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Febrero 26, 2010

Roger Bernat inaugura el 12 Festival Internacional ZEMOS98: Microbios, seres vivos diminutos

cartel12ed_ZEMOS98_A-u.jpgEl 12 Festival Internacional ZEMOS98: Microbios, seres vivos diminutos, dará comienzo el próximo 15 de marzo en Sevilla con la obra Pura Coincidència de Roger Bernat. El catalán "se centra en el universo de las expectativas que invaden al espectador antes de enfrentarse a la obra".

El espectáculo podrá verse en el centro de las artes de Sevilla el 15 de marzo a las 21.30h. El acceso será libre hasta completar aforo.
www.festival.zemos98.org

El 12 Festival Internacional ZEMOS98: Microbios, seres vivos diminutos, dará comienzo el próximo 15 de marzo en Sevilla con la obra Pura Coincidència de Roger Bernat. El catalán "se centra en el universo de las expectativas que invaden al espectador antes de enfrentarse a la obra". Además de Pura Coincidència de Roger Bernat, hay otras propuestas que basan en lo escénico su principal protagonismo: Miguel Noguera, Fiera, además del poema musicado de Los Hermanos Mercadillez o Le Petit Cirque de Laurent Bigot. El festival se celebra del 15 al 21 de marzo en distintos espacios de la capital sevillana.

Tras su paso en 2003 por Barcelona con Que alguien me tape la boca, Rogert Bernat lanzaba esta reflexión en un artículo de El País: "Hoy día es más fácil hacer un espectáculo con cincuenta millones que con tres. En un teatro oficial estás obligado a trabajar a lo grande y a pasar por veinte mil filtros. Al acabar Que alguien me tape la boca me dije: quiero montar piezas rápidas. Prefiero menos dinero y un trabajo continuado. Huir de la escenografía como ornamentación. Ser el técnico, el director, el actor y el que recibe a la gente. Buscar una teatralidad fresca y vital, hacer teatro en las narices del público".

Tras ocho proyectos que han capturado la atención de público y crítica en estos últimos años, Rogert Bernat presenta Pura Coincidència en el marco del 12 Festival Internacional ZEMOS98. El próximo 15 de marzo a las 21:00h. en el Centro de las Artes de Sevilla, se podrá ver este proyecto que "se centra en el universo de las expectativas que invaden al espectador antes de enfrentarse a la obra". El acceso es libre hasta completar aforo.

Al día siguiente el encargado de encandilar al público con su Ultrashow será Miquel Noguera. Canario que ha paseado sus espectáculos, "a medio camino entre el stand up comedy y el thriller psicológico" como el mismo señala, por el Musac de León, el Centre d’art Santa Mónica de Barcelona o la Fundación Caja Madrid.

Con un sentido del humor muy peculiar y ataviado con su disfraz, lleva más de cuatro años ofreciendo sus Ultrashows, aquí podremos verlo el martes 16 de marzo en el Centro de las Artes de Sevilla a las 21:00h. Ese mismo día y con un doble pase, los asistentes al caS podrán comtemplar y oír el diminuto proyecto de Laurent Bigot: Le Petit Cirque, "un objeto sonoro complejo, hecho de madera, de plástico, de hilos, de resortes y de fragilidad. Un soplido puede ponerlo a vibrar. Doce pequeños micros van a sacar partido de su cuerpo de múltiples recursos". Un espectáculo que navega entre el circo, el teatro, la música o el arte sonoro. A las 18:00h. y a las 20:00h. en el Centro de las Artes de Sevilla con aforo limitado para 60 personas por pase.

Por último, el jueves 18 de marzo, se presentará Wildworking, un proyecto del grupo de post-punk Fiera - de los creadores de Pony Bravo- junto a Roberto Martínez Losa, Fran Torres y Juan Luís Matilla, en un espectáculo escénico donde la performance y el teatro se relacionan con la comedia y la música. Wildworking se presenta como un evento de coaching, una especie de ritual motivacional para llegar al momentum continuo, ese punto de máxima energía e inspiración. "Un arrebato animal para despertar al humano y completarlo". Fiera presenta Wildworking podrá verse el jueves 18 de marzo a las 22:00h. en la Facultad de Comunicación, con entrada de 5€.

Esa misma mañana en el marco de Intervenciones en Jueves, propuesta del colectivo gestionado por Celia Macías y Alex Peña, Fernando Mansilla ofrecerá un "breve discurso musicado" bajo el nombre Los Hermanos Mercadillez junto a sus colaboradores habituales Navarro y Mora, que desarrollarán el aporte musical en este spoken word matutino. Todas las actividades de Intervenciones en Jueves se desarrollarán el 18 de marzo de 11:00h. a 15:00h. de la tarde en las inmediaciones del mercaíllo del Jueves de la calle feria y son gratuitas.

Toda la información disponible en www.festival.zemos98.org

Dossier Prensa

Programa de mano

XII Certamen Bienal Unicaja de Artes Plásticas

unicaja_Certamen-u.jpgBases para el XII Certamen Bienal Unicaja de Artes Plásticas
Plazo de inscripción abierto hasta el 25 de Marzo de 2010
Información 952 13 89 38
fundacionunicaja@obrasocialunicaja.com
www.unicaja.es

1] Podrán concurrir al mismo todos los artistas, sea cual fuere su nacionalidad o lugar de residencia.

2] El Jurado estará constituido por personalidades de reconocido prestigio en el ámbito de las Artes Plásticas. Su decisión, que se dará a conocer oportunamente, será inapelable.

3] Tanto el tema como la técnica de las obras será libre. Cada artista podrá ofertar un máximo de cinco obras, cualquiera que sea su modalidad. La documentación a presentar será la siguiente:
ficha de inscripción rellena, curriculo del autor con su trayectoria artística, ficha técnica de las obras (autor, título, fecha, técnica y medidas), valoración de cada obra (iva incluido), reproducción en color sobre papel, unidad de CD con archivo fotográfico de las obras en formato JPG (se recomienda una resolución mínima de 300 pp y tamaño de archivo hasta 6 MB) curriculo y ficha técnica de las obras.

Podrán adjuntar así mismo aquella documentación que estimen oportuna para una mejor apreciación de su trabajo.

4] La documentación junto con el Boletín de inscripción debe remitirse a la siguiente dirección:

Fundación Unicaja
C/ San Juan de Dios nº1, 6º planta
Málaga- 29015

Indicando en el sobre XII Certamen Bienal Unicaja de Artes Plásticas

5] El plazo de admisión de la documentación quedará abierto desde el 15 de Febrero hasta el 25 de Marzo de 2010

6] El jurado seleccionará, de entre todas las obras ofertadas, un número indeterminado de ellas. La organización se pondrá en contacto con ellos para que en un plazo de 15 de días, desde su notificación, sean enviadas o entregadas personalmente a la dirección que se les indique, en embalaje que asegure la integridad de las obras. Los gastos de envío correrán por cuenta y riesgo del artista.

7] De entre las obras recibidas en el plazo indicado, el Jurado realizará la selección definitiva y determinará las que serán adquiridas por la Fundación Unicaja. Las obras adquiridas y seleccionadas formarán parte de una exposición que se exhibirá en diferentes ciudades andaluzas, reservándose la Fundación Unicaja el derecho de exhibición durante el plazo de un año a contar desde la fecha en que se haga público el fallo del Jurado.

8] Se establece una bolsa de compra de CINCUENTA MIL euros que será el importe máximo destinado a la adquisición de obras. Las adquisiciones se llevarán acabo siguiendo la recomendación del Jurado.

9] La Fundación Unicaja editará un catálogo en el que figurarán las obras que formen parte de la exposición y se reserva los derechas de reproducción de estas, a efectos de divulgación del Certamen, sobre cualquier soporte.

10] Los obras recibidas que no hayan sido seleccionadas se devolverán o serán retiradas por sus autores o persona autorizada en el plazo de 60 días desde su notificación. En caso contrario, se entenderá que el autor, presentador de la obra, renuncia a cualquier derecho sobre la misma a favor de la entidad patrocinadora del Certamen, que podrá disponer de las obras no retiradas en el plazo, con absoluta libertad. La devolución de las obras no seleccionadas se llevará acabo en el mismo tipo de embalaje y por el mismo medio en el que fueron recibidas.

11] La Fundación Unicaja pondrá el máximo celo en el cuidado de las obras recibidas pero declina toda responsabilidad por eventuales daños, extravíos, robos o cualquier circunstancia ajena a su voluntad que pueda producirse durante su exposición, envío y devolución.

12] La participación en el Certamen implica la aceptación de sus bases.


Más Información:
fundacionunicaja@obrasocialunicaja.com
www.unicaja.es

Febrero 25, 2010

III Semana del Arte. Universidad Europea de Madrid.

arte_cuadrado2_u.jpgEl Área de Arte y Diseño de la Universidad Europea de Madrid organiza diversas conferencias y talleres dirigidos por 20 de los mejores profesionales del arte en sus aspectos teóricos, técnicos y de gestión de recursos.

www.uem.es



Lugar: Campus de la Universidad Europea de Madrid en Villaviciosa de Odón, C/ Tajo s/n, Urb. El Bosque, Madrid.

Fechas: 1 al 5 de marzo de 2010.

Organiza Área de Arte y Diseño de la Universidad Europea de Madrid

Director Área de Arte y Diseño: Pr. Joaquín Ivars

Directora de Departamento Creación Artística y Teoría de las Artes: Pra. Grego Matos.

Directores de la Semana: Pr. Pablo España, Pr. Mitsuo Miura y Pr. Ramón González Echevarría, artistas y profesores del Departamento de Arte de la Universidad Europea de Madrid.

Profesores asistentes en los talleres: Juan Zamora, Esther Pizarro, Helena Cabello, Ana Carceller, Carlos Rodríguez-Méndez, Concha García, Javier Chavarría, Alberto Chinchón, Mónica Gener, Pedro Morales Elipe, Tomás Muñoz, Enrique Corrales.

Dirigido a:
- Alumnos de las titulaciones de Arte, Diseño y Arquitectura de la Universidad Europea de Madrid, alumni de la Universidad Europea de Madrid y exalumnos de Arte de la Universidad Europea de Madrid.
- Profesores de Expresión Plástica y Diseño de centros de enseñanzas medias.
- Alumnos de Bellas Artes de otras universidades.


III Semana del Arte. Universidad Europea de Madrid.

- 60 invitaciones por orden de petición para asistir a las conferencias de Arte en la Universidad Europea de Madrid.

- 30 invitaciones por orden de petición para participar en los talleres.

Estructura:

Conferencias: Ángel González, José Díaz Cuyás, Armando Montesinos, Santiago Olmo

Talleres de artistas (conferencia + 4 días de taller):
1. Maider López
2. Manolo Quejido
3. Federico Guzmán
4. Daniel García Andújar
5. Domingo Mestre + Amador Savater + Xelo Bosch y Cyrille Larpenteur, de la Université Libre pour la Construction Colective
(UNILCO-France)

Talleres técnicos/procesos/empresas (1 día):
- Óscar Seco
- Óscar Santillana
- Esther Mañas+Arash Moori
- Un mundo feliz
- Antonio Ballester
- Todo por la praxis
- Julio Jara
- Rubén Santiago


MÁS INFO:

El Área de Arte y Diseño de la Universidad Europea de Madrid organiza diversas conferencias y talleres dirigidos por profesionales del arte en sus aspectos teóricos, técnicos y de gestión de recursos.
La docencia universitaria debe nutrirse de las relaciones con los sectores profesionales y empresariales.
Con el fin de aumentar las competencias específicas en algunos temas importantes relacionados directa o indirectamente con los mundos del arte contemporáneo y del diseño, el Área de Arte y Diseño de la Universidad Europea de Madrid pone al servicio de sus alumnos (y a través de 60 invitaciones para las conferencias y 30 para los talleres, destinadas a profesores de expresión plástica de centros de enseñanzas medias y a alumnos de otras universidades de Bellas Artes), numerosas sesiones en ámbitos muy especializados del ejercicio profesional.

Para realizar peticiones de invitaciones para asistir a las conferencias y/o talleres de la III Semana del Arte y del Diseño de la Universidad Europea de Madrid dirigir un mail a: ramon.gonzalez@uem.es

en www.uem.es

- Calendario y horario
- Curriculum de los ponentes y temáticas de conferencias y talleres


uem-logo-u4.jpgCAMPUS VILLAVICIOSA
C/ Tajo, s/n
Villaviciosa de Odón. 28670 Madrid
Tel.: 902 23 23 50
www.uem.es

Becas FIBArt'10. Últimas fechas.

ColectivoOTUOYOFIBArt09-u.jpgFIBArt'10: La convocatoria de becas de producción de intervenciones en el espacio público y estancia en Benicàssim están abiertas todavía. Últimas semanas.

http://arte.fiberfib.com/

Beca de Estancia y Producción de Intervenciones en Espacio Público FIB-Art'10

Pueden participar todos los creadores o colectivos artísticos que lo deseen.

El plazo de presentación de proyectos comienza el lunes 1 de marzo y finaliza el lunes 15 de marzo de 2010.

Se seleccionarán un máximo de seis proyectos, de los cuales uno podría ubicarse en el recinto de conciertos de FIB-Heineken.

Estas intervenciones configurarán la exposición FIB-Art'10, que se inaugurará el lunes 12 de julio de 2010 en las playas de Benicàssim y quedarán documentadas en el catálogo que con tal motivo editará FIB-Art con posterioridad a la celebración de la exposición.

La Fundación Art Aids, becará una producción que se integrará en la exposición de FIBArt'10.

Los artistas becados se comprometen a residir en Benicàssim durante el período preciso para montar la pieza en su emplazamiento definitivo para la exposición.

Importe total de la beca: 3.000 €, distribuidos del modo siguiente:

· FIB-Art'10 asumirá los costes de producción de cada obra seleccionada hasta un total de 1.500 € por proyecto.

· FIB-Art'10 asumirá los costes de estancia de los artistas en Benicàssim durante el período de montaje hasta un total de 1.500 € por obra seleccionada.

Los proyectos serán expuestos en la playa de Benicàssim (espigones, paseo marítimo, playa…), excepto la que sea expuesta en el recinto de conciertos del FIB-Heineken, por ello, las obras han de estar concebidas teniendo en cuenta las condiciones adversas tanto climatológicas como externas en general.
El proyecto presentado, puede ser una escultura, instalación, instalación multimedia, proyección…

Entrega de dossiers y proyectos:

FIB-Art'10 (A/A J.Paulete)
Apdo. de Correos 09065
08080 BARCELONA

La selección, inapelable, se publicará en www.fiberfib.com y se comunicará a los interesados a través de correo electrónico la segunda quincena de abril.

El dossier ha de incorporar:
· Formulario de inscripción.
· Documentación gráfica de la propuesta.
· Síntesis y descripción detallada del proyecto, tanto conceptual como técnica.
· Descripción de las necesidades técnicas de montaje; concreción del sistema de anclaje y fijación al terreno.
· Temporalización del proceso (tanto en fase de construcción como de montaje, ya en Benicàssim).
· Presupuesto aproximado.
· Imágenes de al menos cinco obras recientes.

Los dossiers no seleccionados se podrán recoger en Madrid hasta el 30 de septiembre de 2010 previa cita llamando al teléfono (+34)915234114, o bien se adjuntarán sobre y sellos para su devolución por correo. Los que no se hayan recogido en ese plazo quedarán a libre disposición de la organización.
La participación en el certamen supone la aceptación de las bases y la renuncia a cualquier reclamación legal a la organización.


http://arte.fiberfib.com/bases/
http://artaids.com/

Febrero 24, 2010

Después de la alambrada.
El arte español en el exilio 1939-1960

AlambradaCartel-u.jpgDel 25 de febrero al 25 de abril de 2010
Comisario: Jaime Brihuega, Profesor Titular de Historia del Arte Contemporáneo, Universidad Complutense (Madrid)
Coordinación General: Norberto Piqueras Sánchez

Centre Cultural La Nau de la Universitat de València.
www.uv.es/cultura - www.secc.es

Después de la alambrada. El arte español en el exilio 1939-1960, analiza, por primera vez en profundidad, los distintos exilios geográficos, sociológicos, ideológicos y estéticos que desgarraron e impregnaron el arte español del siglo XX. La exposición, comisariada por Jaime Brihuega, reúne casi doscientas obras de medio centenar de artistas que evidencian la importancia de la cultura artística del exilio y su aportación fecunda a las nuevas tierras de acogida. La muestra también ahonda en las claves temáticas y formales del imaginario artístico del exilio, así como en los elementos que asociaron o disociaron el arte producido antes y después de la contienda fratricida.

Como el resto de nuestro acontecer histórico y cultural, el arte español del siglo XX quedó violentamente fracturado por el conflicto bélico de 1936 y su fatal desenlace, partiéndose en dos hemisferios cronológicos claramente diferenciados y separados por la guerra civil. Los efectos de tal corte se acrecentaron más aún, si cabe, como consecuencia de la Segunda Guerra Mundial. Con ella se perturbó también el hilo conductor de la cultura artística internacional y se congeló momentáneamente el marco de referencias que había venido presidiendo la modernización de la cultura artística española durante todo el primer tercio de siglo. El aislamiento internacional de la España de la Autarquía terminó de sellar con rigor el muro de esta frontera del tiempo histórico. En medio de tales circunstancias, tras la victoria de los sublevados, muchos españoles fieles a la República se vieron forzados a abandonar el territorio nacional. Entre ellos un buen número de artistas que, por razones políticas o de asfixia cultural, debieron exiliarse y se dispersaron por varios rincones del planeta.
El espacio cronológico que plantea la exposición tiene como límites simétricos los años 1939 y 1960, dos hitos claros en el proceso evolutivo del arte español. La primera fecha marca el final de la guerra civil y el comienzo del exilio mientras que la segunda señala el inicio de modernización que comenzó a manifestar el arte en la España gobernada por Franco. Sobre este segmento histórico se despliega una reflexión estética e ideológica acerca del arte del exilio español en su conjunto, abordando la naturaleza de las transformaciones experimentadas por los lenguajes visuales que los artistas transterrados llevaban como equipaje al abandonar España y ahondando en la tensión que se produjo entre la persistencia (o desvanecimiento) de la memoria del origen y su metamorfosis a partir de la irrupción del nuevo paisaje histórico, cultural y estético que supusieron los nuevos contextos.
La muestra reúne casi doscientas piezas que han sido cedidas para la ocasión por más de 70 colecciones públicas y privadas de dentro y fuera de nuestras fronteras. El conjunto de la obra expuesta -en cuya elección ha primado la excelencia artística o su intensidad semántica- articula un paradigma estético abarcable y operativo de cara a la inserción del arte del exilio en el imaginario colectivo. La restricción en el número de artistas representados obedece a la intención de huir de la minuciosidad erudita por lo que se ha seleccionado al medio centenar de nombres historiográficamente más consolidados. De ellos, se exponen no sólo algunas de las obras que realizaron durante su exilio sino también algunas de las piezas que crearon durante el periodo republicano con el objetivo de dotar al espectador de una mirada activa que le haga reflexionar sobre la mutación de los paradigmas argumentales y estéticos del arte español de los años treinta o, por el contrario, sobre el espejismo de su continuidad. La exposición ofrece, además, la posibilidad de ver por primera vez en España algunas obras de Remedios Varo, El Tiforal 1947; Julián Castedo, Moreno, Villa Nocturno 1950-1952; Alberto, Manuela Ballester, Retrato de Totli, 1949; José Bardasano, Fernández Balbuena, García Narezo, Elvira Gascón, Cristo, c. 1957; Rodríguez Luna, Maruja Mallo, Gausachs, Martín Durbán, Maternidad, 1943; Clavé, Óscar Domínguez, Feliú Elías, García Lamolla, Pérez Rubio.
Las obras se han agrupado en torno a dos grandes territorios geográficos sobre los que se diseminó nuestro exilio artístico:

1 El exilio en el continente europeo.
París. A pesar de la ocupación nazi y de comenzar a perder luego el liderazgo como centro mundial del arte contemporáneo, siguió representando una meca para los artistas del exilio español. Pero el caso de Francia y, fundamentalmente el de París, requiere un tratamiento especial, pues muchos artistas que no viajaron a España después de la guerra estaban ya instalados de antemano en la capital francesa y prácticamente no tenían protagonismo directo en la vida artística de la España republicana (Picasso, Julio González, Bores, Viñes, De la Serna, Dalí.). En estos casos, e independientemente de sus ideas y comportamientos políticos, no puede hablarse estrictamente de artistas transterrados. En cambio, sí hemos de considerar de alguna manera exiliados políticos a aquellos que, residiendo más o menos habitualmente en París, pero teniendo importantes vínculos con la vida cultural española, decidieron desconectarse de ella y no pisar territorio español hasta pasado largo tiempo. Por eso, sumando el transterramiento propiamente dicho y el "de facto", los artistas exiliados en Francia componen un plantel considerable: Esteban Francés, Timoteo Pérez Rubio (irá también a Suiza y a Brasil), Manuel Viola, Joan Rebull, Antonio Clavé, Baltasar Lobo, Honorio García Condoy, Feliú Elías, Óscar Domínguez, Ángel López Obrero, Antoni García Lamolla, Leandre Cristòfol (también en Marruecos), entre otros, que están presentes en este capítulo de la exposición.
Londres, por su parte, supuso una residencia fugaz para José María Ucelay y Gregorio Prieto, mientras que la Unión Soviética representó una circunstancia intensísima en la vide de Alberto, proporcionándole elementos para un diálogo entrañable entre la memoria de España y la asimilación de la nueva realidad geográfica y cultural y de Julián Castedo.

2 El exilio en el continente americano.
México. Fue uno de los escenarios más intensos. Entre los artistas más importantes de este destino del exilio cuyas obras están presentes en la exposición cabe mencionar a Aurelio Arteta, Antonio Ballester, Manuela Ballester, José Bardasano, Salvador Bartolozzi, Enrique Climent, Roberto Fernández Balbuena, José García Narezo, Elvira Gascón, Ramón Gaya, José Moreno Villa, Josep Renau, Antonio Rodríguez Luna, Miguel Prieto, Arturo Souto y Remedios Varo.
El exilio en el Cono Sur americano. Es el segundo destino que congregó a más artistas dentro del exilio de ultramar, sobre todo Buenos Aires. Este apartado de la exposición reúne obras de Rafael Alberti, Manuel Ángeles Ortiz, Manuel Colmeiro (que en 1948 se trasladó a París), Maruja Mallo (que también estuvo en Chile) y Luis Seoane.
Otros destinos del exilio transoceánico. El resto de los destinos de encuentro de América Central y del Sur, como Cuba, República Dominicana, Venezuela, Puerto Rico o Guatemala, supusieron escenarios de menor intensidad que no llegaban a componer "colectivos de exilio". En cambio, Nueva York se mostraba ante los ojos de los artistas exiliados como un nuevo y deslumbrante epicentro de la creación artística mundial.
Este apartado reúne obras de Eugenio Granell quien residió en Santo Domingo, Guatemala, Puerto Rico y USA; Cristóbal Ruiz, que vivió en Puerto Rico (además de pasar por París y Nueva York); Ramón Martín Durbán, residió en Venezuela; Josep Gausachs y Vela Zanetti en Santo Domingo (el segundo también en Nueva York). En Estados Unidos fijaron su residencia principal Esteban Vicente, Luis Quintanilla (en 1957 se trasladó a París) y Joan Junyer (primero había estado en Santo Domingo).

Además se ha producido para esta exposición un cortometraje cinematográfico sobre el exilio español realizado por el cineasta Joan Dolç ,así como dos collages antológicos (un audio musical y un vídeo cinematográfico) realizados respectivamente con obra compuesta por nuestros músicos y cineastas en el exilio.



ORGANIZA Y PRODUCE: Universitat de València, Universidad de Zaragoza, Universidad de Córdoba, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC) y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC)

COLABORA: Bancaixa

Centre Cultural La Nau de la Universitat de València.
Salas: Oberta: Introducción - Estudi General: Europa - Martinez Guerricabeitia: América I - Thesaurus: América II
C/ Universitat, 2
46003 València.
Tel. 963864377
www.uv.es/cultura - www.secc.es

HORARIO DE VISITA:
De martes a sábado de 10 a 14 horas y de 16 a 20 horas
Domingos de 10 a 14 horas
ENTRADA LIBRE

Febrero 23, 2010

Presentación del Grupo de Trabajo CIUDAD y CIUDADANíA

ciudadyciudadanIa-U.jpgCENDEAC / COAMU / Obs
Miércoles 24 de febrero, 19:00 h.
Espacio 0. CENDEAC. MURCIA
Asistencia libre y gratuita
www.cendeac.net

CENDEAC en colaboración del Colegio Oficial de Arquitectos de Murcia (COAMU) y el Observatorio del Diseño y la Arquitectura de la Región de Murcia (OBS)


¿De qué se trata?
La ciudad es hoy el entorno dominante de la experiencia, mientras que la ciudadanía sirve como reguladora de esa condición. La ciudad se presenta como un espacio abstracto para la convivencia en el que resulta difícil entender y gestionar los conflictos que surgen constantemente, la ciudadanía como un complejo sistema de derechos y obligaciones en permanente dinamismo sobre la base de un sistema político supuestamente democrático. Este grupo de trabajo, que arrancará en febrero y se reunirá quincenalmente, pretende explorar los mecanismos con los que fomentar una ciudadanía partícipe, que se implique con su futuro, donde la responsabilidad técnica, cultural y política de las acciones y las decisiones sobre la ciudad, constituyan un compromiso cívicamente asumido y compartido. Proponemos Murcia como laboratorio pero nos interesa conocer las múltiples interpretaciones que la ciudadanía recibe desde la diversidad disciplinar, geográfica y política. Antes que avanzar objetivos urbanos concretos, se trata de preguntarse cómo promover un auténtico proceso de debate abierto, transparente y participativo, en el que la confrontación de necesidades e intereses se canalice hacia un beneficio común. En el desarrollo del proyecto se contará con la colaboración de invitados que participarán y reforzarán las sesiones de trabajo, cuyo perfil se seleccionará conjuntamente por los propios miembros del grupo. Inicialmente, durante el primer semestre del 2010, se contará con Martí Peran, Jorge Mario Jáuregui y Arjen Oosterman.


¿Cómo funcionará?
Un grupo de trabajo no es más que la oportunidad de reunirse regularmente con otras personas para investigar junto a ellas un tema previamente acordado. El buen funcionamiento del grupo de trabajo dependerá de la implicación de sus miembros, que serán quienes acuerden su temática específica y su mecánica operativa, siendo responsabilidad de la organización el facilitar los soportes técnicos, materiales y conceptuales para su eficaz desarrollo. Más información sobre los grupos de trabajo que el CENDEAC ha desarrollado hasta el momento puede encontrarse en:
www.cendeac.net/gruposdetrabajo


¿A quién se dirige?
El grupo estará abierto a cualquier persona interesada en los temas propuestos, funcionaremos mejor si conseguimos reunir múltiples miradas y posiciones. Formar parte de un grupo implica un compromiso de trabajo que, si bien no supone una carga excesiva, sí requiere una voluntad de permanencia. Sin embargo, la falta de conocimiento previo sobre el tema no será inconveniente, pues las sesiones del propio grupo serán la oportunidad de desenmarañar sus dificultades.


¿Cuándo, dónde?
Presentación: miércoles 24 de febrero, 19:00 horas en el Espacio 0 del CENDEAC
Frecuencia: quincenal. Primera sesión el 3 de marzo del 2010
Horario inicial: 18:30-21:30
Sede: CENDEAC / COAMU
Precio: La asistencia a todas las sesiones será libre y gratuita


¿Quién?
Primeros invitados:
- Martí Perán (Barcelona), profesor de teoría del arte, crítico y comisario. Marzo
- Jorge Mario Jáuregui (Río de Janeiro), arquitecto y urbanista. Abril
- Arjen Oosterman (Rotterdam), editor jefe de VOLUME. Mayo


Coordinado por:
Yaiza Hernández (CENDEAC), José Parra (COAMU), Juan A. Sánchez Morales (Obs), Enrique Nieto (U.A.)


Febrero 22, 2010

IV CONCURSO DE CREACIÓN ARTÍSTICA FUNDACIÓN JOSÉ GARCÍA JIMÉNEZ

cartel-u9.jpgLa Fundación José García Jiménez de Murcia, tras el éxito de anteriores convocatorias,organiza por cuarto año su Concurso de Creación Artística con el objetivo de promocionar a jóvenes artistas.

www.fundacionjosegarciajimenez.org/

La Fundación José García Jiménez convoca la cuarta edición de su Concurso de Creación Artística, en el que pueden participar todos los artistas que lo deseen, con independencia de su residencia o nacionalidad.
Cada artista podrá presentar una sola obra original, con completa libertad de técnica, tendencia y soporte.
Las obras premiadas y galardonadas con mención honorífica formarán parte de una exposición pública en abril de 2010 en la sede de la Fundación José García Jiménez de Murcia. Se editará además un catálogo. Los premios ascienden a 6.000, 3.000 y 1.500 euros.
La ganadora de la pasada edición fue la fotógrafa Cecilia de Val con su obra “Untitled #10” –Proyecto “Nunca te prometí un jardín de rosas”


Plazo de recepción de obras:
El plazo de recepción de las obras será del 16 de febrero al 15 de marzo de 2010, ambos incluidos, en EXPOMED, sita en c/ Carril del Alejandrico 79 – 30570, Beniaján, Murcia. Horario: Lunes a Jueves de 8.30 a 13.30h y de 16.00 a 18.30h y Viernes de 8.00 a 14.30h.
Bases del concurso:
Las bases del concurso pueden consultarse en www.fundacionjosegarciajimenez.org


Fundación José García Jiménez nació en 2005 para rendir homenaje al empresario murciano D. José García Jiménez, y tiene como objetivos la promoción de la cultura y de las artes en general, la promoción de los jóvenes artistas y la promoción de las nuevas tecnologías aplicadas a la creación artística.

LogoFUNDACIÓN2010-uu.jpg

Febrero 18, 2010

Presentación en Off-limits: el campo de los estudios críticos y visuales

campocriticoestudiosvisuales.jpgESTUDIOS VISUALES #7: Retóricas de La Resistencia
Presenta: Salomé Cuesta

| :: salonKritik :: |
Por una política editorial para la crítica cultural online
Presenta: MaríaVirginia Jaua

Las 3 eras de la imagen, de José Luis Brea
6º libro de la colección “Estudios Visuales” de la editorial AKAL
Presenta: Roberto Riquelme

David Loss
En concierto

Off-limits
19 de Febrero, 21:00 horas
(Se ruega puntualidad)
Escuadra, 11
28012 Madrid

www.offlimits.es

El próximo 19 de febrero se presentan conjuntamente en Off-limits los 3 proyectos más representativos y prestigiosos del desarrollo en nuestro país del campo de los estudios críticos y visuales.

ESTUDIOS VISUALES es la revista de carácter ensayístico y universitario publicada bajo el patrocinio del CENDEAC (Centro de Estudios Avanzados en Arte Contemporáneo, Murcia) que se dedica a explorar y promover el desarrollo de los nuevos estudios de crítica de la cultura visual y las formaciones de imaginario, analizando la vida social de las imágenes y su decisivo papel en el mundo contemporáneo no tanto como hechos estéticos o vinculados a una práctica socialmente muy codificada y ritualizada –cuál es el arte- sino fundamentalmente en su potencial de generación de formaciones de representación y en última instancia condicionamiento de los modos –y mundos- de vida.
www.estudiosviuales.net

más info....

:: salonkritik :: es la revista de crítica artística y cultural más prestigiosa y leída (35000 páginas vistas mensuales) en el momento actual en castellano. Publicada en formato blog desde 2004, busca conciliar el rigor del análisis cultural y la teoría crítica con el reto que para su desarrollo supone el estar y ejercerse “en línea”.
www.salonkritik.net

más info....

Las 3 eras de la imagen: imagen-materia, film, e-image, es el más reciente libro de José Luis Brea, profesor de Estética y Teoría del Arte Contemporáneo de la Universidad Carlos III de Madrid, y el sexto libro que se presenta dentro de la colección Estudios Visuales de la editorial AKAL.

www.akal.com/materias/Estudios-visuales/459/
www.3erasimagen.net

más info....

David Loss no es un músico, ni un escritor ni un artista, sino una bestia nihilista anhelante de comunicación en cualquier medio. Antiguo componente de la banda de noise Sweet Side, experimentó con paisajes electrónicos en el sello barcelonés de música experimental Oozebap. Después viró hacia la tradición country-blues y los sonidos acústicos más disolutos de los rincones de grandes ciudades, como Rotterdam, Londres y Nueva York en álbumes como “Empty Shell”, “Highway Rivers” y su resolución final: “Primer”, todos editados por AA Records y disponibles en Itunes. Últimamente ha editado Blue Demo, un movimiento hacia un sonido más directo a través de canciones bien definidas. Sin ser canciones country, ni electrónicas, ni rock sino una posible mezcla de todas ellas en una forma simple y potente en la que las letras revelan la pérdida implícita en el significado y recobrada a través del acto. Once canciones, todas ellas escritas en el 2009 y grabadas con los miembros de Kiev Cuando Nieva, amigos y compañeros de AA Records.
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http://www.myspace.com/davidloss
http://www.aarecords.net

VI PREMIO “ESCRITOS SOBRE ARTE” DOTADO CON 6.000 EUROS. FECHA LÍMITE: 15 DE JUNIO

cartel-6000_2010-u.jpgLa Fundación Arte y Derecho convoca en su sexta edición el Premio “Escritos sobre Arte” con el propósito de contribuir al fomento de la investigación y la creación literaria en materia de arte.
Fecha límite: 15 de Junio de 2010
Bases en www.arteyderecho.org

La Fundación Arte y Derecho convoca en su sexta edición el Premio “Escritos sobre Arte” con el propósito de contribuir al fomento de la investigación y la creación literaria en materia de arte.


BASES

Objeto de la convocatoria
Podrán optar al Premio de la Fundación Arte y Derecho “Escritos sobre Arte”, aquellos escritos originales e inéditos que versen sobre arte y que estén relacionados con la creación visual. Se deja plena libertad formal de los textos (ensayo, entrevista, diario de artista, etc.…). La obra no puede haber sido premiada con anterioridad en ningún otro certamen. Esta condición deberá mantenerse hasta el momento del fallo del Jurado. Los textos, además de en lengua castellana, pueden presentarse en euskera, gallego y catalán. En estos casos, se enviará, junto con el texto, su traducción al castellano.

Presentación y entrega de los originales
La extensión del escrito no podrá ser inferior a 50 folios ni superior a 100 folios mecanografiados a doble espacio y por una sola cara.
Los trabajos que se presenten habrán de entregarse en CD-ROM, junto con cuatro copias en formato papel. Dichas copias tienen la función de permitir la deliberación del Jurado, por lo que no se devolverán al concursante. El escrito se identificará con su título y carecerá de detalles que puedan identificar a su autor. El CD Rom y los cuatro ejemplares de cada escrito irán acompañados de un sobre cerrado, mencionándose en el exterior exclusivamente el título de la obra, en el interior se incluirá el nombre, apellidos, DNI o NIE, dirección, teléfono, fax, e-mail y “currículum vitae” del autor.
Se procederá a la apertura del sobre en el momento del anuncio del fallo del Jurado.
El plazo de presentación de los trabajos se abrirá el 15 de febrero de 2010 y se cerrará el 15 de Junio de 2010. Los originales deberán ser entregados en la sede de la Fundación Arte y Derecho: C/ Gran Vía, 16. 1º. 28013 Madrid, o bien se enviarán por correo certificado, dentro del plazo de presentación, a esta misma dirección.

Premio
De entre los originales presentados, el Jurado escogerá uno de ellos al que se concederá un único Premio de 6.000 €. El pago del Premio estará sujeto a la normativa fiscal vigente.
La Fundación Arte y Derecho se reserva el derecho de edición del escrito premiado durante el plazo de un año a contar desde la fecha del fallo.
La Fundación Arte y Derecho se reserva el derecho de opción preferente para editar aquellas obras presentadas al Premio que sean consideradas de interés, procediendo a su publicación previo acuerdo con los autores y en ambos casos, tras la suscripción del correspondiente contrato de edición.

Jurado y publicación del fallo
El Jurado estará designado por el Patronato de la Fundación Arte y Derecho y estará formado por cuatro miembros, reservándose el voto de calidad al presidente. Actuará como Secretario del Jurado, con voz, pero sin voto, la Secretaria General de la Fundación Arte y Derecho.
El premio podrá ser declarado desierto si el Jurado estimase que las obras presentadas no tienen el nivel mínimo exigible. Todas las incidencias no previstas en estas bases serán resueltas por el Jurado y su decisión será inapelable.
La Fundación comunicará de forma inmediata a todos los participantes la resolución del Jurado.
La participación en la convocatoria supone la aceptación de estas bases.


Febrero 17, 2010

Las 3 eras de la imagen

3erasimagen_JLB.jpgLas 3 eras de la imagen: imagen-materia, film, e-image
José Luis Brea

www.akal.com/materias/Estudios-visuales/459/
www.3erasimagen.net

Dividido en tres grandes fases, las de la imagen-materia, el film y la imagen-electrónica, el presente libro analiza cómo las distintas formas técnicas propician modelos diferenciales de producción, distribución y recepción de imágenes. El resultado es un ensayo único en el panorama español, pues, si bien es relativamente frecuente encontrar «historias» de una u otra de las prácticas de producción de imaginario en cada una de las eras que en el libro se describen –«historias de la pintura», del «cine» o incluso del «arte electrónico» o la «imagen electrónica »–, no existe ninguna «historia de la imagen» como tal que la afronte desde una perspectiva teórico-crítica atendiendo a cómo en ella se organizan las narrativas generales que regulan su fuerza simbólica más característica.

Tanto por su objeto –la imagen en sus distintas formas y manifestaciones, sin distinción de épocas, formatos técnicos o géneros de las prácticas– como igualmente por su método –que no es ni el de la historia del arte, ni el de la pura teoría estética, sino uno que cruza el análisis teórico con la crítica cultural, la contemporánea antropología de la imagen y los estudios de cultura visual– el presente ensayo constituye un estudio único en su especie, que viene a llenar el vacío de una «historia de la imagen» como tal que la afronte desde una perspectiva teórico-crítica. Aquí, el autor ofrece un análisis de esa historia de las imágenes desde el punto de vista de la teoría crítica contemporánea, y pone en relación sus potenciales simbólicos con su forma técnica. Dividiendo en tres fases dicha historia (imagen-materia, film e imagen-electrónica), investiga cómo las distintas formas técnicas favorecen modelos de producción, distribución y recepción diferenciales, y cómo desde cada uno de ellos se canaliza mejor un cierto tipo de contenidos simbólicos y narrativas maestras. En definitiva, un ensayo que, en un gesto breve y conciso, perfila una visión sintético-panorámica y es capaz de trazar y reconocer paralajes conceptuales entre unas y otras «eras».


Índice

Advertencia previa

i. imagen-materia

Promesa de eternidad.-- Máquinas de detención: la imagen estatizada.-- Imágenes: memorias de archivo. --Unicidad: el objeto singularísimo. -- Promesa de individuación: el sujeto singularísimo. – Espacialización. -- Comercios de la imagen. -- Ocularcentrismo: visión y verdad. -- Pictorialismo: visión y ceguera. -- Memoria, visualidad y ontoteología. --Visión y creencia: el efecto de verdad de las imágenes (Apéndice).

ii. film

Visiones de un ojo técnico. -- film. --La memoria como duración (o la persistencia retiniana del 1/24 de sg). -- JetztZeit: La pequeña puerta. -- Imagen-movimiento. -- Industrias de la conciencia, economías de distribución. -- Camera Obscura. -- Flujos de la diferencia: diferencia sin repetición. -- Antitética del arte (en la era de la imagen técnica). -- Desocultación e ics óptico: la ideología estética. -- Historicidad: Tiempo y relato. -- Sueño, proyección, proyecto

iii. e-image

e-spectros. --1000 pantallas: ubicuidad. -- Imagen, fantasma, mercancía: rastros de lo infraleve. -- Imágenes-tiempo: el diferir de la diferencia. -- La era de la (re)productibilidad el`ectrónica. -- Site (in)specificity: la conquista de la ubicuidad. -- In-memory: (an)archivos / redes neurales. -- whatisthematrix . -- Autómatas psíquicos: la entropía –y los nuevos no-numentos. -- Memoria … de diferencia. -- Inteligencia-artificio (RAM). -- Recepción 2.0. -- Innumerabilia: la (nueva)economía de las e-imágenes. -- El fin de la separación: la economía-política de la cultura contemporánea. -- Economías de abundancia vs. economías de lo suntuario. -- Extensiones del procomún: Capitalismo cognitivo vs propietario. En construcción: nuevas formaciones de subjetividad. -- Economías de abundancia vs. economías de lo suntuario. -- Coalición 2.0: (pequeña) teoría de las multitudes interconectadas. -- e-Utopías. -- Imágenes, máquinas de la visión: la emergencia de la cultura visual. -- Arte vs. cultura visual. La urgencia de unos estudios críticos sobre cultura visual (algunos pensamientos sueltos). -- Hipervisión administrada (regímenes escópicos de nuestro tiempo). -- Potencias simbólicas, narrativas civilizatorias. -- Saber (de) las imágenes.

más info, incluyendo fragmentos de algunos capítulos del libro en www.3erasimagen.net


Murales

I.MURALES-u.jpgPrácticas murales contemporáneas
19 de febrero – 6 de junio de 2010
Inauguración: jueves, 18 de febrero, a las 19:30h
Jornada con los artistas: viernes, 19 de febrero, de 10:00 a 18:00h

Fundació Joan Miró (Barcelona)
www.fundaciomiro-bcn.org

La Fundació Joan Miró (Barcelona) presenta Murales, una exposición comisariada por Martina Millà, responsable de proyectos y programación de la Fundació. La muestra ofrece una panorámica del resurgir de las prácticas murales en la actualidad y de la gran diversidad que puede hallarse en este campo artístico.

Murales quiere ser un espacio de creación y encuentro de los muralistas de nuestros días procedentes de todo el mundo: desde África occidental hasta Europa, pasando por México y Estados Unidos. La Fundació ha invitado para ello a creadores muy diversos a intervenir en las paredes de las once salas de esta exposición temporal.

La selección de la comisaria estuvo determinada en primer lugar por el mérito artístico de las obras, pero también por los posibles diálogos que podían establecerse entre ellas, con la intención de crear un mapa visual y conceptual del estado de las prácticas murales contemporáneas.

Así, la exposición se abre con el exponente más tradicional y anónimo de las obras presentadas, el de las mujeres de la Coopérative Féminine de Djajibiné Gandega “Djida” (Mauritania), que se contrapone a los planos geométricos de colores del artista alemán Lothar Götz. En el Pati de l’Olivera se expondrá el mural de hiedra de Jerónimo Hagerman para ser contemplado desde el interior de las salas, confrontándolo así al arte de la calle: el graffiti que llega de la mano de dos representantes del colectivo UTR Crew, de Bosnia-Herzegovina, y de Scope One, de Singapur.

Sakarin Krue-On presenta Temple, un mural formado por pequeños puntos de arcilla blanca sobre fondo rojo que también establece un contrapunto con el trabajo de Hagerman puesto que ambos artistas actualizan las tradiciones murales de sus respectivos países, Tailandia y México.

La segunda mitad de la exposición, que comienza con un trabajo del diseñador gráfico norteamericano Brian Rea basado en dibujos realizados con tiza sobre un fondo de pizarra, muestra una alternancia entre salas en blanco y negro, y otras en las que el color es protagonista. La obra de Rea sirve de transición hacia la improvisación de Nuria y eltono, quienes habitualmente intervienen en la calle, seguidos por Paul Morrison y sus fantasías en blanco y negro, para acabar con la explosión de color de los papeles pintados de Ludovica Gioscia.

La muestra se cierra con una obra interactiva de Jacob Dahlgren, un artista sueco muy interesado en involucrar al público en la creación de sus trabajos. Gracias a la acción de lanzar dardos contra un muro cubierto de dianas, el visitante hace que la obra cambie diariamente.

El proceso de creación de los murales, que resulta tan interesante como el resultado final, fue filmado y fotografiado durante los días que los artistas estuvieron trabajando en la Fundació. Dado el carácter efímero de las obras, esta documentación servirá para dejar constancia del proceso en el catálogo, así como en el corto que se proyecta al final de la exposición.

Aprovechando la presencia de todos los autores participantes, la Fundació Joan Miró ofrece una jornada de coloquios con los artistas, abierta a todos los públicos, que tendrá lugar el viernes 19 de febrero, de las 10h a las 18h, y que incluirá una visita comentada a la exposición.

A través de esta exposición, la Fundació Joan Miró (Barcelona) desea acercar al público una muestra ilustrativa de la gran diversidad y la fuerte presencia de las diferentes tendencias del arte mural de nuestros días.

Febrero 16, 2010

:: salonKritik :: Por una política editorial para la crítica cultural online

sk.jpg| :: salonKritik :: |
Por una política editorial para la crítica cultural online

www.salonkritik.net

Director: José Luis Brea
Directora editorial: María Virginia Jaua
Redacción y gestión editorial: Luz Santos

Domingo Festín Canibal (nuestra columna crítica semanal): Mario Bellatín, José Luis Brea, Fernando Castro Flórez, Juan Francisco Ferré, Néstor García Canclini y María Virginia Jaua.

:: salonkritik :: es la revista de crítica artística y cultural más prestigiosa y leída (35000 páginas vistas mensuales) en el momento actual en castellano. Publicada en formato blog desde 2004, busca conciliar el rigor del análisis cultural y la teoría crítica con el reto que para su desarrollo supone el estar y ejercerse “en línea”. :: salonkritik :: opera principalmente como un repositorio selectivo de la crítica cultural de calidad -republicando los mejores artículos aparecidos online, tanto en revistas especializadas como en suplementos culturales- pero aspira a actuar al mismo tiempo como dispositivo editorial autónomo que cuestiona la autoridad instituida de tales medios, al abrir el espacio de la intervención crítica a su dialogación colectiva en el ámbito de la esfera pública que constituyen las redes sociales en internet.

Actualmente ha puesto en marcha la publicación de una nueva línea de opinión crítica de contenidos desde el propio medio –la ::columna sK::, distribuída semanalmente mediante un emailing distribuido bajo la rúbrica de “domingo festín caníbal”.

Culminando una sucesión de proyectos online que -desde aleph y acción paralela hasta las revistas arts.zin, estudios visuales y agencia crítica- han ido desgranando una política de la crítica artística y cultural en su devenir online, :: salonkritik :: explora un territorio nuevo en el trazado de transversales entre los distintos géneros y modalidades de las prácticas, habitando y procurando hacer fértiles los espacios intersticiales en que la diversidad de los modos de la creación cultural contemporánea se despliega en la actualidad, de tal modo que a las tradicionales separaciones estancas en secciones busca oponer un modelo de contaminaciones recíprocas.

Gracias a todo ello :: salonkritik :: representa una tentativa experimental de desarrollo de un modelo de independencia crítica que, más allá de las tradicionales complicidades que lastran el ejercicio de la crítica (en sus dependencias institucionales, comerciales y de objeto), procura proyectar el escenario del trabajo crítico riguroso -fortaleciendo cada vez más la generación de contenidos propios- al espacio de una esfera pública que, concebida como lugar de encuentro y controversia abierta al libre juego de las argumentaciones, supone su exposición al contraste con la multiplicidad y diversidad de las voces.

Manteniendo una estrategia de minoridad en su diseño como proyecto editorial, :: salonkritik :: desarrolla una política de libre distribución de contenidos bajo licencia creative commons, siguiendo escrupulosamente una política de reconocimiento de autoría y citación de fuentes originales en todos los materiales que publica. Editada por una asociación cultural no lucrativa [ART, a.c.], su mantenimiento es posible gracias al patrocinio del CENDEAC, el CGAC, la Fundación Telefónica, el Centro Montehermoso y el MNCARS.

La Región de Murcia presenta en ARCO 8´5´10´

PanelOK-u.jpgLa Región de Murcia participa por tercer año consecutivo en la XXIX Feria Internacional de Arte Contemporáneo ‘ARCO’, en la que se presenta el proyecto 8´5´10´ (8 horas, 5 días, 10 acciones), comisariado por Pablo Lag.

El objetivo de esta participación es dar a conocer aquellas tendencias protagonistas de las distintas manifestaciones que conviven en la actualidad en el arte contemporáneo, mostrando la diversidad de jóvenes artistas murcianos o que desarrollan su vida profesional en esta comunidad.

En esta edición, la Región de Murcia varía su estrategia de años anteriores, dedicando su espacio a dar visibilidad a grupos de creadores y artistas que provienen de diferentes disciplinas, convirtiendo el stand en un escaparate de lo que se sucede en Murcia en materia artística y creativa.

Diez son las propuestas artísticas que se desarrollan ‘in situ’ en el stand de la Región de Murcia, dos cada día, en un proceso cambiante que adquiere un carácter preformativo en el que la barrera entre lo que constituye la obra de arte (el objeto) y el artista (el sujeto) queda diluida. Algunos de los trabajos han comenzado ya; otros finalizarán en el stand como resultado de un dilatado proceso, y el resto son el comienzo de un largo camino, lo que confiere a la exposición la idea de ‘workshop in progress’.

En el stand habrá una memoria constante de lo sucedido los días anteriores a través de dos monitores que reproducirán fragmentos de las acciones u obras artísticas.

De forma paralela se presenta el nuevo Centro de Arte Contemporáneo de la Región de Murcia, ‘La Conservera’ que cuenta, aproximadamente, con un tercio del stand, donde se recrea la arquitectura exterior del edificio.

La Conservera, que toma su nombre del antiguo uso del edificio como fábrica de conservas, reúne en sus 4.800 m² de espacio expositivo, a artistas tanto nacionales como internacionales de diferentes generaciones, que ya cuentan con una trayectoria interesante, sólida y con reconocimiento de la crítica internacional, aunque siguen siendo una apuesta de riesgo.

A su vez, este espacio acogerá una de las mayores producciones realizadas íntegramente por el Centro, la instalación de la artista Rosalía Banet (1972), ‘Las Golosas, Fábrica de Conservas Agridulces’, que pudo verse en sus instalaciones durante el periodo de septiembre a noviembre de 2009.
La obra tiene como eje central a las siamesas Sara Li y Ana K. En su todavía breve vida, las siamesas han creado una fábrica de conservas agridulces que lleva su apellido: Fábrica de Conservas Agridulces Las Golosas. Se trata de un pequeño negocio familiar donde cocinan -como anteriormente hicieran sus madres-, platos realizados con sus propios sentimientos. Así, por medio de la comida, trasmiten sus emociones a quienes los degustan y cubren las que para Freud eran las necesidades básicas del ser humano: el hambre y el amor.

En la exposición, se reproduce, con figuras a escala 1:20, la fábrica con todos sus empleados (parejas de siameses) y los distintos departamentos que la componen (despiece, envasado, etiquetado, etc.).


DÍA 1

Eduardo Balanza con la colaboración de Stephan Bosse y Abraham Hurtado.
‘The Mute War’

La acción está montada sobre la idea de que tres performers-montadores vestidos de militar acoplan a tiempo real un tanque T34 de cartón. El trabajo de encajar y pegar la estructura central y toda la armadura exterior e interior, ruedas, torre, laterales previamente construidos puede durar unas 4 horas, aproximadamente. Después de tenerlo montado en una sola pieza y en pie, comienzan a colocar documentación gráfica, fotografías, dibujos y planos en las paredes sobre las que también se dibujan secciones de algunas piezas en directo, fotografías e ilustraciones del original.

El espectador-público puede ver desde el principio una serie de objetos, ruedas, piezas, rodamientos, etc. y tres individuos vestidos de militar de paseo, no de combate, a los que puede contemplar e identificar fácilmente como los tres humildes y educados encargados del montaje de un inofensivo artefacto, que fue uno de los talones de Aquiles del tercer Reich, desde Stalingrado hasta la caída de Berlín.

Eduardo Balanza (Murcia, 1971)
Fotógrafo murciano nacido en 1971. Es licenciado en Medios Audiovisuales, y ha ampliado estudios en La Habana y Nueva York. En los últimos años, ha elaborado un cuerpo de trabajo basado en el análisis y apropiación de las imágenes promocionadas por los medios, con un interés particular por la proliferación de iconos que asocian violencia y moda. Trabaja habitualmente con la Galería T20, con la que ha estado presente en distintas ferias internacionales (ARCO, Paris Photo, Art Basel, MACO, DFOTO etc.). En 2008 obtuvo una beca del Proyecto de Arte Contemporáneo (PAC Murcia) que organiza la Consejería de Cultura y Turismo y por la que residió seis meses en el centro Kunstraum Kreuzberg / Bethenien de Berlín y participó en la muestra ‘Souvenir’ de la misma institución.


Second

El grupo de música Second estrena el cubo insonorizado que forma parte del stand de la Región de Murcia para ARCOmadrid y cuyas dimensiones son 3.60 X 4 X 4m. Los integrantes del grupo permanecerán encerrados durante 8 horas componiendo un nuevo tema musical, el resultado de la acción queda abierto.

Su participación en la feria pone de manifiesto la interdisciplinaridad que se pretende mostrar desde la Región.

Second
Creado en 1997, Second está formado por José Ángel Frutos (vocalista), Jorge Guirao (guitarra), Nando Robles (bajista), Fran Guirao (batería) y Javi Vox (guitarra, teclados).
En 2004 ganan la Final Europea del prestigioso certamen GBOB Awards. Es ese mismo año es cuando editan ‘Segunda Vez’, un E.P. donde comienzan a probarse cantando en castellano. Antes de acabar 2004 ganan también la Final Mundial de los GBOB Awards, tras lo que el grupo se embarca en una extensa gira.
En 2006 Se reedita ‘Invisible’ con dos nuevos temas y telonean a Depeche Mode. Jorge Sánchez, director de la película "La Noche de los Girasoles" escoge ‘Her diary’ para la banda sonora de este film.
2008 es el año de preparación, entre conciertos, de un disco ya totalmente en castellano que se editó en el arranque de 2009 y que lleva por título ‘Fracciones de un Segundo’ (Warner Bros).
En 2009 participan en un concierto en la Sala Caracol patrocinado por la Consejería de Cultura y Turismo como iniciativa para dar a conocer las últimas tendencias musicales de la Región de Murcia.
Finalmente en el año 2010 se embarcan en el proyecto ARCO 2010, donde en un cubo especialmente insonorizado para ellos y que será utilizado de una u otra manera por los artistas que les precedan.


DÍA 2

Begoña Carrasco

Begoña Carrasco utiliza como medio para construir su pieza un tatuador que graba en la piel de distintas personas un fragmento de la obra “¡Palabra!“.Instantáneas filosóficas de Jacques Derrida:

Y la desposesión es también el riesgo de no firmar siquiera una declaración de amor. En el fondo no soy yo quien firma; desde el momento en que algo se lanza al mercado literario,

“…ya no viene de mí, no se dirige a ti, la huella se me escapa, cae en el mundo, un tercero dispone de ella…”

y con esa condición se convierte en literatura, y esa literatura es la que pervierte mi relación contigo

“¡Palabra!”. Instantáneas filosóficas.
Jacques Derrida. Editorial Trotta.

Varios fragmentos de esta obra están decorando las paredes del cubo, donde se sitúa el tatuador.

Begoña Carrasco (Murcia, 1973)
Artista versátil que compagina sus estudios de postgrado y tesis doctoral con diversos proyectos de ilustración y diseño, desarrollando continuamente su faceta profesional, en el ámbito de la imagen, video, tanto producción como postproducción, diseño y lenguajes multimedia.
Así, habiendo recibido diversos reconocimientos en distintos certámenes artísticos y habiendo participado en varias exposiciones tanto individuales y colectivas, se debe hacer especial mención a su participación en la Bienal de Valencia donde presentó la obra “Derivas” y su participación en la exposición colectiva en la Fundación José García Jiménez de Nueva York.


Martín Lejárraga

Martín Lejárraga ha intervenido una antigua caravana, transformándola en una casa de de dimensiones reducidas, donde se albergan pequeñas obras de arte contemporáneo, adquiridas por un ficticio coleccionista, teniendo en cuenta el reducido espacio del que se dispone. De forma paralela hay distintas mini-conferencias y mini-performances.

Martín Lejárraga (Bermeo, Vizcaya)
Martín Lejárraga es de Bermeo, pero vive en Cartagena desde hace años. Allí tiene su estudio, que ha sido seleccionado por el Wallpaper en su lista anual de jóvenes arquitectos. Desde siempre ha estado muy interesado en la tecnología y los avances de la ciencia, así como en su impacto en la sociedad y la arquitectura en particular, cada vez valora más la presencia humana en todo el proceso de diseño. Interesado en el proceso en sí mismo, y no simplemente el producto final, Lejárraga mantiene su visión de que la arquitectura, puede en última instancia, cambiar el mundo.


DÍA 3

Eli Cayuela, Lemmy Feife, Rodrigo Fonseca, Cristina Morano y Jorge Martínez.

Si el trabajo de los diseñadores y comunicadores consiste en trasladar mensajes determinados hacia un público específico, esta vez se despojarán de todo elemento comunicativo como experimento para ellos y el espectador. Este cambio de roles puede ayudar a comprender una nueva perspectiva de cada una de las partes.

La idea consiste en aislar, independientemente, a cada uno de los cinco integrantes de los distintos estudios de diseño y comunicación de Murcia durante ocho horas ininterrumpidas en cubículos, que estarán emplazados en las oficinas de La Conservera, Centro de Arte Contemporáneo, sin posibilidad de distracción, sin acceso a medios de comunicación y sin poder hablar con nadie. Solamente podrán contar con el acceso a productos básicos como agua y comida. Este aislamiento, en directo, será visible en el stand a través de diversos televisores que recogen la experiencia personal de cada uno de ellos, como productos en escaparates a la espera de ser escogidos por el espectador.

Esta acción, que pretende buscar la interacción del público, contará con un teléfono móvil a través del cual el espectador podrá seleccionar a qué persona quiere sacar de su “incomunicación” por el tiempo que estime oportuno.

Clara Boj, Diego Díaz y Julián Oliver

Su propuesta para el stand de la Región de Murcia en ARCOmadrid 2010 es recrear las oficinas centrales de ‘The Artvertiser’, desde las cuales el visitante puede coger prestados unos prismáticos y, provistos de un plano, realizar un recorrido alternativo por la feria. Cada vez que el espectador mire a través de los prismáticos a las obras señaladas en el mapa, la imagen de estas será sustituida por otra obra de arte distinta, generando narrativas a partir de la vinculación u oposición de los contenidos.

Para esta presentación del proyecto se plantea realizar al menos 2 recorridos alternativos, cada uno de los cuales intervendrá sobre al menos 5 obras de las que se exhiban en ARCOmadrid 2010.

Diego Díaz y Clara Boj
http://www.lalalab.org/hybrid.htm
Diego Díaz y Clara Boj son los más reconocidos representantes murcianos del arte de nuevos medios. Sus proyectos han sido expuestos y elogiados en marcos como Medialab Prado en Madrid, el Festival Internacional de Músicas Avanzadas y Arte Multimedia Sonar de Barcelona o, recientemente, en Ars Electrónica de Linz, el más relevante escaparate internacional de arte y tecnología. Su última propuesta, el proyecto “Parque Hibrido” consiste en la transformación de diversos parques de juegos para niños de la ciudad Murcia en un entorno interactivo y multimedia.
Diego Díaz y Clara Boj participaron en la primera edición del Proyecto de Arte Contemporáneo (PAC Murcia), comisariada por Nicolas Bourriaud.


DÍA 4

Jesús Martínez Oliva
Cómo queremos ser educados

Seis jóvenes copian de forma rutinaria y sucesiva las siglas de las seis leyes educativas de la democracia española sobre seis pizarras, una detrás de otra. El supuesto carácter lineal y progresivo de la sucesión de las diversas leyes se convierte, en la acción, en un proceso circular y cerrado sobre sí mismo.
Un espectador medio se encontrará con la dificultad de dotar de significado a algunas de esas siglas y más aún de articular los contenidos y principios de las leyes que representan estas. Por otro lado la propia sucesión de leyes contradictorias entre sí, muestra la historia de la educación en nuestra democracia reciente, en la que los enfrentamientos por las posturas ideológicas de base, la han convertido en un continuo campo de batalla.

Jesús Martínez (Murcia, 1969)
Nace en Murcia en 1969. Su trabajo se ha visto, entre otros centros, en la Fundación Joan Miró (Barcelona), IVAM (Valencia), la Bienal de Valencia, la Metropolitan University de Londres. Su habilidad para los análisis conceptuales y su preferencia temática por los asuntos de actualidad hacen de Martínez Oliva uno de los artistas españoles más interesantes de su generación.
Jesús Martínez Oliva ha expuesto en los pabellones de la Región de Murcia en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo CIRCA de Puerto Rico (2008) y en la Bienal de Venecia (2009).


Sonia Navarro
‘Conversación con las agujas’

Su intervención consiste en realizar una obra en directo acompañada de tres asistentes que son su madre y sus abuelas, las cuales reciben una retribución por dicho trabajo. Las mujeres han trabajado en labores del hogar sin percibir ningún sueldo y sin tener en cuenta su trabajo.

Sonia Navarro realiza en el stand de Murcia para ARCOmadrid lo mismo que hace un día normal de trabajo en su estudio de Puerto Lumbreras e incluso cumple con su horario laboral, creando un vestido que se pone al final de la acción, el cual no le dejará avanzar.

La imposibilidad de movimiento como parte principal del proyecto, la inmovilidad de la mujer en la sociedad, las mujeres atadas al pasado, a las costumbres, metidas en sus propios vestidos a modo de segunda piel, como protección del exterior. La casa (cubo) de la misma manera estaría protegida y abrigada con fieltro como lugar de protección del propio cuerpo.

Sonia Navarro (Puerto Lumbreras, Murcia ,1975)
Aunque el principal referente de sus trabajos son sus vivencias personales y los recuerdos familiares de las mujeres de la casa cosiendo, tejiendo o remendando, sus piezas no dejan de tener un cierto compromiso con las causas de género y con el feminismo, encontrándose en ellas ciertas huellas del trabajo de una serie de artistas, como Mary Kelly o Louis Bourgeois que, en algún momento de su carrera, han hecho a la cultura doméstica partícipe en sus trabajos artísticos. Sus obras nos inducen a reflexionar sobre el papel que desempeñaba la mujer en la sociedad hace tan sólo unas pocas décadas y su paulatina evolución en los últimos tiempos.


DÍA 5

Javier Pividal

Nos plantea una muestra de su proceso de trabajo basándose en el último proyecto que está desarrollando. Un Macintosh mostrará, los archivos/presentaciones de todos los pasos que conlleva la creación de su obra (imágenes, textos, referencias, otros trabajos...) al tiempo que se exhiben los materiales de una pieza que elabora in situ y que se colocan sobre el suelo.

El objetivo es mostrar el trabajo del artista de una manera sencilla y sincera pero también exhaustiva pues en ARCOmadrid conviven varios tipos de público, desde el más experto hasta el más amateur. Por tanto la idea es mostrar, pero también poder contestar a las preguntas, si las hubiera, de los más inexpertos, enseñarles de dónde vienen las imágenes y el porqué del trabajo que se está realizando, referencias, etc; y también poder atender a los expertos con todos los materiales -digitales- necesarios.

La obra se va instalando sobre el suelo, resultando un texto compuesto por piezas de papel con cortes de fácil montaje y desmontaje.

Javier Pividal (Cartagena, Murcia ,1971)
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Valencia y master en Museología. Además ha participado en numerosas exposiciones colectivas tanto en España como en Reino Unido, Brasil, Holanda, Estados Unidos. Entre los premios que ha recibido, se encuentran el 2º premio de la segunda edición del Concurso de Creación Artística Fundación José García Jiménez en 2006, el premio Murcia Joven en el año 2000, una mención de honor en el IV Concurso de Fotografía Aula de Artes Plásticas de la Universidad de Murcia en 2004, y una serie de becas entre 1997 y 2009.


Ramón González

‘Grid – in. 2010’

Instalación pictórica y performátiva basada en la colocación y montaje de tres cuadrados, de malla metálica, pintadas a mano. ‘Gridin’, que significa algo así como red o reja en interior.

Las mallas son pintadas cada una de ellas de colores específicos, blanco, negro y colores fluorescentes para producir sobre todo un efecto eléctrico y digital en la imagen.

Pretendiendo con ello conseguir un efecto de holograma digital. Este resultado es producido por la disposición paralela de las estructuras, que harán posible un cierto volumen visual gracias al movimiento cinético que genera la persona al contemplarlo.

Las mallas generan una instalación, de manera que el público que esta dentro del cubo puede ir enredándose con las imágenes, perdiendo incluso la noción del espacio, al mismo tiempo que provocan una confusión sobre los espectadores que se asoman al cubo.

Ramón González Palazón (Mula, Murcia)
http://www.unor.es
Ramón González Palazón, artista originario de Mula, rentabiliza las posibilidades de los dispositivos interactivos para generar nuevas interpretaciones de los espacios físicos. Mediante el uso de la técnica mixta, en el que se entrecruzan paisajes lumínicos, pintura o escultura, pantallas táctiles y sonido, González Palazón apela a la experimentación de nuevas sensaciones.
Participó en ARCO 2009 dentro del proyecto ‘Techformance’, que presentó la Región de Murcia. Ramón González expuso en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (CIRCA) dentro de una iniciativa de la Consejería de Cultura y Turismo para dar a conocer a los artistas de la Región de Murcia.

Febrero 15, 2010

ESTUDIOS VISUALES, #7: Retóricas de "La Resistencia"

Estudios Visuales
número #7: Retóricas de "La Resistencia"
Director: José Luis Brea
www.estudiosvisuales.net

Patrocinio: CENDEAC
www.cendeac.net

Stand de la revista en ARCO: RE34

EV7.jpg¿Nos encontramos entonces y definitivamente frente a una “fase antagonista” del capitalismo cultural –una fase que habría integrado plenamente la “crítica artística”? ¿Estamos simplemente ante una actualización de las “contradicciones culturales” del capitalismo avanzado? ¿Cómo puede abordarse todavía la “crítica de la ideología” por parte de la teoría crítica –en un tiempo en el que las prácticas e instituciones culturales parecen haber establecido y estabilizado complicidades estructurales con los “teóricos críticos” (integrándolos como curators, conferenciantes, prologadores de catálogos, subrepticios investigadores de plantilla a sueldo, todas esas nuevas parodias de los clásicos “intelectuales orgánicos”) para obtener de ello su propia legitimación como, precisamente, instituciones o prácticas “antagonistas”, “críticas” o “radicales”?

Pensamos que se trata de una cuestión crucial en el momento actual, y tanto para las prácticas culturales –en lo que todavía ellas aspiren a transformar el mundo que habitamos- como desde luego para el desarrollo y repensamiento contemporáneo de la teoría crítica y sus métodos y recursos analíticos y epistemológicos.

En ese sentido, nuestra pregunta concierne también y primordialmente a la cuestión de las “nuevas humanidades” –los nuevos estudios críticos- y la redefinición que en el marco de las transformaciones contemporáneas de las formaciones del saber y sus instituciones deben ellas abordar para lograr asumir el rol que se les demanda, como proveedoras de un criticismo riguroso y bien fundado, en lugar del papel de legitimación al que desde su pseudocaracterización contemporánea son una y otra vez requeridas.

Índice del número:

• José Luis Brea, Retóricas de La Resistencia: una introducción
• Néstor García Canclini, ¿De qué hablamos cuando hablamos de resistencia?
• Mieke Bal, Arte para lo Político<
• Simon Critchley, El futuro del pensamiento radical
• Jacques Rancière, Sobre la importancia de la Teoría Crítica para los movimientos sociales actuales
• David García Casado, La resistencia no es modelo sino devenir. Crítica de lo radical contemporáneo
• Sergio Martínez Luna, La crítica de la cultura después de la cultura
• Suely Rolnik, Furor de archivo
• James Elkins, Un seminario sobre teoría de la imagen

Fundación Telefónica presenta en ARCO las obras ganadoras del Certamen VIDA 12.0

imgprincipal-u.jpgLos premios VIDA, creados por Fundación Telefónica para promover la creación artística basada en las nuevas tecnologías y la vida artificial, celebran sus 12 años convertidos en un referente mundial. En las ediciones de los premios VIDA han participado 842 artistas de más de 30 países.

www.fundacion.telefonica.com/vida

El certamen VIDA, creado en 1998, premia proyectos en dos modalidades: una internacional para trabajos ya finalizados y otra para incentivar la producción en Iberoamérica, España y Portugal.

Entre los proyectos que han participado a lo largo de todas las ediciones de VIDA, que se inició en 1998, se encuentran obras de arte que utilizan una gran gama de recursos tecnológicos como la robótica autónoma, los algoritmos caóticos, los virus informáticos, la biotecnología, los entornos virtuales o la escultura sonora.

Un jurado de reconocido prestigio internacional ha seleccionado a los ganadores de la edición de 2.009 entre los 138 trabajos presentados por artistas de 26 países, de los cuales 63 son europeos (26 de ellos españoles), 66 americanos (destacando Estados Unidos con 18 y Argentina con 15). Por su parte, de los 53 proyectos que han participado en el apartado Incentivos a la producción, 33 son americanos y 17 españoles.

Las obras ganadoras en esta última edición de los Premios VIDA suponen la consolidación de un proyectos que ha aportado un debate singular al panorama creativo actual. Pioneros en este terreno, los premios presentan creaciones que transgreden los límites del arte, la biología y la tecnología.

En esta edición ha habido una gran presencia de proyectos relacionados con la biotecnología y su relación con el medio ambiente.


RELACION DE OBRAS EXPUESTAS EN ARCO 2010

PRIMER PREMIO
Silent Barrage
Guy Ben-Ary, Philip Gambleau, Peter Gee, Nathan Scout, Brett Murray, Dr. Steve Potter
Australia, 2009
Silent Barrage es una obra de arte interactiva única porque integra actividad de tejido neural vivo en su proceso. Silent Barrage cuenta con un cerebro biológico (una red formada por neuronas de embriones de rata cultivadas en placa Petri) conectado por vía telemática a un “cuerpo” (36 postes robóticos). La instalación de postes ubicada en el espacio expositivo recogerá información del entorno (volumen de visitantes, por ejemplo) y como consecuencia se estimularán, ejercitarán o relajarán determinadas partes del cerebro.

SEGUNDO PREMIO
Connect
Andreas Muxel
Alemania, 2008

A través de una cuerda imantada que progresivamente irá generando movimientos en los elementos que componen esta bella escultura cinética, Connect da forma artística al fenómeno del comportamiento espontáneo dado que permite generar una actividad en cambio constante a partir de una serie de elementos simples con patrones de comportamiento idénticos.

TERCER PREMIO
Growth Modeling Device
David Bowen
EEUU, 2009

Este dispositivo genera una serie de copias de plantas de cebolla en proceso de crecimiento a partir de imágenes escaneadas en 3D. El sistema crea una copia cada 24 horas desde un de los tres ángulos posibles. Mientras el láser escanea la cebolla se acciona al mismo tiempo una máquina de modelado por deposición fundida que utiliza plástico ABS. La simpleza de las esculturas resultantes es cautivadora y pone de manifiesto como la tarea de grabación repetitiva da lugar aun objeto con fidelidad asombrosa ante la atenta mirada de un espectador que interviene en el proceso como mero observador.

Febrero 12, 2010

EXPOSICIÓN “LOS ÁNGELES DE JULIUS SHULMAN”

CaseStudy-U.jpg16 febrero – 16 mayo de 2010
Sala de exposiciones Canal de Isabel II
Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid

Entrada gratuita
Actividades paralelas: visitas guiadas
www.madrid.org

La Sala Canal de Isabel II acogerá hasta el 16 de mayo el trabajo de Julius Shulman, considerado, en el ámbito internacional, uno de los grandes fotógrafos de arquitectura. Bajo el título “Los Ángeles de Julius Shulman”, esta exposición se inscribe en el marco de la programación de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCOmadrid_2010, que en esta edición acoge a Los Ángeles como ciudad invitada.

La muestra incluye 130 fotografías, casi desconocidas por el gran público, procedentes del Archivo Fotográfico de Julius Shulman del Getty Research Institute. En ellas se revelan la profundidad y la diversidad de su obra dedicada a la ciudad de Los Ángeles y a su desarrollo urbanístico.

El recorrido expositivo se articula en torno a siete narrativas fotográficas que revelan un valioso documento visual que Shulman se encargó de retratar: la intensa evolución de esta metrópoli.


Organiza: Esta exposición ha sido organizada por el Instituto de Investigación Getty en colaboración con la Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid.

Comisario: Win de Wit y Christopher J. Alexander

Catálogo: Co-publicación con el Getty Research Institute y la Comunidad de Madrid

Dirección:
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II
Santa Engracia, 125
28003 Madrid
Teléfono: 91 545 10 00 – Ext.2505

Horario:
De martes a sábado: De 11:00 h a 14:00 h y de 17:00 h a 20:30 h
Domingos y festivos: de 11:00 h a 14:00h.
Lunes, 2 de abril y 1 de mayo cerrado

Visitas guiadas:
Sábados 12:00h, 13:00h, 18:00h y 19:00h.
Domingos 12:00h y 13:00h.

Entrada gratuita

+ Info:
www.madrid.org


LOGOS_U13-U.jpg


(Foto: Case Study Nº 21. L. A., California, 1958. © J. Paul Getty Trust)

Seminario online UOC/LABoral:
“Cultura lúdica y entretenimiento digital; Nuevos juegos y jugadores en las industrias creativas”

uoc_laboral-u.jpgDel 4 al 30 de marzo de 2010

www.uoc.edu/cursosinvierno/7/entretenimiento_digital_presentacion.html

www.laboralcentrodearte.org

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial y la Universitat Oberta de Catalunya (UOC) han organizado un seminario en el que, bajo el título “Cultura lúdica y entretenimiento digital: Nuevos juegos y jugadores en las industrias creativas”, se propone interrelacionar las prácticas artísticas y culturales digitales con el contexto general del entretenimiento digital y, también, mostrar una panorámica sobre las intersecciones más relevantes e innovadoras entre cultura lúdica, nuevos medios y tecnología, con especial incidencia en el ocio digital.

Este Seminario se suma a la segunda edición de “Innovación en arte y cultura digital”, que se celebra este mes de febrero en el marco de los cursos de invierno. Este nuevo Seminario tiene como objetivo analizar el impacto de la cultura lúdica en sociedad; es decir la estética, dinámica y lógica de los videojuegos así como la manera en que estos entran en relación con otras formas de entretenimiento digital y manifestaciones de la cultura, tales como el arte, el cine, la televisión y la música, que han adoptado nuevos modelos en la relación entre emisor y receptor del mensaje mediático. En la sociedad lúdica, todos somos jugadores y habitamos, creamos y definimos los diferentes niveles de un entorno multijugador masivo.

El curso en “Cultura y entretenimiento digital” se desarrollará a distancia, en el campus virtual, del 4 al 30 de marzo de 2010. Contará con la participación de profesorado especializado como: Javier Candeira, Flavio Escribano, Pau Waelder, Raquel Rennó y Pau Alsina, quien a su vez coordina, junto a la directora de LABoral, Rosina Gómez-Baeza Tinturé, el presente programa de Seminarios.


El Curso tendrá una duración de 25 horas, al término de las cuales los participantes recibirán 1 crédito ECTS. Toda la información está disponible en:
http://www.uoc.edu/cursosinvierno/7/entretenimiento_digital_presentacion.html

La inscripción del curso está abierta hasta el día 23 de Febrero, y se puede llevar a cabo en:
http://www.uoc.edu/cursosinvierno/web/matricula.html?id=Identificador&idpath=61311


PROGRAMA

- Cultura y sociedad lúdica
1. Contexto histórico: del juego en la cultura a la sociedad del entretenimiento.
2. Las industrias culturales ante la sociedad lúdica: cine, videojuegos, música y entretenimiento en la economía del ocio.

- Editores de niveles: apropiación y producción propia.
1. Del ready-made al mashup: la cultura de la apropiación.
2. Cultura del sampling en la era digital.
3. Crowdfunding y nuevos modelos de financiación colectiva.
4. Mazmorras para dragones noveles: la onda expansiva de MySpace y otras comunidades virtuales en la industria del entretenimiento.
5. Machinima: el cine de los entornos virtuales.

- First Person Shooters: el consumidor como protagonista.
1. Los nuevos espectadores: usuarios, prosumers y fans.
2. Se prohíbe no tocar: de la obra participativa al game art.
3. Todos somos lonelygirl15: el triunfo de la estética amateur.
4. Modo multijugador: creación colectiva de productos culturales en la red.

- Walkthroughs: nuevos caminos en la distribución de contenidos culturales.
1. El modelo peer-to-peer y sus consecuencias para la industria cultural
2. Gift economy.
3. Marketing viral y uso de los social media en la difusión de productos de
entretenimiento.
4. Los nuevos grandes centros de producción en la "periferia global".

- Todo juego significa algo: más allá del simple entretenimiento.
1. Serious games: insertando la realidad en un entorno lúdico.
2. Culture jamming y subversión de los mensajes mediáticos.

- ¿Continuar? Escenarios para futuras partidas.
1. Las industrias creativas en la era de la Sociedad red.


Más información:

www.uoc.edu/cursosinvierno/7/entretenimiento_digital_presentacion.html

www.laboralcentrodearte.org

Asesoría personalizada: 902 141 141

Febrero 11, 2010

John Baldessari. Pura belleza

JBHeel-u.jpg11 febrero – 25 abril 2010

Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA)
www.macba.cat

Nacido en 1931 en National City, California, John Baldessari es sin duda uno de los artistas más influyentes de nuestro tiempo. Su larga exploración del lenguaje y de la imagen, junto con su enfoque inquisitivo de la creación artística, han expandido los parámetros de lo que consideramos arte.

En 1966 empezó a fotografiar un barrio obrero de su ciudad. Las fotos eran intencionalmente mundanas y nada espectaculares. Como antítesis del arte pop, Baldessari adoptó una actitud antiheroica a base de documentar acciones ingeniosas en vez de monumentalizar sus temas. Después amplió las fotos y las transfirió sobre telas, y pidió a cartelistas comerciales que pintaran encima textos igualmente prosaicos que identificasen cada lugar. Estas piezas crearon nuevos significados y tensiones entre imágenes y palabras, y marcaron un punto de inflexión en la trayectoria del artista.

Más adelante, Baldessari eliminó completamente las imágenes de sus telas y dejó únicamente texto, extraído de distintas fuentes que a veces manipulaba. «Buscaba usar el lenguaje no como elemento visual, sino como algo para ser leído. Así, una nota tomada sobre una pintura podía sustituir a la pintura... Intentaba hacer algo que no emanara señal alguna de arte.» Baldessari profundizó en el concepto de autoría con la serie Commissioned Paintings (1969), en la que contrató a artistas amateurs para producir pinturas de fotografías de una mano señalando cualquier cosa ordinaria. La serie se inspiraba en una crítica que afirmaba que el arte conceptual consistía en señalar.

La enseñanza ha sido una parte integral de la vida de Baldessari. En 1970 le ofrecieron una plaza en el reconocido California Institute of the Arts (Cal Arts), donde enseñó junto a coetáneos tan influyentes como John Cage y Nam June Paik. Estar expuesto a su obra y a sus medios respectivos, la música y el vídeo, dejó una impronta significativa en Baldessari. La música le aportó la noción de temporalidad, que él plasma mediante el uso de múltiples fotos a modo de secuencia temporal, como en Artist Hitting Various Objects with Golf Club (1972-1973). Con la introducción del Portapak Sony, empezó a experimentar con el nuevo medio. Realizados inicialmente para sus alumnos, vídeos como I Will Not Make Any More Boring Art (1971) y I Am Making Art (1971) se han convertido en algunas de las piezas de vídeo más icónicas del artista.

Tras mudarse a Los Angeles, la proximidad de Hollywood también repercutió en la obra de Baldessari. Abordó los procesos de trabajo de la industria cinematográfica en obras como Story with 24 Versions (1974) y Scenario: Story Board (1972-1973), en las que la trama está desarrollada escena por escena. También se apropió de las imágenes de fotogramas que encontraba en tiendas locales y que categorizaba meticulosamente según su contenido para aplicarlas en su obra. Simultáneamente empezó a crear piezas a mayor escala, utilizando las fotografías como bloques de construcción para sugerir narrativas. En Kiss/Panic (1984) hay una provocativa yuxtaposición de una pareja besándose, con una escena de una muchedumbre aparentemente caótica debajo, rodeados de fotos de pistolas apuntando.

A mediados de los años ochenta, empezaron a aparecer puntos de colores sobre los rostros de los personajes. Baldessari descubrió que el hecho de cubrirles el rostro acentuaba el carácter anónimo de los personajes, lo que obligaba al espectador a centrarse en otros aspectos de la imagen para dar sentido a la escena. Bloody Sundae (1987) consiste en dos escenas diferenciadas dispuestas de tal forma que recuerdan unos postres de helado. En la parte superior, dos hombres atacan a un tercero junto a unos cuadros amontonados, mientras que en la parte inferior una pareja retoza perezosamente en la cama. Todos los rostros están cubiertos con un círculo de color. La violencia de la imagen superior combinada con la fuerza de sugestión del título insinúa un asalto inminente a la habitación de la pareja.

En obras posteriores, las manchas de color usurpan la totalidad del personaje, lo que resta profundidad a la imagen y hace de la forma humana una abstracción. En The Duress Series: Person Climbing Exterior Wall of Tall Building/Person on Ledge of Tall Building/Person on Girders of Unfinished Tall Building (2003) aparecen tres de esas figuras en situaciones de peligro; aun así, las siluetas coloreadas añaden a la escena un toque de humor.

Baldessari insiste en las partes del cuerpo que identifican la sensibilidad visual en las series Noses and Ears (2006-2007) y Arms and Legs (2007-2008), en las que estas partes se aíslan mientras que otros detalles del cuerpo y del entorno se colorean o bien se omiten, de modo que el espectador tiene que interpretar la obra a partir de unos elementos mínimos. En su serie más reciente, Furrowed Eyebrows and Raised Foreheads (2009), el artista prosigue su exploración de la expresión humana a través de las fragmentaciones.


Actividades
Conversación entre John Baldessari y Bartomeu Marí
Jueves 11 de febrero, a las 19 h
Auditorio MACBA. Entrada libre. Aforo limitado

Visitas comentadas a la exposición
Baldessari visto por…
Ester Partegàs, artista
Miércoles 17 de febrero, a las 18 h
David Armengol, comisario y educador
Miércoles 24 de febrero, a las 19 h
Montse Badia, crítica y comisaria
Miércoles 10 de marzo, a las 19 h
Octavi Rofes, antropólogo y subdirector de la Escola Eina
Miércoles 24 de marzo, a las 19 h
Toni Segarra, publicista
Miércoles 7 de abril, a las 19 h
Salas del Museo
Más información en www.macba.cat


Publicación
John Baldessari. Pura belleza. Barcelona: Museu d’Art Contemporani de Barcelona, 2010. Textos de Marie de Brugerolle, Bice Curiger, Douglas Eklund, Russell Ferguson, Rainer Fuchs, Tim Griffin, Friedrich Meschede, David Salle y John C. Welchman. Ediciones en castellano, catalán e inglés.

Exposición organizada por la Tate Modern, Londres, en asociación con Los Angeles County Museum of Art (LACMA) y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA).


MACBA_Logo petit-u.jpg


(Heel, 1986. © John Baldessari; foto © 2009 Museum Associates/ LACMA)

Febrero 10, 2010

ESPACIO RAMPA - Programación de Febrero

13339_u.jpgPresentación oficial de la fusión de Empresas Falagán.
Jueves 11 de febrero a las 20:30h.

Mesa de debate sobre modelos de centros de producción.
Viernes 26 de febrero a las 19:00h.

www.proyectorampa.net/

El pasado 5 de febrero se celebró la inauguración de un nuevo espacio artístico en el madrileño barrio de Carabanchel, una zona conocida por su concentración de estudios de artistas. Justo al lado de la parada de metro Urgel, en la calle Peñafiel nº5, abrió sus puertas el proyecto Rampa con la intención es dar respuesta a la escasez de espacios de exposición, debate y creación cultural no institucionalizados. De esta manera Rampa propone un lugar donde idear, albergar y co-producir proyectos que, entre otras cosas, cuestionen los propios formatos de la cultura contemporánea.

Nace de la iniciativa de cinco personas (Teresa Solar, Paloma Checa Gismero, Carlos Fernández Pello, Alberto Franco Díaz y Antonio Montesinos) por crear un lugar híbrido que funcione como espacio de trabajo personal y como punto de elaboración e intercambio cultural en el ámbito de la ciudad de Madrid.


Rampa comienza su actividad con dos eventos para el mes de febrero:

Jueves 11 de febrero a las 20:30h. Presentación oficial de la fusión de Empresas Falagán.

Grupo Empresa Falagán es un proyecto de Julio Falagán realizado con la ayuda de Procesos09, AVAM/CRAC.

El proyecto reflexiona sobre el penoso estatus social del artista hoy en día. Para ello propone la creación de un grupo de empresas ficticio compuesto por un conjunto de negocios relacionados con el mundo del arte. Para materializarlo, Julio Falagán trabaja con un concepto: la incompatibilidad entre trabajo y arte. El artista aprovecha las fachadas de negocios abandonados para incluír en sus rótulos desgastados mensajes nuevos relacionados con su empresa ficticia: Grupo Empresa Falagán.

En Rampa se realizará la presentación oficial de su fusión de empresas y a la inauguración de su nueva página web www.grupoempresafalagan.com que documenta todo el proceso de creación del proyecto. En la velada, el Director General de G.E.F. pronunciará un discurso sobre los valores de la empresa y sus objetivos, mostrará la nueva página web, presentará los nuevos negocios adheridos al grupo y se repartirán obsequios a los asistentes. Todo ello acompañado por un suculento cattering, que incluye además chocolate con churros y copa.


Viernes 26 de febrero a las 19:00h. Mesa de debate sobre modelos de centros de producción.

Participantes: representantes de Mediodía Chica, Studio Banana y Rampa. Participación abierta al público.

Como parte de la presentación del espacio Rampa y para poner en cuestión el modelo propuesto el viernes 26 de febrero Rampa propone una mesa de debate donde se presentarán diferentes aproximaciones al concepto de espacio de producción, activas hoy en la ciudad de Madrid.

¿Qué causas conducen a instituirse como centro de producción? ¿Cómo plantear un lugar de trabajo de forma colectiva? ¿A qué problemas y dificultades se enfrentar este tipo de espacios? Estos y otros asuntos guiarán la discusión de la mesa de debate.


RAMPA
C/ de Peñafiel 5,
Madrid.
www.proyectorampa.net/
Metro Urgel

MADRID ABIERTO 2010

INFOMAB-u.jpgDel 4 al 28 de febrero
Director: Jorge Díez
Comisaria: Cecilia Andersson
Coordinación: RMS La Asociación
Diseño grafico: 451
Para más información: www.madridabierto.com, abierto@madridabierto.com

La actual edición de MADRID ABIERTO, que se desarrolla por primera vez a lo largo de dos años, se centra en el tema de la colaboración. La convocatoria para la presentación de proyectos ya anunció su apertura a todo tipo de propuestas tomadas de un amplio abanico de disciplinas y a todo tipo de artistas que tuvieran como objetivo situar su trabajo en el dominio social de la practica artística y de la participación ciudadana.

Articulando asuntos específicos y prestando voz a problemáticas locales nos situamos un paso más cerca de resolver un conflicto o mejorar una situación. Los diez artistas seleccionados para esta edición de MADRID ABIERTO están sondeando terrenos que a menudo permanecen ocultos o silenciados. El objetivo consiste en revelar algunas de las dinámicas del esfuerzo en colaboración, explorando en qué modo estos esfuerzos afectan a la gente y a la política de determinados lugares. En este contexto, el arte debe ser entendido como una forma de imaginación política. La necesidad de crear tales modelos es infinita en la sociedad actual.

Para esta sexta edición de MADRID ABIERTO dirigida por Jorge Díez y comisariada por Cecilia Andersson, diez artistas y colectivos han iniciado una multitud de procesos que conectan con un amplio abanico de colaboradores activos, que actualmente están teniendo lugar en varios puntos de la ciudad: Time Notes, de Gustavo Romano (Buenos Aires, 1958), Torre, de Pablo Valbuena (Madrid, 1978), Unofficial tourism, de Iñaki Larrimbe (Vitoria, 1967), Huert-O-Bus, de Lisa Cheung (Hong Kong, 1969), Ghostown, de Laurence Bonvin (Sierre, Suiza, 1967), Una casa digestiva para Lavapiés, de Josep-Maria Martín (Ceuta, 1961), Campo AA, Madrid, de Adaptive Actions, Hucha de deseos: ¡Todos somos un barrio, movilízate!, de Susanne Bosch (Wesel, Alemania, 1967), Bajar al subterráneo recién excavado, de Lara Almarcegui, (Zaragoza, 1972) y Vallecas Abierto: ¿Cómo nos van a ayudar con su arte?, de Teddy Cruz (Guatemala 1962) con M7Red e Iago Carro.

A ellos se añaden los trabajos sonoros Pay no attention to that man behind the curtain, de Sarah Boothroyd, Lavapiés Chipén. Memoria sonora de un barrio, de Manuel Calurano Ramos y Anna Raimondo, Insert the name of the city here, de Yves Coussement, Bellabells, de Javier Díez-Ena, Obras, de Wade Matthews, Immatereality, de Annemarie Steinvoort, Memoirs of an amnesiac, de Matthew Verdon, Diario Sonoro, de Hernani Villaseñor Ramírez y Madrid Breathing, de Gloria Zein, que serán emitidos durante el mes de febrero en el programa La Libélula de RNE-Radio 3.

Completan el programa, en colaboración con el Centro Cultural Montehermoso de Vitoria-Gasteiz y la Fundación Rodríguez, las obras audiovisuales seleccionadas en la 9ª y 10ª edición de Intervenciones.tv. I am a clown, de Fausto Grossi, Aida y Sin título, de Puy San Martín y Nerea Lecuona- Sinbait -, So, de Izibene Oñederra, Grapak, de Logela, I just want to give you money y Making of, de Iván Argote, TV1, de David Elguea, Skarro, de Vanesa Castro López –Fur Alle Falle- , Nazi hymn of love, de Iñaki López – Fur Alle Falle-, 1968-2008, de Xuban Intxausti, serie de vídeos Sincita, de Frabicio Caiazza, A arte da videoarte, de Lobo Pasolini, Gedanken eines skispringers, de Wolf D. Schreiber, Félix Vs. Cousteau, del Colectivo Left Hand Rotation y las de los invitados Top Vídeo, de Antonio Mercader, Intro y…fin, de Antoni Muntadas, Buena suerte y Mala conciencia, de Eugeni Bonet y Vídeo-arte, de Joaquim Dols Rusiñol.

El punto de información de MADRID ABIERTO, diseñado en esta edición por el estudio Kawamura-Ganjavian, se encuentra en el Paseo de Recoletos. Adicionalmente, y con la coordinación de María Molina López, se ha desarrollado un programa pedagógico piloto en colaboración con la Facultad de Educación de la Universidad Complutense de Madrid.


www.madridabierto.com


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Febrero 09, 2010

EX- CULTURA DE LIDÓ RICO

LIdoRico3-u.jpgFundación José García Jiménez y el Museo de Bellas Artes de Murcia presentan la exposición del artista Lidó Rico, dentro del proyecto Asincronías, que ha intervenido en la sede de Fundación José García Jiménez en Plaza Amores de Murcia y en las salas del Museo de Bellas Artes de Murcia. La inauguración tendrá lugar el jueves 11 de febrero y la exposición permanecerá abierta hasta finales de Abril en ambas instituciones.

www.fundacionjosegarciajimenez.org

Ex – cultura: Bajo este título, que combina la ambigüedad del juego de palabras con el significado que añade el prefijo, José Ramón Lidó Rico, uno de los artistas con más proyección dentro y fuera España, presenta su intervención en el Museo de Bellas Artes –dentro del proyecto Asincronías- en la que cientos de piezas seriadas, cráneos, establecen un diálogo con las obras allí expuestas, dejando claro que la cultura –tal como se concibe- es fruto del miedo y su alimento es el propio miedo a la pérdida de la referencia, a la falta de los restos del pasado sobre los que trata de cimentarse el presente, temeroso siempre a que los ladrones de la “memoria” le priven de asideros.

Este círculo vicioso, espiral convertida en vorágine de despropósitos argumentados “reflexivamente” con cráneos de mayor tamaño, es el que le sirve de pretexto para intervenir el espacio expositivo de la Fundación José García Jiménez, en una prolongación que deja sin aclarar cuál es el orden, cuál es el principio de la lectura de un discurso aparentemente sometido a las reglas, pero dispuesto a romper con ellas al poner en evidencia la ficción de seguridad, de realidad plasmada en los reflejos cuando es nuestra sombra la que queda retenida en el no espejo.

Lidó Rico plantea la cuestión del espejo –y aquí si podemos hablar de conclusión abierta, del concepto de la intervención- que devuelve la imagen que los demás tienen de nosotros y asume el papel de referencia, de cultura, y trata de superarla con el no espejo –el no reflejo- en el que queda impresa la sombra de la persona enfrentada a él, aislada, libre, sin los añadidos del tiempo. Es una extrapolación del mito de la caverna, pero ahora desprovista de la necesidad del revestimiento, de la “invención” de la realidad, porque es nuestra realidad, nuestra individualidad, la que queda impresa transitoriamente, por lo que cada vez que nos asomemos al no espejo veremos nuestra sombra renovada, sin las capas que la cultura utiliza para mantener su dominio: el miedo a encontrar vacío el pasado.

Esta no escultura que semeja escultura –inmersión que personaliza el dolor universal, como demuestra uno de los videos-, esta visión clara de que la solución está fuera de la cultura, es la que le lleva a plantearse la “irreflexión” como salida, como instrumento para superar el miedo, romper con la falsa seguridad de lo ya hecho y reflexionado y tomar distancia de las emociones que nos esclavizan con intereses y subjetividades, pues son las herramientas con las cuales el sistema construye la cárcel donde encierra al conocimiento.


Logoreformado-u.jpg

Febrero 08, 2010

La casa de Claudine

Collectionprivee-u.jpgArtista: Gloria Martín
Comisariado: Silvia Alzueta
Del 4 de Febrero al 6 de Marzo

Unicaja Espacio Emergente (Málaga)

Unicaja Espacio Emergente abre sus puertas este 2010 con la exposición, La casa de Claudine, de la pintora sevillana Gloria Martín comisariada por Silvia Alzueta. La exposición creada ex profeso para Unicaja Espacio Emergente se concibe en su totalidad como una obra única que transforma el espacio exhibitivo en un lugar íntimo, doméstico y probablemente habitable.

En La maison de Claudine la escritora francesa Colette relata la infancia y el lugar en el que se desarrollan los primeros años de vida de Claudine alter ego de Colette. Gloria Martín rescata el título de esta novela para reflexionar sobre la casa-museo. En su estancia en Francia la pintora sevillana visitó la casa de Colette, escritora conocida no sólo por sus libros sino también por su agitada y extravagante vida, que usa como trasunto más o menos fidedigno del espacio donde la novelista vivió a través de la recreación de espacios domésticos, un referente claro fue, por ejemplo, la biblioteca pintada sobre las paredes de la casa de Colette. Es sobre este concepto el, de recreación del espacio doméstico, sobre el que hace hincapié la obra de Gloria Martín, como los espacios domésticos que pertenecen al ámbito de lo cotidiano y privado se convierten en lugares visitables y museables, pasando los objetos comunes que lo conforman y que pudieron, o no, acompañar al ilustre personaje en su día a día a ser obras de arte u objetos que conforman una colección y por tanto pasan a ser catalogados, estudiados, puestos en valor. Dejan de ser objetos de uso para ser objetos o bienes patrimoniales.

A lo largo de la exposición Gloria Martín va recreando de forma poética y misteriosa las huellas de un personaje ficticio que ha habitado las superficies del lienzo, la casa de Claudine o la propia sala de exposiciones jugando a su vez con los objetos que vemos y con los que no vemos, con constantes ausencias en las paredes de la casa, con vacíos de los posibles libros, cuadros o fotografías que coronaron sus paredes a través de múltiples formatos. El espacio doméstico, intimo y privado es desde hace tiempo ya el lugar en el Gloria Martín se mueve cómodamente y que le sirve como trasunto de su obra bien desde una postura de género, autorreferencial con una poética de lo cotidiano. La presencia de elementos propios del aparato museográfico y los domésticos conviven con sutileza en nuestra particular casa de Claudine.


Unicaja Espacio Emergente
C/ Dr. Perez Bryan 2º planta
Málaga
De Lunes a Sábado de 11 a 14 horas
De Lunes a viernes de 17 a 20 horas

John Baldessari Noses & Ears, Etc.

Baldessari060009-u2.jpgINAUGURACIÓN JUEVES 11 DE FEBRERO A LAS 20.00 H.
Del 11 de febrero al 20 de marzo

www.lacajanegra.com

La Caja Negra presenta la última serie de ediciones del artista norteamericano John Baldessari. Su trabajo disecciona con humor e ironía las ideas que hay detrás de la práctica artística y cuestiona las reglas históricas aceptadas sobre el arte. En particular en esta serie de construcciones hechas a base de serigrafías y planos superpuestos, Baldessari oculta parte de la información relevante en las imágenes y nos obliga a atender a los detalles que normalmente pasan desapercibidos. En Noses & Ears, Etc. Baldessari oculta los labios, los ojos y los rasgos faciales para dejarnos exclusivamente las narices y las orejas. En opinión de Baldessari “los ojos, los labios y las manos se han hecho una y otra vez en la historia del arte, así que pensé, ¿porque no las orejas y las narices?”. De este modo nos obliga a fijar la atención sobre esos elementos que nos causan cierto desasosiego. En sus propias palabras “Lo que dejo fuera es más importante. Quiero esa ausencia que crea una especie de ansiedad.” La serie también revela algo de lo que Baldessari llama “el retorno de lo reprimido: mientras más tratas de ocultarlo, más presente está”.


John Baldessari (1931 | National City, California, EE.UU) es una de las figuras principales dentro del panorama del arte contemporáneo norteamericano. Después de renunciar radicalmente a la pintura en la década de los setenta comenzó a trabajar sobre todo con material visual con textos de los medios de comunicación. Baldessari saca las imágenes de su contexto y las elabora mediante diversos procesos como el retoque, la pintura, el contraste y la fragmentación. Ha desarrollado un estilo característico que se distingue por la sobreposición de fotografías y áreas pintadas con el que establece un juego irónico con la cultura popular. Estudió en la Universidad de San Diego e hizo estudios de posgrado en el Otis Art Institute, el Chouinard Art Institute y la Universidad de California en Berkeley. Impartió clases en el California Institute of the Arts en Valencia, California entre 1970 y 1988 y en la Universidad de California en Los Ángeles entre 1996 y 2007. Su obra ha podido verse en más de 200 exposiciones individuales y más de 900 exposiciones colectivas en los Estados Unidos y Europa. Sus proyectos incluyen libros de artista, videos, películas, cartelería y arte publico. Entre los premios y distinciones que ha recibido se incluyen las sillas de la Academia Americana de Artes y Letras y de la Academia Americana de Artes y Ciencias, el premio a toda una trayectoria de Americans for the Arts, el Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative, el Premio del Gobernador de California a toda una trayectoria en las Artes Visuales, el Premio Oscar Kokoschka, el “Spectrum” Internationaler Preis für Fotografie, el BACA International 2008 y el León de Oro de la Bienal de Venecia en 2009. Ha recibido grados honorarios de la Universidad Nacional de Irlanda, la Universidad de San Diego y el Otis Art Institute of Parsons School of Design. Sus proyectos más recientes incluyen exposiciones retrospectivas en el Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien en Viena, Austria (2005), la Kunsthaus Graz, Austria (2005), y el Carré d’Art, Musée d'Art Contemporain en Nimes, Francia (2005). Exposiciones individuales en el Museum Haus Lange en Krefeld, Alemania y en galerías de Lisboa, Bruselas y Zurich. A finales de 2009 se inauguró la mayor exposición retrospectiva con su obra en la Tate Modern en Londres que entre 2010 y 2011 viajará al Museu d’Art Contemporani de Barcelona, al Los Angeles County Museum of Art y al Metropolitan Museum of Art de Nueva York.


Galería La Caja Negra Ediciones
Fernando VI, 17- 2º- I
28004 Madrid (ES)
T. 91 3104360
F. 91 3087238
info@lacajanegra.com
www.lacajanegra.com
Abierto de lunes a viernes de 11 a 14 y de 16.30 a 20.30 hrs.
Sábados de 11 a 14 hrs.

Febrero 05, 2010

FEBRERO 2010 / INTERMEDIÆ, MATADERO MADRID

Accion_Fruta_Uraban_General-u.jpgINTERMEDIÆ [Creación Contemporánea]
MATADERO MADRID
Paseo de la Chopera, 14. 28045 Madrid
Entrada libre

www.intermediae.es
info@intermediae.es
prensa@intermediae.es

AL MATADERO SIN MIEDO / PIEZAS DE BELÉN SÁNCHEZ - del 3 de febrero al 31 de marzo
ACCIÓN FRUTA URBANA [ARCO 2010] — del 16 al 21 febrero
CONVOCATORIA TALLERES FLUX SKOOL — hasta completar plazas
CONVOCATORIA FLUX STUDIO — hasta el 28 de febrero
TALLER HERRAMIENTAS LIBRES PARA LA CREACIÓN AUDIOVISUAL — del 22 al 25
febrero
PROYECCIONES EN EL TERRARIO — 26 de febrero, 19.30
TALLERES PARA EL CUIDADO DEL JARDÍN AVANT GARDEN — 28 de febrero, 12.00
ESTACIÓN FUTURO / ESPACIO, TIEMPO Y EMOCIÓN — hasta el 31 de mayo
PROCESOS DE ARCHIVO — Work in progress


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AL MATADERO SIN MIEDO// PIEZAS DE BELÉN SÁNCHEZ

Debajo del sombrero
Del 3 de febrero al 31 de marzo

El proyecto //Al Matadero sin miedo//, del colectivo Debajo del sombrero, tiene como objetivo generar nuevos modelos relacionales en torno a las prácticas artísticas junto a personas con dificultades cognitivas y del desarrollo. Debajo del sombrero lleva a cabo talleres semanales en el Terrario cuyo objetivo es generar un espacio lo suficientemente elástico y receptivo para acoger, acompañar y potenciar cualquier forma de comunicación. El proyecto presenta también un espacio documental en las naves de Intermediae en el que muestran los trabajos de los artistas que participan. Del 3 de febrero al 31 de marzo pueden verse dos vídeos de Belén Sanchéz junto con imágenes de sus trabajos.

> www.debajodelsombrero.org
> Programa de ayudas a la creación 2009


ACCIÓN FRUTA URBANA [ARCO 2010]
FALLEN FRUIT

Acción Fruta Urbana del 16 al 21 de febrero / Instalación del Campamento Base en Intermediae hasta el 14 de marzo

Las ciudades se imaginan como lugares llenos de vida. Si lo pensamos un momento, ¿qué hay de vital en nuestras largas extensiones de cemento con apenas verde alrededor y sin un lugar donde abastecerse de alimento más que en restaurantes y en comercios? Acción Fruta Urbana te invita a imaginar qué pasaría si a nuestro alrededor crecieran árboles frutales de los que poder coger una manzana, por ejemplo, sin necesidad de acercarte al supermercado. ¿Por qué no pueden nuestras calles ser espacios llenos de vida, capaces de producir fruta orgánica para compartir?

Fallen Fruit es un colectivo artístico formado por David Burns, Matias Viegener and Austin Young cuyo trabajo se centra alrededor del espacio público y los grupos sociales y en el que la fruta sirve como pretexto de intervención urbana.

Entre los días 16 y 21 de febrero de 2010, a propósito de ARCO Los Ángeles, Fallen Fruit instalará un Campamento Base en Intermediae que servirá como espacio documental, un lugar de reunión, colaboración, trabajo e intercambio con el colectivo. Acción Fruta Urbana se organizará desde este Campamento Base. Se mostrarán, además, los avances en tiempo real de su propuesta en Madrid, así como un conjunto de trabajos, apuntes y otros materiales que darán cuenta de la trayectoria de su trabajo.

- Miércoles 17 de febrero, de 16.00 a 18.00 h. Fallen Fruit te invita a acompañarles en un Paseo de Reconocimiento de Fruta Urbana a través del cual se explorarán los barrios cercanos al Matadero con el fin de localizar puntos donde existan árboles de fruta e identificar a su vez lugares donde plantar nuevos árboles frutales. Son de especial interés aquellos árboles ubicados en los lindes entre el espacio público y el privado, como ejemplo con el que interrogar el uso que se hace del espacio y el poder simbólico, en este caso, de un árbol frutal.

- Viernes 19 de febrero, de 12.00 a 18.00 h. podrás unirte a Acción Fruta Urbana para plantar nuevos árboles en las ubicaciones elegidas. Burns, Viegener and Young se han dado cuenta a lo largo de su trabajo que no es suficiente contar lo que uno desea. Recordando a Karl Marx, no se trata de describir el mundo sino de cambiarlo.

- Sábado 20 de febrero, 18.30 h., Fallen Fruit dibujará un nuevo mapa local, un Mapa Público de Fruta, que localice tanto los árboles frutales ya existentes como los nuevos. Una invitación a seguir incorporando nuevos habitantes (cosecha propia) Ese mismo día tendrá lugar un encuentro en el que el colectivo hará una presentación sobre su trabajo en general y sobre su experiencia en Madrid.

Para inscribirte escribe a info@intermediae.es


FREE(K) CULTURE / CONVOCATORIAS ABIERTAS: TALLERES FLUX SKOOL Y FLUX STUDIO

Jay Barros

Free(k) Culture es un proyecto coordinado por Jay Barros que pretende fomentar una comunidad de usuarios y creadores que utilizan herramientas y licencias libres para la creación, y promover esas producciones a través de talleres, encuentros, presentaciones, desarrollos de software, etc.

— ABIERTA CONVOCATORIA TALLERES FLUX SKOOL. Hasta completar plazas o comienzo
del taller.

Flux Skool es una serie de talleres de formación y difusión de herramientas libres para la creación audiovisual, la composición sonora y el ámbito del espectáculo y la performance:

Herramientas libres para la creación visual: Del 22 al 25 de febrero, de 17 a 21 h
Herramientas libres para la composición sonora: Del 22 al 25 de marzo, de 17 a 21 h
Herramientas libres para el espectáculo y performance: Del 26 al 29 de abril, de 17 a 21

— ABIERTA CONVOCATORIA CREACIÓN FLUX STUDIO. Hasta el 28 de febrero

Freek Culture convoca a músicos, artistas, creadores que trabajen con licencias copyleft a enviar su trabajos para su publicación y difusión. El proyecto plantea una alternativa a la cultura del capital y el consumo para ofrecer a los creadores de contenidos libres una oportunidad de organizarse y crear colectivamente una obra multimedia. Si quieres formar parte del proceso de elaboración o que tu obra sea incluida... apúntate a la lista de discusión:

http://freekculture.net/creadoreslibres o escribe a info@intermediae.es

> freekculture.net
> Programa de Ayudas a la Creación Contemporánea 2009


FLUX SKOOL / TALLER DE HERRAMIENTAS LIBRES PARA CREACIÓN AUDIOVISUAL

Jay Barros
Del 22 al 25 de febrero, de 17 a 21 h

Freek Culture invita a artistas y usuarios a participar en Flux Skool, una serie de talleres de formación y difusión de herramientas libres para la creación audiovisual, la composición sonora y el ámbito del espectáculo y la performance. El primer taller se desarrolla entre el 22 y el 25 de febrero. Impartido por Jay Barros.

Creación visual:
Capturar y editar (kino, dvgrab, cinelerra)
DVD y Encodeos (mencoder, transcode, ffmpeg(2theora), qDvdstyler, mandvd, DeVeDe
Diseño gráfico (gimp, inkscape, scribus, blender)


PROYECCIONES EN EL TERRARIO

Un programa que presenta regularmente vídeos, documentales y películas relacionados con la programación. Planteado a través del formato de cine fórum el último viernes de cada mes, cada ciclo invita al diálogo y al debate con sus creadores.

— CICLO TRES MIRADAS AL DOCUMENTAL INDEPENDIENTE ESPAÑOL. Programa coordinado por DOCMA Asociación de Cine Documental.

SUEÑO A PIÑÓN FIJO. Rafael Benito
Viernes 26 de febrero, 19.30 horas

El debate después de la proyección contará con la presencia de Rafael Benito, director del documental y de Andrea Guzmán de DOCMA.

Jean Marie ha sido bici-mensajero durante los últimos diez años. En Londres ha ganado fama por organizar las carreras “Alleycats” más locas e innovadoras, carreras ilegales que se celebran en hora punta. Ahora, con la ayuda de su amigo Mike, intenta montar el primer “alleycat” en las congestionadas calles de París. Como mensajero, Jean Marie forma parte de una subcultura urbana que celebra la independencia, el riesgo y la libertad en la vida urbana contemporánea. Como padre de un hijo de dos años, empieza a sufrir el peso de la responsabilidad y a cuestionar su estilo de vida.

> 2005 (España-Inglaterra). Documental. Dirección: Dirección: Rafael Benito. Duración 53’. Inglés con subtítulos en castellano VOSE.

> Próximamente: Tapólogo, dirigido por Gabriela y Sally Gutiérrez / 26 de marzo


TALLERES PARA EL CUIDADO DEL JARDÍN AVANT GARDEN

28 de febrero, 12 - 14 h

Talleres para el cuidado de Avant Garden, una rosaleda de carácter salvaje, un jardín compartido por visitantes, creadores, paseantes... un lugar de convivencia e intercambio, un lugar de aprendizaje, disfrute y reposo. Los talleres están enfocados a indagar y profundizar en el concepto y la filosofía sobre la que atelier lebalto diseñó el jardín. Los talleres son abiertos a todos los públicos. Para participar acércate al Terrario diez minutos antes de las 12 h. para inscribirte y recibir las herramientas necesarias para el taller. Plazas limitadas.

Impartidos por Juan Manuel Rubiales, botánico y entusiasta del paisajismo y la jardinería.


ESTACIÓN FUTURO / ESPACIO, TIEMPO Y EMOCIÓN

Vídeojuegos independientes
Hasta el 31 de mayo

Espacio, Tiempo y Emoción es una selección de seis videojuegos independientes para Estación Futuro que nos acerca a sentimientos como el amor, la pérdida, la satisfacción, la traición y el engaño, mostrando que el arte cinético del videojuego no es solo emoción adrenalina. Podrás jugar a Braid de Jonathan Blow, World of Goo de 2D Boy (Ron Carmel y Kyle Gabler), ROM CHECK FAIL de Jarrad Woods, Enviro-Bear 2010 de Justin Smith, The Graveyard de Tale of Tales (Michaël Samyn y Auriea Harvey) y Polaris de Robert Yang.
Comisariado por Javier Candeira.

> Blog Estación Futuro
> Javier Candeira pixeltopia.net


PROCESOS DE ARCHIVO

Valeria Graziano y Manuela Zechner, Pablo Jarauta, Cía. Puctum, Sarah Vanagt y Neil Cummings
Work in progress: Vídeo, teatro documental, instalación

Procesos de archivo ensaya formas de abordar la construcción de un archivo en el contexto de una institución concebida a partir de las ideas de proceso y participación. Las propuestas artísticas que van formando parte del proyecto son archivos vivos que recogen y dan a conocer la memoria colectiva local, la memoria del propio lugar -de Matadero-, así como las experiencias que han dado cabida a distintos públicos en Intermediæ. Pasado, presente y futuro se combinan en las distintas propuestas que va acogiendo la plataforma Procesos de archivo.

> Blog Procesos de archivo

— LITTLE FIGURES. Sarah Vanagt
Videocreación de la artista Sarah Vanagt. Tres estatuas en el Mont des Arts de Bruselas: un rey, una reina y un caballero medieval. Tres recién llegados a Bruselas: un chico filipino, una chica refugiada de Ruanda y un chico marroquí. Una conversación imaginaria.

— FUTURE ARCHIVE. Manuela Zechner y Valeria Graziano (www.futurearchive.org)
Future Archive es un proyecto que aproxima a través de entrevistas a diferentes personas al reto de cómo plantear distintos futuros deseables. En la web se recogen conversaciones basadas en posibles tiempos y espacios por venir, propuestas en las cuales dos o más personas habitan a través del diálogo diferentes versiones del futuro. Este Archivo del Futuro se compone de entrevistas y conversaciones en las que se dialoga cuidadosamente para desarrollar un vocabulario y una sintaxis de formas potenciales de pensar y existir.

— CORTE ARGANZUELA. Cía Puctum (www.puctumteatro.com)
Instalación en la plataforma Procesos de archivo / Proyecto escénico de teatro documental Corte Arganzuela de la Cía. Puctum es un proyecto que trabaja desde hace 2 años con un grupo de vecinos sobre sus vivencias autobiográficas, vinculadas a la historia y las transformaciones de los barrios que componen Arganzuela.

— MUSEUM FUTURES: DISTRIBUTED
Neil Cummings (www.neilcummings.com) en colaboración con Marysia Lewandowska

Museum Futures: Distributed es una grabación machinima de la entrevista del centenario con la ejecutiva del museo, Ayan Lindquist, en junio de 2058. Museum Futures: Distributed explora una posible genealogía para la práctica artística contemporánea y sus instituciones, a través de imaginar el papel de los artistas, los museos, las galerías, los mercados, las factorías y las academias.


Programación sujeta a cambios.

+ INFO:
INTERMEDIÆ, Matadero Madrid
Pº de la Chopera, 14. Entrada libre

www.intermediae.es
info@intermediae.es
prensa@intermediae.es

De martes a viernes y festivos 16.00 - 22.00 h.
Fines de semana: 11.00 - 22.00 h. Lunes cerrado

Febrero 04, 2010

PROPUESTAS 2010 - LA FUNDACIÓN ARTE Y DERECHO DESTINA 100.000 EUROS EN AYUDAS DIRECTAS A LOS CREADORES VISUALES

banner01-u.jpgLa Fundación Arte y Derecho destina 100.000 EUROS a la financiación de proyectos y a la divulgación de obras ya creadas.
Cinco categorías: PLASTICA – ILUSTRACIÓN – DISEÑO – FOTOGRAFIA – NUEVAS TECNOLOGIAS
Fecha límite: 18 de Marzo de 2010

Bases en www.arteyderecho.org

PROPUESTAS 2010
XIV Convocatoria de Ayuda a la Creación Visual
BASES

Primero: Objeto de la convocatoria

El propósito de nuestras ayudas es financiar proyectos creativos de aquellos autores que se expresan a través de la creación visual o financiar la divulgación de obras que ya han sido creadas. Las ayudas se distribuirán en cinco categorías: Artes plásticas, Fotografía, Diseño, Ilustración y nuevas tecnologías.

Los proyectos que se presenten a la convocatoria tendrán por objeto:
A) Fomentar la actividad creadora y apoyar económicamente al autor o autora de la creación visual para desarrollar su trabajo, al hilo de su proceso de investigación o para dar la oportunidad de crear una nueva obra.
B) Financiar la divulgación de una obra ya realizada.

Podrán participar en esta convocatoria aquellos creadores o creadoras visuales residentes en España.

Todos los proyectos que se financien tendrán que ser ejecutados antes del 1 de Diciembre del año 2010.


Segundo: Presentación y plazo de entrega de las solicitudes

El plazo de presentación y entrega de las solicitudes se abrirá el 15 de Febrero y finalizará el 18 de Marzo de 2010 y podrán ser presentadas o enviadas por correo certificado, a la sede de la Fundación Arte y Derecho C/ Gran Vía, 16. 1º, 28013 Madrid. En este último caso, la fecha válida a efectos de presentación de las solicitudes será la fecha que figure en el matasellos.

La documentación a enviar es la siguiente:
- Cumplimentar el formulario de inscripción que está publicado en www.arteyderecho.org.
- Fotocopia del DNI o de la tarjeta o permiso de residencia.
- Currículum vitae.
- Una memoria descriptiva de la obra o proyecto creativo que se quiere realizar.
- El presupuesto total de la actividad de divulgación de la obra ya creada o del proyecto a realizar, especificando todas las partidas necesarias para su ejecución e indicando el importe de la ayuda económica que se solicita.
- En el caso de solicitudes de financiación de proyectos a realizar, se aportará un dossier gráfico con un mínimo de 10 imágenes de obra reciente, bocetos o trabajos personales realizados (fotografías de sus obras, CD-ROM con copia en papel, DVD reproducible en PC compatible, vídeo VHS o cualquier otro material que se estime oportuno). En el caso de solicitudes de financiación para la divulgación de una obra ya realizada, se enviará un dossier gráfico de la obra.


Tercera: Dotación

Este año la dotación total de la convocatoria asciende a 100.000 €.

Este importe se distribuirá a razón de 20.000 euros para premiar cada una de las categorías a que se refiere la base primera. Para el supuesto de que alguno o algunos de los premios por categorías quedasen desiertos o no se agotase la cantidad destinada, el importe excedente se repartirá entre las categorías restantes mejorando la dotación de cada categoría en forma proporcional.

La dotación de la convocatoria proviene del Fondo Asistencial y Cultural de VEGAP, el cual se nutre, de acuerdo con lo dispuesto en el artículo 155 de la Ley de Propiedad Intelectual, del 20 % de la recaudación que VEGAP percibe por la gestión del derecho de copia privada. El pago del premio estará sujeto a la normativa fiscal vigente.


Cuarto: Resolución

La resolución de concesión o denegación de las ayudas será decidida por un Jurado formado únicamente por artistas de reconocido prestigio que determinará la cuantía aprobada, en cada caso, para financiar los proyectos seleccionados. La decisión del Jurado será inapelable. La Fundación Arte y Derecho comunicará la resolución del Jurado a todos los participantes.

Las propuestas que no resulten aprobadas deberán ser retiradas por sus titulares en la sede de la Fundación a partir del 1 de julio y hasta el 1 de octubre de 2010, siendo este plazo improrrogable. Únicamente, se devolverán por correo aquellos proyectos en cuya solicitud se incluya un sobre franqueado con la dirección a la que habrán de dirigirse los envíos.


Quinto: Memoria Justificativa y seguimiento

Los beneficiarios de las ayudas deberán presentar una memoria o informe de ejecución del proyecto premiado antes del 15 de Diciembre del año 2010. La memoria se acompañará de una fotocopia de todos los justificantes de los gastos realizados con cargo a la ayuda percibida y deberá contener una descripción del proyecto realizado o bien, en su caso, de la actividad de divulgación de la obra realizada (Título, actividad realizada, fecha y lugar de ejecución, descripción, comisario del proyecto en su caso, objetivos, seguimiento, valoración crítica).

La documentación y publicitación derivada de la ejecución del proyecto o divulgación de la obra, en exhibiciones públicas o en cualquier publicación, deberá reflejar los logotipos de la Fundación Arte y Derecho y VEGAP, junto con la expresión: “Financiado por el Fondo Asistencial y Cultural de VEGAP”.

Todo ello se documentará mediante la suscripción de un Convenio entre el autor y la Fundación Arte y Derecho.

La participación en esta convocatoria supone la aceptación de estas Bases.

ACÉRCATE A JOAN MIRÓ

D1847-u.jpgNUEVA SALA DE OBRA ORIGINAL SOBRE PAPEL
NUEVA INSTALACIÓN DE LA COLECCIÓN PERMANENTE

La Fundació Joan Miró (Barcelona) abrió sus puertas en 1975 con una importante colección de obra del artista cedida por él mismo, y como centro de difusión de las distintas manifestaciones del arte contemporáneo.

La colección se amplía con un conjunto de 17 obras originales sobre papel, realizadas entre 1931 y 1953, cedidas en depósito por la familia Miró. A lo largo de los años, el papel es probablemente uno de los materiales que Joan Miró utiliza de manera más constante. Se interesa por toda clase de papel: papel de lija, cartón, papel de periódico o papeles recuperados. Su producción artística en este soporte es muy innovadora y arriesgada. Por otro lado, la inmediatez en la realización de obras sobre papel permite al espectador acercarse a la forma de trabajar de Joan Miró.

Estas obras se exponen en la sala octogonal, que recupera ahora su forma original.


(Joan Miró: Personajes sobre fondo rojo, 1939. Fundació Joan Miró, Barcelona. Depósito de Emili Fernández Miró ©Successió Miró 2009)

Febrero 03, 2010

Becas SANTANDEUROPA de la Fundación Santander 2016

santandeuropa_grant-u.jpgLa Fundación Santander 2016 convoca seis becas destinadas a artistas y creadores europeos. Las becas, de 9 meses de duración, tienen por objeto el desarrollo de proyectos artísticos de repercusión internacional en el marco del proyecto SANTANDEUROPA. El artista cántabro Juan López será el encargado de dirigir a los alumnos que, en caso de ser seleccionados, disfrutarán de una beca de 11.700 € para llevar a cabo su propuesta.

www.santander2016.eu

La Fundación Santander 2016 ha abierto el plazo de entrega de solicitudes para optar a alguna de las seis becas SANTANDEUROPA para artistas y creadores europeos. Estas becas, tienen por objetivo desarrollar proyectos de repercusión internacional y de ámbito social. Dichos proyectos deberán estar relacionados con la implicación y la participación ciudadana en el marco del proyecto SANTANDEUROPA, que la Fundación Santander 2016 ha comenzado a desarrollar este año como candidata a Capital Europea de la Cultura de Santander en 2016.

Para optar a estas becas, los solicitantes deberán poseer la nacionalidad de uno de los países miembros de la Unión Europea y haberse dedicado, al menos durante dos años, a trabajos relacionados con los diversos ámbitos artísticos. El período de disfrute de la beca es de nueve meses, comenzando el 15 de marzo de 2010 y finalizando el 15 de diciembre de 2010. Tiempo durante el cual el perceptor de la beca deberá residir en la ciudad de Santander.

La cuantía total de la beca es de 11.700 €, en cuotas mensuales de 1.300 €. La organización se hará cargo además del seguro médico de los becarios durante el periodo de disfrute de la beca.


Solicitud y plazos
Los impresos para solicitar estas becas, así como las bases de las mismas, podrán descargarse de la página web de la Fundación Santander 2016 www.santander2016.eu. Las solicitudes deberán presentarse por correo postal. El plazo de presentación de solicitudes, junto con la documentación exigida en las bases, finalizará el 1de marzo de 2010.


Juan López
Juan López será el encargado de dirigir estas becas internacionales. Se trata de uno de los artistas cántabros de mayor proyección nacional e internacional. Su trabajo explora las posibilidades estéticas del entorno urbano, juega con los espacios, vincula videoproyecciones e instalaciones y diseña complejas construcciones icónicas. En su trabajo subyace un profundo interés por poner en contacto directo el lenguaje desarrollado en la calle con los diferentes códigos artísticos propios del ámbito de lo privado e institucional. De esta manera, sus producciones se llenan de elementos que hacen inmediata referencia al espacio urbano. Juan López y un comité formado por miembros de la Fundación Santander 2016, serán los encargados de la selección de los candidatos.

La presencia de becarios cántabros en la convocatoria está garantizada ya que la organización ha reservado un cupo del 50% destinado a personas nacidas o residentes en Cantabria que lo acrediten convenientemente.

Para cualquier tipo de consulta los interesados pueden dirigirse a becas@santander2016.eu


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La Comunidad Inconfesable

lacomunitatinconfessable-u.jpgDaniel G. Andújar, Pedro G. Romero y Sitesize
Comisario : Valentín Roma
Inauguración: jueves 4 de febrero de 2010 a las 19.30h
Del 5 de febrero al 11 de abril de 2010

Bòlit-LaRambla, Bòlit-SantNicolau, Dadespai,
Museo de Historia de la Ciudad de Girona y Museo de Historia de los Judíos.
www.bolit.cat

El próximo jueves 4 de febrero a las 19.30h en Bòlit-LaRambla tendrá lugar la inauguración de la exposición La Comunidad Inconfesable que incluye los trabajos de Technologies To The People /Daniel G. Andújar , Sitesize /Joan Vila-Puig y Elvira Pujol y Archivo F.X. / Pedro G. Romero.

Esta se desplegará simultáneamente en Bòlit-LaRambla y en Bòlit-SantNicolau, así como en otros espacios de la ciudad, como son el Museo de Historia de los Judíos y el Museo de Historia de la Ciudad de Girona.

Producido por el Institut Ramon Llull, el proyecto expositivo de La Comunidad Inconfessable fue concebido y diseñado para el primer pabellón de Cataluña en la Bienal de Arte de Venecia en su 53a edición, presentado en 2009. La exposición, que se presenta ahora en Bòlit, Centre d’Art Contemporani. Girona con una configuración museográfica diferente, toma su nombre del libro homónimo de Maurice Blanchot y parte de su interpretación filológica de comunismo, como “aquello que crea comunidad”, constituyendo una indagación acerca de las complejas relaciones que se establecen entre arte y comunidad.

La comunidad inconfesable se articula alrededor de cuatro líneas de trabajo diferentes: a) una exposición expandida en diversos espacios museográficos de la ciudad de Girona; b) un libro que pretende ser una especie de polifonía ensayística a partir de textos de autores como M. Blanchot, G. Agamben, J-L. Nancy, P. Lacoue-Labarthé, L. Iyer, P. Pál Pelbart y M. Garcés, los cuales comparten interrogantes acerca de la naturaleza de lo comunitario, y que añade tres inserciones visuales realizadas por cada uno de los participantes en la propuesta; c) una página web (www.lacomunidadinconfesable.org) que opera como un vasto fondo archivístico alrededor de la noción de la comunidad desde diferentes disciplinas; y d) un conjunto de diálogos, desarrollados en colaboración con la UdG, a través de los cuales se explorarán algunas de las principales cuestiones que afectan a las tres prácticas artísticas integradas en este proyecto.


La propuesta desarrollada por Daniel G. Andújar se articula alrededor de dos grandes áreas temáticas confrontadas entre sí: una que gira en torno a los imaginarios mediáticos y a los estereotipos ideológicos generados de 1989 al 2001, otra que reflexiona sobre la propia naturaleza del archivo, sobre qué mecanismos de ordenación, compilación y representación se utilizan para categorizar el conocimiento.

La participación de Sitesize pretende revisitar algunos de sus proyectos colaborativos focalizando en aquellas tensiones económicas, geográficas e identitarias que afectan a los nuevos espacios urbanos contemporáneos.

Por último, los trabajos de Pedro G. Romero, a medio camino entre la teología y los rituales de aquello que hoy conocemos como economía política, profundizan en el campo abierto entre tres conceptos diferentes: dinero, comunidad y saber.


ACTIVIDADES INTEGRADAS

DIÁLOGOS
Organizados en colaboración con la Universidad de Girona

12.03.10 (Sala de Grados, Facultad de Letras, UdG)

16h Valentín Roma (Comisario de la exposición) y Jordi Font (Director del Museo del Exilio)
17.45h Daniel García Andújar (Artista) e Ivan de la Nuez ( Ensayista y Crítico de Arte)

26.03.10 (Sala de Grados, Facultad de Letras, UdG)

16h Sitesize (Artistas) y Joan Nogué (Catedrático de Geografía Humana de la UdG y director del Observatorio del Paisaje de Cataluña)
17.45h Pedro G. Romero (Artista) y Xavier Antich (Director del Master en Comunicación y Crítica de Arte de la UdG)


VISITAS GUIADAS

Actividad gratuita. Horarios a convenir.
Inscripción previa obligatoria (bea@bolit.cat)
Estas incluyen una visita comentada a la exposición, tanto a Bòlit-LaRambla como a Bòlit-SantNicolau y al Dadespai.

Más información en info@bolit.cat / 972 427 627 / www.bolit.cat


Organiza

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Colaboran                                                                                           Agradecimientos

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Patrocina

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Con el apoyo de

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Febrero 02, 2010

MADRID ABIERTO 2010

IMAGENMADRIDABIERTO-uu.jpgDel 4 al 28 de febrero
Director: Jorge Díez
Comisaria: Cecilia Andersson
Coordinación: RMS La Asociación
Diseño grafico: 451
Para más información: www.madridabierto.com, abierto@madridabierto.com

La actual edición de MADRID ABIERTO, que se desarrolla por primera vez a lo largo de dos años, se ha propuesto como objetivo resaltar el modo en el que la colaboración y cooperación pueden actuar como catalizadores de cambios en la ciudad, creando una red de interacción entre los ciudadanos que haga posible una mayor comprensión de las dinámicas urbanas.

Las intervenciones artísticas de los diez artistas seleccionados se desarrollarán en distintos lugares de la ciudad del 4 al 28 de febrero de 2010, al igual que la emisión de las piezas seleccionadas en los apartados de arte sonoro y audiovisual, y se presentarán en el encuentro y mesas de debate de La Casa Encendida de Madrid entre el 4 y el 6 de febrero.

Esta sexta edición de MADRID ABIERTO, dirigida por Jorge Díez y comisariada por Cecilia Andersson, enfatiza el carácter colaborativo de ciertas prácticas artísticas en la ciudad, haciendo partícipes a personas de un amplio espectro profesional, entre ellos jardineros, actores, trabajadores sociales, geólogos, programadores, arquitectos y planificadores urbanos. Para ello se utilizan distintas dinámicas y se explora de qué modo dichos proyectos pueden afectar a la gente y a las políticas de ciertos lugares específicos.

Entre los más de 580 proyectos presentados al concurso internacional, esta edición la integran los trabajos Time Notes, de Gustavo Romano (Buenos Aires, 1958), Torre, de Pablo Valbuena (Madrid, 1978), Unofficial tourism, de Iñaki Larrimbe (Vitoria, 1967), Huert-O-Bus, de Lisa Cheung (Hong Kong, 1969), Ghostown, de Laurence Bonvin (Sierre, Suiza, 1967), Una casa digestiva para Lavapiés, de Josep-Maria Martín (Ceuta, 1961), Campo AA, Madrid, de Adaptive Actions, Hucha de deseos: ¡Todos somos un barrio, movilízate!, de Susanne Bosch (Wesel, Alemania, 1967), Bajar al subterráneo recién excavado, de Lara Almarcegui, (Zaragoza, 1972) y Vallecas Abierto: ¿Cómo nos van a ayudar con su arte?, de Teddy Cruz (Guatemala 1962) con M7Red e Iago Carro (Buenos Aires, Argentina).

A ellos se añaden los trabajos sonoros Pay no attention to that man behind the curtain, de Sarah Boothroyd, Lavapiés Chipén. Memoria sonora de un barrio, de Manuel Calurano Ramos y Anna Raimondo, Insert the name of the city here, de Yves Coussement, Bellabells, de Javier Díez-Ena, Obras, de Wade Matthews, Immatereality, de Annemarie Steinvoort, Memoirs of an amnesiac, de Matthew Verdon, Diario Sonoro, de Hernani Villaseñor Ramírez y Madrid Breathing, de Gloria Zein, que serán emitidos durante el mes de febrero en el programa La Libélula de RNE-Radio 3.

Completan el programa, en colaboración con el Centro Cultural Montehermoso de Vitoria-Gasteiz y la Fundación Rodríguez, las obras audiovisuales seleccionadas en la 9ª y 10ª edición de Intervenciones.tv. I am a clown, de Fausto Grossi, Aida y Sin título, de Puy San Martín y Nerea Lecuona- Sinbait -, So, de Izibene Oñederra, Grapak, de Logela, I just want to give you money y Making of, de Iván Argote, TV1, de David Elguea, Skarro, de Vanesa Castro López –Fur Alle Falle- , Nazi hymn of love, de Iñaki López – Fur Alle Falle-, 1968-2008, de Xuban Intxausti, serie de vídeos Sincita, de Frabicio Caiazza, A arte da videoarte, de Lobo Pasolini, Gedanken eines skispringers, de Wolf D. Schreiber, Félix Vs. Cousteau, del Colectivo Left Hand Rotation y las de los invitados Top Vídeo, de Antonio Mercader, Intro y…fin, de Antoni Muntadas, Buena suerte y Mala conciencia, de Eugeni Bonet y Vídeo-arte, de Joaquim Dols Rusiñol.

También se ha puesto en marcha, con la coordinación de María Molina López, un proyecto piloto de carácter pedagógico en colaboración con la Facultad de Educación de la Universidad Complutense de Madrid.


www.madridabierto.com


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Exposición “ED RUSCHA. LIBROS” y proyección del video “Civilization (Megaplex)” de Marco Brambilla

FOTOMONTAJEEDRUSCHAYBRAMBILLA-u.jpg3 febrero - 28 febrero
Sala Alcalá 31
Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid

Entrada gratuita
www.madrid.org

Créditos:
ED RUSCHA. Cuatro cubiertas. Cortesía del artista y de la Galería Gagosian, Nueva York

MARCO BRAMBILLA. CIVILIZATION (MEGAPLEX), 2008. Cortesía del artista y de la Galería Christopher Grimes, Santa Mónica

Con motivo de la presente edición de ARCOmadrid, que acoge a la ciudad de Los Ángeles como invitada, se ha programado en la Sala de exposiciones Alcalá 31 de Madrid una exposición y la proyección de un video de artistas afincados en dicha ciudad. Esta programación estará abierta al público desde el 3 al 28 de febrero.

La exposición “Ed Ruscha. Libros”, que comparte espacio con la muestra “Pierre Gonnord. Terre de Personne” está compuesta por 14 libros originales de Ed Ruscha, seleccionados por Bob Monk de la Galería Gagosian de Nueva York. Se complementa con copias de los mismos que pueden ser consultados por los visitantes. También se muestran dibujos, litografías, lienzos y fotografías originales del artista, relacionados con sus publicaciones.

Por otro lado, en el salón de actos, se proyectará el video “Civilization (Megaplex) del artista Marco Brambilla. En esta obra se representa un viaje metafísico del Infierno al Cielo creado con extractos de películas, tanto grandes éxitos como filmes casi desconocidos. Civilization (Megaplex) es un vídeo-mural épico que contiene más de 300 canales individuales de vídeo en bucle fusionados en un retablo continuo con múltiples capas de imágenes interconectadas que interpretan los conceptos del Cielo y el Infierno.


Organiza: Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno, Comunidad de Madrid

Horario exposición “Ed Ruscha. Libros”:
Martes a sábados: de 11:00 a 20:30 h.
Domingos y festivos de 11:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado

Horario proyección “Civilization (Megaplex), 2008”. Marco Brambilla
Miércoles a viernes: de 17:00 a 20:30 h.
Sábados: de 11:00 a 20:30 h.
Domingos: de 11:00 a 14:00 h.
Salón de Actos. Hasta completar aforo

Entrada gratuita


Dirección:
Sala de exposiciones Alcalá 31
C/ Alcalá 31
28014 Madrid
www.madrid.org

+ info Ed Ruscha
+ info Marco Brambilla


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Febrero 01, 2010

MASONERÍA E ILUSTRACIÓN. OBRAS DEL MUSEO DE LA FRANCMASONERÍA DE PARÍS

muvim10-u.jpgHasta el 14 de febrero de 2010
Comisario, Francesc Pérez i Moragón

Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat (MuVIM).
muvim@dival.es
www.muvim.es

De acuerdo con su propósito de mostrar las huellas de la Ilustración, el MuVIM exhibe, por primera vez en España, una importante selección de fondos del Museo de la Francmasonería, París, indumentaria –mandiles, collares y bandas–; instrumentos rituales, elementos simbólicos de origen parapolítico, como la figura de Marianne; o ceremoniales, como estandartes; sellos de identificación colectiva; joyas; y también objetos decorativos y de uso personal (relojes, tabaqueras, cajas), junto a otros relacionados con los ágapes masónicos (vajillas o cristalerías).

Estas piezas de la identidad masónica exaltan la densidad y las facetas de la vieja hermandad, y permiten también restituir una historia. La Masonería surgió dentro de un contexto que la configuró y sobre el cual ejerció, a su vez, una influencia. Se afirmó con una vocación libre, igualitaria y fraternal y, si bien con ello favoreció el tránsito de la sumisión a la ciudadanía, siguió siendo, no obstante, una vía filosófica, una búsqueda personal. Esta exposición contribuye, por su enfoque, tanto a restituir su pasado como a rehabilitar su significado.

Entre las instituciones que han afirmado su presencia en nuestro ámbito de civilización a lo largo de los últimos siglos, la Masonería es sin duda una de las más originales. Y ciertamente éste es igualmente el motivo –al situarse en la frontera entre prácticas diversas– por el que se trata de una de las más difíciles de definir. De ahí el interés de esta exposición que se presenta en Valencia, ya que nos ofrece una muy buena oportunidad para descubrirla a través de las marcas de su cultura y de los objetos de su patrimonio, que atestiguan, mejor que las palabras, su realidad profunda.

Volviendo a esa dificultad para definir la Masonería, en primer lugar cabe evitar hacer una aproximación, desde su nacimiento en el siglo XVIII, basada en la idea preconcebida de las formas asociativas que se impusieron más adelante, en los siglos XIX y XX. Una forma de sociabilidad ciertamente nueva –y, por ello, revolucionaria– que surge desde un principio, pero que prolonga o reivindica una cultura corporativa anterior, cuyos signos conservados hasta nuestros días constituyen sus marcas de identidad, especialmente en virtud de un imaginario, un vocabulario y una gestualidad particularmente expresivos.

Por otro lado, los rasgos religiosos y políticos de la francmasonería, que quisiéramos ver claramente definidos y diferenciados por la mirada de nuestra época, han permanecido enturbiados durante mucho tiempo. Esta aparente confusión encubre, en realidad, el empuje interno de una espiritualidad desmarcada de la religión y el de una laicización de las relaciones sociales. No es poca cosa.

Cabe señalar, además, que el carácter solidario, casi mutualista, de la hermandad masónica resulta hoy día difícil de aprehender. El nivel de seguridad social alcanzado por nuestras sociedades hace difícil comprender este aspecto de la vida de las logias.
Por último, la francmasonería no tuvo realmente ni acta de nacimiento ni objetivos declarados, y toda una serie de conjeturas legendarias ha falseado la percepción de su naturaleza. Aún en la actualidad, la historia sacra de uso interno, en contraposición con la leyenda negra igualmente absurda que se ha alimentado desde fuera, sustituye la investigación, pese a la documentación existente. La francmasonería moderna practica desde sus primeros balbuceos un simulacro del trabajo que se lleva a cabo en una obra de construcción. A ello vinieron a añadirse en el siglo XVII especulaciones bíblicas sobre el Templo de Salomón, dando lugar a una cultura mestiza muy particular. El nacimiento oficial de la primera Obediencia en 1723 supone ya una llegada más que un punto de partida. No obstante, las novaciones rituales y los reglamentos se sucedieron sin cesar, aunque pretendiesen después ser eternos e intangibles.


Otras exposiciones en el MuVIM:
Arroyo. Boxeo y Literatura (del 14 de diciembre al 14 de febrero de 2010).
Impresos de Vanguardia en España 1912-1936 (del 14 de diciembre al 14 de febrero de 2010).
Ciutat Vella y participación ciudadana. (Sic) Sociedad y cultura (del 14 de diciembre al 14 de febrero de 2010).
La Aventura del Pensamiento (todo el año).

LAWRENCE WEINER
UNDER THE SUN

eacc.LAWRENCE WEINER-u.jpgPROYECTO DE ARTE PÚBLICO
Parque “El Pinar”, Grau de Castelló

INAUGURACIÓN
5 de febrero / 11:00 h

EACC - Espai d´art contemporani de Castelló
www.eacc.es

El día 5 de febrero se inaugura en el Parque “El Pinar” del Grau de Castelló el proyecto que Lawrence Weiner ha concebido para un espacio público de la ciudad. Con la presentación de esta pieza se completa el proyecto Under the Sun que el artista ha propuesto para el EACC.

La obra pública hace referencia a cuestiones como ¿Qué constituye una escultura pública?, ¿Quién y dónde está ese público? Weiner reitera estas preguntas con este proyecto que se lleva a cabo en tres lenguas, valenciano, castellano e inglés.

Under the Sun funciona en dos contextos discursivos, cada uno aludiendo a diferentes espacios y modos de encuentro o espacios de recepción.

Under the Sun une estos dos niveles, el relacionado con el lenguaje como una presentación necesaria y efímera como punto de partida de la obra pública y el otro como una inscripción permanente de la obra pública en sí misma. Ambos son diferentes pero al mismo tiempo indisociables ya que comparten la misma poética. Representan las figuras del mismo movimiento, el giro de muñeca que hace que la cometa vuele en el cielo y la conduce a matar al toro cuando está cayendo.

Under the Sun nos recuerda claramente al mundo taurino pero también la delicadeza y elegancia de una ola que toma forma en el espacio como su propio territorio.

Under the Sun es una invitación a caminar, jugar o simplemente ejercitar la mente de uno mismo.


EACC - Espai d´art contemporani de Castelló
Prim s/n 12003. Castelló
Tel: 964 72 35 40
www.eacc.es