes: Del 1 de marzo al 15 de abril. Se recibirán exclusivamente a través del formulario de inscripción habilitado en www.musac.es Adjuntar resumen de trayectoria profesional, líneas de actuación o interés en la práctica educativa. La resolución de admitidos se publicará el 3 de mayo.

Requisitos: Ser educador/educadora en proyectos relacionados con el arte contemporáneo.

Matrícula: 50 €. Previa aceptación de solicitud.(15 bolsas de ayuda para alojamiento y matrícula).

Producido por: MUSAC, León y Casa Encendida, Madrid.

Coordinación: Eduardo García Nieto (Responsable de Educación del Centro Cultural Montehermo¬so. Vitoria). Pablo Martínez (Responsable de Educación y Actividades Públicas del CA2M. Madrid). Belén Sola (Responsable de Educación y Acción Cultural del MUSAC. León).

Asesoría y seguimiento: Pamela Gallo (Investigadora en las peda¬gogías feministas, miembro de la Asamblea para la Comunicación Social y promotora de herramientas alternativas para la produc¬ción cultural crítica en Barcelona). Eneritz López (Investigadora sobre la formación de los educadores en museos españoles. Téc¬nico de programas de educación del Grupo Evento.es). Virtudes Martínez (Profesora de Educación Artística en la Facultad de BBAA de Granada. Investigadora y activista en movimientos sociales).

:: CONVOCATORIA:
Se convoca el Encuentro de Profesionales de la Educación con la intención de crear una red en la que compartir experiencias y generar nuevos procesos entre las Pedagogías Críticas y el Arte Contemporáneo. La intención es conseguir definir los puntos que unen a estos profesionales, detectar las problemáticas más comunes a las que se enfrentan en sus prácticas diarias, definirse y consensuar fines, objetivos y estrategias de acción conjuntas. El formato del encuentro será a través de mesas de trabajo en las que crear un espacio de intercambio y diálogo sobre temáticas que se propongan entre todas las personas participantes. Para tal fin, desde el 3 de mayo se pondrá en funcionamiento una plataforma virtual donde elaborar conjuntamente las propues¬tas: www.educacion.deacmusac.es

2. I JORNADAS DE PRODUCCIÓN CULTURAL CRÍTICA EN LA PRÁCTICA ARTÍSTICA Y EDUCATIVA ACTUAL

Paralelamente al Encuentro de Profesionales de la Educación en Centros y Museos de Arte Contemporáneo, MUSAC y Casa Encendida programan las I Jornadas de producción cultural crítica en la práctica artística y educativa actual

:: FICHA TÉCNICA:
Fechas, horarios y lugares:
-Junio 2010. Día 18 de 9.30 h a 14.30 h. Día 19 de 10.00 a 14.30 h. Día 20 de 10:00 a 11:30 h. Lugar: MUSAC, León.
-Noviembre 2010. 19, 20 y 21 (fechas y horarios por determinar). Lugar: Casa Encendida, Madrid.
Aforo: 100 plazas
Inscripción: gratuita previa inscripción en www.musac.es

:: Programa
La proliferación de Museos y Centros de Arte Contemporáneo nos hace reflexionar sobre el para qué y el para quién están pensados. Los departamentos educativos de estos centros añaden además el cómo hacerlo. En estas primeras jornadas de Producción Cultural Crítica en la práctica artística y educativa actual, queremos reflexionar sobre procesos de trabajo que activan aprendizajes en todos los ámbitos de la creación: En el producto o proceso artístico, en el trabajo curatorial y expositivo, y en el contexto de las comunidades y de los públicos.
Las primeras sesiones de las jornadas, que tendrán lugar en el MUSAC, quieren acercarse a nuevos planteamientos colaborativos en los procesos pedagógicos y artísticos marcados por el diálogo y la horizontalidad de los roles, así como interrogarse por el propio dispositivo de la exposición y sus mecanismos para la activación de la acción educativa.
Las segundas sesiones, que se desarrollaran en La Casa Encendida en noviembre, se centrarán en proyectos expandidos fuera de los museos. Prestaremos especial atención a proyectos y colectivos artísticos así como a la vinculación de Escuela y Arte.
De esta manera, se han invitado a colectivos, comisarios, educadores y artistas que investigan o desarrollan su práctica bajo estos planteamientos, tanto del ámbito nacional como internacional.

MUSAC. 18, 19 Y 20 DE JUNIO 2010:

Día 18 de junio. Viernes: PROCESOS PEDAGÓGICOS COLABORATIVOS: Artistas, Educadores, Comisarios y Públicos.
9:30h. Presentación: Agustín Pérez Rubio, Director MUSAC; Belén Sola, Responsable DEAC MUSAC; representación de Casa Encendida, Madrid.
10:00-10:45h. Pablo Helguera, director de los programas educativos del MOMA, Nueva York. Theories on stage
10:45-11:30h. Colectivo Las Lindes.
12:00 a 12:45h: Aída Sánchez de Serdio, Profesora de la Facultad de Bellas Artes de Barce¬lona. Investigadora en el campo de las prácticas artísticas colaborativas y las políticas cultura¬les.
12:45-13:30h. María Ptqk. Productora cultural e investigadora independiente
13:30-14:30 h: Mesa Redonda. Intercambio y diálogo entre experiencias marco y partici¬pantes. Moderan Amparo Moroño, DEAC MUSAC y Belín Castro, Miembro fundador de la Asociacion de Artistas Visuales de CyL.

Día 19 de junio. Sábado: LA EXPOSICIÓN COMO DISPOSITIVO DE ACCIÓN CULTURAL.
10:00- 10:45h. Carmen Moersch: El giro Educativo.
Artista, investigadora y educadora. Directora del Instituto de Investigación para la Educación del Arte (IAE) en la University of the Arts in Zurich. Investigadora del proyecto de educación de Documenta XII en Kassel, 2007.

10:45 -11:30h. Cotidianidad y Utopía. Le Collectif Microsillons.
12:00-12:45h. Transductores. Javier Rodrigo y Antonio Collados
Transductores; pedagogías colectivas y políticas espaciales es un proyecto cultural que pre¬tende investigar y activar iniciativas en las que se articulen de manera flexible las prácticas artísticas, la intervención política y la educación, a partir de la acción de colectivos interdis¬ciplinares. Se ha puesto en marcha por el Centro José Guerrero de Granada, ideado desde Aulabierta y co-producido por la Universidad Internacional de Andalucia -UNIA Arte y Pensamiento y el Ministerio de Cultura.

12:45-13:30h. Les Saloniers. Colectivo de artistas por Laura Cardona, Ester G. Mecías, Cèlia Prats, Meritxell Romanos y Marta Xibillé. Desde 2008 desarrollan el programa educativo de Can Xalant en Mataró.

13:30-14:30h. Mesa redonda. Diálogo entre experiencias marco y participantes. Moderada por Víctor del Río, comisario independiente y crítico de arte, Profesor de la Universidad de BBAA de Salamanca. Fue responsable de Educación del Museo Patio Herreriano hasta el año 2008 y Belén Sola, Responsable DEAC MUSAC.

Día 20 de junio. Domingo. LA PROFESIONALIZACIÓN DE LA EDUCACIÓN EN MUSEOS.
Los educadores debemos tomar conciencia de la importancia social de nuestro trabajo e intelectualizar nuestra profesión. H. Giroux.

10:00-10:45h. Sofía Olascoaga, Jefa del Departamento de Educación en el Museo Carrillo Gil de México hasta el año 2009.

10:45-11:30. Carla Padró, Profesora de la Facultad de B.B.A.A de Barcelona.

CASA ENCENDIDA. 26, 27 Y 28 DE NOVIEMBRE, 2010:

Próximamente se publicará el programa de las Jornadas de Producción Cultural Crítica en la práctica artística y educativa actual.


MUSAC, MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE CASTILLA Y LEÓN
Dpto de Comunicación y Prensa
Avda. de los Reyes Leoneses, 24
24008 León - España
T. +34 987 09 00 00
F. +34 987 09 11 11
www.musac.es
prensa@musac.es


Marzo 16, 2010

Compartir el Código Fuente Audiovisual en el 12 Festival Internacional ZEMOS98.

imagenparaw3art-u.jpgComo formato del Festival, Código fuente audiovisual no es una proyección, pero tampoco es una conferencia. Es un formato híbrido de proyección comentada. Y compartir nuestro código fuente audiovisual significa:
_ hablar de nuestros vídeos favoritos - cartografiar qué relatos audiovisuales nos representan (en un aspecto en concreto o en general)
_ mostrar ejemplos, referencias y citas audiovisuales
Nuestros códigos fuentes audiovisuales serán seis: 2 durante el Festival ( 20 marzo Alberto González aka Querido Antonio y 21 de marzo Miguel Angel Blanca, cantante de Manos de Topo) y 4 online (Eli Lloveras, Blanca Rego, Itxaso Díaz y Antonia Folguera).

Sábado 20 de marzo (19.30h./ Centro de las artes de Sevilla)

Alberto Gonzalez (QueridoAntonio) representa que la proclama la Internacional Situacionista de "reinventar la vida cotidiana" bien podría sustituirse por "remezclar la vida cotidiana". Alberto es un hombre de su tiempo; un renacentista audiovisual que guioniza, dibuja, anima, edita, postproduce, metarrelata, etc. A través de sus vídeos cortos puede intuirse un discurso general inteligente y mordaz, cargado de ironía y meditado surrealismo; pero sobre todo destila algo que resulta tan necesario en la tan autocomplaciente industria cultural y audiovisual y por qué no decirlo, en la vida en general: sentido del humor. Actualmente además prepara un largo titulado "“Primero Manhattan”, acerca de un policía acomplejado y miserable que mide catorce centímetros de estatura.

Sobre su intervención, Alberto nos envía por email: "cuando me preguntan por mis influencias no sé qué decir. Es como si me preguntaran en quién se inspira mi forma de acariciarme la barbilla o de rascarme la entrepierna. No lo sé. Supongo que me gustaría sonreír como Paul Newman o arquear las cejas como Jack Nicholson. Así pues, ésta es una selección de trabajos a los que me gustaría parecerme. Aunque sea difícil imitar la sonrisa de Paul Newman cuando te faltan tres dientes".

www.queridoantonio.com
www.youtube.com/queridoantonio


Domingo 21 de marzo (19.30h./ Centro de las artes de Sevilla)

Miguel Ángel Blanca pertenece al grupo Manos de Topo cuyo segundo disco fue titulado "El primero era MEJOR". Probablemente con esta frase ya bastaría para contextualizarlo, pero esto es un programa de mano y estaría feo. Miguel Ángel se graduó como guionista en la Escola de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC) en 2001 y empezó a escribir letras y a tocar la guitarra con Alejandro Marzoa. Un cuarto de hora más tarde conocen a Rafael Julià y Rafael de los Arcos. Los 4 forman actualmente Manos de Topo. Como grupo, son los reyes del metapop y la tragicomedia musical. Como creadores audiovisuales, se hacen llamar Boogaloofilms y además de videoclips, spot publicitarios y cortometrajes...¡están preparando un largo! Tod Solondz, ve dejando paso.

En su Código Fuente Audiovisual, M.A. nos adelanta que veremos "el universo Manos de Topo desgranado para descubrir sus referentes cinematográficos. Las letras de la banda ilustradas; el porqué del "Oso Panda en el salón", el "Pero ya no te quiero...", el "preparen Guerra Nuclear". Un set acústico iluminado por Kaurismaki, Paul Thomas Anderson o Chicho Ibañez Serrador. Mi inconsciente audiovisual al desnudo, intentando dar una explicación a todo ese surrealismo. Esperemos que con éxito...".

www.manosdetopo.com
www.boogaloofilms.com


Toda la información disponible en www.festival.zemos98.org
Dossier Prensa: www.zemos98.org/prensa/12/
Programa de mano: http://www.zemos98.org/prensa/12/programa12FESTIVALZEMOS98.pdf
Imágenes para descarga: www.zemos98.org/prensa/12
Sofía Coca 645637417

AVAM lanza la nueva convocatoria de MADRID PROCESOS 10 para la producción de cuatro proyectos artísticos.

madridProcesos_u.jpgPodrán presentar sus proyectos artistas de cualquier nacionalidad, sin límite de edad.
Abierto el plazo hasta el 10 de mayo de 2010.
AVAM (Artistas Visuales Asociados Madrid).
Más información en www.avam.net

AVAM, Artistas Visuales Asociados de Madrid, con el patrocinio de la Comunidad de Madrid, convoca un concurso para la selección de cuatro proyectos artísticos inscritos en Madrid Procesos 10. Esta convocatoria es una iniciativa promovida por AVAM y apoyada por la Comunidad de Madrid por la para la mejora de las condiciones de producción y creación de los artistas plásticos y visuales.

Los objetivos de Madrid Procesos 10 son:
_ Ofrecer apoyo en la coordinación y financiación de los proyectos artísticos objeto de la ayuda.

_ Favorecer la experimentación y los procesos de producción.

_ Analizar y visibilizar diferentes modelos de producción artística contemporánea, destacando los condicionantes que van determinando su desarrollo.

_ Respetar los derechos profesionales y de autor.

_ Favorecer la creación artística madrileña y su difusión, promoviendo una cooperación internacional activa.

Para ello se abre la convocatoria de Madrid Procesos 10, cuyas líneas de actuación son:
- Programa de apoyo a la coordinación y asesoramiento para la producción de los proyectos artísticos.
- Programa de movilidad: ayudas para producción artística y su difusión internacional, en colaboración con la Sociedad Karl Hofer (Berlín).
- Programa de difusión: visibilización de la investigación, utilización de recursos y ejecución de los proyectos seleccionados para Madrid Procesos, a través de su difusión en medios de comunicación, y la publicación de un catálogo digital.


Bases de la convocatoria (extracto):

La finalidad de esta convocatoria es seleccionar cuatro proyectos artísticos que serán desarrollados durante la edición de Madrid Procesos 10 de la siguiente manera:

a) Dos proyectos artísticos serán producidos principalmente con los recursos existentes en la Comunidad de Madrid, durante un periodo aproximado de cinco meses (junio-octubre 2010).

Participantes: Podrán presentar proyectos, de forma individual o colectiva, artistas de cualquier nacionalidad, sin límite de edad. En caso de presentarse como colectivo deberán designar a un representante del mismo.

Prestaciones: La cuantía destinada a la ayuda asciende a 7.000 € (base imponible + IVA), dividida en las siguientes partidas:
_ 5.000 € para la producción del proyecto. Esta cantidad incluirá: materiales, estancias, viajes, seguros y cualquier otro gasto derivado de la producción del proyecto.
_ 2.000 € en concepto de honorarios de producción de obra y derechos de autor. Esta partida es irrenunciable).

b) Dos proyectos artísticos serán producidos en la ciudad de Berlín durante un periodo exacto de dos meses (15 agosto – 15 de octubre 2010).

Participantes: Podrán presentar proyectos, de forma individual, artistas de cualquier nacionalidad, sin límite de edad, que sean madrileños o residentes en la comunidad de Madrid en el año 2010 y quieran centrar temporalmente su producción en la ciudad de Berlín, que posean más de siete años de probada experiencia profesional como artistas, y tengan capacidad comunicativa en los idiomas inglés y/o alemán.

Prestaciones:
_ Billete de avión y seguro médico.
_ Alojamiento y taller en Berlín, en los Estudios de Artistas la Sociedad Karl Hofer (Atelieretage Obersschöneweide. Wilhelminenhofstraße 83-85; Haus 59/3.Stock. 12459 Berlín).
_ 1.500 € en concepto de honorarios de producción de obra, desplazamientos locales y manutención.
_ Tutorización por parte de un artista visual reconocido internacionalmente, residente en Berlín, y designado por AVAM.
_ Exposición de la obra producida en la galería de la Sociedad Karl Hofer en Oberschoeneweide.


Bases completas y formulario de inscripción en: www.avam.net/madridprocesos10/convocatoria.htm


Organiza y promueve:

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Este proyecto está financiado en su practica totalidad por la Consejería de Cultura Deporte y Turismo de la Comunidad de Madrid

SUMATORIO-GENERAL_u.jpg


Este proyecto está financiado por la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID)

AECIDMINIST_A-u.jpg

Marzo 15, 2010

CONFERENCIA DE MARTÍ PERAN

Marti_Peran-u.jpgCENDEAC / COAMU / Obs
Miércoles 17 de marzo, 19:30 h.
Espacio 0. CENDEAC. MURCIA
Asistencia libre y gratuita
www.cendeac.net

Dentro del grupo de trabajo “Ciudad y Ciudadanía” iniciado por el CENDEAC en colaboración del Colegio Oficial de Arquitectos de Murcia (COAMU) y el Observatorio del Diseño y la Arquitectura de la Región de Murcia (OBS), recibiremos el próximo miércoles 17 la visita de Martí Peran.

Martí Peran es profesor titular de Teoría del Arte de la Universidad de Barcelona. Ha participado en numerosos libros y catálogos de arte contemporáneo y colabora habitualmente en prensa y revistas especializadas. En la actualidad es coeditor de la revista ROULOTTE y colabora habitualmente en EXIT EXPRESS y ARTFORUM INTERNATIONAL. Como comisario de exposiciones, entre sus últimos proyectos cabe destacar ARQUITECTURAS PARA EL ACONTECIMIENTO (2002); STAND BY. LISTOS PARA ACTUAR (2003); CORNER (2004-2005); MIRA COMO SE MUEVEN. 4 IDEAS SOBRE MOVILIDAD (2005), GLASKULTUR. ¿QUÉ PASÓ CON LA TRANSPARENCIA? (2006), POST-IT CITY. OCCASIONAL CITIES (2009) y AFTER ARCHITECTURE (2009). Es director del programa ROUNDABOUT. ENCOUNTER PROGRAM de intercambios internacionales entre Barcelona y otras ciudades (Bangkok, Jerusalén, Reikiavik, Istambul Santiago de Chile,…). Ha participado en numerosas publicaciones y encuentros (Going Public 2005 y 2006) sobre cuestiones de arte y espacio público. Forma parte del equipo del Master “Metrópolis” (UPC/CCCB. 1998-2009).

La visita de Martí Peran será una oportunidad para reflexionar sobre la relación entre las prácticas artísticas contemporáneos y el espacio público (o semi-público) que éstas puntualmente ocupan. La sesión constará de una presentación por parte de Peran seguida de un extenso debate.

Para preparar esta conferencia te recomendamos visitar la página de Martí Peran
, donde encontrarás varios textos relevantes, especialmente “After Architecture”, “Post-It City”, “Glaskultur”, “Anónimos”, “Telegrama de Arte Público”, “Andar”, “Deseo de (no) ser arquitecto” y “Arquitecturas del Arte”: www.martiperan.net

AQUÍ HUIDIZO. ISIDRO BLASCO

IsidroBlasco-u.jpg17 de marzo al 16 de mayo de 2010
Sala Alcalá 31
Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid

Inauguración: 16 de marzo a las 20:00 horas
Entrada gratuita
www.madrid.org

Esta muestra, que estará hasta el 16 de mayo en la Sala Alcalá 31, presenta la obra del artista Isidro Blasco (Madrid, 1962) afincado en Nueva York y considerado uno de los principales representantes de la escultura contemporánea y uno de los mejores exponentes de una nueva manera de concebir lo escultórico.

El comisario de la exposición, José Manuel Costa, Presidente del Consejo de Críticos de Artes Visuales, ha reunido en esta muestra un total de 46 piezas escultóricas (madera, fotografía, cartón, material de ferretería, vídeo, etc.,), exentas y de pared, realizadas entre los años 1999 y 2010, la cual pretende tener al mismo tiempo, un carácter retrospectivo y actual mostrando trabajos de todas sus épocas.

Además, se podrán ver dos producciones realizadas específicamente para la ocasión; un proyecto videográfico, basado en unos textos que el artista escribió en los años 90, titulado, Elusive Here (Aquí Huidizo), así como la instalación “Site Specific” When The Time Comes (Cuando llega la hora).

Desde sus inicios, es característica en los trabajos de Isidro la visión fragmentada de sus obras y la relación de estas con la arquitectura. En parte tiene que ver con la misma ciudad y con la visión que de ella tenemos; se puede decir que el autor construye la imagen de nuestra ciudad personal a base de muestreos atrapados y re-conocidos en múltiples itinerarios.

En conjunto esta exposición se presenta como una macro instalación en la que diversas piezas, nacidas en diferentes momentos y espacios, se reúnen tratando, no solo de mostrarse a sí mismas, sino de mostrarnos nuestro mundo. Un mundo en el cual, sin mucho esfuerzo, podemos imaginar nuestra propia mirada.

Para esta ocasión se editará, como complemento a la muestra, un catálogo bilingüe (español-inglés) con un texto del comisario, José Manuel Costa; de Mariano Navarro; de Milena Z. Fisher y unos textos breves de Isidro Blasco. Este catálogo recogerá las imágenes de la obra expuesta en la Sala Alcalá 31.

Fruto de la colaboración entre la Comunidad de Madrid y la Diputación Provincial de Huesca esta exposición viajará posteriormente a la ciudad de Huesca, donde se podrá visitar a partir de diciembre de 2010.


Comisario: José Manuel Costa

Organiza: Vicepresidencia de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid en colaboración con la Diputación Provincial de Huesca.

Horario: de martes a sábados: de 11.00 h. a 20.30 h.
Domingos y festivos: de 11.00 h. 14.00 h.
Cerrado los lunes, 2 de abril y 1 de mayo .

Visitas guiadas gratuitas: sábados y domingos por la mañana: 12 y 13 h.
Sábados por la tarde: 18 y 19 h. Miércoles a las 12 h.

Entrada gratuita

Dirección:
Sala de Exposiciones Alcalá 31
Calle Alcalá 31
28014 Madrid

www.madrid.org

(Isidro Blasco. Shanghai Planet, 2009. Detalle)


comunidad-u.jpg

Marzo 12, 2010

I Semana del Diseño. Universidad Europea de Madrid.

arne_jacobsen-u.jpgLa I Semana del Diseño de la Universidad Europea de Madrid nace con el objetivo de acercar a los estudiantes la realidad más actual del diseño, desarrollando proyectos específicos, en algún caso reales, con profesionales que aportarán una visión complementaria al trabajo en las aulas.

www.uem.es

La I Semana del Diseño en la Universidad Europea de Madrid, que se celebra del 15 al 18 de marzo, en el campus de Villaviciosa de Odón, nace con el objetivo de acercar a los estudiantes la realidad más actual del diseño.
Durante una semana se interrumpen las clases con el objetivo de trabajar en equipos mixtos de alumnos de primer y segundo curso del Grado en Diseño (Moda, Producto, Moda e Interiores) y de desarrollar proyectos específicos, en algún caso proyectos reales, con otros profesionales diferentes a los que imparten docencia en los Grados, de forma que aporten a nuestros estudiantes una visión complementaria de su trabajo en el aula.

Se organizan cuatro talleres: Moda, Producto, Gráfico e Interiores. Cada taller irá acompañado, de una conferencia dictada por sus profesores en la que, además de explicar aspectos relevantes sobre su trayectoria profesional, abordará el tema de cada taller desde una amplia perspectiva.

Cada uno de los talleres se desarrolla durante toda la semana, en horario de 14:00h a 21:00h.
Comenzará el lunes 15 a las 11:00h con la presentación oficial de la I Semana del Diseño en el Auditorio del Edificio B, en el Campus de Villaviciosa de Odón y finalizará con una sesión de clausura y presentación de los proyectos desarrollados en los talleres el jueves 18 a las 17:00h en el mismo auditorio.


Las conferencias:

“De ‘prohibido tocar’ a ‘toque por favor’. Diseñar una exposición sobre diseño”
Intervienen: César Ávila, diseñador gráfico, de Gráfica Futura; Francisco Domouso, arquitecto; y Jesús Moreno, arquitecto y diseñador de Jesús Moreno y Asociados

Conferencia “Taxi para todos”
Por Javier Sanz, diseñador industrial y director de la firma Mormedi.

Conferencia “Una colección de calzado”
Por Pepa Méndez, creativa y diseñadora de moda.


Los Talleres:

Taller de Diseño de Interiores y Taller de Diseño Gráfico: “Diseñar una exposición”
Estos dos talleres están dirigidos por: Jesús Moreno, arquitecto y diseñador de Jesús Moreno y Asociados; Marta Redondo, arquitecta y diseñadora freelance; y César Avila, diseñador gráfico, de Gráfica Futura.

Taller de Diseño de Moda: “Diseño de una colección de calzado”
Dirigido por Pepa Méndez, creativa y diseñadora de moda.

Taller de Diseño de Producto: “Diseñar un Taxi para todos”
Dirigido por Javier Sanz, diseñador industrial y director de la firma Mormedi.


MÁS INFO en www.uem.es
- Agenda
- Curriculum de los ponentes y temáticas de conferencias y talleres


logouem-u.jpgCAMPUS VILLAVICIOSA
C/ Tajo, s/n
Villaviciosa de Odón. 28670 Madrid
Tel.: 902 23 23 50
www.uem.es

Marzo 11, 2010

Intervenciones en Jueves y el Colectivo Migrantas en el 12 Festival Internacional ZEMOS98

d3d8eb-u.jpgEl 12 Festival Internacional ZEMOS98 atiende a lo próximo, a lo cercano y a lo local con una programación cercana al arte público con la presencia, por un lado, del colectivo Intervenciones en Jueves, que celebrará su quinta edición tomando como marco el mercaíllo del jueves de la calle feria, y por otro, el Colectivo Migrantas que destaca por la utilización del arte, el diseño y herramientas de las ciencias sociales con el objetivo de mostrar las experiencias invisibles de los migrantes a través de pictogramas.

www.festival.zemos98.org

El 12 Festival Internacional ZEMOS98 atiende a lo próximo, a lo cercano y a lo local con una programación cercana al arte público con la presencia, por un lado, del colectivo Intervenciones en Jueves, que celebrará su quinta edición tomando como marco el mercaíllo del jueves de la calle feria, y por otro, el Colectivo Migrantas que destaca por la utilización del arte, el diseño y herramientas de las ciencias sociales con el objetivo de mostrar las experiencias invisibles de los migrantes a través de pictogramas.

Intervenciones en Jueves es un colectivo comandado por la fotógrafa y gestora cultural Celia Macías y el actor y performer Alex Peña, ambos han celebrado cuatro ediciones de esta cita en la que el arte interviene sin interferir en el quehacer del mercaíllo del Jueves –mercado de antigüedades cuyos inicios datan del siglo XIII después de la conquista de Fernando III-. En esta ocasión y bajo el lema Superhéroes de Barrio, la cita cuenta con artistas como Fernando Mansilla, acompañado por Navarro y Mora, en su spoken word matinal denominado Los Hermanos Mercadillez; las ilustraciones realizadas por Miguel Brieva para las más de 6.000 bolsas que se repartirán entre los comerciantes; o la propuesta de quiosco realizada por el colectivo de arquitectos sociales Recetas Urbanas. Además se podrá ver una instalación de la artista Gloria Martín y el grupo Tension.co creará en directo la banda sonora de la recogida del jueves. Los visitantes también podrán encontrar chapitas diseñadas por Manuel León Moreno, Mon Aguilar y Ricardo Barquín Molero, así como una instalación de imágenes en el mítico estudio Foto Serva. Tampoco faltará el arte culinario con la presentación del falafel de altramuz, desarrollado por David Delgado, inspirado en uno de los presentes más habituales para acompañar la cerveza en los bares sevillanos. Como maestro de ceremonias Herzioman, un superhéroe de barrio muy particular que cuando cuelga su traje se convierte en el actor Serafín Zapico. Las actividades de Intervenciones en Jueves darán comienzo el jueves 18 de marzo a partir de las 11:00h. de la mañana a las 15:00h. de la tarde.

Mientras el objetivo de Intervenciones es el de interactuar con la vida del mercaíllo, con los comerciantes que acercan sus antigüedades a la calle, con los bares y tiendas de la zona que se llenan de vida cada mañana de jueves y con los curiosos, compradores y vecinos que pasean, el Colectivo Migrantas centra su atención en las experiencias de los migrantes, buscando vías de comunicación y comprensión a través del uso del pictograma.

Migrantas trabaja utilizando el arte, las técnicas sociales y el diseño como herramientas para facilitar una vía de comunicación directa con los sentimientos, sensaciones y formas de pensar del migrante a través de talleres y exposiciones. En estos talleres, se trabaja en el ámbito del dibujo, de las preguntas, de las sensaciones y sentimientos del migrante que más tarde son convertidos en pictogramas.
“Sevilla Plural | imagen de la migración en el espacio urbano”, el proyecto que se desplegará en Sevilla será la consecuencia de varios talleres en asociaciones de inmigrantes del 10 al 13 de Marzo cuyos resultados se expondrán en la Oficina de Derechos Sociales de Sevilla (ODS), Centro Vecinal Pumarejo (Plaza de Pumarejo) el miércoles, 17 de marzo a las 20 hs

_ La exposición: Es el espacio que brinda la posibilidad de intercambio y reencuentro, junto a los dibujos originales, audio, fotos y los pictogramas resultantes de los talleres.
_ Acción urbana: 18 de Marzo, de 11 a 15 hs en "Intervenciones en jueves", donde la imagen de la migración será integrada en la Calle Feria.


Toda la información disponible en www.festival.zemos98.org
Dossier Prensa: www.zemos98.org/prensa/12/
Programa de mano: http://www.zemos98.org/prensa/12/programa12FESTIVALZEMOS98.pdf

INTERACTIVOS?'10: CIENCIA DE BARRIO. CONVOCATORIA PARA PROYECTOS Y COMUNICACIONES

INTERACT10-u.jpgTaller-seminario del 7 al 23 de junio, 2010 en Medialab-Prado (Madrid).

Cierre de la convocatoria para proyectos y comunicaciones: 19 abril, 2010
Convocatoria para colaboradores: del 4 de mayo al 4 de junio, 2010

Profesores el taller: Platoniq, Douglas Repetto, y el equipo de trabajo formado por Andrés Burbano, Alejandro Araque, Alejandro Duque y Alejandro Tamayo.

http://medialab-prado.es
interactivos@medialab-prado.es

Dentro de la temática Ciencia de barrio se propone crear pequeños laboratorios urbanos de experimentación que canalicen y fomenten una gran variedad de prácticas cognitivas ciudadanas basadas en la experiencia, en la pasión por aprender y compartir de la cultura hacker y amateur, y en la posibilidad de tomar las riendas en la resolución de problemas que unen a “comunidades de afectados” (communities of concern) a lo largo y ancho del globo.

Algunos núcleos temáticos orientativos:
_ Infraestructuras urbanas: movilidad, transporte, redes ciudadanas de telecomunicaciones.
_ Cuestiones medioambientales y salud: calidad del aire, calidad del agua, meteorología, alimentación, gastronomía y recetas, huertos urbanos, etc.
_ Relaciones sociales y producción cultural; juegos, educación y aprendizaje en la calle; intercambio de servicios y conocimientos, etc.

Los proyectos seleccionados se desarrollarán con la ayuda de varios profesores y asistentes técnicos, además de un extenso grupo de colaboradores, que podrán inscribirse entre el 4 de mayo y el 4 de junio (Convocatoria para colaboradores).


Convocatoria de proyectos:

Se seleccionará un máximo de diez propuestas que recojan o pongan en acción redes de colaboración y conocimiento ciudadano en el entorno local, utilizando tecnologías de software y hardware libre y metodologías “hazlo tú mismo” (DIY).

Convocatoria de comunicaciones:

Se seleccionará un máximo de cinco trabajos, tanto teóricos y de investigación como presentaciones y análisis de experiencias llevadas a cabo en el ámbito de la temática propuesta. Los trabajos seleccionados se presentarán públicamente en el marco del encuentro LabtoLab, que se celebra coincidiendo con el taller del 7 al 11 de junio de 2010.


Colaboraciones:

Coincidiendo con el comienzo del taller “Ciencia de barrio” se celebrará en Medialab-Prado el encuentro internacional de medialabs LabtoLab del 7 al 11 de junio. A la plataforma europea integrada por Kitchen (Budapest), Constant (Bruselas), Crealab (Nantes), A10lab (Londres) y Medialab-Prado (Madrid) podrán sumarse otras iniciativas con el objetivo de compartir experiencias, estudiar casos específicos y explorar el papel de los “medialabs” en la producción, el intercambio de conocimientos y el aprendizaje colaborativo.

Por otro lado, uno de los proyectos será seleccionado para continuar su desarrollo en el festival ZER01: The Art and Technology Network, en el programa Out of the Garage, Into the World de la Bienal de San José 2010, del 4 al 19 de septiembre.

La Embajada de Colombia en Madrid apoya también el evento con la incorporación de los artistas Andrés Burbano, Alejandro Araque, Alejandro Duque y Alejandro Tamayo como profesores en el taller. Asimismo, el espacio Off Limits acogerá una muestra de sus trabajos entre el 7 y el 13 de junio.


Más información:
http://medialab-prado.es
interactivos@medialab-prado.es

medialabpradoAsm-u.jpg

(Crédito de la imagen: laimagendelmundo.)


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INTERACTIVOS?'10: NEIGHBORHOOD SCIENCE. CALL FOR PROJECTS AND PAPERS

Workshop-seminar: June 7 - 23, 2010 at Medialab-Prado (Madrid, Spain).
Deadline: April 19, 2010
Call for collaborators: May 4 – June 4, 2010.

Worskhop tutors: Platoniq, Douglas Repetto, and the working group formed by Andrés Burbano, Alejandro Araque, Alejandro Duque, and Alejandro Tamayo.


The proposal is to set up small urban experimental laboratories to channel and foster citizen cognitive practices that are based on experience, on the passion for learning and sharing that is characteristic of amateur and hacker culture, and on the possibility of taking control over the resolution of problems that affect and link toguether worldwide “communities of concern”.


Call for Projects and papers:

A maximum of ten projects will be selected to be collaboratively developed during a two-weeks production workshop in June. Projects that use open and free software and hardware technologies, and that could be developed through dynamic work methodologies characteristic of the “Do it Yourself” (DIY) and “Do it with Others” (DIWO).
Some orientations are:
- Urban Infrastructure: mobility, transport, urban and telecommunication networks
- Health and environmental issues: quality of the air and water, meteorology, nutrition, gastronomy and recipes, urban gardens, etc.
- Social relations and cultural production, games, education and learning in the street; exchange of services and knowledge, etc.

The open call is aimed to artists, engineers, sociologists, achitects, city planners, teachers, programmers, psychologist, journalists, environmentalists, graphic designers or to any other person interested in the theme of this call.

The call for collaborators will be open from May 4 through June 4, 2010 at the Medialab-Prado's website.

A maximum of 5 papers will be selected among theoretical and research papers, presentations and analysis of the experiences about the proposed subject matter. Chosen papers will be presented in public during LabtoLab Encounter, celebrated coinciding with the workshop June 7-11, 2010.

No entry fees.


Collaborations:

The Medialab International Encounter “LabtoLab” will take place June 7 – 11 at Medialab-Prado coinciding with the “Neighborhood Science” workshop. Aiming to share experiences, study specific cases and explore Medialab's role in the production, exchange of knowledge and collaborative learning, other initiatives will be added to the European platform composed by Kitchen (Budapest), Constant (Bruselas), Crealab (Nantes), A10lab (Londres) and Medialab-Prado (Madrid).

On the other hand, one project will be selected to continue its development during the ZER01: The Art and Technology Network festival, on the Out of the Garage, Into the World program at the San José Biennial 2010, September 4 – 19, 2010.

Thanks to the support of the Colombian Embassy in Madrid artists Andrés Burbano, Alejandro Araque, Alejandro Duque and Alejandro Tamayo will be teaching the workshop Interactivos?'10. This collaboration also includes their participation in the LabtoLab International Medialab Encounter and an exhibition of their works in Off Limits space in Madrid June 7-13, 2010.


More information:
http://medialab-prado.es
interactivos@medialab-prado.es

medialabpradoAsm-u.jpg

Marzo 10, 2010

CRÍTICA PRÁCTICA
Taller de crítica y escritura sobre arte contemporáneo

montehermoso-u4.jpgDel 14 al 21 de mayo de 2010 (excepto el día 16)
CENTRO CULTURAL MONTEHERMOSO KULTURUNEA (Vitoria)

www.montehermoso.net

En “La función de la crítica”, Terry Eagleton escribió que ‘la tesis de este libro es que hoy en día la crítica carece de toda función social sustantiva. O es parte de la división de relaciones públicas de la industria literaria, o es un asunto privativo del mundo académico’. Este diagnóstico expone con sencillez la condición endémica de la crítica en cualquiera de sus géneros en un momento histórico donde ésta ha sido evacuada, sustituyendo el escrutinio y el análisis por la opinión personal, y la creatividad por la mera transferencia de información. Este taller teórico/práctico busca interrogar de nuevo sobre la función de la crítica dentro de las estructuras sociales y culturales.

CRÍTICA PRÁCTICA es un taller de crítica y escritura alrededor de los ámbitos del arte contemporáneo, la teoría crítica y la denominada crítica cultural. Uno de los objetivos del taller es preguntarnos qué significa escribir, cómo y con qué finalidad; es decir, sus pre-condiciones (económicas y sociales), sus géneros (crítica pura, reseñas de exposiciones y libros, ensayos, escritura literaria, periodismo artístico y reportaje), sus motivaciones (conciencia de esfera pública, autoría y subjetividad), sus recompensas (plusvalías, sueldos, capital simbólico), etc. Se analizarán asimismo las posibilidades de la escritura crítica y sus medios de comunicación; revistas especializadas, catálogos, suplementos de periódicos y también las posibilidades de la “blogoesfera” y la crítica online.


Inscripción
El taller está dirigido a personas que ejerzan o deseen escribir crítica en cualquiera de sus variantes (arte, cine, literatura y demás), comisarios/as de exposiciones, investigadores/as y también a artistas interesados/as en la escritura como medio de expresión.
Las plazas son limitadas.
Los y las interesadas deberán enviar, junto al impreso de solicitud descargable en www.montehermoso.net, un CV/bio y una carta de motivación para el proceso de selección. La documentación deberá remitirse a:
TALLER DE CRÍTICA PRÁCTICA / MONTEHERMOSO
C/ Fray Zacarías Martínez nº 2
01001 Vitoria-Gasteiz ARABA
o a la dirección electrónica accioncultural@montehermoso.net (Sólo serán válidas las preinscripciones con acuse de recibo por parte del centro)

Fecha límite para envío de solicitudes: 23 de abril de 2010.
Dirección del taller a cargo de Peio Aguirre (crítico de arte y comisario independiente)


Actividades paralelas
Dentro del taller se impartirán las siguientes conferencias, de acceso libre:
Sven Lüticken. Miércoles, 19 de mayo, 19 horas
Esther Leslie. Jueves, 20 de mayo, 19 horas

Peio Aguirre
Crítico de arte y comisario independiente afincado en San Sebastián. Ha publicado en los siguientes periódicos y revistas; La Vanguardia, Mugalari, Exit Express, Flash Art, Afterall, A Prior, Chto delat? etc. También ha escrito ensayos monográficos sobre artistas como Asier Mendizabal, Philippe Parreno, Susan Philipsz, Liam Gillick, Annika Eriksson, Ibon Aranberri, Jon Mikel Euba entre otros. Es editor independiente de libros de artista bajo el sello CO-OP. Escribe y publica “crítica y metacomentario” en http://peioaguirre.blogspot.com

Sven Lütticken
Crítico de arte e historiador afincado en Ámsterdam. Es profesor en la Vrije Universiteit (Ámsterdam), y editor de De Witte Raaf. En 2004 obtuvo el premio de crítica de arte de la BKVB Fonds (Holanda). Publica regularmente en revistas de arte (inter)nacionales como Jong Holland, Artforum, New Left Review, Afterimage, Texte zur Kunst, Camera Austria y contribuye en catálogos y exposiciones como escritor o comisario invitado. Es autor de Idols of the Market: Modern Iconoclasm and the Fundamentalist Spectacle (Sternberg Press, 2009).

Esther Leslie
Profesora de Estética Política en Birkbeck, Universidad de Londres. Es autora de Walter Benjamin: Overpowering Conformism (Pluto, 2000), y Walter Benjamin: Critical Lives (Reaktion, 2007). Otros libros suyos son Hollywood Flatlands: Animation, Critical Theory and the Avant-garde (Verso, 2002) y Synthetic Worlds: Nature, Art and the Chemical Industry (Reaktion 2005). Es co-editora de Historical Materialism y está en el colectivo editorial de Radical Philosophy y también edita Revolutionary History. Junto a Ben Watson lleva la web www.militantesthetix.co.uk


CENTRO CULTURAL MONTEHERMOSO KULTURUNEA
fray zacarías martínez, 2
01001 vitoria-gasteiz ARABA
www.montehermoso.net

#01 Armando Andrade Tudela

000011-u.jpgahir, demà
10 marzo – 6 junio

Comisaria: Chus Martínez
Organización y producción: Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA)
Más información en www.macba.cat

Esta muestra inaugura una nueva manera de entender la producción de obra en el marco del espacio de la Capella MACBA. Todas las exposiciones tendrán un denominador común: haber sido realizadas específicamente para su presentación en este lugar. El proyecto de Armando Andrade Tudela, artista peruano residente entre Berlín y Saint-Étienne (Francia), incluye dos películas de 16 mm (transferidas a DVD) producidas recientemente y una pieza de pared, Sin título (Dos marcos #2) (2010), todo ello en el marco de una arquitectura pensada también por el artista para esta ocasión.

El núcleo del proyecto de Andrade Tudela es una película que tiene como punto de partida la Fundación Synanon, creada en 1958 en Santa Mónica, California, por Charles E. Dederich, con la idea de construir una comunidad basada en la autoayuda, en una concepción de la vida como un constante ejercicio de rehabilitación. A mediados de la década de los noventa apenas quedaba ya rastro de ella, a no ser por algunas de sus actividades sociales como los almacenes de muebles de segunda mano.

La película muestra uno de esos lugares donde van a parar muebles y artefactos de lo más dispar, lo que origina una acumulación de formas. Esas formas no han sido pensadas por la naturaleza sino por el hombre; son parte integrante de la historia del «diseño», de la historia de la adaptación de la forma a los usos para crear estilos, mundos. La amalgama de todas esas maneras distintas de entender los objetos y la naturaleza de los espacios que pueden crearse con ellos pone aún más en evidencia los diferentes códigos temporales que se alojan en la historia del gusto. Lo contemporáneo no es un «aquí» y un «ahora» que nos haya sido dado, sino que se construye a partir de múltiples elementos y tomas de decisiones.

Precisamente este aspecto abre la zona de intersección entre esta película y Marcahuasi, también producida para la ocasión. Marcahuasi es una planicie de unos cuatro kilómetros cuadrados situada en la cordillera de los Andes, al este de la ciudad de Lima (Perú). Se trata de una impresionante formación de piedras de origen volcánico a más de cuatro mil metros sobre el nivel del mar. Las rocas, impresionantes no solo por su tamaño sino por sus formas extravagantes, han dado lugar a teorías grotescas sobre su origen y a los bautismos más elocuentes. A mediados de la década de los cincuenta, Daniel Ruzo, arqueólogo reputado para unos, profeta y criptógrafo para otros, escribe un texto en el que señala que las piedras son «esculturas» creadas por lo que él denomina la cultura Masma o «Cuarta Humanidad» hace más de diez mil años.

Marcahuasi, la gliptoteca al aire libre más grande del mundo, representa la posibilidad de invertir las grandes narrativas arqueológicas e históricas que han pasado por alto este lugar –y también otros que realmente fueron origen de cultura y civilización– a favor de otros lugares geográfica y etiológicamente más próximos a Europa. Marcahuasi y la «Cuarta Humanidad» apelan a un giro en la interpretación del pasado e invocan una cultura anterior a las modernidades que atribuimos a Egipto o a Grecia. Así se insertan de nuevo en la Historia no solo como cultura tecnológicamente avanzada, sino como la matriz de todo el resto de culturas, como tribu primigenia.

La noción de matriz queda en entredicho en Sin título (Dos marcos #2). Se trata de una pieza que se mueve en torno a la idea de que pudiera existir una distinción entre forma y contenido, entre contenido y continente. Del mismo modo en que la lógica filosófica de Ludwig Wittgenstein negaba la existencia de la mente como entidad diferenciada del cuerpo, Armando Andrade Tudela juega con elementos periféricos a la imagen y los ordena de tal forma que constituyen la imagen misma. No hay nada más allá, todo participa de la representación; no hay una imagen más real que otra, sino que todo se ordena alrededor de lo real. Lo que calificamos como documento es un esfuerzo por acercarse al límite de lo verosímil, pero no es más verdad que este juego de reflejos. La diferencia entre un sistema de representación «realista» y otro formal o abstracto está en la manera de ordenar su relación con el acceso al conocimiento inmediato del mundo: si el primero concibe la posibilidad de obtener información a través de las imágenes, los segundos niegan o simplemente minimizan la importancia de la relación entre lo que vemos y el mundo más allá.

La obra establece constantemente vínculos con la historia de la modernidad, la historia de la arquitectura y su recepción en Latinoamérica. Pero, más que referirse a proyectos concretos, Armando Andrade Tudela alude al hecho mismo de la ósmosis que existe entre los modos ampliamente conocidos y difundidos de la arquitectura de la década de los cincuenta y otros que representan su fantasma, su contraimagen.


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Actividades

Martes 16 de marzo, a las 19 h
¿Por qué y cómo hago lo que hago? Los artistas hablan
Conversación de Armando Andrade Tudela con Gabriel Acevedo y Chus Martínez
Auditorio MACBA. Entrada libre. Aforo limitado

Más información en www.macba.cat

Publicación

# 01 Armando Andrade Tudela. Ahir, demà es el primer número de una nueva línea de publicaciones electrónicas que complementa la actividad de la Capella MACBA: la Serie Capella MACBA, consultable en http://www.macba.cat/serie-capella


(Armando Andrade Tudela, Marcahuasi, 2009-2010. © Armando Andrade Tudela, 2010)

Marzo 09, 2010

4º Simposio Culturas Visuales/Diseños Globales. Narrar la diferencia: dilemas visuales de la traducción (inter)cultural

CVG_ CVDG_ 04_ ASM_ 2010-u.jpgcoordinación: Joaquín Barriendos / Anna Maria Guasch
invitados: Juan Vicente Aliaga, Mieke Bal, Joaquín Barriendos, Luca Giocoli, Anna Maria Guasch, Carles Guerra, Encarnación Gutiérrez Rodríguez, Martí Peran, Josep-Maria Martí, Arola Valls
colaboran: Centro Arts Santa Mònica / Universidad de Barcelona
Arts Santa Mònica / Sábado 20 de Marzo / 10-14hrs – 17-21hrs

www.culturasvisualesglobales.net

El simposio Culturas Visuales/Diseños Globales surgió en 2007 con la idea de abordar, desde una perspectiva interdisciplinar, la relación entre la visualidad, el arte y los procesos globales. Los temas de trabajo para esta cuarta edición son la traducción (inter)cultural y la posibilidad/imposibilidad de narrar la diferencia y la alteridad por medio de imágenes visuales. Siguiendo estos ejes, nuestros invitados reflexionarán en torno a esa suerte de consenso visual global que el multiculturalismo liberal instauró hacia la década de los ochentas y aportarán lecturas de aquello que en diversas ocasiones ha sido definido como el nuevo internacionalismo en las artes visuales, el cual parece haber promovido la multiplicación de las imágenes del otro en tanto que objetos decodificables, transculturalmente aprehensibles y consumibles.
¿Qué implicaciones conlleva el impulso de narrar y de traducir lo intercultural desde una perspectiva global/postcolonial? ¿Qué posibilidades y obstáculos nos brindan los estudios visuales para enfrentarnos a estos dilemas? ¿Sólo lo traducible es aquello que nos permite establecer acuerdos dialógicos con el otro o también su contraparte, lo intraducible, puede ser considerado como un espacio o condición útil para la negociación intercultural, para la desidentificación táctica entre culturas visuales diversas? Éstos serán algunos de los interrogantes del simposio.


Descargar programa en pdf

Universos y Metaversos: aplicaciones artísticas de los nuevos medios

poster_mailing-u.jpgGrupo de investigación Arte, arquitectura y sociedad digital (AASD)
7 y 14 de abril de 2010 de 9h a 20,30h.
Aula Magna, Facultad de Geografía e Historia, Universitat de Barcelona
Calle Montalegre 6-8, Barcelona (4º piso)
Inscripción: www.artyarqdigital.com/es/jornadas/actuales/inscripcion/
Plazas limitadas
Actividad gratuita

Arte, Arquitectura y Sociedad Digital es un grupo de investigación que nació en 1999 y está vinculado al Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Barcelona. Los objetivos de nuestras investigaciones giran entorno al estudio de diferentes disciplinas artísticas y arquitectónicas en relación con las tecnologías de la comunicación y la información. Todo ello con el fin de dar a conocer estos materiales a través de la organización de jornadas universitarias. El objetivo primordial que persigue el grupo con este tipo de iniciativas es la de comprometer a la academia a introducir nuevos temas de debate y nuevos materiales que sirvan de objeto de estudio en futuras investigaciones más profundas.

En esta ocasión, celebramos nuestras IV Jornadas Internacionales tituladas "Universos y Metaversos: aplicaciones artísticas de los nuevos medios" que se celebrarán los miércoles 7 y 14 de abril de 2010 de 9h a 20,30h en el Aula Magna, Facultad de Geografía e Historia, Universidad de Barcelona (Calle Montalegre 6-8, Barcelona (4º piso)). Para todo ello contamos con la participación de especialistas en las materia que nos ayudarán a entender y reflexionar sobre las nuevas propuestas artísticas relacionadas con las tecnologías actuales, la web 2.0, los videojuegos y entornos digitales, las nuevas formas de expresión como la cyberperformance, la filosofía del transhumanismo, entre otros tantos temas de debate. Los invitados son: Jaime del Val (artista transdisciplinar, filósofo, activista y Director del Instituto REVERSO), Pau Alsina (profesor de los Estudios de Artes y Humanidades de la Universitat Oberta de Catalunya. Director de la revista Artnodes), Alessandro Scali (artista y fundador/director creativo de Kut communications srl), Giulio Prisco (Transhumanista, futurista, experto en tecnologías emergentes, licenciado en Física Teórica y Computacional), José Luis de Vicente (Investigador Cultural, periodista y comisario especializado en nuevos medios, cultura e innovación), Clara Games (Artista, investigadora y docente universitaria. Doctoranda de la Universitat de Barcelona/Universidade Nova de Lisboa), David Apfel (artista, investigador y fundador de El Club de los Astronautas), David Rodríguez (Coordinador del proyecto Bordergames), entre otros. Además, los miembros del grupo de investigación participarán de manera activa a través de diversas conferencias y debates en las mesas redondas que están programadas por la tarde. Para más información, visite nuestra página web: www.artyarqdigital.com

Marzo 08, 2010

Formación on-line sobre Gestión de la cultura en la UOC

Imagen_w3art_emailing2-u.jpg- Máster Universitario en Gestión Cultural UOC-UdG-UIB (oficial)
- Posgrado en Gestión y políticas culturales UOC-UDG
- Posgrado en Gestión del Patrimonio arqueológico
- Posgrado en Interpretación del Patrimonio UOC-UIB
- Posgrado en Turismo cultural
- Posgrado en Sectores e industrias culturales

Matrícula abierta. Inicio de curso: 17 de marzo

La Universitat Oberta de Catalunya es una universidad en línea reconocida internacionalmente por su innovación, que ofrece un aprendizaje centrado en el estudiante. Este método ofrece las ventajas de unos estudios personalizados, flexibles y basados en la colaboración. En el campo de las artes y las humanidades, y especialmente en la gestión de la cultura, la UOC tiene una larga experiencia y una extensa gama de programas formativos.

Éstos son los programas de Gestión de la Cultura que actualmente tienen matrícula abierta. Todos se cursan on-line en el Instituto Internacional de Posgrado de la UOC.

- Máster Universitario en Gestión Cultural UOC-UdG-UIB

Un máster interuniversitario (oficial) para la formación de nuevos perfiles en la gestión de la cultura.

- Posgrado en Gestión y políticas culturales UOC-UDG

Ofrece una visión amplia en sistemas de gestión mixtos de la cultura para generar campos de colaboración.

- Posgrado en Gestión del Patrimonio arqueológico

Formación con una visión amplia e integradora de la actividad arqueológica y de su gestión.

- Posgrado en Interpretación del Patrimonio UOC-UIB

Un posgrado que forma especialistas en el ámbito de la interpretación del patrimonio, con la finalidad de capacitarlos para diseñar programas de intervención en esta materia.

- Posgrado en Turismo cultural

Para acceder a los conocimientos fundamentales para la gestión de la actividad turística centrada en el Patrimonio y la cultura.

- Posgrado en Sectores e industrias culturales

Una aproximación a la diversidad de los sectores y de las industrias culturales y a los retos a los que se enfrentan en la sociedad actual.


Más información sobre estos y otros programas: www.uoc.edu/masters , 902 372 373

TALLER SOBRE ESCRITURA TRANSVERSAL A CARGO DE RAFAEL ARGULLOL

RAFAELARGULLOL-u.jpgFecha: sábado 27 de marzo
Horario: de 11 a 14 h y de 15 a 20 h
EACC - Espai d´art contemporani de Castelló

www.eacc.es





El taller se centrará en la creación literaria a partir de la experiencia del autor y en especial de la escritura de su última obra, de inminente aparición, en la que propone una singular superación de los géneros literarios.


Temas fundamentales:

1) Convergencia de poesía, ensayo y narrativa.
2) Tensión y conciliación entre arte y pensamiento.
3) Mundo de las ideas y mundo de las sensaciones.
4) Experimentación y tradición.

El taller se dirige fundamentalmente a personas interesadas en la creación literaria y en la creación de pensamiento en nuestros días, y muy especialmente a los conocedores de la obra de Rafael Argullol interesados en comentar con él sus propuestas estéticas.


TALLER
Lugar: Espai d’art contemporani de Castelló.
Horario: de 11 a 14 h y de 15 a 20 h.
Precio: 20 €.
Requisitos: Datos personales (nombre y apellidos más un número de contacto), curriculum y una breve explicación de los objetivos que le llevan a participar en el taller.
Inscripción: Hasta el 25 de marzo.
Plazas limitadas: Máximo 15 plazas.
Para más información: actividades@eacc.es o por el teléfono 964 72 35 40.


Marzo 05, 2010

MUJERES EN EL SISTEMA DEL ARTE / DÍA INTERNACIONAL DE LA MUJER - MINISTERIO DE CULTURA

mujeres-ok-u.jpg8, 9, 10 y 11 de marzo de 2010. De 19:00 a 22:00 h
Mesas redondas en torno al proceso del sistema del arte

Auditorio del Ministerio de Cultura
San Marcos, 40. 28004 Madrid

Entrada libre hasta completar aforo

www.mcu.es/novedades/2010/novedades_mujeres_arte.html





DÍA INTERNACIONAL DE LA MUJER
MINISTERIO DE CULTURA

MUJERES EN EL SISTEMA DEL ARTE

Con ocasión del Día Internacional de la Mujer, la Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales del Ministerio de Cultura organiza cuatro mesas redondas que abrirán la reflexión sobre la situación de las profesionales en el sistema del arte.

La Asociación de Mujeres en la Artes Visuales (MAV) se encarga del comisariado de la actividad y, bajo el título de Mujeres en el Sistema del Arte, plantea para el desarrollo del tema cuatro mesas consecutivas que se centrarán en el análisis de cuatro momentos concretos dentro del proceso del sistema del arte contemporáneo como industria creativa: “Producción”, “Gestión”, “Distribución” y “Difusión”.

Este ciclo de mesas redondas se propone reflexionar sobre la situación de las profesionales en el sistema del arte como un ámbito laboral con rasgos distintivos, pero encuadrado en la industria cultural.

A pesar de la impresión común de la integración normalizada de las mujeres en el sistema del arte occidental, tanto a nivel internacional como en España, los datos en cifras y la experiencia de las profesionales cuestionan ese optimismo. Nos interesa clarificar si en las últimas décadas hemos avanzado y, entonces, a qué coste; o bien, si estamos retrocediendo y cuáles son los defectos estructurales que condicionan el ingreso escaso y precario de las mujeres en el sistema del arte.
Nos preguntamos por qué, a diferencia de otros ámbitos profesionales que se han feminizado como consecuencia del elevado porcentaje en su formación (como sanidad o educación, por ejemplo), no ocurre lo mismo en el sistema laboral del arte, donde parace agudizarse la discriminación sexista que determina la estructura piramidal en toda la estructura laboral en España.

Queremos clarificar soluciones y estrategias que den respuesta a las expectativas de todas las profesionales y de las jóvenes que legítimamente desean incorporarse al sistema del arte en nuestro país.
Las cuatro mesas de debate recorren el proceso completo del sistema del arte contemporáneo como industria creativa: producción, gestión, distribución y difusión. Es decir, el planteamiento arranca desde el cuestionamiento de la situación de las artistas como productoras, a la gestión del producto mediante su selección e interpretación en exposiciones y su eventual incorporación a colecciones de museos, centros de arte y fundaciones. Para pasar después a debatir sobre dos filtros: los problemas con que artistas y galeristas se enfrentan en el mercado artístico; y cómo y por quiénes se difunde lo producido por las profesionales a través de los media: prensa general y especializada, radio y televisión.


Lugar y fechas:
Auditorio del Ministerio de Cultura C/ San Marcos, 40. 28004 Madrid

8, 9, 10 y 11 de marzo de 2010, de 19:00h a 22:00h.

Programa:
Mesa redonda “Producción”
/ Lunes, 8 de marzo, a las 19:00 h.
Moderadora:
_ Marina Núñez, artista, profesora de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Pontevedra y Vocal de la Junta Directiva de MAV.
Participantes:
_ Marta de Gonzalo, artista y profesora de educación secundaria.
_ Concha Jerez, artista y profesora de la facultad de Bellas Artes en la Universidad de Salamanca.
_ Francesca Llopis, artista y presidenta de UAAV, Unión de Asociaciones de Artistas Visuales

Mesa redonda “Gestión” / Martes, 9 de marzo, a las 19:00 h.
Moderadora:
_ Gloria Picazo, directora del centro de arte contemporáneo La Panera, Lleida y Vocal de la Junta Directiva de MAV
Participantes:
_ Margarita Aizpuru, comisaria de exposiciones.
_ Xavier Arakistain, director del Centro Montehermoso Kulturenea, Vitoria.
_ Yolanda Romero, directora del Centro José Guerrero, Granada y presidenta de ADACE, Asociación de Directores de Centro de Arte Contemporáneo.

Mesa redonda “Distribución” / Miércoles, 10 de marzo, a las 19:00 h.
Moderadora:
_ Petra Pérez, galería Vanguardia, Bilbao, y Vocal de la Junta Directiva de MAV
Participantes:
_ Pilar Citoler, directora del Patronato del MNCARS.
_ Rocío San Claudio, galerista y editora.
_ Carlos Urroz, director de UP Urroz Proyectos.

Mesa redonda “Difusión” / Jueves, 11 de marzo, a las 19:00 h.
Moderadora:
_ Susana Blas, comisaria, redactora de programas culturales TVE y Vocal de la Junta Directiva de MAV.
Participantes:
_ Javier Díaz-Guardiola, coordinador de la sección de arte, arquitectura y diseño de ABC.
_ Marta Rodríguez, coordinadora del "Contenedor de cultura de la 2" TVE.
_ Elena Vozmediano, crítica de arte y presidenta de IAC, Instituto de Arte Contemporáneo.


Más información:
www.mcu.es/novedades/2010/novedades_mujeres_arte.html

Persona de contacto:
Arantxa Chamorro Malagón
Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes
Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales
Ministerio de Cultura
91 701 62 05
arancha.chamorro@mcu.es


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Marzo 04, 2010

MARZO 2010 / INTERMEDIÆ, MATADERO MADRID

VuelveCorteArganzuela-u.jpgINTERMEDIÆ [Creación Contemporánea]
MATADERO MADRID
Paseo de la Chopera, 14. 28045 Madrid
Entrada libre
www.intermediae.es
info@intermediae.es
prensa@intermediae.es

VUELVE CORTE ARGANZUELA!! — sábados y domingos de marzo, 20.00h
¿QUÉ PASA CON LA AGRICULTURA ECOLÓGICA EN MADRID? — 3 de marzo, 19.00h
CAMPAMENTO BASE (FALLEN FRUIT) — hasta el 14 de marzo
AL MATADERO SIN MIEDO CONTINÚA — hasta el 31 de marzo
CONVOCATORIA TALLER HERRAMIENTAS LIBRES ESPECTÁCULO Y PERFORMANCE—
Hasta completar plazas
FLUX SKOOL / TALLER DE SONIDO — del 22 al 25 de marzo
TALLERES PARA EL CUIDADO DEL JARDÍN AVANT GARDEN — 28 de marzo, 12 – 14 h
PROYECCIONES EN EL TERRARIO / TAPÓLOGO — 26 de marzo, 19.30 h
ESTACIÓN FUTURO / ESPACIO, TIEMPO Y EMOCIÓN — hasta el 31 de mayo
PROCESOS DE ARCHIVO — Work in progress


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* VUELVE CORTE ARGANZUELA!!

Una obra de Cía Púctum dirigida por Cecilia Pérez Pradal
SÁBADOS Y DOMINGOS DE MARZO / 20.00 h

Una obra de teatro documental sobre las transformaciones de los barrios del sur de Madrid, a través de las historias de vida de sus habitantes. -"Multiculturalidad en escena. Un retrato de un barrio. Los actores, los vecinos. El guión, sus propias vidas."- Pablo León, EL PAÍS, Madrid 25/10/09

Entrada libre. Reservas:
> produccion@puctumteatro.com

> www.puctumteatro.com
> Blog Corte Arganzuela www.intermediae.es/project/corte_arganzuela
> Corte Arganzuela enlaza con Procesos de Archivo www.intermediae.es/project/procesos_de_archivo


* ¿QUÉ PASA CON LA AGRICULTURA ECOLÓGICA EN MADRID?

Ecosecha
3 de marzo, 19.00 h

Encuentro que pretende hacer una fotografía de la situación de la agricultura ecológica en Madrid. En este panel se darán cita iniciativas como Comité de Agricultura Ecológica de la Comunidad de Madrid (CAEM), la Iniciativa de Soberanía Alimentaria (en representación de pequeños productores y consumidores) o Grupos de Autoconsumo de Lavapiés y Ecosecha entre otros.

Experiencias mostradas en el proyecto SEMILLANDO nos ayudarán a conocer las dificultades, retos y posibilidades del sector. Una oportunidad para dar a conocer iniciativas, crear lazos, generar expectativas…

Proyección de Cultura sostenible en la ciudad, un mapa en construcción.

> ecosecha.blogspot.com


* CAMPAMENTO BASE - ACCIÓN FRUTA URBANA [ARCO 2010]

Fallen Fruit
Campamento Base en Intermediae hasta el 14 de marzo

Las ciudades se imaginan como lugares llenos de vida. Si lo pensamos un momento, ¿qué hay de vital en nuestras largas extensiones de cemento con apenas verde alrededor y sin un lugar donde abastecerse de alimento más que en restaurantes y en comercios? Acción Fruta Urbana te invita a imaginar qué pasaría si a nuestro alrededor crecieran árboles frutales de los que poder coger una manzana, por ejemplo, sin necesidad de acercarte al supermercado. ¿Por qué no pueden nuestras calles ser espacios llenos de vida, capaces de producir fruta orgánica para compartir?

Fallen Fruit es un colectivo artístico formado por David Burns, Matias Viegener and Austin Young cuyo trabajo se centra alrededor del espacio público y los grupos sociales y en el que la fruta sirve como pretexto de intervención urbana.

Fallen Fruit mantiene hasta el 14 de marzo su Campamento Base en intermediae que servirá como espacio documental, un lugar de reunión, colaboración, trabajo e intercambio con el colectivo. Acción Fruta Urbana se organizará desde este Campamento Base. Se mostrarán, además, los avances en tiempo real de su propuesta en Madrid, así como un conjunto de trabajos, apuntes y otros materiales que darán cuenta de la trayectoria de su trabajo.

> info@intermediae.es


* AL MATADERO SIN MIEDO CONTINÚA
Debajo del sombrero
Hasta el 31 de marzo

El proyecto //Al Matadero sin miedo//, del colectivo Debajo del sombrero, tiene como objetivo generar nuevos modelos relacionales en
torno a las prácticas artísticas junto a personas con dificultades cognitivas y del desarrollo. Debajo del sombrero lleva a cabo talleres semanales en el Terrario cuyo objetivo es generar un espacio lo suficientemente elástico y receptivo para acoger, acompañar y potenciar cualquier forma de comunicación. El proyecto presenta también un espacio documental en las naves de Intermediae en el que muestran los trabajos de los artistas que participan. Del 3 de febrero al 31 de marzo pueden verse dos vídeos de Belén Sanchéz junto con imágenes de sus trabajos.

> www.debajodelsombrero.org
> Programa de ayudas a la creación 2009


* FREE(K) CULTURE / CONVOCATORIAS ABIERTAS: TALLERES FLUX SKOOL

Jay Barros
Free(k) Culture es un proyecto coordinado por Jay Barros que pretende fomentar una comunidad de usuarios y creadores que utilizan herramientas y licencias libres para la creación, y promover esas producciones a través de talleres, encuentros, presentaciones, desarrollos de software, etc.
— ABIERTA CONVOCATORIA TALLERES FLUX SKOOL. Hasta completar plazas o comienzo del taller.

Flux Skool es una serie de talleres de formación y difusión de herramientas libres para la creación audiovisual, la composición sonora y el ámbito del espectáculo y la performance:
Herramientas libres para la composición sonora: Del 22 al 25 de marzo, de 17 a 21 h
Herramientas libres para el espectáculo y performance: Del 26 al 29 de abril, de 17 a 21
Inscripciones contactar con Free(k) Culture: Jay
> freekculture.net/creadoreslibres o escribe a info@intermediae.es
Plazo de inscripción abierto hasta completar plazas o comienzo del taller.

> freekculture.net
> Programa de Ayudas a la Creación Contemporánea 2009


* FLUX SKOOL / TALLER DE SONIDO

Jay Barros
Del 22 al 25 de marzo, de 17 a 21 h

El próximo taller Flux Skool, dedicado durante marzo a la formación de herramientas libres para la composición sonora se desarrolla entre el 22 y el 25 de marzo. Impartido por Jay Barros en estas sesiones estarán basadas en la edition multipista y remasterización en software libre.


* TALLERES PARA EL CUIDADO DEL JARDÍN AVANT GARDEN

28 de marzo, 12 - 14 h

Talleres para el cuidado de Avant Garden, un jardín urbano ideado por Atelier Lebalto
Avant Garden es una rosaleda de carácter salvaje, un jardín compartido por visitantes, creadores, paseantes... un lugar de convivencia e intercambio, un lugar de aprendizaje, disfrute y reposo. Los talleres en general están enfocados a indagar y profundizar en el concepto y la filosofía sobre la que atelier lebalto diseñó el jardín. Los próximos cuidados en concreto estarán orientados a recuperar y revitalizar el jardín tras las obras de rehabilitación de la fachada. Se replantarán especies, se removerá tierra y se volverá a dar forma al jardín.

Los talleres son abiertos a todos los públicos. Para participar acércate al Terrario de Intermediæ en Matadero Madrid, diez minutos antes de las 12.00 h., donde podrás inscribirte y recibir las herramientas necesarias para el taller. Plazas limitadas.

Impartidos por Juan Manuel Rubiales, botánico y entusiasta del paisajismo y la jardinería.


* PROYECCIONES EN EL TERRARIO / TAPÓLOGO
Gabriela y Sally Gutiérrez
Viernes 26 de marzo (2010), 19.30 horas
Un programa que presenta regularmente vídeos, documentales y películas relacionados con la programación. Planteado a través del formato de cine fórum el último viernes de cada mes, cada ciclo invita al diálogo y al debate con sus creadores.

— CICLO TRES MIRADAS AL DOCUMENTAL INDEPENDIENTE ESPAÑOL. Programa coordinado por DOCMA Asociación de Cine Documental.
TAPÓLOGO. Gabriela y Sally Gutiérrez
Viernes 26 de marzo, 19.30 horas

El debate después de la proyección contará con la presencia de las directoras del documental Gabriela y Sally Gutiérrez y de Andrea Guzmán de DOCMA.

En Freedom Park, un asentamiento de chabolas en Sudáfrica, una red de mujeres infectadas de VIH ponen en marcha Tapologo. Aprenden a ser enfermeras de su comunidad transformando la miseria y la degradación en resistencia y optimismo. El obispo Kevin Dowling las apoya y se cuestiona qué sentido tiene la doctrina moral sexual de la Iglesia Católica en esta situación.

Sally Gutiérrez es artista visual, desarrolló su carrera artística entre Berlín y Nueva York. Sus obras se han expuesto en museos, instituciones y galerías nacionales e internacionales, en programas de televisión como ARTE y Metrópolis TVE, y en festivales de vídeo y cine. Ha impartido clases en el New School University de Nueva York. Gabriela Gutiérrez ha trabajado durante doce años como productora y realizadora de televisión, y actualmente es codirectora de la productora Estación Central de Contenidos S.L., desde donde dirige y produce documentales, docu-series y reportajes tanto para cine como televisión. Ambas realizadoras comenzaron su trabajo conjunto con el cortometraje Manola coge el autobús.

Tapólogo. 2008 (España-Sudáfrica). Documental. Dirección Gabriela y Sally Gutiérrez. Duración 88'. Inglés con subtítulos en castellano.

> www.tapologofilm.com


* ESTACIÓN FUTURO / ESPACIO, TIEMPO Y EMOCIÓN

Vídeojuegos independientes
Hasta el 31 de mayo

Espacio, Tiempo y Emoción es una selección de seis videojuegos independientes para Estación Futuro que nos acerca a sentimientos como el amor, la pérdida, la satisfacción, la traición y el engaño, mostrando que el arte cinético del videojuego no es solo emoción adrenalina. Podrás jugar a Braid de Jonathan Blow, World of Goo de 2D Boy (Ron Carmel y Kyle Gabler), ROM CHECK FAIL de Jarrad Woods, Enviro-Bear 2010 de Justin Smith, The Graveyard de Tale of Tales (Michaël Samyn y Auriea Harvey) y Polaris de Robert Yang.
Comisariado por Javier Candeira.

> Blog Estación Futuro
> Javier Candeira pixeltopia.net


* PROCESOS DE ARCHIVO
Valeria Graziano y Manuela Zechner, Pablo Jarauta, Cía. Puctum, Sarah Vanagt y Neil Cummings.
Work in progress: Video, teatro documental, instalación

Procesos de archivo ensaya formas de abordar la construcción de un archivo en el contexto de una institución concebida a partir de las ideas de proceso y participación. Las propuestas artísticas que van formando parte del proyecto son archivos vivos que recogen y dan a conocer la memoria colectiva local, la memoria del propio lugar -de Matadero-, así como las experiencias que han dado cabida a distintos públicos en Intermediæ. Pasado, presente y futuro se combinan en las distintas propuestas que va acogiendo la plataforma Procesos de archivo.
> Blog Procesos de archivo

— FUTURE ARCHIVE. Manuela Zechner y Valeria Graziano (www.futurearchive.org)
Future Archive es un proyecto que aproxima a través de entrevistas a diferentes personas al reto de cómo plantear distintos futuros deseables. En la web se recogen conversaciones basadas en posibles tiempos y espacios por venir, propuestas en las cuales dos o más personas habitan a través del diálogo diferentes versiones del futuro. Este Archivo del Futuro se compone de entrevistas y conversaciones en las que se dialoga cuidadosamente para desarrollar un vocabulario y una sintaxis de formas potenciales de pensar y existir.

— CORTE ARGANZUELA. Cía Puctum (www.puctumteatro.com)
Instalación en la plataforma Procesos de archivo / Proyecto escénico de teatro documental
Corte Arganzuela de la Cía. Puctum es un proyecto que trabaja desde hace 2 años con un grupo de vecinos sobre sus vivencias autobiográficas, vinculadas a la historia y las transformaciones de los barrios que componen Arganzuela.

— MUSEUM FUTURES: DISTRIBUTED
Neil Cummings (www.neilcummings.com) en colaboración con Marysia Lewandowska
Museum Futures: Distributed es una grabación machinima de la entrevista del centenario con la ejecutiva del museo, Ayan Lindquist, en junio de 2058. Museum Futures: Distributed explora una posible genealogía para la práctica artística contemporánea y sus instituciones, a través de imaginar el papel de los artistas, los museos, las galerías, los mercados, las factorías y las academias.


Programación sujeta a cambios.

+ INFO:

INTERMEDIÆ, Matadero Madrid
Pº de la Chopera, 14. Entrada libre
www.intermediae.es
info@intermediae.es
prensa@intermediae.es

De martes a viernes y festivos 16.00 - 22.00 h.
Fines de semana: 11.00 - 22.00 h. Lunes cerrado

synesthésie

imagensynesthesie-u.jpg05.03 – 16.04 / 2010
Inauguración viernes 5 marzo a las 20.00h
Fernando Sinaga

Trayecto Galería (Vitoria–Gasteiz)
www.trayectogaleria.com

La naturaleza automática de la experiencia sinestésica en sus más variadas formas, nos ha permitido conocer mejor el complejo funcionamiento perceptivo del sistema que une las diferentes sensaciones de forma cruzada e involuntaria. Sabemos, por tanto, que la respuesta de nuestra mente a determinados estímulos puede multiplicarse repentinamente, si logran filtrarse las impresiones hacia esa zona donde el significado de los objetos, imágenes y palabras está conectado. La sinestesia diluye por consiguiente el modelo cognitivo basado en registros separados, ya que consigue precipitar las diferentes sensaciones en una confusa mezcla que amplía nuestra percepción del mundo. Una experiencia fugaz y aleatoria, desde donde podemos sentir con precisión cómo el tiempo y el espacio se comprimen bajo la acción de una intensa sobrecarga sensorial que facilita la visión del imaginario enterrado. Un saber indefinido y borroso, conformado en una enálage que retuerce la visión hacia un campo fosfénico donde todo lo indescifrable se magnetiza. Lo gliscromorfo se manifiesta aquí como una viscosidad en fuga, inductora de significados, a sabiendas que las adherencias ,que en consecuencia produce, pertenecen a un campo cromático flotante donde se ordenan y transfieren respuestas sobre el aparente sinsentido de lo sucedido.

Fernando Sinaga, 18 de Enero de 2010


Trayecto Galería
San Vicente de Paúl, 21
01001 Vitoria–Gasteiz
Tef. 00 34 945 205152
Fax. 00 34 945 205152
E-mail: trayecto@trayectogaleria.com

Horario:
martes- sabado
11.30-13.30 / 17.00-21.00


(RYB1 synesthésie, 2009)

Marzo 03, 2010

Programación OFF LIMITS marzo 2010

Zara-u.jpgNarrar la historia – hasta el 20 de marzo
Exposición “El instante de la memoria” – Hasta el 20 de marzo
Eleusis – 03 de marzo, 20 h
Migraciones escénicas – 23 de marzo, 20 h
Senidal – 24 al 27 de marzo
Muestra itinerante de cine Playtime – 30 de marzo, 20.30 h

www.offlimits.es









Narrar la historia
Hasta el 20 de marzo
Sábados 18 h
Domingos 12 h

En el marco del proyecto "El Instante de la memoria", una co-producción entre Off Limits y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, se realiza en el museo un ciclo de vídeo y conferencias comisariado por Virginia Villaplana.

El ciclo parte del interés de situar un lugar de reflexión en la representación de los procesos democráticos como eje del análisis crítico. Su origen se sitúa en el ámbito del documentalismo, la revisión del imaginario de la transición española y la producción cultural. El ciclo va acompañado de las conferencias de Francesc Torres, María Ruido y Pedro Ortuño.

Programa:
Museo Reina Sofía, auditorio 200

Sábado 6 de marzo, 18 h. Sesión 3: “Políticas de la memoria”. Coloquio con la autora, María Ruido.
Plan Rosebud 1: La escena del crimen, María Ruido, 114 min.

Domingo 7 de marzo, 12 h. “Produciendo cuerpos, construyendo memorias. Notas sobre el film Plan Rosebud: sobre imágenes, lugares y políticas de memoria (2006-2008)”, conferencia de María Ruido.

Sábado 13 de marzo, 18 h. Sesión 3: “Narrar los vacíos de la memoria”. Duración total 97 min.
Abanico Rojo, Pedro Ortuño, 1997, duración 60min. Coloquio con el autor.
Mortaja, Antonio Perumanes, 1995, duración 10 min.
Más Muertas Vivas que Nunca, 2002, dur. 06:30min. Marta de Gonzalo y Publio Pérez Prieto
La Tierra de la madre, José Antonio Hergueta y Marcelo Expósito, 1993-1994, duración 20:50 min.

Domingo 14 de marzo, 12 h. Recuerdos (in)visibilizados , conferencia de Pedro Ortuño, 18h

Sábado 20 de marzo, 18 h. Sesión 4: Narrativas del olvido.
Plan Rosebud 2: “Convocando a los fantasmas”. Duración 120 min.

Más info: www.museoreinasofia.es


El instante de la memoria
Del 27 de enero al 20 de marzo
L a V de 12 a 20 h
S de 12 a 14 h

Durante la posguerra española en el cementerio de Valencia fueron enterradas entre el 1 de abril de 1939 y el 31 de diciembre de 1945, miles de represaliados republicanos víctimas de ejecuciones extrajudiciales, torturas, palizas y malos tratos por parte del aparato represor de la autarquía franquista.

El instante de la memoria es un proyecto de la artista Virginia Villaplana que, en formato de exposición, ciclo de video, conferencias y publicación, pretende centrar la atención sobre la memoria histórico-visual de las fosas comunes surgidas durante la época de la represión franquista en el cementerio de Valencia. Un lugar de dolor y resistencia de la historia española, donde el proceso de exhumación de los cuerpos y su reconocimiento aún no se ha llevado a cabo, dejando en entredicho el pacto democrático sobre una memoria hoy tan debatida.

El instante de la memoria es un proyecto en colaboración entre Off Limits y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Más info: www.offlimits.es/maelstrom/2010/01/el_instante_de_la_memoria_1.html


Eleusis
Miércoles 3 de marzo, 20 h

Presentación de “Botánica sagrada. Enteógenos, llaves al mundo interno”, el nuevo libro del investigador José López Delgado.

“La meditación y las plantas maestras son dos vías para llegar al mismo punto”, cuenta José López Delgado, estudioso de los estados modificados de la conciencia. No sólo desde la etnobotánica, sino también desde la psicología transpersonal o el budismo tibetano. “Las plantas son el catalizador para conectar con el dios interior. Y llegar a Dios es llegar al ordenador central”.

José López Delgado investiga las propiedades de las plantas sagradas como poderosas herramientas de desarrollo del ser humano en todos sus niveles: físico, emocional, mental y espiritual. Actualmente imparte cursos y talleres en España, Grecia y Eslovaquia, sobre el uso, la historia, la mitología y los efectos de los enteógenos.

www.asociacioneleusis.es


Migraciones escénicas
Martes 23 de marzo, 20 h

El Grupo de investigación ARTEA, en colaboración con el Máster en Prácticas Escénicas y Cultura Visual de la Universidad de Alcalá, invitan a la presentación del proyecto Migraciones escénicas de Idoia Zabaleta e Isabel de Naverán.

El proyecto Migraciones escénicas tiene como objetivo explorar la potencialidad de los procesos de creación-investigación bajo el formato de Laboratorios y Estaciones.

Los Laboratorios de investigación-creación son Instancias de trabajo práctico con artistas e investigadores. Las Estaciones consisten en la presencia de creadores para reflexionar, junto con un investigador de ARTEA, sobre los procesos de investigación-creación.

Modera: Victoria Pérez Royo, investigadora de ARTEA.

Un proyecto de ARTEA en colaboración con investigadores y entidades de Brasil, Chile, Eslovenia y Turquía.


Senidal
25 y 26 de marzo, de 12 a 20 h
Inauguración 24 de marzo, 20 h

"El sueño de la razón produce monstruos": la razón sueña con el poder. Y su sueño puede culminar en pesadilla. Cuidado con lo que deseas, porque puede hacerse realidad.

Exposición del proyecto del colectivo Left Hand Rotation realizado en Ladines, pequeña población perteneciente al municipio de Sobrescobio (Asturias) que cuenta a día de hoy con 36 habitantes.

El pueblo está cambiando, está mutando. Los prados para el ganado están adornados con carteles de McDonalds. El lavadero tradicional está repleto de logotipos de detergentes. Una nueva red de metro invade los manantiales subterraneos. Inditex ha comprado varias cuadras y gallineros para abrir tiendas Zaras y Berskhas. Un nuevo espacio para el consumo ha sido conquistado.

Más información: www.lefthandrotation.blogspot.com


Muestra itinerante de cine Playtime
Martes 30 de marzo, 20.30 h

Programa Videodanzas 02 comisariado por Playtime Audiovisuales:

120 grados de Juanjo Fernández
Sinopsis: no miréis hacia atrás con ira, ni hacia adelante con miedo, sino alrededor con atención.

En cadena de Hammudi Al – Rahmoun
Sinopsis: Danza en una cadena de montaje en la que cada uno muestra sus diferentes habilidades hasta comenzar una intensa exploración de unión de los cuerpos.

Cinética de Ana Cembrero
Sinopsis: Cinética, es un instante de tiempo en la vida de cuatro personajes. Cuatro mujeres que podrían ser cuatro partes de una sola mujer, condicionadas por una voluntad, un temor o un deseo que determinan sus actos.

Casual de Aitor Echeverría
Sinopsis: en el despertar del barrio, la música de las acciones cotidianas nos acerca a personas que conviven y se desconocen. Vidas que une la casualidad o que separa la rutina.

Divadlo de Guillem Morales y Erre que erre
Sinopsis: Una mezcla de ternura y violencia, lirismo e ironía, romanticismo y un erotismo cercano a la obscenidad, que sumerge al espectador en el universo del fotógrafo checo Jan Saudek.

Con este programa, Playtime Audiovisuales, se propone dar a conocer a los nuevos autores nacionales que trabajan dentro de este campo.

Más información: www.playtimeaudiovisuales.com


Off Limits
Escuadra 11 bajo, 28012 Madrid
Metro: Lavapiés y Antón Martín
www.offlimits.es


ARTĚL. ARTE DE USO COTIDIANO 1908-1935

muvim12-u.jpgDel 4 de marzo al 2 de mayo de 2010
Comisaria, Jiri Fronek

Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat (MuVIM).
muvim@dival.es
www.muvim.es

Este año, el Museo de Artes Decorativas de Praga conmemora el centenario de la fundación de Artěl, una de las instituciones más importantes de cuantas se especializaron en las artes aplicadas y el diseño checos en la primera mitad del siglo XX. La exposición explorará los empeños creativos de la asociación, que se extendieron a lo largo de un cuarto de siglo, a través de un despliegue de productos y diseños portadores de la prestigiosa marca Artĕl expuestos en diversas secciones.

Artěl fue creada en 1908 en Praga por una generación emergente de artistas y teóricos de arte (J. Benda, V.H. Brunner, J. Konůpek, O Vondráček, P. Janák, H. Johnová, M. Teinitzerová, V.V. Štech y el empleado de banca A. Dyk). Al poco de su fundación, el número de miembros de Artěl se incrementó y los nombres de las figuras más destacables del panorama artístico checo acabaron inevitablemente vinculados a la asociación.
Se optó por la denominación «Artěl» (un préstamo del ruso, cuyo término «apтель» significa «cooperativa») por entenderse que expresaba el carácter que se pretendía para la asociación: una cooperativa dotada de responsabilidad mutua, apoyo financiero y reparto de beneficios. En un principio, los fundadores aspiraban a construir sus propias instalaciones para la producción, a la manera del Wiener Werkstätte. Sin embargo, la falta de fondos y de condiciones específicas empujaron a la cooperativa hacia el diseño y la promoción de productos así como a exponer las creaciones de sus asociados y a intermediar en sus ventas. Los diseños de los artistas eran fabricados por toda una serie de compañías externas bajo la marca Artěl.

Aunque en un primer momento, la cooperativa bebió de la tradición reformista y los valores artesanales, centrándose en el diseño y la fabricación de un «arte menor de uso cotidiano» –pequeños productos funcionales y decorativos hechos en madera, cerámica, metal y otros materiales–, con el paso de los años extendió sus actividades para abarcar diseños integrales de domicilios privados y espacios comerciales. Durante el breve periodo de preguerra de 1911-1914, una clara tendencia cubista-expresionista se apoderó de la producción de Artěl, plasmada en los diseños y los estudios teóricos de los arquitectos Pavel Janák y Vlastislav Hofman. Esos años presenciaron la creación de objetos cubistas únicos realizados principalmente en cerámica. Tras la fundación de un estado checoeslovaco independiente, la asociación se unió a la búsqueda general de un estilo nacional diferenciado, representado por el movimiento de arte decorativo de la década de los veinte del pasado siglo. Tras el final de la I Guerra Mundial, Artěl continuó mostrando su atracción por el legado de la experimentación cubista, con un dominio de los motivos geométricos y una tendencia hacia la economía de la forma. En 1927-1930, bajo la orientación de Jaroslava Vondráčková, la producción creativa de Artěl acusaría la influencia del funcionalismo.

En 1920, la cooperativa cambió su estatus por el de sociedad anónima, pasando a denominarse Artěl, Empresa de Artes Decorativas, Sociedad Anónima, Praga, respondiendo así a los acontecimientos de la posguerra en ese campo reflejando un esfuerzo por cambiar la producción artesanal característica del trabajo en estudio por la de una moderna empresa capaz de acometer grandes encargos (por ejemplo, el equipamiento, en 1922, de una treintena de habitaciones del Hotel Hviezdoslav, de propiedad estatal, ubicado en la localidad turística de Štrbské Pleso en los Montes Tatra, en Eslovaquia) recurriendo al apoyo de la producción industrial. Artĕl participó también con éxito en exposiciones celebradas en Monza en 1923 y en París en 1925, y la prensa de la época publicó obras y tratados de sus miembros. A mediados de la década de los años veinte, la sociedad anónima comenzó a sufrir problemas financieros y en 1935, acuciada por la crisis económica, Artěl cerró sus puertas.

A lo largo de su existencia, Artěl dio lugar al surgimiento de toda una serie de creencias y estilos, pero todos ellos perseguían, invariablemente, un interés común: introducir una visión estética moderna en el ámbito de las artes aplicadas y contribuir a la evolución de los interiores domésticos y los estilos de vida. Gracias a ello, Artěl ocupa la posición que merece en el seno del arte moderno y el diseño europeos, junto a los ejemplos artísticamente inspiradores del Wiener Werkstätte austriaco o la Bauhaus alemana.


Otras exposiciones en el MuVIM:

Imágenes al margen (4 marzo al 2 de mayo).
José Luis Jover. Collages (4 marzo al 2 de mayo).
Fragmentos de un año. Imágenes 2009 (4 marzo al 2 de mayo).
La Aventura del Pensamiento (todo el año).

REAPERTURA DE LA FUNDACIÓ ANTONI TÀPIES

Imatge_W3art-u.jpgFundació Antoni Tàpies, Barcelona
Aragó, 255
08007, Barcelona
Telf.: 934 870 315
Fax: 934 870 009
museu@ftapies.com
www.fundaciotapies.org

Proceso de reforma de la Fundació Antoni Tàpies

Después de haber estado dos años cerrada al público por una reforma arquitectónica, la sede de la Fundació Antoni Tàpies reabre hoy sus puertas.

Hoy a las 12.00 h tendrá lugar un acto inaugural oficial que contará con la presencia del M. Hble. Sr. President de la Generalitat de Catalunya, el Excm. Sr. Alcalde de Barcelona, el Hble. Sr. Conseller de Cultura i Mitjans de Comunicació de la Generalitat de Catalunya y el Sr. Delegat de Cultura del Ajuntament de Barcelona; de Miquel Tàpies y Laurence Rassel, del equipo directivo de la Fundació; y del arquitecto Iñaki Ábalos, del estudio Ábalos+Sentkiewicz Arquitectos, autor de la reforma.

El día 4 de marzo a las 19.00 h tendrá lugar la celebración de la reapertura de la Fundació para los profesionales del sector. Los días 5, 6 y 7 de marzo serán jornadas de puertas abiertas en las que se realizarán visitas comentadas y actividades especiales.

La Fundació Antoni Tàpies cerró sus puertas al público en enero de 2008 para llevar a cabo una reforma arquitectónica de su sede. Esta reforma, a cargo del estudio de arquitectura Ábalos+Sentkiewicz, ha adaptado el edificio de la fundación a las nuevas normativas de seguridad y evacuación, y la ha adecuado a las necesidades de las personas con movilidad reducida. También se ha efectuado una remodelación de los espacios expositivos orientada a recuperar su carácter industrial original, y se ha hecho una reforma de la entrada del museo que ha contribuido a mejorar los espacios de recepción y librería. La reforma también ha implicado la recuperación de la segunda planta del museo (donde estaban las oficinas) para uso público, con el fin de disponer de nuevos espacios que posibiliten mejorar la oferta de actividades y servicios museísticos (actividades pedagógicas, espacio de archivo y documentación, sala multiuso, etc.) así como iniciar nuevas líneas de programación.

Durante los dos primeros meses de reapertura de la Fundació se podrá consultar la documentación sobre el último proceso de reforma arquitectónica del museo, su transformación en un centro de trabajo, producción y exposición de arte en el que todos los espacios, programas y procesos se vinculan y entrelazan. Complementariamente a este espacio de consulta, la Fundació ofrecerá visitas comentadas sobre la reforma del edificio.


Antoni Tàpies. Los lugares del arte

La Fundació Antoni Tàpies reabre sus puertas con la exposición Antoni Tàpies. Los lugares del arte, que incluirá obras del artista realizadas en los últimos veinte años anys (coincidiendo con las dos décadas desde la inauguració de la Fundació), con algunos contrapuntos de obras anteriores (en concreto de mediados de la década de 1940) que son su germen. La exposición también incluye una selección de obras de la colección privada del artista, un fragmento de lo que él denominó su “manifesto” y su “museo” [Antoni Tàpies, El arte y sus lugares, Madrid: Siruela, 1999]. Esta selección comprende obras que abarcan desde el arte egipcio antiguo hasta el arte moderno occidental, desde objetos rituales hasta libros científicos, y que no sólo constituyen el hábitat del artista sino que están vinculadas a su modo de concebir el arte, y suponen una interrogación heterodoxa sobre su origen, historia y significado. La selección reúne piezas poco o nunca vistas en una sala de exposición.


Actividades en el marco de la exposición

En el marco de la exposición Antoni Tàpies. Los lugares del arte, la Fundació ofrece diversas actividades que ayuden a descubrir o redescubrir algunas de las formas creativas que han acompañado la evolución estética y ética de Antoni Tàpies, desde el cine o la música hasta la escritura. En este caso, aparte de las visitas guiadas, se trata de las películas de Georges Méliès (1861-1938), uno de los muchos cineastas cuya obra forma parte de la filmoteca de Antoni Tàpies; el concierto String Quartet No. 2 (Cuarteto para cuerda n.º2), obra de seis horas del músico Morton Feldman (1926-1987); la presentación del primer volumen de la obra escrita de Tàpies, Memoria personal. Fragmento para una autobiografía (Obra escrita completa. Volumen I), que se edita en catalán, castellano e inglés; y una conversación entre Uwe Fleckner y Juan José Lahuerta (“Primigenia y contemporánea. La colección del artista”) que servirá para analizar la faceta de coleccionista de Antoni Tàpies.


Material gráfico para prensa

En el apartado de prensa de la página web de la Fundació Antoni Tàpies (www.fundaciotapies.org) encontraréis material gráfico y fotografías relacionadas con la reapertura de la Fundació que podéis descargar y utilizar con fines periodísticos. Enlace directo al material gráfico y las fotografías relacionadas con la reapertura:

http://www.fundaciotapies.org/site/spip.php?article6327&var_mode=calcul


Departamento de prensa: Alexandra Laudo
Tel.: 934 870 315 / Fax: 934 870 009
press@ftapies.com / www.fundaciotapies.org


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(Imagen de la campaña de reapertura de la Fundació Antoni Tàpies. Diseño de Nieves y Mario Berenguer. © Fundació Antoni Tàpies, Barcelona, 2010)


Marzo 02, 2010

ABIERTO EL PLAZO DE INSCRIPCIÓN PARA EL SEMINARIO ESTÉTICAS DEL PUNK PROGRAMADO POR MUSAC EL 27 DE MARZO EN RELACIÓN A LA EXPOSICIÓN LOUD FLASH. PUNK BRITÁNICO SOBRE PAPEL

ESTETICASDELPUNK(7)2-u.jpgUn proyecto en relación a: Loud Flash. Punk Británico sobre papel. Proyecto Vitrinas
Fecha y lugar: 27 de marzo, Salón de actos MUSAC. Las sesiones de dj tendrán lugar en el hall del museo
Dirigido por: Agustín Pérez Rubio
Coordinado por: Antonio González, Carlos Ordás
Dirigido a: personas interesadas en el punk en sus diversas manifestaciones: historia del movimiento musical, posicionamiento político, estética, posicionamiento ético, su influencia en el arte contemporáneo, la cuestión de género en el punk
Aforo: 100 plazas
Inscripción obligatoria para la asistencia a través de www.musac.es
Plazo de presentación: 19 de marzo
Precio: gratuito

La exposición LOUD FLASH. Punk británico sobre papel. The Mott Collection generada para el Proyecto Vitrinas, que concluye el 28 de marzo, es una puerta abierta para la reflexión acerca de la influencia que el movimiento punk británico de finales de los setenta y principios de los ochenta ha ejercido en las décadas posteriores a ambos lados del atlántico a través de diversas perspectivas: desde posicionamientos políticos a modelos éticos y sociales, así como el influjo y la evolución de una estética que ha traspasado la música, para afincarse en otros terrenos creativos como las artes visuales, escénicas y plásticas, la literatura, etc.

Con el objetivo de incidir en estas líneas conceptuales, la muestra se complementa con un seminario teórico, que se celebrará el sábado 27 de marzo bajo el título ESTÉTICAS DEL PUNK. Durante la jornada, se pondrán de manifiesto aspectos que evidenciarán la estrecha relación entre el movimiento punk y el movimiento feminista, la perdurabilidad de la ideología punk como fenómeno social que traspasa un estilo musical durante una época concreta, para generar a través de su filosofía, significativas aportaciones en la cultura contemporánea, desde el arte actual, a la moda o el diseño gráfico. En el plano musical, se recorrerá la historia del punk español desde finales de los setenta hasta la actualidad a través de los grupos musicales más representativos de cada década, detectando no sólo las identificaciones estilísticas, sino también las estrategias agenciadas por músicos contemporáneos en su modo de producir música.

MUSAC continúa de este modo una línea de actuación que gira en torno a la programación de conferencias, jornadas y seminarios en relación a las exposiciones con el objetivo de generar sentido crítico desde el lugar y el tiempo que nos representa. Así, durante 2010 se organizarán encuentros que pretenden ser referenciales dentro de los campos de la creación y la gestión cultural a los que se dirigirán. Los días 16 y 17 de abril se celebrarán las III Jornadas de Estudio sobre el Arte Contemporáneo en Castilla y León. Y el 18, 19 y 20 de junio tendrán lugar las Jornadas de Educación y Arte Contemporáneo. Producción cultural crítica organizadas conjuntamente por MUSAC con la Casa Encendida de Madrid.


> PROGRAMA DEL SEMINARIO:

10.00 h. Presentación:
Agustín Pérez Rubio, Director MUSAC

10.45 h. conferencia:
Vivien Goldman, Profesora de Punk de la Universidad de Nueva York
FAIRYTALE IN THE SUPERMARKET: HOW PUNK FREED FEMALES / Cuento de hadas en el supermercado: Cómo el Punk liberó a las Mujeres

12.00 h. Pausa

12.30 h. conferencia:
Jesús Ordovás, Crítico musical
EL PUNK EN ESPAÑA. DE KAKA DELUXE A LOS PLANETAS

16.30 h. conferencia:
Diego Manrique, Crítico musical
PIM PAM PUNK!

17.45 h. Pausa

18.00 h. Mesa redonda:
LA INFLUENCIA DEL PUNK COMO POSICIONAMIENTO POLÍTICO EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO
Moderada por Agustín Pérez Rubio, Director MUSAC
Xabier Arakistain, Director Centro Cultural Montehermoso Kulturunea y Comisario de exposiciones.
Manel Clot, Comisario de exposiciones y crítico de arte.
Asier Mendizábal, artista.
Azucena Vieites, artista

23.00 h. Sesiones Djs:
Arakis, Vitoria Gasteiz
Pam Hogg, Reino Unido


> DESARROLLO DEL PROGRAMA

CONFERENCIAS

> > > FAIRYTALE IN THE SUPERMARKET: HOW PUNK FREED FEMALES/ CUENTO DE HADAS EN EL SUPERMERCADO: CÓMO EL PUNK LIBERÓ A LAS MUJERES.
Vivien Goldman, Profesora de Punk en la Universidad de Nueva York, USA

Vivien Goldman: En esta especial conferencia multimedia que adopta el título de una canción de Raincoasts, dibujaré mi propia experiencia como una periodista de rock pionera en los setenta y ochenta en Londres para contar una de las mejores historias inexploradas de la cultura contemporánea. El anárquico nacimiento del movimiento punk empoderó a las mujeres a coger los instrumentos y empezar a crear su propia música rebelde. Artistas pioneras como las Slits y las Raincoats, Poly Styrene o X-Ray Spex fueron verdaderamente una nueva generación como mujeres que casi nunca habían creado sus propias bandas, y lo hicieron sin seguir los estándares dominantes masculinos de la industria pop/rock. Aunque esos grupos encontraron unos seguidores en la creciente escena punk underground, su estilo y música no convencional a menudo llevó a ser objeto de burla y menosprecio por parte de la industria.

Vivien Goldman es profesora de Punk, escritora, comunicadora audiovisual, educadora y música. Londinense, Goldman ha vivido también en París y actualmente reside en Nueva York. Es profesora adjunta de Punk y Reggae en la NYU Tisch School's Clive Davis en el Departamento de Recorded Music. Goldman ha publicado The Book of Exodus: the Making and Meaning of Bob Marley and the Wailers' Album of the Century. Entre sus primeros libros se incluyen la primera Biografía de Bob Marley:; Soul Rebel, Natural Mystic; Indiscreet: Kid Creole and the Coconuts y The Black Chord: Visions of the Groove, con el fotógrafo David Corio (Rizzoli), que recorre cronológicamente los movimientos musicales por la diáspora africana. Recientemente ha impartido una conferencia multimedia sobre su publicación The Black Chord para las Chicks on Speed en el Kampnagel Theatre de Hamburgo. Ha moderado la mesa redonda Women Photographers para la exposición Who Shot Rock & Roll en el Museo de Brooklyn.

Como periodista ha publicado en destacados medios como the New York Times UK New Statesman y Observer. Actualmente, Goldman dirige el programa de cultura americana para la BBC Radio 5's Up All Night. Para celebrar el 50 aniversario de la mítica discográfica Island Records en 2009, Goldman fue nombrada directora y guionista del podcast Keep On Running para la web del Guardian UK y colaboró en el libro del mismo nombre. Ha entrevistado a dos leyendas del jazz: Ornette Coleman para su futuro documental autobiográfico y a Kid Creole and My Coconuts, una película de Mama Coconut y Adriana Kaegi. Para la columna Goldman’s Punk Professor en la BBCAmerica.com ha entrevistado a artistas como Billy Bragg, Crbon/ Silicon (ex – Clash.). Para el doscientos aniversario de la abolición de la esclavitud co-dirigió y guionizó el documental, narrado por Neneh Cherry The Black Chord, basado en su libro. Para la VH1, escribió ‘The 70s’ y ‘100 Greatest Musicians of Rock.

Como cantautora y letrista, Goldman ha sacado canciones con Ryuchi Sakamoto, Massive Attack, Coldcut, Adriana Kaegi’s TAG y Jill Cunniff de Luscious Jackson. Es la letrista de Grasshopper, cuya ‘Messages of Hope’ fue seleccionada para el recopilatorio Street Beatz. Tiene dos temas en el recopilatorio Girl Monster de las Chicks on Speed y otras incluyendo ‘Wild Dub’, ‘Anti NY’ y ‘Disco Not Disco’. Goldman estuvo en New Wave combo, The Flying Lizards y en la producción New Age Steppers de Adrian Sherwood’s . Su single, ‘Launderette/Private Armies’ fue co-producido con John Lydon de Sex Pistols y recientemente reinterpretado por el rapero MadLib-Filthy.


> > > EL PUNK EN ESPAÑA. DE KAKA DELUXE A LOS PLANETAS.
Jesús Ordovás, Crítico Musical

Jesús Ordovás: Mi conferencia sobre EL PUNK EN ESPAÑA tendrá como protagonistas a los grupos que se han declarado Punks en nuestro país a partir de la aparición de Ramones y los Sex Pistols en el panorama internacional. En los 70 los primeros punks fueron Ramoncín, La Banda Trapera del Río y Kaka de Luxe. En los 80 se declararon Punks cientos de grupos, entre los que destacaron Siniestro Total, El Aviador Dro,La Polla Records, Eskorbuto, Las Vulpes o LA UVI. En los 90 la actitud punk la adoptan los indies con el noise pop y grupos como Penélope Trip, Manta Ray, Medication, Bach is Dead, Killers Barbies, Patrullero Mancuso o Los Planetas, que funcionan como punks organizando sus propios circuitos: sellos independientes, festivales ,etc.
En la primera década del siglo 21 el Punk internacional sigue las pautas de grupos como Sonic Youth,Pulp o Radiohead.Y nombres como Astrid, Sr. Chinarro, Triángulo de Amor Bizarro, Hello Cuca o Los Planetas funcionan en esas coordenadas,una vez que el punk ha sido absorbido por el sistema como marca, aunque no como actitud.

Jesús Ordovás ha desarrollado su trayectoria profesional vinculado a la historia musical de las últimas décadas: bien desde su etapa en la radio dirigiendo Diario Pop de RNE3, bien fraguando programas y documentales de lTVE como guionista, director y presentador _IPOP de TVE2 entre 2006-2007, la serie “POP ESPAÑOL” (La Aventura del Saber). O el capítulo “Baleares Rock” de la serie documental “Tras los pasos de...”. O a través de sus artículos y críticas en numerosos medios de prensa escrita.
Autor de publicaciones como La Historia de la Música Pop Española (Alianza Editorial) y Coautor de la Enciclopedia de la Historia del Rock de EL PAIS; Co-autor de Spain Today:In search of Modernity.Society and Culture(Cátedra) Coautor del diccionario Iberoamericano de Música, Coordinador y coautor de “La Movida del Pop Español”. Fascículos y CD’s .Salvat Editores. “Apocalipsis con grelos” Ed. Antonio de Miguel. Así como autor de varias biografías de músicos y ensayos sobre la juventud y la cultura: Bob Dylan, Jimi Hendrix, Bob Marley, El Rock Acido de California,(Ed. Júcar). Ha comisariado e itinerado la Exposición Interactiva Multimedia del Diario Pop en colaboración con el Museo Interactivo de la Música de Málaga a lo largo y ancho de la península y organizado la Primera Muestra de Videoclips Españoles (1977-2007). Imparte cursos, conferencias y es jurado de numerosos encuentros y concursos.


> > > PIM PAM PUNK!
Diego Manrique, Director Adjunto de RNE3

Diego Manrique: En su momento de máxima presencia mediática (1977), el punk rock pudo confundirse con otra moda más, salida de esa fabulosa fábrica de tendencias que es Londres. Sin embargo, sus seguidores y algunos de sus practicantes supieron dotarlo de un airado contenido ideológico; así, se garantizó su impacto en expresiones extramusicales y su influencia social, aún después de haber desaparecido de las listas de ventas. Al cruzar fronteras, también dio lugar a mutaciones autóctonas que transformaron la propuesta original.

Diego Manrique estudió derecho. Se estrena como periodista cultural en el semanario “Triunfo” y se profesionaliza en 1975. Desde 1992, dirige “El Ambigú”, en Radio 3, que ganó el premio al mejor programa de radio, en la edición 2000 de los Premios de la Música, aparte del Ondas de 2001.Ha dirigido programas de televisión: “Popgrama”, “Caja de ritmos”, “Pop qué”, “¡Qué noche la de aquél año!”, “FM-2”. Colaboraciones en espacios de Antena 3, Canal Plus, Tele 5, TVG
Director de la “Historia del rock” (El País) y fundador de la revista “Efe Eme”. Manrique es autor de libros históricos sobre el rock and roll y el punk. Director de cursos en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo. Traductor de Nik Cohn, Gregory Corso y Bob Dylan.
Experto en reediciones discográficas. Ha ayudado a confeccionar bandas sonoras para diversas películas. Aparte de las labores radiofónicas como Director Adjunto de Rne3, sigue ejerciendo de freelancer y escribe regularmente en “El País” y en revistas diversas.


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Mesa redonda: La influencia del Punk como posicionamiento político en el Arte Contemporáneo

> > > Xabier Arakistain

Su aportación en la mesa redonda _sinopsis_: El punk fue un movimiento cultural que se desarrolló a ambos lados del Atlántico a partir de la segunda mitad de los años 70 y que tuvo su particular desarrollo en España. Un movimiento que emergió centrado en la música, entendida como un sistema de expresión subversivo, inseparable de la moda y apoyado por el diseño gráfico. Si bien, el punk es un movimiento eminentemente musical, éste surge y se desarrollo en estrecha relación con el campo del arte. Una relación que engloba diferentes estructuras y corrientes artísticas.

Xabier Arakistain es director del Centro Cultural Montehermoso Kulturunea, pionero en el desarrollo y la aplicación de políticas de igualdad entre los sexos en los ámbitos del arte y la cultura. En Montehermoso ha comisariado junto a Maura Reilly la exposición La Mirada Iracunda y junto a Emma Dexter la muestra Living Together. Estrategias para la convivencia. Previamente, Arakistain fue comisario de arte independiente desde que en 1999 inaugurara Trans Sexual Express, exposición en la que incorporaba la cuota de sexos como criterio curatorial. De 2001 a 2003 fue responsable de la programación paritaria de la Sala de Exposiciones de la Fundación BilbaoArte Fundazioa, y de 2003 a 2006 dirigió las mesas de debate sobre arte y feminismo en los Foros de expertos en arte contemporáneo de la feria ARCO. En 2005 impulsó el Manifiesto Arco 2005, que demandaba a las administraciones públicas medidas prácticas para implementar la igualdad entre los sexos en el campo del arte. Xabier Arakistain ha sido también comisario de varias retrospectivas dedicadas al artista británico Leigh Bowery o al colectivo estadounidense Guerrilla Girls y de las exposiciones Para todos los públicos, Kiss Kiss Bang Bang, 45 años de arte y feminismo y Switch on the Power. Ruido y políticas musicales.


> > > Manel Clot

Manel Clot es Crítico de Arte y Comisario de exposiciones. Ha escrito textos críticos en catálogos y publicaciones como Artecontexto, Atlántica, Lápiz, la revista de Occidente, Zehar o Artszin. Entre sus exposiciones destacan monográficas de Carles Congost The Congosound, La Capella- Barcelona, ó Pep Durán Sin escenario, (MADC)- Costa Rica, 1995, y muestras colectivas como Dies Irae, 1997, Museu de Granollers Barcelona, Sala Municipal de San Benito – Valladolid y El Roser, Lleida,1997 o inter/zona" (Artes visuales y creación contemporénea en Barcelona), en el Palau de la Virreina-Barcelona, 2000. Ha participado en numerosos seminarios, jornadas y conferencias como: Absorción y resistencia: Retóricas identitarias y marcos de visibilidad: Tercer seminario del ciclo “El arte después de los feminismos” organizado por PEI-MACBA, 2009, ha coordinado la diplomatura de posgrado Teoría y Crítica del Arte Contemporáneo en la Eina Escola de Disseny i Art (2000-2001).


> > > Asier Mendizabal

Su aportación en la mesa redonda _sinopsis_: Detrás de la ética del punk resumida en el "háztelo tú" se ha querido ver una democratización radical del acceso a las herramientas de expresión como programa político. La mención expresa de este ciclo a las estéticas del punk nos invita a buscar en las formas específicas de aquel contexto un contenido más allá de esa idea convencional: es la propia idea de acción evocada por la inmediatez la que, performativamente, configura un espacio de excepción.

Asier Mendizábal (Ordizia, 1973) es artista radicado en Bilbao. Su práctica, vinculada en lo fundamental al programa de la escultura, se resuelve en diversos medios y procedimientos, incluyendo, de manera habitual, la escritura. La materialidad de los signos y los lenguajes que crean representaciones y formas de lo colectivo le sirve para intentar una lectura de fenómenos como la identidad o los vínculos ideológicos que eluda interpretaciones convencionales. Los múltiples cruces entre los códigos específicos de la modernidad y algunas de sus actualizaciones en clave de cultura popular, en la política, la música o el cine, configuran las referencias más recurrentes en su trabajo.

Ha expuesto individualmente en Artis den-Bosch, con la plataforma de producción DAE, San Sebastián; en el MACBA, Barcelona y en Culturgest, Lisboa. Ha participado en exposiciones colectivas como, Chacun a son Gôut, en el Museo Guggenheim, Bilbao, Després de la notícia en Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, Flüchtige zeiten en Westfälischer Kunstverein de Münster, Insiders en CAPC de Burdeos, Manifesta 5 o la bienal de Taipei.


> > > Azucena Vieites

Su aportación en la mesa redonda _sinopsis_: El zine o femzine, fanzine feminista, se establece como una referencia fundamental a la hora de desarrollar mi trabajo siguiendo una genealogía propia de este medio de expresión. Dichas publicaciones se realizan con medios modestos y accesibles en el contexto de la cultura DIY (Do It Yourself) del punk y posibilitan documentar y producir la propia representación.

Azucena Vieites (Hernani, Gipuzkoa, 1967) es artista. Vive y trabaja en Madrid. Ha participado en proyectos como Välparaíso: inTERvenciones (2010) y formado parte de exposiciones colectivas en museos como MNCARS de Madrid o Sprengel Museum de Hannover, Alemania. Entre sus últimas exposiciones individuales destacar: Collages, galería Fúcares, Madrid (2009). Dibujos del Natural, galería MasArt, Barcelona (2007). Check Out Wat I’ve Got, The Remix. Kunsthaus. Wiesbadem, Alemania (2006). Oye lo que traigo, Sala Rekalde, Bilbao (2005). Ha colaborado con sus dibujos en publicaciones como New Feminism (Löcker, Viena, 2007) y en proyectos como Dig Me Out. Discourses of Popular Music, Gender and Ethnicity (www.digmeout.org). Ha realizado el cartel para las Jornadas Feministas Estatales de Granada y participado en la mesa redonda central Nuevas representaciones. Nuevos contextos (2009). Cofundadora en 1994 de Erreakzioa-Reacción, un espacio para la realización de proyectos entre el arte y los feminismos: fanzines, talleres, exposiciones o vídeos.


> > > Pam Hogg

Antes del gris fue el nuevo marrón; antes de Kate Moss, el grunge y la elegante heroína. Durante un tiempo, el mundo de la moda siguió las pautas marcadas por Pam Hogg. En aquel entonces, cuando Gran Bretaña aún no era considerada cool y las futuras estrellas de la moda como John Galliano, Alexander McQueen y Stella McCartney aún estaban aprendiendo a cortar patrones, Hogg era una de las pocas diseñadoras británicas cuyas colecciones aparecían en las ediciones internacionales de Vogue.

Pero Pam Hogg fue mucho más que una diseñadora de moda. Fue una de las catalizadoras de la escena alternativa londinense. Se trasladó a Londres a finales de los setenta, cuando el punk estaba en su momento álgido. Estrellas del pop como Billy Mackenzie, Debbie Harry y Siouxsie Sioux se encontraban entre sus mejores amigos.

Para sus discípulos, Pam es un icono, la útlima superviviente de la generación de Leigh Bowery, el Body Map y los diseñadores de la cultura de club de los ochenta, que frecuentaban el Blitz con Boy George y David Bowie.

Pam Hogg no es sólo una de las más creativas e innovadoras diseñadoras de moda del Reino Unido, sino también una de las menos ortodoxas. Hogg es considerada como una de las más originales, inventivas y creativas diseñadoras de Inglaterra, y ha alcanzado la categoría de figura de culto”.


MUSAC, MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE CASTILLA Y LEÓN
Dpto de Comunicación y Prensa
Avda. de los Reyes Leoneses, 24
24008 León - España
T. +34 987 09 00 00
F. +34 987 09 11 11
www.musac.es
prensa@musac.es

Marzo 01, 2010

CaixaForum (Barcelona)

caixaforum_imagen-u.jpgAv. Marqués de Comillas, 6-8
08038 Barcelona
Actividades de la Obra Social “la Caixa”
Entrada gratuita.
Abierto todos los días Información 902 22 30 40
http://www.laCaixa.es/ObraSocial



Exposición
Objetos desclasificados
Colección de Arte Contemporáneo Fundación “la Caixa”

Del 12 de marzo a mediados de agosto

Los objetos que forman parte de nuestra cotidianidad han determinado las creaciones de muchos artistas.
Los antecedentes se remontan al surrealismo y, durante las décadas de 1960 y 1970, a Fluxus y el arte conceptual. Actualmente, el objeto de consumo forma parte de nuestra experiencia en arte. Muchos artistas han actualizado el readymade, desplazando el significado y la naturaleza original de objetos de todo tipo. Su interés se centra en los procesos de exploración, sistematización y coleccionismo. En sus obras, los objetos adquieren un aura nueva, contemporánea, que no es la del objeto único y original, sino la de su reconocimiento como arte.
La exposición reúne una selección de obras de artistas com Sherrie Levine, Allan McCollum, Katharina Fritsch, CarlosPazos, Ana Laura Aláez, Sophie Calle. También se incluyen las obras de reciente incorporación, como las de Hans-Peter Feldman y Annette Messager.


Actividad en torno a la exposición Objectos desclasificados
Jueves 11 de marzo l 19.00 h
Conferencia inaugural

Actividad gratuita


Narrar en la era de la imagen

En la era de la imagen, la pasión por lo visual se ha ampliado en una multitud de aristas que no habían sido tratadas por la literatura de otros tiempos.

Coordinador Iván de la Nuez, ensayista y crítico literario

Martes 2 de marzo l 19.30 h
El vídeo se nutre de las novelas

Sesión de VJ a cargo del especialista y artista multimedia Andrés Hispano: los mejores videoartistas y sus relaciones con la literatura.
Andrés Hispano, crítico cinematográfico y artista multimedia


Precio por sesión: 3,00 €
Plazas limitadas


Música electrónica vinculada al ciclo Cine electrónico
Sábado 20 de marzo I 21.00 h
Concierto
Emily Richardson y Benedict Drew

Emily Richardson
Memento Mori, 23’ (vídeo)
Drew Benedict
Soundtrack, 20’ (música en directo)
Emily Richardson y Benedict Drew
Cobra Mist, 20’ (concierto audiovisual en directo)
Tres distintos registros del entorno, entendido como sonido e imagen, en una noche dedicada a la artista visual inglesa Emily Richardson.
Memento Mori es un viaje por la zona olímpica de Londres, un cuento sobre la desaparición de un mundo bajo los escombros de la nueva ciudad deportiva. La narración que acompaña la película es del escritor inglés Iain Sinclair.
El artista Benedict Drew es el responsable de la mayoría de las bandas sonoras de las películas de Richardson, en las que trabaja con grabaciones sonoras hechas en el lugar del rodaje.
En Soundtrack presentará estos trabajos sonoros en formato de concierto.
Cobra Mist es una pieza sobre un antiguo centro nuclear en Inglaterra. El impresionante paisaje contrasta con los extraños edificos militares que han quedado abandonados en medio de la naturaleza. La obra juega con el misterioso ambiente del lugar a partir de los sonidos e imágenes registrados in situ.


Precio por concierto: 4,00 €
Plazas limitadas


Canal Mediateca
Cine electrónico
Un espacio para disfrutar de la creación audiovisual contemporánea

Horario De lunes a sábado, de 10.00 a 20.00 h

Este programa presenta a una nueva generación de artistas que trabajan de manera conjunta con técnicas digitales e imagen filmada para crear cortos de sorprendente frescura en los que destaca también la música de sus originales bandas sonoras.

Semiconductor Films

Los paisajes filmados por Semiconductor están manipulados por sonidos electrónicos que crean imágenes rítmicas en las que la tierra tiembla y los edificios se disuelven en miles de puntos de luz. Su dominio de las tecnologías de la imagen y de la música permite unir ambos medios en impresionantes cortometrajes.
All The Time In The World (2005, 5’)
Sound of Microclimates (2004, 10’)
Acousticity (2006, 3’)
200 Nanowebbers (2005, 3’)
Brilliant Noise (2006, 6’)
People Like Us
People Like Us (Vicky Bennett) es una obra maestra del reciclaje de imágenes de archivo. Sus obras combinan antiguas películas educativas e institucionales en sorprendentes mezclas y superposiciones acompañadas por sus igualmente originales montajes sonoros.
Story Without End (2005, 6’)
The Remote Controller (2003, 9’)
We Edit Life (2002, 11’)
Emily Richardson
El ambiente y el contexto de distintos lugares se perciben de una manera muy aguda en el cine de Emily Richardson. Para Aspect la artista pasó un año filmando el paso de las estaciones en un bosque de Inglaterra. Con este material trabajó junto al compositor Benedict Drew para crear un detallado retrato digital lleno de sutiles colores y sonidos. Sus cortos documentan espacios públicos, naturaleza y arquitecturas para la cultura electrónica.
Redshift (2001, 4’)
Nocturne (2002, 5’)
Aspect, (2004, 9’)
Block (2005, 11’)
Cobra Mist (2008, 7’)
Thomas Köner
El músico Thomas Köner empezó creando vídeos con imágenes de webcams descargadas de internet. Su fascinación por el paso del tiempo, reflejado a través de una cámara fija, se complementa a la perfección con sus conocidas bandas sonoras de música ambiental.
Suburbs of the Void (2004, 14’)
Peripheriques: Harar (2005, 3’)
Nuuk (2004, 6’)
Peripheriques: Buenos Aires (2005, 5’)

Comissari: Andrew Davies


Actividad gratuita


i-TUBE CXF
PROYECCIONES

Proyecciones de trabajos artísticos audiovisuales seleccionados de varios colectivos del ámbito académico y de la creación independiente.
Para la presentación de propuestas, puedes informarte en los teléfonos 93 476 86 61 y 93 476 86 44


Actividad gratuita


Nuevas formas artísticas en la Mediateca [espacio de Media Art]

La Mediateca [espacio de Media Art] es un centro especializado en el arte de los nuevos medios tecnológicos, donde podréis conocer manifestaciones artísticas de videoarte, cine, documental de creación, fotografía, música, etc. Presentamos los fondos y los servicios y, además, os proponemos conocer la obra de Antoni Muntadas, una figura clave del media art y premio Velázquez de Artes distintos visionados.


Actividad gratuita


CaixaForum Barcelona
Avenida Marquès de Comillas, 6-8
08038 Barcelona

Horario:
De lunes a domingo, de 10 a 20 h
Sábados, de 10 a 22 h

Entrada gratuita
Servicio de Información
Obra Social Fundación ”la Caixa”
Tel: 902 22 30 40
De lunes a domingo, de 9 a 20 h
www.laCaixa.es/obrasocial


(Katharina Fritsch, (Alemania, 1956). Soporte con vírgenes, 1987-1989. Aluminio y yeso. 270 x 82 x 82 cm)

Exposición “FRACASSO”. ALI HANOON Y JORGE CANO

foto-uu.jpg3 marzo - 3 abril 2010
Sala de Arte Joven
Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid

Inauguración: 2 de marzo a las 20:00 horas
Entrada gratuita
www.madrid.org

Fotografías y pinturas son las propuestas artísticas que Alí Hanoon y Jorge Cano nos presentan en la exposición “Fracasso”, compartiendo una carencia que, lejos de ser un defecto, es una de sus virtudes más visibles, el silencio.

Dos series fotográficas y una serie de polaroids centradas en la reflexión del individuo contemporáneo y del viaje como método de conocimiento es la propuesta que nos presenta Ali Hanoon. Por otra parte Jorge Cano divide su exposición en dos espacios, en uno coloca sus cuadros de formato medio y grande y en el otro collages a modo de laboratorio. Todas sus pinturas tienen una fuerte vinculación con la ciudad donde vive y trabaja de cuya relación extrae los elementos de conflicto que alimentan sus obras


Comisario: Ramón González Echeverría

Artistas: Ali Hanoon y Jorge Cano


Organiza: Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno, Comunidad de Madrid


Horario:
De lunes a sábados: De 11:00 a 14:00 h y de 18:00 a 21:00 h
Domingos y festivos: Cerrado

Dirección:
Sala de Arte Joven
Avda. de América, 13
28002 Madrid
Teléfono: 91 564 21 30
www.madrid.org


(Fotografía: “Ice Skating, New York”, 2007. Ali Hanoon)


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