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Diciembre 29, 2009

INTERFERÈNCIES'09. Una Terrassa tropical

escolatropical-u.jpgDel 6 de noviembre del 2009 al 28 de marzo del 2010 en Terrassa.

Curaduría: Lluc Mayol
Dirección técnica: Susana Medina (Terrassa Arts Visuals. Ajuntament de Terrassa)
Producción: Saladestar
Con la colaboración de: Todojunto, Ateneu Candela y Terrasa Escaola Municipal d'Art.

INTERFERENCIES'09. Una Terrassa tropical

Interferències'09: una Terrassa tropical promueve una serie de propuestas (en la Biblioteca Central de Terrassa, en la Casa Soler i Palet, en la Sala Muncunill y en el EspaiDos) donde a partir de la documentación, el evento, el encuentro y el intercambio de conocimientos, se generan diversas aproximaciones a las prácticas artísticas, planteando la propia experiencia como el lugar donde se produce aquello que finalmente se conformará en dominio público: las exposiciones.

Web del proyecto:
www.terrassa.cat/artsvisuals / www.saladestar.com/interferencies09


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Próximas propuestas en Una Terrassa tropical:

> Hasta el 15 de enero 2010:
UNA ESCUELA TROPICAL. Matrícula abierta
Una propuesta dirigida a personas con inquietudes en los campos de la producción artística, la educación, la intervención social y la investigación en humanidades.
Tres “workshops” impartidos por profesionales y colectivos, con experiencias destacadas, a partir de los cuales se generaran tres exposiciones:
(#1) 23 y 24 de enero

¡Yo también quiero ser (artista) cartero!
“Estrategias de producción y difusión del trabajo artístico” impartido por: Adicciones porquesí, Mery Cuesta, ferranElOtro y Quim Tarrida
(#2) 13 y 14 de febrero

Haz lo que tengas que hacer
“Espacios para la acción. Lo social en el arte” impartido por: Enmedio, Aída Sánchez de Serdio, Straddle3 e YProductions
(#3) 6 y 7 de marzo

[In]formados
“Maniobras de [auto]formación y [contra]información” impartido por: Exit (Chiringuito metropolitano), Descord, Carla Padró y Platoniq
+ info en www.saladestar.com/interferencies09/escola

> Del 8 de enero al 7 de febrero
UN JARDÍN TROPICAL: Publicar o morir
Una selección de algunas de las más interesantes y recientes iniciativas del contexto catalán, ideadas y gestionadas por productores culturales independientes. Adicciones porquesí, Apa-apa còmics, Borobiltxo libros y Save As... Publications.
Casa Soler i Palet, Calle Font Vella, 28
de lunes a viernes: de 9 a 15h/ 17 a 20.30h
sábados: de 11 a 14h/ 18 a 21h
Entrada libre y gratuita

> Sábado 16 de enero
Picnic en el jardín tropical.
Presentación del espacio de consulta “Publicar o morir” y del plan de estudios de “Una escuela tropical”.
En Casa Soler i Palet, Calle Font Vella, 28
a las 18h. Entrada libre y gratuita

> Del 13 de febrero al 14 de marzo
UN JARDÍN TROPICAL: Terrazas tropicales
Una muestra de algunas de las plataformas más recientes de la ciudad, que han generado espacios singulares para la producción cultural. Ateneu Candela, Descord, inDirecte, Love pili, Terrassa Acció Creativa i Quelcom.
En Casa Soler i Palet, Calle Font Vella, 28
de lunes a viernes: de 9 a 15h/ 17 a 20.30h
sábados: de 11 a 14h/ 18 a 21h
Entrada libre y gratuita

> Sábado 27 de enero
Sopa tropical!
Presentación del espacio de consulta “terrazas tropicales” y inauguración de la exposición de “Un museo tropical”. Sopa para los asistentes y actuaciones en directo.
En Sala Muncunill, Plaza Didó, 3
a las 20h. Entrada libre y gratuita

> Del 26 de febrero al 28 de marzo
UN MUSEO TROPICAL. Encuentros en la emergencia
Hablar de “emergencia” en el mundo del arte contemporáneo supone aventurarse en un terreno ambiguo, confuso y difícil de definir.
Así, esta propuesta traza una amplia frontera al rededor de lo que posiblemente pueda definirse como arte emergente y presenta una exposición que se define a partir de una serie de encuentros entre estudiantes de Terrassa Escola Municipal d'Art con miembros de tres colectivos de artistas que ya cuentan, más o menos, con un incipiente recorrido en algunos de los circuitos del contexto artístico, y que de alguna forma plantean su trabajo desde perspectivas relacionales:
Blitzmambo, Les Salonnières y Stitch’n’Bitch.


En Sala Muncunill, Plaza Didó, 3
de martes a viernes: de 17 a 21h
sábados y domingos: de 11 a 14h / 17 a 21h
Entrada libre y gratuita
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UN LUGAR POSIBLE 
(texto de Lluc Mayol)

La tierra prometida: una playa de arena blanca, una hamaca, el sol tostándonos la piel, gafas de sol, agua de coco y las notas de un ukelele de fondo. Por pedir, que no quede.

A veces eso es lo que sucede alrededor de los programas artísticos en su vertiente más “emergente”: el circuito ofrece espejismos en forma de concursos, ciclos, festivales, centros de difusión y producción, donde las pequeñas [aspirantes a] estrellas del “show-business” reclaman, legítimamente, su parte del supuesto pastel; por otro lado la sociedad apela permanentemente a los efectos terapéuticos del arte (sobre todo del más joven) contra las enfermedades congénitas del sistema, mientras paradójicamente le reclama rendimientos a corto plazo, presionados por la implacable ley que cuenta los beneficios y la tiranía del calendario electoral. Mientras tanto multitud de críticos, comisarios y medios de comunicación se obstinan todavía hoy en mostrar el camino de Operación al Triunfo del Artista Genio y su Sublime Internacional e Inequívoca Obra. Al rededor de todo eso, la mayoría seguimos sin entender muy bien nada y con la sensación generalizada de que eso del arte contemporáneo es cosa de cuatro que hacen y deshacen. “Ellos se lo guisan, ellos se lo comen”.

Pero al margen de este panorama, las ciudades continúan llenas de una exuberante actividad creativa: multitud de talleres y espacios culturales híbridos, proyectos colectivos, espacios alternativos, publicaciones, productoras y editoriales independientes, redes de intercambio de información y conocimiento, que mantienen fértil el territorio creativo, palmo a palmo, haciendo rendir los recursos de los cuales que disponen con fórmulas singulares que plantean otras maneras de concebir los procesos de formación, producción y distribución de la cultura. En este contexto se entiende la experiencia artística como un proceso de construcción donde no hay dos equipos que hace falta “reconciliar” (los “emisores” y los “receptores”), sino como un lugar común en el que todas las personas producen y consumen al mismo tiempo, ya sea como generadores, como mediadores, como usuarios, como docentes, como alumnos o como observadores. Es aquí, en este espacio de confluencia, en el que se establece la conexión, en las relaciones, en las estrategias de unos y otros, donde se produce artísticamente.

Es en este lugar donde se sitúa la propuesta de este año para el ciclo Interferencies, planteando una serie de dispositivos en la ciudad de Terrassa en los que la exposición aparecerá partir de diferentes estrategias basadas en la idea de compartir procesos y conocimientos, ideas; de producir a partir del intercambio y el aprendizaje; de transformar todas las partes implicadas al mismo tiempo en productores y en receptores para construir entre todos/as este ciclo anual de arte contemporáneo.

Interferencies'09: una Terrassa tropical esencialmente es una invitación a las personas que habitan y transitas la ciudad a disfrutar de la experiencia, a aprender, a participar, a crear colectivamente y a pasarlo bien. Este evento transformará el espacio artístico en un lugar sin corsés, sin fronteras claras, en un espacio en construcción.

www.saladestar.com/interferencies09


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El título de este proyecto hace referencia a un fanzine editado durante la década de los 90's en Terrassa que se llamaba Terrazza Tropical donde participaron un gran número de artistas visuales, diseñadores, ilustradores tanto de la ciudad como de sus alrededores. Algunas de las personas que participaron han seguido trabajando en el mundo de la producción visual, otros quizás lo han abandonado casi por completo esta faceta creativa o se dedican de forma tangencial. Terrazza Tropical quizás no es el acontecimiento cultural más relevante de las últimas décadas en Terrassa, no es, por descontado, el único fanzine que se ha editado en una de las ciudades más prolíficas en la producción de fanzines en el contexto catalán, pero es un perfecto ejemplo de eso que tretande proponer Interferencies'09 y es una forma de entender el proceso creativo desde parámetros de emancipación social, hace generar cultura desde las pequeñas iniciativas, desde la autogestión, huir de los discursos hegemónicos para recuperar las experiencias de corto alcance como hechos significativos, sin que eso conlleve a renunciar a la solidez ni a la exigencia de elaboración de discursos estéticos de valor universal.

Un fanzine (de fanático, aficionado y magazine) es una revista independiente, normalmente amateur y producida con pocos recursos, que en general pretende difundir ideas, información y/o creaciones desde y para contextos sociales y culturales singularizados.


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Sobre la gráfica 
de Interferencies ‘09

El proyecto gráfico para la comunicación de este ciclo se ha realizado a partir de un proceso colaborativo en el que, partiendo de unos talleres sobre gráfica popular, se han generado los elementos básicos de comunicación. Los talleres, ideados y conducidos por Todojunto, se realizaron en la Casa Soler i Palet (Terrassa) el 11 de julio y en el taller de Todojunto (Barcelona) el 19 de septiembre de 2009.


Diciembre 22, 2009

SIN FORMATO 09. UN CONCURSO DE IMAGEN DIGITAL Y NUEVAS TECNOLÓGIAS

sin_formato_patio.jpg

Patio Herreriano
Museo de Arte Contemporáneo Español
www.museoph.org

Convoca SIN FORMATO 09. UN CONCURSO DE IMAGEN DIGITAL Y NUEVAS TECNOLÓGIAS

Consultar bases completas en www.sinformato.org

MUSEO PATIO HERRERIANO
BASES DEL CERTAMEN SIN FORMATO 09

RECEPCIÓN DE DOSSIERES: Hasta el 29 de Enero de 2009
VOTACIÓN DEL PÚBLICO: Del 08 al 14 de Febrero
SELECCIÓN DE OBRAS PARA LA EXPOSICIÓN POR PARTE DEL JURADO: 15 de Febrero
RECEPCIÓN DE OBRAS ORIGINALES SELECCIONADAS: Del 16 de Febrero a 12 de Marzo
ENTREGA DE PREMIOS E INAUGURACIÓN DE LA EXPOSICIÓN: 26 de Marzo


El Certamen está destinado a jóvenes de 18 a 35 años, nacidos o residentes en la comunidad de Castilla y León, relacionados con el mundo de la creación visual y las nuevas tecnologías. Un concurso que da cabida a estudiantes de módulos de Creación en 3D, Diseño Gráfico, Ilustración, Bachilleratos Artísticos, Bellas Artes, Arquitectura, Ingenieros Industriales, Diseño industrial, Diseño de Interior, Publicidad... y todos los aficionados o profesionales de los campos en los que hay un espacio importante para la creatividad y la materialización de ideas en imágenes.



Las personas interesadas en participar deberán enviar, hasta las 14.00 horas del 29 de enero, bien por correo postal o por e-mail a info@sinformato.org, o presentar en el Museo Patio Herreriano (C/ Jorge Guillén 6. 47003 Valladolid, de lunes a viernes, desde las 10.00 a las 14.00 h.), un dossier que incluya la siguiente información:

1. Imagen, vídeo de la obra a concurso (máximo 2 obras por persona) o dossier del proyecto en su caso (nunca originales). Dichas imágenes y vídeos se enviarán en dos versiones, una para la valoración del jurado y otra para la galería web www.sinformato.org. (consultar requisitos)
2. Fotocopia del DNI y en su caso justificante de residencia en la comunidad de Castilla y León (certificado de empadronamiento o similar).
3. Breve información sobre el autor/autores o Currículum Vital
4. Si se considera relevante se puede incluir información escrita sobre la pieza, justificación teórica, sinopsis, material informativo que se tomará en cuenta e incluirá en la página web junto a los proyectos.
5. Ficha de inscripción debidamente cumplimentada y firmada. Descargar ficha de inscripción
6. Declaración jurada de que la obra presentada no ha sido premiada en ningún otro certamen.

La recepción de la documentación será confirmada por el Museo Patio Herreriano, mediante copia del registro en mano o correo electrónico. En caso de no recibir dicha confirmación debe entenderse que la documentación no ha sido recibida en nuestras oficinas.

REQUISITOS que tienen que cumplir los archivos de las obras para la valoración del Jurado:

PARA IMAGEN FIJA : Formato: .jpg.

PARA OBRAS DIGITALES (net.art, multimedia, animación, etc.): Formato DVD o CD. Indicar la duración.

PARA VIDEO: Formato DVD, CD (incluir loop). Indicar la duración.

PARA DISCIPLINAS MIXTAS, INSTALACIONES O PROYECTOS: Un dossier en el que se incluirá la siguiente información:

. Características técnicas.
. Fotografías de la obra.
. Especificaciones de montaje en las piezas que lo requieran.

REQUISITOS que tienen que cumplir los archivos de las obras para su inclusión en la Galería de la web:

PARA IMAGEN FIJA : Formato: .jpg, resolución: 72 dpi

PARA ANIMACIONES .swf Tamaño: Máximo 2 Mb

PARA VIDEO: Formato: avi, mov, mpeg. Duración: 5 min. Máximo Tamaño: proporcional al PAL (768x576 px). (Si el video total de la obra supera el tiempo permitido deberán enviar para la web un video resumen o fragmento del video total)

INFORMACIÓN ESCRITA sobre la pieza: Formato word o pdf.


Todas las obras y proyectos (imagen y vídeo) enviados podrán ser visualizados a partir del día 5 de febrero en la Galería de la web www.sinformato.org en una exposición permanente junto con el material documental adjunto, en PDF para poder descargarse.
En este espacio todos los usuarios de la web podrán dar su voto a aquella obra que consideren destacada. Con los resultados finales se otorgará el premio del público.

DERECHOS DE AUTOR:
• 1) El autor/es declara estar en posesión de los derechos necesarios para la exhibición y publicación de las imágenes presentadas, en particular, el derecho a la propia imagen de las personas que aparezcan en sus obras, y exime a la organización de cualquier reclamación económica o de otro tipo por parte de entidades de gestión colectiva.
• 2) El autor/es cede gratuitamente el correspondiente derecho de reproducción de la obra, para el website www.sinformato.org y para otros materiales promocionales de la muestra y del concurso como pueden ser, dossier de prensa, programas, carteles…
• 3) El autor/es exonera a la Organización de todo tipo de conflicto que se pueda derivar con las Asociaciones de Defensa de los Derechos de Autor, especialmente V.E.G.A.P, y de cualquier demanda judicial que se pueda producir por no disponer el autor/es de los derechos de autor o propiedad intelectual de las imágenes y música participantes en el concurso.

El jurado se reunirá el 15 de febrero de 2010 y realizará la selección de obras de la muestra a partir de los dossieres presentados y de las propuestas concretas de cada autor/a, según el criterio de calidad definido por él mismo y en función del espacio expositivo, la Sala Cero del Museo Patio Herreriano. Se valorarán de forma notable las aportaciones más novedosas en materia de nuevas tecnologías y recursos de la imagen.
Habrá una segunda reunión para otorgar el premio, posterior a la recepción de originales en el Museo. Una vez el jurado haya decidido el fallo será comunicado por parte de la institución mediante correo electrónico a los premiados. El título y los autores de las obras seleccionadas serán mostrados de manera pública en la web del Museo y serán presentados a los medios el día de inauguración de la muestra. La decisión del jurado será inapelable.

El jurado estará formado por cinco personas:

- Un representante de la Junta de Castilla y León.
- Tres profesionales del medio artístico.
- La Directora del Museo Patio Herreriano.


Se otorgarán los siguientes premios:

• PRIMER PREMIO: 5.000,00 € y exposición de la obra premiada
• PREMIO DEL PÚBLICO: 1.000,00 € y exposición de la obra premiada
Todas las cantidades estarán sujetas a la retención del I.R.P.F
• Las obras seleccionadas para la muestra SIN FORMATO 09 recibirán un diploma de reconocimiento.
• Los usuarios registrados en la web que hayan emitido su voto entrarán en el sorteo de un viaje, que se realizará ante el Secretario de la Fundación Patio Herreriano D. Rafael Salgado Gimeno. El valor del viaje no excederá la cantidad de 600,00 euros impuestos incluidos


Aquellas obras que sean seleccionadas por el jurado formarán parte de la muestra que se expondrá en la Sala Cero del Museo Patio Herreriano. La inauguración coincidirá con la entrega oficial de los premios que se dará a conocer de forma pública en un acto a celebrar el día 26 de marzo de 2010.
A aquellos autores que resulten premiados o sean seleccionados por el jurado para la muestra se les solicitarán, por correo electrónico, los originales que deberán entregar en el Museo Patio Herreriano C/ Jorge Guillén, 6, 47003 Valladolid, en un embalaje adecuado y reutilizable. El envío de la obra correrá a cargo del participante que tendrá que entregarla entre el 16 de febrero y el 12 de marzo de 2010. Para la entrega de originales deberán ponerse previamente en contacto con el Departamento de Colección y Exposiciones del Museo en el teléfono 983 362 908. La devolución de las mismas a sus autores se hará en el Museo Patio Herreriano una vez terminada la muestra SIN FORMATO 09, en el plazo máximo de un mes desde la clausura de la exposición. Si sus autores lo prefieren pueden solicitar el envío de las obras a portes debidos por mensajería. Si en el plazo establecido para la retirada de las obras, ésta no se ha producido, se considerarán abandonadas por sus titulares, pasando a disposición de la Organización que podrá disponer de ellas libremente.

La Organización adoptará las medidas adecuadas para la custodia y conservación de las obras presentadas durante el tiempo que permanezcan en el Museo o el transporte y la estancia en otra sede debido a una posible itinerancia, pero no responderá del extravío, sustracción, deterioro o cualquier otra eventualidad que pueda ocurrirles, durante el transporte al Museo o su transporte al lugar de origen, aún cuando ésta se produzca por caso fortuito o fuerza mayor. La Organización por tanto no se responsabilizará de la obra una vez entregada a la empresa de mensajería.



Los participantes que deseen recuperar los dossieres entregados podrán recogerlos personalmente desde el día 3 de Mayo de 2010 durante 1 mes en el Museo Patio Herreriano, en la dirección anteriormente mencionada. Si al autor/es no les fuera posible acudir personalmente, podrán designar un representante que lo haga en su lugar.

También se puede solicitar su devolución en info@sinformato.org indicando la dirección postal donde se entregará por mensajería a portes debidos.

La organización se reserva el derecho de modificar las condiciones del presente certamen en cualquier momento, e incluso de anularlo o dejarlo sin efecto, siempre que concurra causa justificada para ello. En todo caso, se compromete a comunicar por esta misma vía las bases modificadas, o en su caso, la anulación del concurso en su conjunto, de forma que todos los participantes tengan acceso a dicha información.
La participación en el certamen supone la aceptación de estas bases.

BASES DEPOSITADAS ANTE EL SECRETARIO DE LA FUNDACIÓN PATIO HERRERIANO D. RAFAEL SALGADO GIMENO.

La Bienal de Arte Efímero Spora09 cierra con una pieza transdisciplinar de arte interactivo

_MG_7702-u.jpgSpora. II Bienal de Arte Internacional de Arte Efímero queda ya en la experiencia vívida y sensorial de quienes han participado, de un modo u otro, en alguno de los 13 proyectos que han formado parte de la muestra. Desde el domingo, nada queda de las piezas de arte mostradas. La memoria, la documentación fotográfica y el registro audiovisual del proceso y de la creación final acreditan lo ocurrido en Spora09, que comenzó en el Museo Arqueológico de la ciudad, a la orilla de río Darro, en el Albayzín, y ha acabado en el Parque de las Ciencias con una pieza de arte interactivo. Patrimonio y tradición unidos a la más completa modernidad han dado forma a Spora09.

Tradición y modernidad unidas han llevado a Spora de la mano desde el Albaycín hasta la zona más moderna de la ciudad, la del centro cultural CajaGranada y el Parque de las Ciencias. En ese eje, paralelo a los ríos Darro y Genil es donde más de 60 artistas de 10 nacionalidades proyectaron sus piezas. De ellos, 10 fueron seleccionados para estar en Granada. Tras seis días de intensa actividad, Spora ha dejado, como ya hizo en su edición anterior, un poso de ideas, de creatividad y de experiencias artísticas muy interesantes, además de transmitir a la sociedad granadina la importancia del proceso en la creación artística. El conjunto de proyectos –invitados y seleccionados– han conformado una selección perfectamente equilibrada de ideas relevantes y significativas en los ámbitos en los que Spora quiere contribuir a difundir: Arte y Naturaleza y Arte y Nuevas Tecnologías. Estos dos ámbitos han servido para que artistas con diversas culturas de distintos países, convivan con los artistas locales y nacionales comisariados en un auténtico ejercicio de intercambio artístico y cultural. Ellos han hecho suya la ciudad por unos días, ayudados por colaboradores alumnos de los últimos cursos de la Facultad de Bellas Artes de Granada.
My Homage to Ethernal Granada, la instalación de la artista noruego-coreana Hee Sook Lee-Niinioja y Realidad oculta del granadino Isidro López Aparicio fueron las obras presentadas por los dos artistas invitados en esta edición. Seleccionados fueron los siguientes artistas y obras: Alfonso Borragán (artista español residente en Bristol) con Cerámica negra; el colectivo Adeio (España) con Pequeñas cosas aquellas; Fernando Rubio Ahumada (España), con Dejar Huella; el colectivo DESEda (España), con DESEda; Daniel Rojas (España), con Sociograma Interactivo; Pénélope Hauserman y Cie Les Intouchables (Francia), con Objet nature; Elisabeth Lumme (Alemania), con Untittled; Larry Cressman (EEUU) con the Nature of Drawing IV; Lucía Madrid (Costa Rica), con Aquí y Trish Scott (Gran Bretaña) con City Stitch.
Por otra parte, el Parque de las Ciencias fue la sede del laboratorio abierto de Konic thtr titulado El cuerpo expandido, un proyecto de Arte Interactivo orientado hacia Escena Aumentada. Este Open Lab se constituyó como un espacio de encuentro multidisciplinar en torno al arte y las últimas Tecnologías. Para ello, la organización seleccionó y becó a 15 profesionales y artistas andaluces del campo del arte (en campos tan diversos como la música, la danza, la fotografía, el videoarte,…) y de la tecnología (Vjing, interactividad, iluminación, ingeniería de sistemas,…), dirigidos por Rosa Sánchez y Alain Bauman, y que finalmente ha dado como resultado una obra que se mostró a más de 300 personas en el auditorio y diseminados por el Parque de las Ciencias, el último día de la Bienal.
Esta edición de Spora no hubiera sido posible sin las entidades que han colaborado en esta edición: La Facultad de Bellas Artes, la Universidad de Granada y la Asociación Arte y Sociedad, como organizadoras, así como los siguientes patrocinadores: la Consejería de Cultura a través de la Dirección General de Museos y Arte Emergente, el Ministerio de Cultura, la Diputación de Granada, el Ayuntamiento de Granada, el Parque de las Ciencias y el Museo de la Memoria de Andalucía.


Qué es SPORA. Bienal Internacional de Arte Efímero
Es un itinerario bianual de arte contemporáneo y efímero por la ciudad de Granada.
La muestra transcurre por un sendero cuyos extremos, claramente diferenciados, dan sentido a uno de los argumentos de la muestra, Tradición y Modernidad. A un lado, el Sacromonte, como exponente de esa tradición, de los oficios artesanos y de una larga historia. En el otro extremo, la zona de museos de la ciudad, con el Centro Cultural-Museo de Caja Granada y el Parque de las Ciencias; ambos, ejemplo de modernidad y puesta al día de una ciudad. Y entre ambos extremos, la ciudad y sus calles más concurridas. Ahí es donde surge SPORA en cada edición. En edificios tan emblemáticos como el Bañuelo, el Carmen de la Victoria, el Palacio de los Córdova o calles y espacios como la Fuente de las Batallas, los artistas que se reúnen en torno a SPORA muestran a la sociedad sus obras de arte efímero. Conceptos como el vestigio, la no pertenencia, el recuerdo, lo perecedero, el momento de emoción y disfrute para los sentidos o la desmaterialización como esencia de lo efímero frente a lo perdurable son el argumento de esta muestra, que se dispersa sobre la ciudad.

El agua de los ríos Darro y Genil hacen de hilo conductor a través del tiempo y las diferentes culturas, para fundir tradición y modernidad potenciando un espacio cultural común.

SPORA es una búsqueda de ese espacio cultural común, en el que se promueven y difunden proyectos de arte contemporáneo que fomenten valores éticos y sociales a partir de dos líneas de investigación:

1. Arte y Naturaleza promoviendo la educación sobre el respeto y la recuperación del Medio Ambiente, con intervenciones artísticas multidisciplinares de carácter efímero en el paisaje urbano, basadas en una Estética Ecológica y que nos hablen a través de metáforas de cómo mejorar nuestro presente y avanzar hacia un modelo energético más justo y sostenible. Se buscan intervenciones orientadas a preservar la herencia cultural y analizar diferentes rituales y tradiciones frente a la naturaleza. Podrán presentarse proyectos de Instalación, Performance, Land Art, Arte Reciclado, etc…

2. Arte y Nuevas Tecnologías promoviendo proyectos artísticos que acerquen el arte y las nuevas tecnologías a la sociedad dentro de ese espacio cultural común. Los proyectos de creadores e investigadores que trabajen en torno a las prácticas artísticas contemporáneas, quedan estructuradas en tres apartados: Arte interactivo (Net Art, Espacios interactivos, Entornos virtuales), Videoarte (Vídeocreación, Videoinstalaciones, Videodanza, Vjing) y Arte sonoro (Espacio sonoro, Escultura sonora, Vdj).


Para más información:
Dpto. de Comunicación y Prensa - prensa@sporaarteefimero.com

Diciembre 21, 2009

6/12 ESPACIO ABISAL

w3art-u6.jpgPROGRAMACIÓN EXPOSITIVA PRIMER SEMESTRE 2010

www.espacioabisal.org

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Abisal elabora su programación en base a proyectos expositivos y de comisariado seleccionados por su alto grado de experimentación dentro de los discursos de la cultura contemporánea. En esta nueva etapa la línea curatorial del Espacio pretende hacer especial hincapié en proyectos colectivos y en propuestas individuales de artistas locales jóvenes.

Del 9 al 29 de enero / MANERAS VERTICALES
Usoa Fullaondo

Usoa Fullaondo es artista y profesora de la facultad de Bellas Artes de la UPV/EHU dónde realiza su tesis doctoral entorno al azar en el arte. Recientemente ha sido premiada en INJUVE y ERTIBIL, ha sido becada por Bilbaoarte, ha expuesto en el Centro Cultural Montehermoso y ha comisariado la muestra TXIRIPA en la Sala de exposiciones de la EHU. Presenta en Abisal la conclusión de lo que ha sido su trabajo de investigación los últimos 4 años.

Del 6 al 26 de febrero / TORRES, MUROS Y TRINCHERAS
Miriam Isasi

Miriam Isasi es artista y doctoranda de la facultad de Bellas Artes de la UPV/EHU con un proyecto sobre “el refugio ocasional”. Se ha formado con artistas como Francesc Torres y ha expuesto su trabajo en el Centro Cultural Montehermoso, Sala Amarika o Artium. A lo largo de todo el mes de febrero presentará en Espacio Abisal un proyecto individual site-specific entorno a los procesos de construcción del “refugio", a partir de su análisis conceptual y un trabajo procesual in-situ.

Del 6 al 26 de marzo / ENTERRAR LOS PROBLEMAS Y
ESPERAR A LA LLEGADA DE LOS ZOMBIS
Ana García-Pineda

Ana Garcia-Pineda es artista y comisaria. Ha participado en proyectos individuales como “Salvar el Mundo” (Sala Soler i Palet, Terrassa, 2007) o “Romperlo todo y que haga tiroriro” (Aparador Museu Abelló, Mollet, 2008); así como en proyectos colectivos como “Cosmopolitan Barcelona” (Dia Art Foundation, N.Y, 2009) o “I will not throw rocks” (Form & Content, Londres, 2008). Recientemente ha recibido la beca BCN Producció'08, beca Guasch Coranty y la Beca de Artes Visuales de Olot. Residente Hangar entre 2007-09, acaba de recibir el primer el premio de Artes Visuales INJUVE.

Del 3 al 23 abril / PODERES UNIDOS
Javier Fresneda y Santiago Pinyol

El primer proyecto seleccionado en la CHARGING 2010 es una propuesta de los artistas Javier Fresneda y Santiago Pinyol basada en la concentración de poderes esotéricos y mágicos de Bilbao y en la formalización de un espacio/instalación como lugar de liturgia. PODERES UNIDOS pretende establecer un encuentro, entre los agentes mágicos locales y generar un espacio de documentación que reflexione sobre las conexiones entre arte y magia.

Del 8 al 28 de mayo / C.U.E.
III Certamen de Arte Hormonado

Tras tres ediciones el Certamen de Arte Hormonado, un proyecto del Colectivo la Cuchara, se ha consolidado como una de las propuestas más frescas el panorama vasco dando cabida a proyectos multidisciplinares de artistas jóvenes. En Abisal presentarán las C.U.E, jornadas de experimentación y acción, en las que dos colectivos invitados trabajarán colectivamente para lograr una exposición colectiva que se insertará dentro de la programación del Certamen.

Del 5 al 25 de junio / MIEDO
Comisariado Abisal

Espacio Abisal y un grupo de estudiantes de la Facultad Bellas Artes de Leioa formará un grupo de trabajo que reflexionará entorno a la cuestión del “miedo” contemporáneo. A partir de un proceso basado en la lectura de textos, el visionado de filmes, la convivencia y la construcción de relatos de terror se extirparán los desos,las fobias y los pánicos para ser lanzados a bocajarro contra el espacio expositivo. La documentación del proceso y los comentarios al margen servirán como material para la edición de un número especial de FUERZA VITAL que funcionará como registro.

Del 26 de junio al 3 de julio / AMORPHOPHALLUS TITANUM
Santiago F. Mosteyrín

Santiago F.Mozteyrín es artista y biólogo. Su trabajo se centra en procesos de creación vinculados al dibujo y la animación. Afincado en Bilbao desde 2009, permanecerá en Espacio Abisal durante 72 (repartidas durante una semana a razón de 8 horas de trabajo al día) dibujando sobre el muro de la sala una AMORPHOPHALLUS TITANUM, planta gigante cuyo período vital es, precisamente, 72 horas. La exposición morirá en el mismo instante en el que el dibujo haya sido terminado.
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breve.
30 de enero / Juan Aizpitarte + Oier Villar
27 de febrero / Estitxu Losa
27 de marzo / Usoa Areitio
24 de abril / Ibai León + Sara Campillo
29 de mayo / Damián Rodríguez

Breve. es un proyecto curatorial que pretende indagar en los ritmos de producción y exhibición de los procesos artísticos contemporáneos. La propuesta, como proceso de investigación en ese sentido, se compone de una serie de intervenciones/exposiciones/acciones que tendrán una duración de 1 día (entre montaje, inauguración y muestra) y que se llevarán a cabo de manera intermitente dentro de la programación anual de Espacio Abisal en 2010 el último sábado de cada mes. Los artistas dispondrán de una mañana para montar la exposición, que se inaugurara a medio día y podrá ser visitada a lo largo de esa tarde para ser clausurada a las 20.00 horas desde ese mismo día para su inmediato desmontaje. Finalmente los flyers, a modo de postal, servirán como instrumento de comunicación y como testigo incompleto (agrupados en forma de publicación) del conjunto de propuestas “breves”.
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www.espacioabisal.org


Diciembre 18, 2009

EXPOSICIÓN "ESPACIO DISPONIBLE"

_MON6333-u.jpgArtista: FOD (Francisco Olivares Díaz)
10 de diciembre de 2009– 28 de febrero de 2010
Inauguración 10 de diciembre de 2009 a las 20 h.
Sala Espacio AV y Patio Central de La Conservera
www.espacioav.es

El trabajo de Fod marcadamente constructivo ha dado en este proyecto el salto a la tercera dimensión lo que permite visualizar aún con mayor claridad que tras una apariencia fría y geométrica se esconde en realidad una obra que es a la vez un ejercicio de memoria y de crítica, una reflexión sobre la ciudad, sobre el espacio y sobre la intimidad. El propio artista ha señalado que siempre ha puesto el punto de mira en las fachadas, en los espacios deshabitados, en los derribos y restos.

En esta exposición Espacio disponible, utilizando de un modo sumamente inteligente los procedimientos del collage, de la pintura, de la escultura y la instalación Fod ha conseguido una obra sugerente y a la vez misteriosa. Al acoplar materiales diversos -maderas, papel, policarbonatos, hierro- no sólo une espacios distintos sino también tiempos diferentes, de lo frágil a lo perenne. Crea así habitáculos bajo los que todo está en constante deriva y mutación. Espacios en los que los que a la vez estamos fuera y dentro mostrando la imposibilidad de encontrar refugio para ocultarnos. Como en un puzle del que faltaran piezas las estructuras no encajan enfatizando huecos, ausencias, ruinas. Todo el proyecto es la vez de un modo sutil monumental y frágil, nos anima a habitarlo pero simultáneamente muestra las fantasmagorías de la ciudad moderna, lo inhóspito que crece cada día en el centro de nuestras calles. Los suelos tienen la solemnidad y tensión de escenarios, las paredes se abren y muestran como un esqueleto su estructura que ya no sirve para separarnos del mundo, las ventanas traslúcidas ocultan y deforman nuestros pasos: todo el conjunto a la vez enfatiza la dificultad del habitar y el desplazamiento que caracteriza buena parte de la escultura contemporánea de la seguridad y el peso a lo frágil e inestable. La inclusión de grandes dibujos de tinta china, material que el artista define como una mezcla de humo y agua que le evoca cenizas restos de chimeneas, le aporta al proyecto un gran interés ya que por su escala se trata prácticamente de verdaderas arquitecturas de lo efímero, escaparates y vistas que hacen más rotundo el proyecto de Fod.

Este artista es heredero de una tradición que comienza de un modo claro con Gordon Matta-Clark en los años setenta y que reflexiona sobre la idea de que la entropía social y derroche, conlleva la explosión de las ciudades hacia el campo hasta llegar a consumirse a sí mismas, Fod habla del concepto de disponibilidad no sólo como lo que se ofrece a ser habitado sino como el solar arrasado y que se anuncia en vano; como esos territorios en los que se acumulan tableros y estructuras y en los que la modernización es en el fondo una desintegración. Con su trabajo intenta construir una desarquitectura, hacer con los restos un espacio que nos haga reflexionar sobre la ciudad.

Este proyecto se desarrolla simultáneamente en La Conservera.


ORGANIZA: Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad Autónoma de la Región de Murcia, Departamento de Artes Visuales, Murcia Cultural, S.A.


www.espacioav.es
www.laconservera.org


(imagen de sala)

Diciembre 17, 2009

LABORAL INAUGURA EL 18 DE DICIEMBRE PLAYLIST, UNA EXPOSICIÓN SOBRE LA RELACIÓN ENTRE LOS VIDEOJUEGOS, LA MÚSICA Y EL ARTE

Playist invite V4-1-u.jpgLABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón
18.12.2009 – 17.05.2010
www.laboralcentrodearte.org

Durante el siglo XX, la música funcionó a menudo como fuerza motriz de innovaciones fundamentales en las artes visuales y como punto de partida para muchos artistas. Sin olvidar el papel que desempeñó en el desarrollo del arte abstracto, fue sobre todo en la década de los 60 cuando demostró ser un terreno abonado para nuevos enfoques, nuevas teorías, nuevas formas de arte y nuevas estéticas.

En los años noventa, numerosos creadores comenzaron a trabajar en la reinvención de tecnologías obsoletas -tanto digitales como analógicas-, como los vinilos, los ordenadores vintage y las plataformas de juegos y similares. La exposición PLAYLIST. Jugando: juegos, música, arte explora ese tipo de investigación y se centra en la relación entre la investigación musical y la visual, en el convencimiento de que, muy a menudo, corresponde a la primera, más que a la segunda, el papel de fuerza motriz del proceso. La muestra se inaugurará en la Mediateca Expandida de LABoral el 18 de diciembre y permanecerá abierta hasta el 17 de mayo de 2010.

El núcleo de PLAYLIST es la exploración de la “escena del chiptune”, desarrollada a partir de la manipulación de tecnologías de juego obsoletas para crear nuevos instrumentos con los que interpretar música. La exposición demuestra que es posible plantearse el fenómeno del retro-gaming dentro de las artes visuales como una revisión de un fenómeno, en gran medida musical, que, en pocos años, se ha extendido por todo el mundo a través de festivales y clubes, influyendo puntualmente a músicos mainstream, y que la investigación visual y la musical han ido evolucionando a lo largo de senderos paralelos, en busca de sonidos y estéticas de baja resolución, de colores sintéticos y de notas.

La muestra expone obras de arte, pero también incluye instrumentos, herramientas, softwares, hardwares, discos, plataformas y comunidades. Con ello, PLAYLIST actuará como punto de partida para la creación de un archivo de materiales producidos por artistas y músicos y también como un contexto relacional en donde los visitantes puedan practicar con herramientas creadas por artistas y participar en talleres, conferencias y performances improvisadas. Pero además de todo eso, Playlist ofrece un entorno para este tipo de investigación, no necesariamente basado en el juego, seleccionando aquellos proyectos y artistas que han sido fundamentales para la construcción del marco conceptual que ha hecho posible el desarrollo del retro-game.

COMISARIO: Domenico Quaranta (Brescia, Italia)
ARTISTAS: Paul B. Davis (Reino Unido), Jeff Donaldson/noteNdo (EEUU), Dragan Espenshied (Alemania), Gino Esposto/micromusic.net (Suiza), Gijs Gieskes (Holanda), André Gonçalves (Portugal), Mike Johnston/Mike in Mono (Reino Unido), Joey Mariano/Animal Style (EEUU), Raquel Meyers (España/Alemania), Mikro Orchestra (Polonia), Don Miller/No Carrier (EEUU), Nullsleep (EEUU), Tristan Perich (EEUU), Rabato (España), Gebhard Sengmüller, en colaboración con Martin Diamant, Günter Erhart y Best Before (Austria), Alexei Shulgin (Rusia), Paul Slocum (EEUU), Tonylight (Italia) y VjVISUALOOP (Italia)
ESPACIO: Mediateca Expandida de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial


LA ANTOLOGÍA
Con motivo de la inauguración de PLAYLIST, LABoral edita una revista, que con el título Mediateca Expandida. PLAYLIST, documenta tanto gráfica, como literariamente la exposición. Además, la revista-catálogo incluye un CD, con una antología de música, como un complemento ineludible a esta publicación. Para realizar esta Lista de Reproducción, se ha pedido a cada uno de los artistas participantes en la exposición un par de temas que se han incluido en esta recopilación.


logoslaboralymas-u.jpg


LABoral Centro de Arte y Creación Industrial
Los Prados 121
33394 Gijón (Asturias)
T. +34 985 185 577
F. +34 985 337 355
info@laboralcentrodearte.org
www.laboralcentrodearte.org

Fundación Telefónica presenta la obra del arquitecto brasileño Oscar Niemeyer

300-uu.jpgLa muestra prorrogará su apertura hasta el 10 de enero en la Sala de Exposiciones de Fundación Telefónica.

Fundación Telefónica, con la colaboración de la Fundación Cultural Hispano-Brasileña, presenta la retrospectiva más completa realizada en España hasta la fecha de Oscar Niemeyer. La muestra incluye desde sus primeros proyectos de arquitectura moderna en Brasil hasta las obras más recientes, como el Centro Niemeyer de Avilés, en proceso de construcción y el único trabajo en España de este arquitecto que a sus casi 102 años de edad continúa con su tarea creativa.
La exposición, comisariada por Lauro Cavalcanti, está compuesta por maquetas, dibujos, croquis, libros, fotografías, un sofá, una escultura, proyecciones y películas. La muestra prorrogará su apertura hasta el 10 de enero en la Sala de Exposiciones de Fundación Telefónica.

Oscar Niemeyer es una de las figuras clave de la arquitectura moderna. Reconocido internacionalmente por sus proyectos innovadores y sus aportaciones mundiales a la arquitectura de los siglos XX y XXI, pertenece a la estirpe de brasileños que han contribuido al crecimiento experimentado por este país desde mediados del siglo XX y que ha hecho de Brasil una potencia mundial.
Niemeyer ha contribuido a crear una nueva perspectiva de la arquitectura, en la que la línea curva es la protagonista de sus obras: “no es el ángulo recto el que me atrae, ni la línea recta, dura, inflexible, creada por los hombres. Lo que me atrae es la curva libre y sensual. La curva que encuentro en las montañas de mi país, en el curso sinuoso de sus ríos, en las ondas del mar, en las nubes del cielo, en el cuerpo de la mujer amada. De curvas está hecho todo el universo”.
Oscar Niemeyer es asimismo pionero en la exploración de las posibilidades del hormigón armado. Transforma este material y con la curva lo hace regresar a las formas de la naturaleza creando estructuras dinámicas y livianas que se adaptan a las condiciones medioambientales.
Niemeyer es ante todo un humanista que inicia sus trabajos con trazos y dibujos, luego escribe textos para argumentar los croquis y finalmente, cuando tiene todo claro, desarrolla los proyectos arquitectónicos, que tienen un fuerte compromiso político, social y cultural, ya que para él “la vida me parece más importante que la arquitectura”.

www.fundacion.telefonica.com/arteytecnologia/exposiciones/niemeyer.htm

Diciembre 16, 2009

MUSAC CONVOCA LA V EDICIÓN DE BECAS DE CREACIÓN ARTÍSTICA. CONVOCATORIA 2009- 2010

imagen_becas_02-u.jpgPlazo límite de entrega de la documentación: 16 de marzo de 2010, a las 14 horas

Consulta las bases de la convocatoria en: http://www.musac.es/index.php?secc=4&subsecc=1

Buzón de consulta: becas_musac@musac.es

V CONVOCATORIA DE BECAS DE CREACIÓN ARTÍSTICA MUSAC

La Fundación Siglo para las Artes en Castilla y León, a través del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), convoca la V Edición de las Becas de Creación Artística MUSAC 2009-2010, de conformidad con las siguientes Bases:

1.- El objetivo de esta convocatoria es promocionar y estimular la creación artística dentro de los parámetros del arte actual y en todas sus disciplinas: pintura, escultura, grabado, dibujo, fotografía, vídeo, obra gráfica, instalación, videoarte, arte electrónico o cualquier otra tendencia de actualidad, admitiéndose igualmente los proyectos multidisciplinares.

Las becas se otorgarán a los mejores proyectos de artes plásticas, originales y de nueva creación o inéditos ya iniciados y de los que se pretenda continuar hasta su desarrollo final, siempre y cuando estos últimos no hayan sido objeto de anteriores ayudas, subvenciones o becas.

Para la obtención de esta beca será requisito indispensable no contar paralelamente con ningún otro tipo de ayuda, beca o subvención, ni estar realizando un trabajo por cuenta ajena incompatible con el desarrollo de la beca. En el caso de incompatibilidades sobrevenidas, la beca podrá ser retirada, previo informe de la Comisión de Seguimiento.

2.- Las Becas de Creación Artística están dotadas con un máximo de CUARENTA Y CINCO MIL EUROS (45.000,00 €), que se repartirá entre los proyectos seleccionados, hasta un máximo, para cada uno de ellos, de QUINCE MIL EUROS (15.000,00 €), cantidad sujeta a la retención fiscal vigente.

Al menos un tercio del importe de las becas otorgadas estará destinado a proyectos presentados por personas nacidas en Castilla y León o residentes en la misma con anterioridad al inicio del plazo establecido para la presentación de la documentación requerida.

El importe de las becas se hará efectivo en diversas cuotas dependiendo del desarrollo presentado por el solicitante.

3.- Requisitos de los participantes.
Podrá participar cualquier persona física interesada, mayor de edad, a título individual o colectivo, sin tener en cuenta ningún otro condicionante.

Serán causas de incompatibilidad para ser beneficiario de estas becas:
a) Haber sido sancionada con la pérdida de la posibilidad de obtener subvenciones o ayudas públicas.
b) No hallarse al corriente en el cumplimiento de las obligaciones tributarias o frente a la Seguridad Social impuestas por las disposiciones vigentes.
c) Tener la residencia fiscal en un país o territorio considerado por el ordenamiento jurídico como paraíso fiscal.
d) No hallarse al corriente de pago de obligaciones por reintegro de subvenciones.
e) Haber trabajado o prestado servicios, directa o indirectamente, para la Fundación Siglo.
f) Aquellos artistas con obras que ya formen parte de la Colección del MUSAC.
g) Tener parentesco de consanguinidad dentro el cuarto grado o de afinidad dentro del segundo, con cualquiera de los miembros del Jurado.
h) Tener amistad íntima con alguno de los miembros del Jurado.

En el caso de presentarse en equipo se considerará como representante el que se designe al efecto, y a los efectos de responsabilidad y entrega de las becas, se estará a lo que se indique previamente en la documentación aportada.

Se presentará un solo proyecto, ya sea a título individual o colectivo.

4.- La duración de las becas será determinada por el tiempo de desarrollo del proyecto estimado por el solicitante en su propuesta, si bien se establece como fecha límite el 31 de diciembre de 2010.

No obstante, la Fundación Siglo, a propuesta de la Comisión de Seguimiento y a la vista del trabajo desarrollado, podrá por su excepcionalidad, prorrogar la duración de la beca por el tiempo que se estime necesario, sin que en ningún caso se pueda superar el plazo inicial, y supeditado todo ello a la existencia de dotación presupuestaria adecuada y suficiente.

Una vez concluido el periodo de la beca, los beneficiarios de las mismas deberán presentar una memoria final sobre el trabajo desarrollado y el resultado del mismo, así como acreditar y justificar, conforme al presupuesto estimado en su solicitud, los gastos generados en el desarrollo del proyecto.

5.- Para participar en la presente convocatoria será necesario aportar la siguiente documentación:

• Fotocopia del documento nacional de identidad (DNI) o Pasaporte.
• Currículum vítae abreviado (máximo 1 folio).
• Título, resumen y exposición del proyecto (máximo 2 folios).
• Cronología y presupuesto del proyecto (máximo 1 folio).
• Dossier de impresiones o fotocopias en color del trabajo del artista. No se aceptarán originales, ni documentación adjunta como catálogos, folletos, obras originales, etc. (máximo 10 folios).

Por cuestiones de organización y valoración, este material debe presentarse en formato DinA4, encuadernado y ocupando un máximo de 14 folios en total (tal y como arriba se especifica). Se desestimará toda documentación que no se ajuste a esta norma.

En caso de proyectos audiovisuales, el artista podrá aportar un único DVD acompañando a la documentación exigida.

La documentación presentada a la convocatoria de esta beca no se devolverá tras la resolución de la misma.

La documentación podrá ser remitida en persona, por correo certificado o agencia de mensajería a la siguiente dirección: Becas Creación Artística MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, Avenida Reyes Leoneses, 24 (24008) León.

Se podrá presentar esta documentación hasta el día 16 de marzo de 2010, a las 14 horas.

6.- El Jurado, integrado por Agustín Pérez Rubio, Director del MUSAC (León), Mª Inés Rodríguez, Conservadora Jefe del MUSAC (León), Iñaki Martínez Antelo, Director de MARCO (Vigo), Leire Vergara, Comisaria Independiente, y un secretario, se reunirá una vez terminado el plazo de presentación de la documentación correspondiente. El fallo, que se decidirá por unanimidad, se hará público a principios de abril de 2010 y se comunicará personalmente a cada uno de los solicitantes seleccionados. Igualmente, el fallo se hará público en la Web del MUSAC.

7.- Se valorarán las participaciones presentadas a esta convocatoria según los siguientes criterios de selección:
-la calidad artística e innovación de la propuesta
-el rigor expositivo y la coherencia del discurso del proyecto
-adecuación del presupuesto al proyecto presentado

8.- Una vez concluida la selección, se establecerá una Comisión de Seguimiento encargada de evaluar el desarrollo de los proyectos, así como de requerir de los becarios toda la información que se considere conveniente sobre el estado de los proyectos.

Así mismo, los becarios deberán poner en conocimiento de la Comisión de Seguimiento cualquier circunstancia que afecte al desarrollo de los proyectos e implique modificaciones de las condiciones que motivaron la concesión de la beca. Tales modificaciones deberán ser previamente autorizadas por la Comisión de Seguimiento.

Si se estimase que el desarrollo del proyecto no se lleva a cabo en los términos o plazos previstos, o si la información recabada sobre su realización no fuese lo suficientemente satisfactoria, o si el becario incumpliese cualquiera de las obligaciones asumidas, la beca podría ser retirada automáticamente previo informe presentado por la Comisión de Seguimiento designada. La retirada de la beca implicará la pérdida del derecho a recibir las cantidades pendientes, y en el supuesto de que en el incumplimiento de las obligaciones asumidas existiese culpa por parte del becario, se le podría exigir la devolución de las cantidades recibidas con anterioridad.

En el caso de que el beneficiario renunciase a la beca durante su periodo de disfrute, además de perder el derecho a recibir las cantidades pendientes, deberá comunicar con antelación mediante un escrito razonado acompañado de una memoria de las actividades realizadas y resultados obtenidos hasta ese momento, así como de una justificación, conforme al presupuesto estimado en su propuesta, de los gastos generados en el desarrollo del proyecto hasta la fecha de la renuncia.

9.- Una vez desarrollados los proyectos seleccionados, y únicamente en aquellos supuestos en que así lo apruebe el Comité de Adquisiciones del MUSAC, la obra u obras derivadas de su ejecución pasarán a ser propiedad de la Fundación Siglo para formar parte, tras los trámites oportunos, de la Colección MUSAC, quien además ostentará con carácter de exclusividad y sin límite temporal o geográfico alguno, los derechos de explotación sobre la obra u obras.

10.- De acuerdo con lo establecido en la Ley Orgánica 15/1999 de protección de datos de carácter personal, la Fundación Siglo informa que los datos proporcionados serán susceptibles de ser incorporados, si procede, al fichero de tratamiento de datos correspondiente, con la exclusiva finalidad de gestionar la participación en la presente convocatoria de becas y los compromisos derivados de la misma. Asimismo, los participantes consienten expresamente el tratamiento de los datos de carácter personal que para el desarrollo de la presente convocatoria han proporcionado a la Fundación Siglo. Los participantes son igualmente informados de que para el ejercicio de los derechos de acceso, rectificación, cancelación y oposición, habrán de dirigirse a la Fundación Siglo como responsable del fichero o tratamiento correspondiente.

11.- Esta beca de creación artística no cubre ningún tipo de seguro médico.

12.- La participación en esta convocatoria implica la aceptación íntegra de estas bases, así como del fallo del Jurado.


MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE CASTILLA Y LEÓN
Dpto de Comunicación y Prensa
Avda. de los Reyes Leoneses, 24
24008 León - España
T. +34 987 09 00 00
F. +34 987 09 11 11

Diciembre 15, 2009

ESPAISONOR
ACCIDENTS POLIPOÈTICS

ACCIDENTSPOLIPOETICS-u.jpgFecha: 18 de diciembre
Hora: 20:00 h / Entrada gratuita
EACC - Espai d’art contemporani de Castelló

www.eacc.es

El ciclo Espaisonor continúa este viernes 18 de diciembre, a las 20:00 h con la presentación del dúo catalán Accidents Polipoètics integrado por Xavier Theros (Barcelona, 1963) y Rafael Metlikovez (Canovelles, 1964).

En esta oportunidad presentarán el recital de poesía Más triste es robar. El humor, el ritmo, los objetos cotidianos y las acciones minimalistas son el material de este recital de poesía a dos voces con textos propios. Si se puede vender un sifón como si fuera poesía, ¿por qué no se puede vender la poesía como si fuera un sifón?


Xavier Theros es escritor, poeta y antropólogo. Ha trabajado como redactor en diversos proyectos editoriales, como enciclopedias, guías y libros de texto. Es autor de dos espectáculos en solitario (La poesía con sangre entra y ¡Qué bello es vivir... bien!). Ha mostrado su trabajo en diversos recitales de poesía en escenarios de Cataluña, España e Italia.

Rafael Metlikovez es psicólogo y terapeuta familiar. Autor de los textos De tant que t’estimo y El despertar de les passions, en colaboración con Mariona Masgrau (compañía La Fanfarra). Autor de los espectáculos-conferencia Los planes nunca salen y Circonferencia. Autor del texto y co-guionista del documental Pelayo 36 o la lógica del antrophos (2003), dirigido por Facundo Beraudi. Autor del texto para el espectáculo de danza de la compañía Sol Picó Bésame el cáctus (2001). Es colaborador del programa de humor L’Orella irònica, de Catalunya Ràdio y de la sección de deportes del diario El País.


EACC - Espai d’art contemporani de Castelló
Prim s/n 12003. Castelló
Tel: 964 72 35 40
www.eacc.es

Diciembre 14, 2009

Antonio Saura
Damas, desnudos, curas y cópulas

U&M-1-u.jpgINAUGURACIÓN JUEVES 17 DE DICIEMBRE A LAS OCHO DE LA TARDE
Del 17 de diciembre al 30 de enero de 2010

www.lacajanegra.com

El titulo de la exposición que presenta La Caja Negra corresponde a las denominaciones que el propio Antonio Saura empleó para distinguir las diferentes series que creó relacionadas con el tema del erotismo. En la selección de dibujos y gráfica que componen la exposición se puede apreciar la evidente insistencia de Saura en recuperar la iconografía del desnudo femenino, recurrente en la historia del arte, y la presencia de la mujer como un elemento de anclaje de su práctica pictórica. Pero más allá de las referencias a las grandes obras de arte, estos trabajos se encuentran también informados por el universo de la imaginería popular, las revistas ilustradas y la pornografía. De ahí que estas obras cuenten también con una alta dosis de humor y ácida crítica –es el caso de las series dedicadas a los curas a quienes Saura no se cansaría de caricaturizar en su obra- que ha de contextualizarse en la época de represión y censura en la que Saura desarrolló gran parte de estos trabajos.

La exposición, que reúne tanto dibujos como obra gráfica, continúa el proyecto de presentación del trabajo sobre papel de Antonio Saura que desde 2005 La Caja Negra realiza en colaboración con la Sucesión Antonio Saura.


Antonio Saura (Huesca, 1930 - Cuenca, 1998) fue uno de los creadores del grupo EL PASO, y uno de los mayores nombres que emergen en la España de la posguerra. De formación autodidacta, comenzó a pintar a los 15 años durante la convalecencia de una larga enfermedad. En 1953 marcha a Paris, donde busca su propia vía artística a través del surrealismo aunque pronto lo abandonaría para vincularse con prácticas más modernas ligadas al informalismo y la pintura gestual y el llamado aformalismo, en cuyo movimiento militó en 1957 de manera muy activa junto a Millares, Feito y Canogar, fundando el grupo El Paso. Huyendo de la abstracción formal, Saura ha llegado a ser un expresionista poderoso, despreciando las formas de representación tradicional. Saura es un artista reconocido internacionalmente, como muestra de ello, sus obras se encuentran en los museos y colecciones mas importantes del mundo.


Galería La Caja Negra Ediciones
Fernando VI, 17‐ 2º‐ I
28004 Madrid (ES)
T. 91 3104360 F. 91 3087238
info@lacajanegra.com
www.lacajanegra.com
Abierto de lunes a viernes de 11 a 14 y de 16.30 a 20.30 hrs.
Sábados de 11 a 14 hrs.

EXPOSICIÓN “PIERRE GONNORD. TERRE DE PERSONNE”

fotopierregonnord-u.jpg17 diciembre 2009 - 28 febrero 2010
Sala Alcalá 31
Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid

Inauguración: 16 de diciembre a las 20:00 horas
Entrada gratuita
www.madrid.org

(Crédito: ARMANDO, 2009© Pierre Gonnord)

Con motivo de la concesión del Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid, en su edición de 2007 y en la modalidad de Fotografía, el próximo 16 de diciembre se inaugura la exposición de PIERRE GONNORD, TERRE DE PERSONNE.

Esta muestra, que permanecerá en la Sala Alcalá 31 hasta el 28 de febrero de 2010, presenta 37 fotografías inéditas del artista Pierre Gonnord (Cholet, Francia, 1963), uno de los principales exponentes de la práctica del retrato fotográfico en la actualidad.

Durante los últimos doce años Pierre Gonnord ha realizado retratos individuales de diversos colectivos en los que ha primado la singularidad del rostro y la mirada de la persona elegida y contemplada. Además, esos retratos le han valido para acercarse a diversas comunidades y, de este modo, al fotografiar a un individuo es capaz de captar tanto la persona como el clan o grupo al que pertenece.

El comisario de la exposición, Rafael Doctor Roncero, ha reunido, para este proyecto 19 retratos y 18 paisajes, estos últimos inexplorados hasta el momento por Pierre Gonnord y que han sido producidas ex profeso para esta exposición.

Como complemento a la muestra se podrá contemplar también un proyecto videográfico con dos entrevistas al artista, una realizada por el comisario de la exposición y otra del Director del FRAC Auvergne -Clermont-Ferrand. Además, se ha editado una publicación con una original propuesta gráfica realizada por el estudio Disismaineim y producida por la editorial Lunwerg.


Organiza: Vicepresidencia de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid; la Xunta de Galicia y S.A. de Xestión do Plan Xacobeo.

Horario: de martes a sábados: de 11.00 h. a 20.30 h.
Domingos, 24 y 31 de diciembre: de 11.00 h. 14.00 h.
Cerrado los lunes, 25 de diciembre, 1 y 6 de enero

Visitas guiadas gratuitas: sábados y domingos por la mañana: 12:00 h. y 13:00 h.
Sábados por la tarde: 18:00 h. y 19:00 h.

Entrada gratuita

Dirección:
Sala de Exposiciones Alcalá 31
Calle Alcalá 31
28014 Madrid

www.madrid.org


logospierregonnord-u.jpg


Diciembre 11, 2009

LÚMEN_EX 2010 << Premios de Arte Digital – Universidad de Extremadura >>

promoLUMENEX-U.jpgPremios: 10.000 € en premios, repartidos en dos categorías: Gráfica Digital en soporte físico y Animaciones Digitales (interactivas o no) de corta duración. Participantes: podrán presentarse de forma individual o colectiva, sin límites de edad o nacionalidad, hasta el 12 de Febrero de 2010.
Inscripción y bases: www.unex.es/premiosartedigital
+Información: premiosartedigital@unex.es
Organiza: Vicerrectorado de Extensión Universitaria de la UEx.

Comprometida con la creación y difusión de la Cultura contemporánea, la Universidad de Extremadura, a través de su Vicerrectorado de Extensión Universitaria, y atendiendo al interés por promover entre los jóvenes creadores nacionales e internacionales el desarrollo de los nuevos lenguajes artísticos, convoca los 1º Premios de Arte Digital LÚMEN_EX 2010.

Desde 1994, la Universidad de Extremadura ha convocado los Premios de Creación Artística, a través de los cuales, ha posibilitado la conformación de una Colección de Arte, con el fin de ofrecer a la comunidad universitaria y al público en general el acceso directo a la comprensión, estudio y disfrute de los nuevos lenguajes y vanguardias artísticas.

Siendo sensible a la evolución de estos lenguajes y técnicas y tratando de colaborar activamente en la construcción de la nueva Cultura Digital, aún emergente, la UEx, a través de su Vicerrectorado de Extensión Universitaria, inicia ahora una nueva sección de su colección artística, que actualiza la anterior, al promover y convocar estos primeros Premios de Arte Digital, de carácter internacional, bajo la marca Digital Art Awards LÚMEN_EX 2010, dirigidos por José Ramón Alcalá y que serán seleccionados por un Jurado de reconocido prestigio.


BASES DE LÚMEN_EX 2010

01_CONVOCATORIA

La Universidad de Extremadura, a través de su Vicerrectorado de Extensión Universitaria, convoca la primera edición de LÚMEN_EX, Premios de Arte Digital, que tendrá lugar durante el año 2010.


02_CATEGORÍAS

Los Premios de Arte Digital se dividen en dos categorías:

. Piezas de Arte Gráfico Digital en soporte físico, que consigan ofrecer nuevos e imaginativos imaginarios visuales a partir de un trabajo artístico desarrollando novedosas o inéditas iconografías mediante el uso creativo de estas herramientas, técnicas y medios digitales.

. Piezas de Animación Digital (interactivas o no), cuya duración no sea superior a los 3 minutos (“Minimaciones”) y realizados mediante cualquier técnica o proceso infográfico (Flash, Stop Motion, etc.).


03_PREMIOS

Se concederá:

. Un Premio y un Accésit a las mejores piezas de Arte Gráfico Digital en soporte físico, dotados con CUATRO MIL EUROS (4.000 €) y DOS MIL QUINIENTOS EUROS (2.500 €) respectivamente.

. Un Premio y un Accésit, a la mejores piezas de Animación Digital, dotados con DOS MIL QUINIENTOS EUROS (2.500 €) y MIL EUROS (1.000 €) respectivamente.

En todos los premios, la cantidad se haya sujeta a la legislación fiscal vigente, realizándose sobre ellas las retenciones legalmente establecidos. Las obras premiadas pasarán a formar parte de la colección artística de la Universidad de Extremadura.


04_CARACTERÍSTICAS DE LAS OBRAS PRESENTADAS

Las obras presentadas a concurso deberán ser originales y no podrán haber sido expuestas ni reproducidas por cualquier medio o sistema de reproducción o divulgación anterior a la fecha del cierre de la convocatoria.

Podrá presentarse sólo una obra por artista en cada categoría.

Las obras que opten al premio de la sección de gráfica digital tendrán que estar finalmente impresas o estampadas sobre soportes físicos de cualquier naturaleza, no excediendo en ningún caso las medidas máximas de 150 centímetros de tamaño por cualquiera de sus lados. Se presentarán enmarcadas o preparadas con soporte definitivo para su exposición. Lo harán con embalaje reutilizable con material suficientemente sólido que asegure la integridad de la obra para su posterior devolución y que permita una apertura y cierre fácil, no siendo admitidas las obras sin un embalaje adecuado.

Los gastos de envío y retorno, así como los seguros de transporte de las obras correrán por cuenta del autor, salvo en la devolución de las obras seleccionadas para la exposición, cuyo transporte de retorno asumirá la organización, y siempre a la dirección indicada en el boletín de inscripción, que se podrá descargar de la Web de la organización o retirar en las oficinas del Vicerrectorado de Extensión Universitaria de la Universidad de Extremadura.

La organización extremará el cuidado en la custodia de las obras presentadas al premio, pero no se hace responsable de los daños, desperfectos o extravíos que pudieran sufrir las obras durante su envío, recepción o devolución. El concursante podrá contratar, por su cuenta, un seguro que ampare los riesgos aludidos anteriormente.

Las obras en soporte físico deberán ser entregadas o enviadas a portes pagados a la siguiente dirección postal:

LÚMEN_EX
Premios de Arte Digital de la Universidad de Extremadura
Vicerrectorado de Extensión Universitaria
Plaza de los Caldereros, 1
10071 Cáceres

En el caso de las piezas presentadas a la modalidad de “Minimaciones”, todos los datos señalados para la modalidad anterior deberán ser también cumplimentados para ésta, con la particularidad de que, si la obra es enviadas mediante correo electrónico u otros sistemas on-line, deberá enviarse también, junto a los ficheros de las animaciones, el boletín de inscripción on-line, que se habrá descargado y rellenado previamente.

En el caso de envío por medios electrónicos, se deberá remitir a la siguiente dirección de correo electrónico: premiosartedigital@unex.es


05_DOCUMENTACIÓN A PRESENTAR

Además de adjuntar junto a la obra presentada el Boletín de Inscripción, ésta deberá ir debidamente identificada, adjuntando en su carátula o reverso los siguientes datos:

. Nombre (o seudónimo) del autor,
. Título de la obra o pieza,
. Fecha de realización,
. Medidas o duración de la misma (según el caso),
. Técnica/s empleada/s para su realización,
. Número de ejemplares editados (o impresos) de la obra,
. Nombre y dirección postal para la devolución por parte de la organización convocante de los Premios (en caso de que ésta no haya sido premiada)


06_JURADO

El fallo de los Premios se realizará a través de la decisión de un jurado compuesto por profesionales de reconocido prestigio en el ámbito del concurso, que establecerá sus propios criterios valorativos para emitir su fallo. El jurado estará presidido por el director de los premios, José Ramón Alcalá Mellado (catedrático de la UCLM y director del MIDE -Museo Internacional de Electrografía- de Cuenca). El fallo del jurado será inapelable, pudiendo declararse desierto.

Los nombres de los artistas seleccionados, así como de los premiados, se publicarán en la página web de los premios - http://www.unex.es/premiosartedigital - la semana posterior a la reunión del jurado.


07_EXPOSICIÓN

De entre todas las obras presentadas a concurso el jurado hará una selección previa, que junto a los premios y accésit que finalmente se concedan en sus dos categorías, formarán parte de una exposición temporal organizada por la Universidad de Extremadura y que se desarrollará durante los meses de marzo y abril de 2010, en la que se expondrán las obras premiadas junto a las finalistas. Los artistas seleccionados aceptan con su participación la posibilidad de prorrogar la cesión de sus obras para otras exposiciones itinerantes.

Se editará un catálogo que incluirá las obras y piezas de los artistas seleccionados, en formato físico y digital, con el fin de poder mostrar también las piezas (o partes de las mismas) correspondientes a la categoría de “Minimaciones”.


08_PLAZOS

La admisión de obras que opten a los premios se entregarán en el plazo comprendido desde la publicación de estas bases hasta el 12 de febrero de 2010, ambos inclusive, no admitiéndose la entrega después de la fecha de cierre de la convocatoria.


09_ ACEPTACIÓN DE LAS BASES Y GARANTÍAS

Los artistas que presenten obras serán legalmente responsables de garantizar el cumplimiento de las bases y requisitos del certamen en cuanto a propiedad en sentido estricto e intelectual. Las inscripciones que no satisfagan estos criterios no podrán ser seleccionadas y serán por tanto descalificadas.

Al aceptar participar en el certamen, los artistas garantizan que son los propietarios de los trabajos que presentan, que les está conferida en su totalidad la propiedad intelectual de los mismos. Igualmente aceptan que sus trabajos puedan ser expuestos en el/los lugar/es que la organización estime oportuno/s.

Los artistas aceptan que el promotor pueda reproducir y/o licenciar la reproducción de cualquiera de los trabajos seleccionados presentados al certamen, sin que ello conlleve ningún pago al artista (u organismo que lo represente) por utilización con fines culturales y educativos, y también los relativos a la difusión del premio, en cualquier medio de ámbito nacional o internacional, incluidos los catálogos e Internet. La propiedad intelectual de las obras premiadas y seleccionadas será mantenida en todo momento por el artista.

La participación en la primera edición de LÚMEN_EX, Premios de Arte Digital de la Universidad de Extremadura, implica la plena aceptación de sus bases, y en lo no previsto en las mismas, se aceptará lo que pueda dictaminar el jurado.

ANA PRADA

imagen_parpallo-u.jpg10 de diciembre 2009 - 14 de febrero de 2010
La Sala Parpalló

Comisario: José Luis Clemente

www.salaparpallo.es

La Sala Parpalló presenta desde el 10 de diciembre del 2009 hasta el 14 de febrero del 2010, la exposición de Ana Prada. Un proyecto que muestra la significación y relevancia del trabajo desarrollado por la artista en los últimos años y en el que se exponen sus diversas líneas de actuación. Ana Prada (Zamora, 1965) vive y trabaja en Londres, ciudad.

en la que se estableció en 1989 tras cursar estudios de Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia. En 1991 obtiene el master en Fine Arts en el prestigioso Goldsmith College de Londres e inicia una actividad expositiva en relevantes instituciones y museos como la Bienal de São Paulo (1994), el Witte de With de Rotterdam (1996), el Museo Reina Sofía (1995) o el New Museum of Contemporary Art de Nueva York (1998).

Partiendo de la singularidad del espacio expositivo en que se ubica la Sala Parpalló, la artista ha concebido un proyecto in situ, donde adapta sus piezas. Una gran instalación en la que imbrica esculturas, fotografías y pequeñas instalaciones, incidiendo en la idea de work in process; convirtiendo de ese modo la intervención, en el receptáculo de un trabajo que deja ver los rudimentos del oficio mientras apela, a la vez, a las sofisticadas conductas de la percepción. Con esta idea, se exponen los objetos cotidianos más triviales que ya han sido protagonistas con anterioridad, en la extensa trayectoria de la artista. Objetos a los que se suman ahora otros, de más reciente incorporación en su trabajo, y que se presentan en esta exposición por primera vez. Objetos ordinarios manipulados y descontextualizados con tal libertad que, aún siendo reconocibles, pasan a ocupar una nueva identidad.

Diversas problemáticas de la identidad de los objetos, a partir del cuestionamiento de los ojos con los que se miran, han vertebrado desde sus primeras obras el trabajo de Ana Prada. La fascinación de los objetos se lleva al espacio crítico, a través de la intervención de la artista, desposeyéndolos de su identidad y función primarias. De ese modo, da lugar a situaciones perceptivas ambiguas, proyectando un sentido lúdico y poético a la vez. Reunidos en constelaciones y asociaciones muy diversas, los objetos -sacapuntas, cordones de zapatos, uñas, perchas, medias y cuchillos, entre otros- se expanden por las paredes y el suelo, sacando al espectador del pasivo espacio de la contemplación y llevándolo al perturbador territorio de la duda. Las paradojas y sorpresas van sucediéndose a medida que el espectador, movido por ello, vuelca sobre las obras múltiples referencias de las que parte en un principio, para abandonarlas después y establecer otro ámbito relacional más complejo, que es el que se deriva finalmente, de una intervención artística como la que propone Ana Prada en la Sala Parpalló.

Echando mano de estrategias artísticas que van tanto desde el arte minimal al arte pop, como del conceptual al surrealismo; la artista interviene con una particular originalidad, en la creación de formas dinámicas perceptivas y asociaciones conceptuales sorprendentes. A partir de una manipulación de orden quirúrgico, opera en el objeto como si se tratara de un cuerpo al que le sobran identidades para componer otras más complejas. De esa forma, con extrema higiene, reduce una dimensión simple y banal, mientras maniobra, por otro lado, expandiendo otras vertientes a menudo imperceptibles.

Planteada como un proceso de trabajo, la exposición cuenta con la colaboración de alumnos de los últimos cursos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, que han participado en el montaje de la exposición. Asimismo, en la edición del catálogo queda reflejada como parte sustancial del mismo, el proyecto especifico diseñado “ex profeso” para la Sala Parpalló, así como la producción fotográfica de las obras desarrolladas in situ y en las que se incorpora la singularidad del espacio expositivo.

El catálogo cuenta, además de con la contribución del comisario José Luis Clemente, con un texto de José María Viñuela, conservador del Banco de España, y con otro del artista británico Richard Wentworth.

Diciembre 10, 2009

CaixaForum (Barcelona)

MartinKippenberger-u.jpgMáster en Creación y Diseño Multimedia. La Salle
Sábado 12 de desembre l 19.00 h

Exposición
La mirada del artista: Luis Gordillo. Cosmética dogmatica
Del 18 de noviembre al 11 de abril de 2010

www.laCaixa.es/ObraSocial


Máster en Creación y Diseño Multimedia. La Salle
Sábado 12 de desembre l 19.00 h
Presentación de proyectos del máster en Creación y Diseño Multimedia de La Salle. Universidad Ramon Llull

Actividad gratuita


Exposición
La mirada del artista: Luis Gordillo
Cosmética dogmatica

Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación ”la Caixa”
Del 18 de noviembre al 11 de abril de 2010

La mirada del artista es el título del ciclo de exposiciones en el que se invita a un artista a realizar una exposición de las obras de la Colección de Arte Contemporáneo. Este año, el artista invitado es Luis Gordillo, uno de los pintores más importantes que ha tenido nuestro país. Durante un año Gordillo se ha adentrado en este fondo de arte explorando detenidamente cada una de las obras que lo componen. De esta experiencia, ha extraído una selección de casi un centenar de obras con las que ofrecerá una visión muy personal de esta colección. En su propuesta encontramos obras de distintos estilos, soportes y procedencias en un montaje que genera relaciones insospechadas e insólitos encuentros entre obras que no te dejarán indiferente.

Entrada libre


CaixaForum Barcelona
Avenida Marquès de Comillas, 6-8
08038 Barcelona

Horario:
De lunes a domingo, de 10 a 20 h
Sábados, de 10 a 22 h

Entrada gratuita
Servicio de Información
Obra Social Fundación ”la Caixa”
Tel: 902 22 30 40
De lunes a domingo, de 9 a 20 h

www.laCaixa.es/ObraSocial

(© Martin Kippenberger)


DICIEMBRE 2009 / INTERMEDIÆ, MATADERO MADRID

FREEKSESSION7_DIC-u.jpgINTERMEDIÆ [Creación Contemporánea]

MATADERO MADRID
Paseo de la Chopera, 14. 28045 Madrid
Entrada libre

www.intermediae.es
info@intermediae.es
prensa@intermediae.es

AL MATADERO SIN MIEDO / PIEZAS DE CARLOS MARISCAL — del 2 de diciembre al 10 de enero
FREE(K) SESSION 7 / NETLABELS — 10 de diciembre
IN-SONORA V EN INTERMEDIÆ — hasta el 10 enero
LEGÁZPOLIS, TAMARA ARROYO — hasta el 31 de diciembre
PROYECCIONES EN EL TERRARIO — 12 y 19 de noviembre, 18.30
ESTACIÓN FUTURO / ESPACIO, TIEMPO Y EMOCIÓN
PROCESOS DE ARCHIVO — Work in progress

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AL MATADERO SIN MIEDO// PIEZAS DE CARLOS MARISCAL
Debajo del sombrero
Del 2 de diciembre al 10 de enero

El proyecto //Al Matadero sin miedo// tiene como objetivo generar nuevos modelos relacionales en torno a las prácticas artísticas junto a personas con dificultades cognitivas y del desarrollo.
El colectivo lleva a cabo talleres semanales en el Terrario cuyo objetivo es generar un espacio lo suficientemente elástico y receptivo para acoger, acompañar y potenciar cualquier forma de comunicación. A partir de diciembre presentan un espacio en el muestran las obras de los artistas que forman parte del proyecto. A partir del 2 de diciembre pueden verse tres piezas de vídeo de Carlos Mariscal. Formas de envolver y de filmar; 4 preguntas; y Memoria, tres piezas en las que Carlos explora una nueva forma de comunicación que le permite ampliar su mundo de relación, indagar en sus deseos y compartir sus recuerdos.
> www.debajodelsombrero.org
> Programa de ayudas a la creación 2009


FREE(K) SESSION 7 / NETLABELS

Jay Barros
Jueves 10 de diciembre, 19.30 h.

Free(k) Culture pretende fomentar una comunidad de usuarios y creadores que utilizan herramientas libres para la creación, y promover esas producciones a través de las Free(k) Sessions. La séptima sesión de Free(k) Culture estará dedicada a las netlables o discográficas en Internet. Las netlables son una forma de promoción músical independiente en Internet promoción musical, como discográficas en la red asumen el papel de las antiguas discográficas pequeñas adaptándose al formato pagina web para promocionar la música local, independiente, alternativa, experimental, etc... En esta edición de Free(k) Culture, junto a un panel de músicos y promotores libres, hará un repaso sobre los netlables y su desarrollo en Madrid como instrumentos de auto-organización de los músicos locales.

Encuentro dinamizado por: David Gomez - /// Krapoola /// http://www.myspace.com/indhecenter
> freekculture.net
> Programa de Ayudas a la Creación Contemporánea 2009


ESTACIÓN FUTURO / ESPACIO, TIEMPO Y EMOCIÓN

Videojuegos independientes

Espacio, Tiempo y Emoción es una selección de seis videojuegos independientes para Estación Futuro que nos acerca a sentimiento como el amor, la pérdida, la satisfacción, la traición y el engaño, mostrando que el arte cinético del videojuego no es solo emoción adrenalínica. Podrás jugar a Braid de Jonathan Blow, World of Goo de 2D Boy (Ron Carmel y Kyle Gabler), ROM CHECK FAIL de Jarrad Woods, Enviro-Bear 2010 de Justin Smith, The Graveyard de Tale of Tales (Michaël Samyn y Auriea Harvey) y Polaris de Robert Yang. Comisariado por Javier Candeira.
> Blog Estación Futuro
> Javier Candeira pixeltopia.net


IN-SONORA V EN INTERMEDIÆ / ARS AUTÓMATA + PIEZAS Y VÍDEOS SONOROS

ARS AUTÓMATA, Alberto Bernal e Iván Ferrer
Hasta el 10 de enero

Este proyecto multidisciplinar dirigido por Alberto Bernal e Iván Ferrer presenta hasta el 10 de enero la pieza Deus Cantando de Peter Ablinger.

> Blog Ars Autómata
> Programa de ayudas a la creación 2008

ESPACIO DE ESCUCHA Y VÍDEOS SONOROS, Plataforma In-Sonora
Hasta el 10 de enero
Piezas sonoras de los artistas Miguel A. García, Fabián Ávila, Bruno Bresani, Francisco Eme, Josh Goldman, Bernabé Gómez, Alfonso Hervás, Oier IA “Dedalu”, Keppe, Tomaz Klotzel, Kunkuni mix project, Raphael Simon - Karen, Sol Rezza, Pedro Torres y TensionCo.

Vídeos sonoros de los artistas Angella Conte, Mit Borras, José Tomé, Lacomida visuals, Ninotchka Art Project y Visónica: proyectando sonidos. Muestra de vídeos sonoros de México impulsada por la plataforma TRANSONICA (México), comisarios: Lucia Cavalchini y José Ignacio López Ramírez –Gastón (Discos Invisibles / Tijuana).

> www.in-sonora.com
> Programa de ayudas a la creación 2009


MUNDO LEGAZPI / LEGÁZPOLIS

Tamara Arroyo
Hasta el 31 de diciembre

Legázpolis, una obra de la artista Tamara Arroyo, es el primer proyecto de Mundo Legazpi. Tamara presenta una obra que descubre en Legazpi un particular “país de las maravillas” en el que habitar paisajes de ilusión y trazar un nuevo mapa. El proyecto en la web Mundo Legazpi se completa con una instalación en la nave de Intermediae titulada el Strip de Delicias. Como si del Strip de las Vegas se tratase, la instalación está formada por una serie de carteles luminosos que hacen referencia a lugares lejanos. Carteles de locales comerciales que son una forma de visibilidad de las poblaciones inmigrantes en Legazpi.

> www.mundolegazpi.intermediae.es


PROYECCIONES EN EL TERRARIO

Un programa que presenta regularmente vídeos, documentales y películas relacionados con la programación
12 y 19 de diciembre. Descargar programa de diciembre (pdf)

— CUANDO CUMPLEN 18. Natalia Castellanos
Sábado 12 de diciembre, 18.30 horas

Javi es un chaval que fue tutelado por la Comunidad de Madrid. Él, como muchos otros chavales, son víctimas de la desproteccón y el abandono al cumplir la mayoría de edad, cuando la C.M. les retira de sus pisos tutelados. Javi salió de uno de estos pisos hace unos seis meses, desde entonces ha descubierto lo fácil que es dejarse llevar por la vida de la calle y el esfuerzo que supone salir adelante. Su vida ahora es un puro contraste. Está en la calle, va de una entrevista de trabajo a otra, pero no abandona su grupo de hip-hop y continúa haciendo un programa en una radio local. Tanto Sara como Abdellah comparten con Javi esta situación, sin embargo, descubriremos sus diferentes formas de enfrentar al mundo.

> 2005 (España). Documental. Duración 32'. Castellano

— LT 22 RADIO LA COLIFATA. Carlos Larrondo
Sábado 19 de diciembre, 18.30 horas

Buenos Aires, Argentina, desde los jardines del Hospital Psiquiátrico J.T Borda emite “LT Radio la Colifata” emisora hecha íntegramente por los internos del Hospital. Sus protagonistas, los “colifatos”, nos muestran cómo esta radio se emite alrededor del mundo rompiendo los muros que separan a los enfermos de la sociedad, dando la palabra a quienes la han tenido negada desde mucho tiempo. Los “colifatos” viajan a Europa donde comprueban la repercusión de su proyecto pionero en otros hospitales psiquiátricos. De regreso a Buenos Aires, Manu Chao ofrece un concierto multitudinario a favor de “Radio La Colifata” y comparte escenario con nuestros protagonistas.

> 2007 (España). Documental. Duración 93'. Castellano con subtítulos en inglés


PROCESOS DE ARCHIVO

Valeria Graciano y Manuela Zechner, Pablo Jarauta, Cía. Puctum, Sarah Vanagt. (Co-comisario Neil Cummings)
Work in progress: Vídeo, teatro documental, instalación

Procesos de archivo ensaya formas de abordar la construcción de un archivo en el contexto de una institución concebida a partir de las ideas de proceso y participación. Las propuestas artísticas que van formando del proyecto son archivos vivos que recogen y dan a conocer la memoria colectiva local, la memoria del propio lugar -de Matadero-, así como las experiencias que han dado cabida a distintos públicos en Intermediæ. Pasado, presente y futuro se combinan en las distintas propuestas que va acogiendo la plataforma Procesos de archivo.
> Blog Procesos de archivo

— LITTLE FIGURES. Sarah Vanagt
Videocreación de la artista Sarah Vanagt. Tres estatuas en el Mont des Arts de Bruselas: un rey, una reina y un caballero medieval. Tres recién llegados a Bruselas: un chico filipino, una chica refugiada de Ruanda y un chico marroquí. Una conversación imaginaria.

— FUTURE ARCHIVE. Manuela Zechner y Valeria Graziano (www.futurearchive.org )
Future Archive es un proyecto que se aproxima a través de entrevistas a diferentes personas al reto de cómo plantear distintos futuros deseables. En la web, se recogen conversaciones basadas en posibles tiempos y espacios por venir, propuestas en las cuales dos o más personas habitan a través del diálogo diferentes versiones del futuro. Este Archivo del Futuro se compone de entrevistas y conversaciones en el que se dialoga cuidadosamente para desarrollar un vocabulario y una sintaxis de formas potenciales de pensar y existir.

— CORTE ARGANZUELA. Cía Puctum (www.puctumteatro.com)
Instalación en la plataforma Procesos de archivo / Proyecto escénico de teatro documental
Corte Arganzuela de la Cía. Puctum es un proyecto que trabaja desde hace 2 años con un grupo de vecinos sobre sus vivencias autobiográficas, vinculadas a la historia y las transformaciones de los barrios que componen Arganzuela.

— MUSEUM FUTURES: DISTRIBUTED
Neil Cummings (www.neilcummings.com) en colaboración con Marysia Lewandowska
Museum Futures: Distributed es una grabación machinima de la entrevista del centenario con la ejecutiva del museo, Ayan Lindquist, en junio de 2058. Museum Futures: Distributed explora una posible genealogía para la práctica artística contemporánea y sus instituciones, a través de imaginar el papel de los artistas, los museos, las galerías, los mercados, las factorías y las academias.

Programación sujeta a cambios.


+ INFO:

INTERMEDIÆ, Matadero Madrid
Pº de la Chopera, 14. Entrada libre
www.intermediae.es
info@intermediae.es
prensa@intermediae.es

De martes a viernes y festivos 16.00 - 22.00 h.
Fines de semana: 11.00 - 22.00 h. Lunes cerrado

Diciembre 09, 2009

OTRO ESPACIO. ENMASCARADA / Moisés Mahiques, Juan José Martín Andrés

moises-juanjo-web-u.jpgInauguración: Sábado 12 de diciembre, 20:00h.
Del 12 al 31 de diciembre (Previa cita).

Otro Espacio.
Plaza Conde de Aranda Nº1 Bajo, Mislata (Valencia).
www.otroespacio.org
info@otroespacio.org

La palabra máscara hace referencia a la representación, a la ficción, al artificio y, en consecuencia, al engaño. Nuestra máscara nos representa y transmite también el concepto que nos hemos formado de nosotros mismos de acuerdo con nuestro rol.
Tomando este término como punto de partida, Moisés Mahiques y Juan José Martín, presentan dos intervenciones individuales en Otro Espacio, que reflexionan de modos antagónicos en torno al significado y al uso de dicho término.

La propuesta “Arbredefamília” de Moisés Mahiques tiene su origen en una serie de fotografías tomadas a familiares durante el verano del año 2000.

A través de ellas, afronta una reflexión acerca de la máscara entendida como rol social, familiar o personal, en las que el rostro como elemento performativo se multiplica o divide de forma simétrica en un ejercicio de representación y auto-entendimiento, síntoma de un entorno cambiante, reflejo de un “yo” múltiple que transmite conscientemente realidad y artificio.

Juan José Martín Andrés, presenta una intervención formada por dibujos de máscaras de luchadores mexicanos a modo de Tzompantli azteca. En este caso, la máscara quiere convertirse en “apariencia” que ayude a mostrar lo que públicamente intentamos que pase desapercibido (que ocultamos). Técnicos o rudos, de juego limpio o sucio, estas, al tiempo que nos ocultan, nos obligan a posicionarnos del lado del héroe o del villano a través de una actividad lúdica, pero sin espacio para el término medio ni para la indecisión.

La máscara como elemento gráfico de carácter popular y enfrentada a la corrección política y social de la vida diaria cataliza nuestras afecciones, nuestros miedos y peligros, amenizando una lucha a veces íntima y casi siempre cotidiana.

Datos de las obras:
Moisés Mahiques: Un pare nº3. Impresión digital, 50 x 50 cm, 2000.

Juan José Martín: Tzompantli de máscaras de luchadores. Intervención con vinilo adhesivo, medidas variables, 2009.


Horario de Otro Espacio:
Sábado 12 de diciembre de 20.00 a 22.00 h.
Domingo 13 de diciembre de 12 a 14 y de 17 a 21 h.
Del 14 al 31 de diciembre, cita previa al teléfono: 625916382 o email a: info@otroespacio.org

Colabora: Ayuntamiento de Mislata (Concejalía de cultura).

OTRO ESPACIO (Asociación cultural).
Plaza Conde de Aranda Nº1 Bajo / 46920 Mislata (Valencia).
625 916382 / info@otroespacio.org
www.otroespacio.org

EXPOSICIÓN “VIAJE ALREDEDOR DE CARLOS BERLANGA”

JGPORTOCBerlanga-u.jpg12 diciembre 2009 - 7 marzo 2010
Sala El Águila
Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid
Inauguración: 11 de diciembre a las 20:00 horas
Entrada gratuita
www.madrid.org

"Viaje alrededor de Carlos Berlanga" es una muestra que repasa y ensalza todos los aspectos del arte y la personalidad -compositor, pintor, cantante, autor de comics, escritor e ilustrador- de este creador multidisciplinar y acercan su legado artístico y vital a las nuevas generaciones.

Organizada para conmemorar el 50 aniversario de su nacimiento y comisariada por Pablo Sycet, la exposición se compone de un centenar largo de obras originales de distintas técnicas y formatos, además de varias ediciones de obra gráfica, muestras de sus facetas como escultor, ilustrador y diseñador gráfico, una selección de retratos personales de Carlos Berlanga realizados por los mejores fotógrafos del momento, documentos personales y de trabajo, y un audiovisual que recoge actuaciones musicales, reportajes y entrevistas.

Se publicará un catálogo que contará con textos de Alaska, Nacho Canut, Pedro Almodóvar, Jorge Berlanga, Jesús Ordovás, Antonio Alvarado, Laura Revuelta, Bernardo Bonezzi, Rafa Cervera, Julio Juste, Paloma Olivié, Mario Vaquerizo, Sigfrido Martín Begué, Julio Pérez Manzanares y Pablo Sycet, como responsable de la muestra, para analizar todos los aspectos del arte y la personalidad de Carlos Berlanga a lo largo de casi 300 páginas a todo color. Además, el catálogo incluirá un CD audio con una selección de 19 canciones de su etapa en solitario, 3 de ellas inéditas en CD.


Dirección:
Sala El Águila
C/ Ramírez de Prado, 3 - 28045 Madrid
Teléfono: 91 720 88 48

Horario:
De martes a sábado: De 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00
Domingos, festivos, 24 y 31 de diciembre: De 11:00 a 14:00
Cerrado: Todos los lunes, 25 de diciembre, 1 y 6 de enero

Visitas guiadas:
Sábados: 12:00, 13:00, 18:00 y 19:00; domingos: 12:00 y 13:00

Entrada gratuita

www.madrid.org

www.viajealrededordecarlosberlanga.es


Trenlogos-u.jpg


(El mundo alrededor en noche de estreno, 1978. Javier García Porto. Colección particular (Madrid))

Diciembre 07, 2009

Exposición Culturas del cambio. Átomos sociales y vidas electrónicas

complexitat_globos-u.jpg11 diciembre 2009 – 28 febrero 2010
ARTS SANTA MÒNICA – Laboratorio
Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació - Generalitat de Catalunya
Inauguración: 10 de diciembre a las 20:00 horas
Entrada gratuita
www.artssantamonica.cat/

Artistas: Usman Haque / Bestiario, Santiago Ortiz / Michele Catanzaro, Ramon Balagué, ¨Álvaro Robles / Laurent Mignonneau, Christa Sommerer/ José Manuel Berenguer / Sony Lab: Luc Steels, Michael Spranger, Martin Loetzsch / Raquel Paricio, Juan Manuel Moreno Aróstegui / Interaction Research Studio-Goldsmiths-University of London / Prospect and Innovation Studio-Goldsmiths-University of London: Mike Waller, Terry Rosenberg, Pete Rogers, Andrew Weatherhead, Duncan Fairfax / Digital Methods Initiative: Richard Rogers, Esther Weltevrede, Erik Borra, Marieke van Dijk / Govcom.org Foundation: Alexander Galloway, Erik Borra, Michael Stevenson, Marieke van Dijk

Comisariado: Josep Perelló y Pau Alsina, con la asistencia de Irma Vila.


La primera exposición del Laboratorio de Arts Santa Mònica. "Culturas del cambio. Átomos sociales y vidas electrónicas" estudia las dinámicas culturales y sociales desde una perspectiva altamente multidisciplinar, de la mano de las ciencias de la complejidad y de las tecnologías digitales.

Las tecnologías de información y comunicación han hecho posible monitorizar y cuantificar, procesar y visualizar aspectos de nuestra sociedad y nuestra cultura impensables hasta hace bien poco. La llamada Teoría de Sistemas Complejos busca a su vez dar explicación a toda esta fenomenología partiendo de las ciencias más duras a través de modelos que asumen propiedades no lineales, de autoorganización, emergencia, retroalimentación, heterogeneidad e incertidumbre. Estas abstracciones teóricas contribuyen decisivamente a describir las dinámicas sociales y culturales manteniendo la interacción entre singulares y la coevolución con el medio como pieza esencial.

El todo y las singularidades adquieren especial relevancia, y tanto la robótica, la inteligencia artificial, la circuitería electrónica como los nuevos artilugios tecnológicos procuran acercarse más y más a nuestras particularidades humanas. La exposición pretende experimentar todas estas ideas en primera persona mediante prácticas artísticas y proyectos experimentales, y proporcionando acceso a la información académica sobre esta temática mediante tecnologías de visualización de información.

La exposición, que a su vez está interrelacionada con el congreso internacional con el mismo nombre, cuenta también con un base de datos especializada, un libro-catálogo así como una serie de talleres y un abanico de actividades relacionadas con las piezas expuestas.


Participantes en la exposición:

1- Usman Haque- Sky Ear & Open Burble
2- Bestiario- Canvi i Temps
3- Laurent Mignonneau & Christa Sommerer - Life Writer
4- Josep Manel Berenguer- Luci
5- Sony Lab: Luc Steels, Michael Spranger & Martin Loetzsch- Embodied Language
Games
6- Raquel Paricio & Juan Manuel Moreno Aróstegui- POEtic-Cubes
7- Pi Studio Goldsmiths: Mike Waller, Terry Rosenberg, Pete Rogers, Andrew
Weatherhead & Duncan Fairfax- News Telescope
8- Interaction Research Studio- The Drift Table
9- Digital Methods Initiative: Richard Rogers, Esther Weltevrede, Erik Borra &
Marieke van Dijk- ppl of Iran- #iranelection RT “
10- Govcom.org Foundation: Alexander Galloway, Erik Borra, Michael Stevenson &
Marieke van Dijk- The Web starts here- the IP Browser


Congreso Internacional:

Changing Cultures: Cultures of Change. 10-12 Diciembre 2009. Facultad de Filosofía, Universitat de Barcelona.
Acoge 160 participantes de entre los cuales se incluyen los siguientes conferenciantes de sesiones plenarias: Rosi Braidotti, University of Utrecht, The Netherlands / Matthew Fuller, Goldsmiths, University of London, UK / Alex Galloway, New York University, USA / Penny Harvey, University of Manchester, UK / Dirk Helbing, ETH Zurich, Switzerland / Scott Lash, Goldsmiths, University of London, UK / Richard Rogers, University of Amsterdam, The Netherlands / Brian Rotman, Ohio University / Luc Steels, SONY-France, France / Sergi Valverde, University Pompeu Fabra, Spain / Eyal Weizmann, Goldsmiths, University of London, UK Para más información: http://www.atacd.net


Actividades relacionadas:

• 10 de diciembre. Sala d’actes. 19:15h “Can robots create their own language?”
Luc Steels SONY Lab Paris, Vrije Universiteit Brussel (AI Lab).

• 12 de diciembre. Sala d’actes. 17:00h - 20:00h Conferencia: “Topología,
Innovación y Política Cultural” con la participación de Monika Fleischmann,
Ronaldo Lemos, Ramón Sangüesa, José Luís de Vicente, designed and
moderated by YProductions, en colaboración con Goldsmiths y Universitat de
Barcelona

• 13 de diciembre. Sala d’actes. 18:00h. “Complejidad/Interacción”, Santiago
Ortiz (Bestiario) y la presentación del proyecto online project Canvi i Temps

• 29 de enero / 11 de febrero Sala d’actes y Espai Laboratori.
• 18:00h Workshop: “Más allà de la piel: ¿robots sensitivos? Experiencia sensible y
bioinspiración” Raquel Paricio Garcia y J.Manuel Moreno Aróstegui

• 25 de febrero Sala d’actes. 19:00h “Interfacing Reality”, Christa Sommerer,
Interface Lab, Kunst Universität Linz


Libro de la exposición:

Editado y publicado por ACTAR, 128 páginas. Textos de los participantes en la exposición y de 20 expertos internacionales. Alex Adriaansens, Usman Haque, Sergi Valverde, Santiago Ortiz, Albert Díaz-Guilera and Alex Arenas, Esteban Moro, Fabian Muniesa and Daniel Beunza, Jaume Masoliver, Laurent Mignonneau and Christa Sommerer, Eugene Stanley, José Maria Berenguer, Maxi Sanmiguel, Luc Steels, Michael Spranger and Laurent Mignonneu, Dirk Helbing, Raquel Paricio and Manuel Moreno Aróstegui, Philip Ball, Celia Lury, Pi Studio, Maximilian Schich and Albert-László Barabási, Interaction Research Studio, Mike Michael, Alexander Galloway, Erik Borra, Michael Stevenson, Marieke van Dijk, James Crutchfield, Richard Rogers, Tiziana Terranova, Matthew Fuller.


UNA PRODUCCIÓN DE: Arts Santa Mònica - Departament de cultura i mitjans de comunicació. Generalitat de Catalunya

COLABORAN: A Topological Approach to Cultural Dynamics (NEST PathFinder dins el VIè programa marc de la Unió Europea), Goldsmiths - University of London, Media Studies - Universiteit van Amsterdam, Universitat de Barcelona, Advanced Hardware Architectures - Universitat Politècnica de Catalunya, Neàpolis, Universitat Oberta de Catalunya, BEEP.


Para más información:
www.artssantamonica.cat/


Exposición Rocío Verdejo. Obra Reciente

LasAguasdelEscorpián-u.jpgInauguración 9 de diciembre a las 19.30 horas
Artista: Rocío Verdejo
Comisariada por Silvia Alzueta
Unicaja Espacio Emergente (Málaga)
9 de diciembre al 16 de enero de 2010

El próximo miércoles día 9 a las 19.30 horas se inaugura en la sala de exposiciones Unicaja Espacio Emergente la exposición Rocío Verdejo. Obra reciente que se podrá visitar hasta el día 16 de Enero de 2010. La exposición está organizada por la Fundación Unicaja en colaboración con el Centro Andaluz de Fotografía (CAF). En el catálogo, gratuito a lo largo de toda la exposición, han participado los críticos Juan Francisco Rueda, Cristina Consuegra y la comisaria de la exposición Silvia Alzueta.

La exposición de Rocío Verdejo está formada por dos series Quietud, 2008 (producida por el CAF) y las Aguas del Escorpión, 2009 (producida por la Fundación Unicaja) que conforman un total de 12 fotografías digitales de alta calida siliconadas a un metacrilato y sobre dibond metálico y una caja de luz. Ambas series tienen elementos comunes que las atraviesan de forma transversal y que además comparten con gran parte de la obra de Rocío Verdejo como son:

_ La presencia del agua como elemento en el que o en torno al que suceden las escenas que la fotógrafa retrata. En ambas series vemos como la presencia del agua acentúa la ambigüedad en sus hermosas imágenes. El agua es dadora de vida, es fertilidad, necesaria para la vida y la salud; estamos compuestos en un alto porcentaje de ella, es limpia y contiene connotaciones religiosas de purificación y salvación, a la misma vez es cambiante y peligrosa, y sobre todo incontrolada. La quietud y mansedad que parece tener el agua puede cambiar en cualquier momento y hacer que estos niños se ahoguen o que las durmientes ofelias también perezcan en su estanque. A su vez los lagos, el mar, está lleno de peligros en todas las tradiciones: tienen monstruos, sirenas, tiburones o cualquier animal que puede surgir de esas aguas profundas. Existe toda una literatura que nos habla de las bondades del líquido elemento pero también de sus peligros, estos referentes forman parte de nuestro inconsciente colectivo.

_ La narratividad de sus imágenes y el carácter de ficción de sus obras. En cada una de las obras que conforman la exposición y principalmente en la serie Las Aguas del Escorpión. Si entendemos la ficción como la simulación de la realidad y aceptamos a través de la verosimilitud de las imágenes las historias que la artista nos cuenta conseguiremos implicarnos emocionalmente en toda la historia que acontece ante nuestra mirada y que potencia nuestras emociones. Cada obra ha sido representada y construida como el escenario de una película para el instante en el que la artista ha realizado su instantánea, no se tratan de fotografía que capten un instante fugaz sino imágenes detenidas de una historia, como el fotograma de una película. Sin embargo, hay algo inquietante en sus escenas fruto quizás de la extrema estetización de las mismas, así como del instante detenido y de su fotogenia, sobre todo en la serie Las Aguas del Escorpión, que preludia algo, cada foto parece remitirnos a un momento, una historia que ya conocemos, a una escena de una película o de la propia literatura. Podríamos decir que existe un referente iconográfico cercano pero tan amplio que de cotidianos nos resulta inquietantemente lejano. Ambas se apropian de arquetipos y esto hace que la imagen nos resulte conocida.

_ La ambigüedad y el carácter sorpresivo de las imágenes de ambas series se produce un choque sorpresivo entre la belleza del escenario fotografiado, y lo terrible desde el punto de vista sentimental que representa, de ahí que el impacto visual dé fruto a una obra de un alto contenido poético. Los cuerpos sumergidos en el agua, en los que no sabemos si las modelos están flotando, dormidas o muertas en la serie Quietud, contrasta con la quietud o acción y emoción contenida en el acto de sumergir a los niños aparentemente, también dormidos.

_ Ambas series recogen los miedos inconscientes e incontrolables, como puede ser el morir ahogado o el perder un hijo.

En la serie Quietud, 2009, reinterpreta y adapta el relato de Ofelia. Nos encontramos con 9 fotografías en las que diferentes mujeres con los ojos cerrados y en actitud totalmente relajada, dormida o muerta se encuentran sumergidas en el agua en un entorno natural que se integra a la perfección con la escena que acontece en la foto y en una atmósfera de inactividad total y de sosiego. El punto de inflexión, la diferencia, la marcan las “dulces ofelias” que subvierten a la tradicional y joven Ofelia ataviada con un hermoso vestido blanco rodeado de flores. En este caso aparece desnuda y con edades dispares entre sí. Cualquiera de las mujeres que fotografía puede ser la mujer enamorada que no puede soportar la tragedia familiar ni el desamor y muere cuando va a coger flores, ya que el paso del tiempo no enfría los sentimientos ni las emociones.

Las Aguas del Escorpión recoge a unos padres que llevan a su hijo en los brazos y lo van a sumergir en el agua. Si observamos la serie Las Aguas del Escorpión uno de los calificativos que la describen es claramente el de la belleza: es una imagen hermosa, pero si reflexionamos sobre lo que acontece en esta escena nos podremos plantear que realmente nos encontramos ante unos padres que van a introducir a un niño, su hijo, en el agua. No sabemos si el niño está dormido o muerto pero, sin embargo, lo que parece evidente es que el niño se encuentra ajeno a lo que va a suceder. El rostro contenido y lleno de emoción de la mujer que culmina la serie las Aguas del Escorpión pone en evidencia que algo altamente emotivo ha sucedido.

Hay un cierto sentimentalismo, así como un ambiente melancólico que inunda la superficie bidimensional ya que introspecciona en el mundo de los sentimientos, de las sensaciones contrapuestas y ambiguas que nos remiten a sentimientos encontrados. Hay algo que nos inquieta en ambas imágenes, sin embargo la estetización a la que estamos acostumbrados en todos los ámbitos de la existencia nos hacer asistir con total asepsia e impasibles a la escena.

Con esta exposición la Fundación Unicaja continua con su labor de promocionar, difundir y colaborar con el arte contemporáneo y los jóvenes creadores andaluces, siendo la 7 de las 8 exposiciones que se realizarán este año 2009 en Unicaja Espacio Emergente en la que ya han expuesto: Pepe Bocanegra, Antonio Ruiz Montesinos, Manolo Olmo Hoyo, Laura Franco, Mariela van der Rijst, Clara González, Beatriz Ros y Arancha Ruiz. Tras esta exposición Gloria Martín Montaña, actualmente becada en París por el Ministerio de Asuntos Exteriores, la pintora sevillana nos mostrará sus últimos trabajos en una exposición creada ex profeso para Unicaja Espacio Emergente.

Diciembre 04, 2009

EXPOSICIÓN INTERIOR /EXTERIOR EN LA SALA DE ARTE JOVEN

SANTIAGOGIRALDAAlexplayroom-U.jpg10 de diciembre 2009 - 9 de enero 2010
Sala de Arte Joven
Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid

Inauguración: 9 de diciembre a las 20:00 horas
Entrada gratuita
www.madrid.org

El miércoles 9 de diciembre se inaugura en la Sala de Arte Joven la exposición Interior /Exterior: Santiago Giralda y Carlos Granados del Valle bajo el comisariado de Virginia Torrente.

Pinturas e instalaciones son las propuestas artísticas que proponen estos dos artistas. En la pintura detallista de Santiago Giralda se funden verdad y mentira mientras que en la instalación de Carlos Granados se obliga al espectador a investigar el espacio y esforzarse en la lectura de las obras, pero compensándole con el resultado cuando descifra las pautas del juego.

Santiago Giralda (Madrid 1980). Sus pinturas tienen un marcado interés por la representación, la exploración de los lugares y el lenguaje de la pintura .El origen de su trabajo es el uso de espacios reales, que se llenan de objetos siempre reconocibles, fuera de su lugar habitual y elementos que hacen que ése punto de partida original se transforme en imaginario.
Encontramos esta acumulación de objetos flotando en el espacio doméstico, que van hallando un sitio donde colocarse, buscando reposo, en un aparente orden inconcluso. Habitaciones abigarradas llenas de objetos, muebles y elementos icónicos reales y otros inventados crean escenarios pictóricos que nos presentan una realidad paralela, como si Giralda hubiera tenido una formación barroca, una escuela de otros tiempos situada en el presente.
En palabras de Virginia Torrente, comisaria de la exposición: “Partimos de una figuración real y la vez fantástica, compuesta de elementos siempre reconocibles al ojo del espectador, porque pertenecen al entorno doméstico y a la iconografía popular. Que el público puede desordenar y volver a ordenar a su gusto siguiendo el mismo impulso que Giralda, que nos obliga a trabajar con la mirada igual que él trabaja sobre el lienzo”.
Verdad y mentira se funden en sus pinturas. Pintar compulsivamente, con gran detalle, sin ofrecer conclusiones definitivas son los cuadros que podemos ver en esta exposición, dónde el color es otro elemento clave.

Carlos Granados ( Madrid 1984).Abordar otros espacios ajenos a los delimitados por la exposición tradicional, establecer una relación entre el lugar asignado y otros ajenos, a la propia sala- un piso cercano- para que ocupen un solo espacio en la mente del espectador, es la propuesta que Carlos Granados presenta en la Sala de Arte Joven.
Como el propio artista dice: “Me gusta la idea de trabajar con el valor simbólico del espacio, con lo que éste representa con el público, con el tiempo de exposición y con el cuestionamiento de la funcionalidad en un sentido amplio. Mi trabajo se centra en reflexionar sobre conceptos de fracaso o error, la utilidad, la meta, el futuro y mi propia actitud como artista. Desde hace tiempo empecé a trabajar con objetos cotidianos, a través de pequeñas modificaciones o alteraciones de sus diseños y sus funciones, investigo sobre dialécticas y significados que se crean en este tipo de situaciones”.

Transformar el lugar de exposición, obligar al espectador a realizar una cierta investigación espacial y un esfuerzo mayor en la lectura de las obras, exigiéndole más tiempo, pero compensándole con el resultado cuando descifra las pautas del juego, es el objetivo de Carlos Granados. En palabras de la comisaria: “El artista echa un pulso al lugar expositivo, rompe sus reglas, no quiere compartimentaciones para sus piezas, busca un lugar inocuo, desolado, vacío, para llenarlo de poesía experimental”.


Artistas: Santiago Giralda y Carlos Granados del Valle


Organiza: Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno, Comunidad de Madrid

Horario:
De lunes a sábados: De 11:00 a 14:00 h y de 18:00 a 21:00 h
Domingos y festivos: Cerrado
24 y 31 de diciembre la sala permanecerá cerrada

Dirección:
Sala de Arte Joven
Avda. de América, 13
28002 Madrid
Teléfono: 915642129
www.madrid.org


LOCO-COMUNIDAD-U.jpg


(Alex Playroom, 2008. SANTIAGO GIRALDA)

Diciembre 03, 2009

Programación OFF LIMITS diciembre 2009

resumenOfflimits-u.jpgMuestra itinerante de cine Playtime–03 de diciembre, 20.30h
Art/Hurt!–10 al 12 de diciembre, 11 a 14h y de 17 a 24h
Eleusis–16 de diciembre, 20.30h
Aquí unos vídeos ... aquí unos amigos–17 de diciembre, 20h
www.offlimits.es

Muestra itinerante de cine Playtime
Jueves 3 de diciembre, 20.30 h

Playtime audiovisuales nace con la idea de servir de plataforma a los nuevos creadores
audiovisuales. “Que todo lo que merezca ser visto, encuentre su espacio” es una de sus premisas fundamentales, para ello organizan desde el año 2007 la Muestra itinerante de cine Playtime. Un programa distinto cada trimestre, con una selección de obras de vanguardia, cortometrajes, documentales, videocreaciones, videodanzas, videoclips, documentación performativa, animación. Obras que cubren un amplio espectro del audiovisual nacional y que han sido reconocidas en festivales de todo el mundo.

PROGRAMA DE LA 10º MUESTRA:

Consulta 16 de José M. Carrasco (cortometraje de ficción)
Historia de un caballito azul de Blanca Miguel (animación)
Entre destello y Destello de Machines Désirantes - video musical para el grupo Ciëlo- (videoclip)
Nisa (mujeres) de Benet Román (cortometraje documental)
Gazpacho de Joseph Gutierrez (micro-cortometraje de ficción)
Rumbo a peor de Alex Brendemühl (cortometraje experimental)
Blondy de Jorge Piquer y Julie Galland (animación)

Total duración del programa: 50’


Art/Hurt!
Del 10 al 12 de diciembre
Jueves y viernes de 11 a 14 h y de 17 a 24 h
Sábado 11 a 14 h y de 17 a 22 h. Coloquio con las artistas, 22.30 h

Art/Hurt! es un experimento escénico del colectivo subsiste en la frontera entre ciencia y arte, realidad y ficción que invita al espectador a profundizar sobre la mirada desde su dimensión “voyeur”.

Art/Hurt! es un “peep-show” de autolesiones en el que el público, previa cita telefónica, asiste a una experiencia escénica en la que se convierte en el único espectador. La instalación interactiva consta de tres ambientes: venta de autolesiones a la carta, sala de espera y “peep-show”. El visitante puede visionar diferentes heridas: laceraciones, lesiones de arma de fuego, producción de heridas punzantes o simples raspaduras. Las artistas del colectivo subsiste, que harán a la vez
de vendedoras, “voyeurs” y observadas, guiarán al espectador-cliente por los tres ambientes.

Art/Hurt! es un proyecto de subsiste, identidad compuesta por las artistas multidisciplinares, Nuria Antón y Silvia Zayas.

Citas telefónicas para la compra-venta del visionado de autolesiones al 606782975:
3 al 9 de diciembre de 10 a 14 h y de 17 a 20 h. 10, 11 y 12 de diciembre de 14 a 17 h


Eleusis
Miércoles 16 de diciembre, 20 h

La asociación Eleusis, dedicada al estudio de los misceláneos estados de consciencia continúa su ciclo de conferencias con la ponencia “Potencial terapéutico de los derivados de la marihuana en la lucha contra el cáncer” del Dr. Guillermo Velasco.

Integrante del grupo de investigación que lidera Manuel Guzmán en la Universidad Complutense de Madrid, el biólogo Guillermo Velasco, investiga hace una década el potencial terapéutico de los cannabinoides. El objetivo de su línea de investigación es diseccionar el mecanismo de acción antitumoral de los cannabinoides así como tatar de optimizar el desarrollo de terapias basadas en la utilización de estos compuestos.

www.asociacioneleusis.es
www.elcornezuelo.blogspot.com


Aquí unos videos ... aquí unos amigos
Jueves 17 de diciembre, 20 h

Hilario Alvarez nos propone una sesión de vídeos “low tech” realizados para la "Oficina de Ideas Libres". Una sesión familiar y cómplice que intenta recuperar el encanto de las producciones en Super8 donde se contaban vacaciones y viajes. Una sesión amigable y cálida sin por ello renunciar a las ideas y las realizaciones poco ortodoxas.


***************
English version:

Muestra itinerante de cine Playtime
03 of dicember, 20.30 h

Playtime audiovisuals is born with the idea of being a platform for new audio-visual creators. “Everything that deserves to be seen, will find his own space” it´s one of our fundamental premises.
Quarterly they set up a program, made by a selection of cutting-edge audio-visual works, shorts, documentaries, video-creations, videoclips, animation... Works that cover a wide spectrum of the national audio-visual and that have been recognized in festivals all over the world.

PROGRAM:

Consulta 16 directed by José M. Carrasco (fiction)
Historia de un caballito azul directed by Blanca Miguel (animation)
Entre destello y Destello de Machines Désirantes - musical video - (videoclip)
Nisa (women) directed by Benet Román (short documentary)
Gazpacho directed by Joseph Gutierrez (fiction)
Rumbo a peor directed by Alex Brendemühl (cortometraje experimental)
Blondy directed by Jorge Piquer and Julie Galland (animation)


Art/Hurt!
10 to 12 of december
Thursday and Friday from 11 to 14 h and 17 to 24 h
Saturday 11 to 14 h and from 17 to 22 h. Colloquium with the artists, 22.30 h

ART/HURT! is a scenic experiment of subsite collective in the border between science and art, reality and fiction, that invites the spectator to deepen on the "voyeur" glance.

ART/HURT! is a "peep-show" of autoinjuries in which the public, previous telephonic appointment, get involve in a scenic experience with only one spectator. The interactive installation consists of three environments: ticket office of autoinjuries “à la carte”, waiting room and "peep-show". The visitor can view different wounds: lacerations, firearm injuries, sharp wounds or simple scrapings. The artists of subsiste, that play the role simultaneously of saleswomen, "voyeurs" and observed, will guide the spectator - client for three environments.

For telephonic appointments call 606782975: from 3th to 9th of december between 10 to 14 h and from 17 to 20 h. On December the 10th, 11th and 12th, from 14 to 17 hours.


Eleusis,
Wednesday 16 of decembre, 20 h

Eleusis association, dedicated to the study of miscellaneous states of consciousness, presents “Therapeutic potential of the derivatives of the marijuana in the fight against the cancer” by Dr. Guillermo Velasco.

Member of the group of a research grouplead by Manuel Guzmán in the Universidad Complutense de Madrid, the biologist Guillermo Velasco, investigates the therapeutic potential of the cannabinoides. The aim of his investigation is to explorer the antitumoral effects of the cannabinoides and to optimise the development of therapies based on the utilization of these compounds.


Aquí unos videos ... aquí unos amigos
Thursday 17th of december, 20 h

Hilario Alvarez proposes a session of "low tech" videos made for the “Oficina de ideas libres". A familiar and accomplice session that pretends to recover the charm of Super8 productions where vacations and trips were recounted. A friendly and cosy session that doesn´t resign ideas and slightly orthodox accomplishments.


Off Limits
Escuadra 11 bajo, 28012 Madrid
Metro: Lavapiés y Antón Martín
www.offlimits.es

Diciembre 02, 2009

DICIEMBRE: PROGRAMA DE ACTIVIDADES CA2M CENTRO DE ARTE DOS DE MAYO

CA2MAUTO1-u.jpgCA2M Centro de Arte Dos de Mayo
Avda de la Constitución, 23
28931 Móstoles, Madrid
centrodeartedosdemayo@madrid.org
www.madrid.org/ca2m

PENSAMIENTO Y DEBATE
JUE 10 DIC 18:30 H.
LAS LINDES. GRUPO DE INVESTIGACIÓN Y ACCIÓN ACERCA DE EDUCACIÓN, ARTE Y PRÁCTICAS CULTURALES

Presentación del trabajo de Donestech
En esta sesión nos encontraremos con algunas integrantes del colectivo donestech que compartirán con nosotros algunos de sus proyectos y materiales susceptibles de ser usados como herramientas educativas. Donestech se define como un grupo de investigadoras sociales aficionadas a las nuevas tecnologías que desde hace tiempo se preguntaban qué pasaba entre las mujeres y las tecnologías.
Entrada libre

MIE 18:30 H.
MIRAR LA GUERRA. IMÁGENES, ARTE Y ESTUDIOS VISUALES

La libre y abundante circulación de imágenes es una evidencia en nuestra sociedad del conocimiento. Las imágenes de la guerra, "imágenes del acontecimiento", son las que miramos quizás con más interés, pero no están exentas de problemas. Desde el momento en que son tomadas hasta el momento de su recepción, estas imágenes, muchas veces errantes, son, al mismo tiempo, herederas de un imaginario occidental secular y continuadoras en la formación del que ahora compartimos, muchas veces "en superficie".
Entrada Libre

MIE 2 DIC. Imágenes de la guerra. Educación para la paz.
Mª. Jesús de Domingo, Jefa del programa educativo del Museo Reina Sofía.

MIE 9 DIC. Las víctimas: ojos que miran pero que no ven.
Mikel Ayestarán, free lance. En la actualidad trabaja para los grupos Vocento y Euskal Iratí Televista. Ha cubierto conflictos en Irán, Afganistán, Líbano e Irak, entre otros.

MIE 16 DIC. Cuando mirar es perder el centro.
Yayo Aznar, Profesor Titular de Universidad en el Departamento de Historia del Arte de UNED.

JUE 17 DIC. Mesa redonda Imagen, Imaginario y memoria.
Con la participación de Mikel Ayestarán, Yayo Aznar y Mª. Jesús de Domingo. Moderador: Miguel Salvatierra.


CINE Y VIDEO
VIE 20:30 H.
CICLO ROAD MOVIES

La exposición AUTO. Sueño y materia se completa con este ciclo de road movies en el que se propone una aproximación a algunos aspectos de la relación entre el cine y el automóvil. Las películas que componen el ciclo, más que pretender realizar un repaso general del género, conforman una propuesta autónoma de análisis que encuentra su complemento y su contexto global en la exposición.
Entrada libre

VIE 4 DIC. Motorist. Chip Lord. 1989, V.O.S ingles.70 min

VIE 11 DIC. El Diablo sobre ruedas. Duel. Steven Spielberg. 1971, V.O.S ingles. 90 min.

VIE 18 DIC. Pequeña Miss Sunshine. Jonathan Dayton y Valerie Faris, 2006, V.O.S, ingles, 101 min.


TALLERES
JUE 17:00 H.
CONTANDO LUGARES/ HABITANDO RELATOS

A lo largo de las cuatro sesiones en que se desarrolla el taller, los participantes trabajarán con conceptos relacionados con la creación contemporánea y reflexionarán acerca de los conceptos de colección, archivo y memoria. Las dinámicas de discusión y escucha serán fundamentales. El taller culminará con la producción de una obra audiovisual en la que los participantes “contarán lugares y habitarán relatos”, mezclarán sus historias y sus vivencias con imágenes y trabajarán con imágenes a las que aportarán sus relatos.
Taller dirigido a público adulto.
Participación gratuita previa inscripción en: educacion.ca2m@madrid.org


TALLER PARA FAMILIAS
SAB Y DOM 12:00 H.
EL NUM DE LOS OBJETOS

En este taller, niños y adultos trabajarán con materiales cotidianos básicos para desarrollar una búsqueda del movimiento que reside oculto en cada objeto. A cargo de Carmen la Griega.


VISITAS CA2M
Las visitas CA2M se concentran en la experiencia del espectador y su mirada hacia el arte actual, convirtiendo las exposiciones en espacios de encuentro en los que los participantes no son objetos de la educación, sino sujetos que desarrollan en colectividad un discurso crítico ante la obra contemporánea.
Asistencia libre

Auto. Sueño y Materia. Mie, vie y sáb 18:30 H.
Doblar a lo largo de la línea. Guy Ben-Ner. Sáb 12:30 y dom 18:30 H. A partir del 19 de diciembre.


VISITAS TEMÁTICAS
Distintos profesionales acercan las exposiciones del Centro a los espectadores desde puntos de vista absolutamente personales con el fin de huir de la presunción de objetividad de los enunciados que plantean las exposiciones.

Auto/Out of the way. Posiciones feministas para una visita. Dom 12:30 H.
Conducida por Eva Garrido y Yera Moreno.


VISITAS GRUPOS
Con cita previa concertada en educacion.ca2m@madrid.org
Grupos desde 8 hasta 30 personas.


EDUCACIÓN
El CA2M desarrolla un amplio programa de actividades con Centros Escolares orientado a la búsqueda de nuevos modelos de construcción de conocimiento, alejados de las líneas de trabajo tradicionales.
Consultar programa completo en el folleto específico o en www.madrid.org/ca2m


HORARIO
De martes a domingo: de 11:00 a 21:00 horas
Cerrado: lunes; 24, 25 y 31 de diciembre; 1 y 6 de enero.


INDICACIONES DE ACCESO
www.madrid.org/centrodeartedosdemayo/el_centro/ubicacion.html
Metro: L12 Pradillo
Cercanías: C5 Móstoles (23 minutos desde Embajadores)

ENTRADA GRATUITA AL CENTRO Y A TODAS SUS ACTIVIDADES


Logo_CA2M_COM-Madrid_coproduccionesH-u.jpg


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(Alain Bublex. Aérofiat 1.0, 2002. Cortesía Courtesy: Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois, París.)

Spora09. Open Lab en Arte Interactivo con Konic thtr y 12 obras de Arte Efímero.

 bañuelo7_u.jpgSpora. II Bienal de Arte Internacional de Arte Efímero ha cerrado su convocatoria de proyectos con 63 trabajos de 10 países en los ámbitos del Arte y Naturaleza y Arte y NN TT. Se han seleccionado 10 proyectos que, junto a las obras de dos artistas invitados y un Open Lab a cargo de Konic thtr, conforman esta Spora09, que se celebra del 15 al 20 de diciembre en Granada. Las obras se expondrán en calles y edificios emblemáticos del eje que une el Sacromonte y el Parque de las Ciencias.

Un Open Lab de Konic thtr abrirá la II edición de Spora. Bienal Internacional de Arte Efímero que se celebrará en Granada del 15 al 20 de diciembre. A partir de ahí, desde ese martes al domingo, las calles y edificios más emblemáticos de la ciudad de Granada quedarán inundadas por las obras de los 10 artistas seleccionados y los dos invitados.
My homage to ehernal Granada, la instalación de la artista noruego-coreana Hee Sook Lee-Niinioja y Granada oculta del granadino Isidro López Aparicio serán las obras presentadas por los dos artistas invitados en esta edición.
Las obras y artistas seleccionadas han sido: Alfonso Borragán (artista español residente en Bristol) con Cerámica negra; el colectivo Adeio (España) con Pequeñas cosas aquellas; Fernando Rubio Ahumada (España), con Dejar Huella; el colectivo DESEda (España), con DESEda; Daniel Rojas (España), con Sociograma Interactivo; Pénélope Hauserman y Cie Les Intouchables (Francia), con Objet nature; Elisabeth Lumme (Alemania), con Untittled; Larry Cressman (EEUU) con the Nature of Drawing IV; Lucía Madrid (Costa Rica), con Aquí y Trish Scott (Gran Bretaña) con City Stitch.
El conjunto de proyectos –invitados y seleccionados– conforman una selección perfectamente equilibrada de proyectos relevantes y, sobre todo, significativos en los ámbitos en los que Spora quiere contribuir a difundir: Arte y Naturaleza y Arte y Nuevas Tecnologías.
Por otra parte, el Parque de las Ciencias será la sede en la que tendrá lugar el laboratorio abierto de Konic thtr titulado El cuerpo expandido, un proyecto de Arte Interactivo orientado hacia Escena Aumentada. Este Open Lab se conformará como un espacio de encuentro multidisciplinar en torno al arte y las últimas Nuevas Tecnologías. Para ello, la organización ha seleccionado y becado totalmente a 12 profesionales y artistas andaluces del campo del arte (en campos tan diversos como la música, la danza, la fotografía, el videoarte,…) y de la tecnología para que, dirigidos por Rosa Sánchez y Alain Bauman, produzcan una obra que será mostrada al público, en el mismo Parque de las Ciencias, el último día de la Bienal, domingo 20 de diciembre. El Open Lab será, efectivamente, abierto al público que, diariamente, podrá asomarse a conocer el trabajo que se desarrolla en él.
Finalmente, reconocer el apoyo fundamental de las entidades que colaboran en esta edición: La Facultad de Bellas Artes, la Universidad de Granada y la Asociación Arte y Sociedad, como organizadoras, así como los siguientes patrocinadores: la Consejería de Cultura a través de la Dirección General de Museos y Arte Emergente, el Ministerio de Cultura, la Diputación de Granada, el Ayuntamiento de Granada, el Parque de las Ciencias y el Museo de la Memoria de Andalucía.

Qué es SPORA. Bienal Internacional de Arte Efímero
Es un itinerario bianual de arte contemporáneo y efímero por la ciudad de Granada.
La muestra transcurre por un sendero cuyos extremos, claramente diferenciados, dan sentido a uno de los argumentos de la muestra, Tradición y Modernidad. A un lado, el Sacromonte, como exponente de esa tradición, de los oficios artesanos y de una larga historia. En el otro extremo, la zona de museos de la ciudad, con el Centro Cultural-Museo de Caja Granada y el Parque de las Ciencias; ambos, ejemplo de modernidad y puesta al día de una ciudad. Y entre ambos extremos, la ciudad y sus calles más concurridas. Ahí es donde surge SPORA en cada edición. En edificios tan emblemáticos como el Bañuelo, el Carmen de la Victoria, el Palacio de los Córdova o calles y espacios como la Fuente de las Batallas, los artistas que se reúnen en torno a SPORA muestran a la sociedad sus obras de arte efímero. Conceptos como el vestigio, la no pertenencia, el recuerdo, lo perecedero, el momento de emoción y disfrute para los sentidos o la desmaterialización como esencia de lo efímero frente a lo perdurable son el argumento de esta muestra, que se dispersa sobre la ciudad.

El agua de los ríos Darro y Genil hará de hilo conductor a través del tiempo y las diferentes culturas, para fundir tradición y modernidad potenciando un espacio cultural común.

SPORA es una búsqueda de ese espacio cultural común, en el que se promueven y difunden proyectos de arte contemporáneo que fomenten valores éticos y sociales a partir de dos líneas de investigación:

1. Arte y Naturaleza Se promoverá la educación sobre el respeto y la recuperación del Medio Ambiente, con intervenciones artísticas multidisciplinares de carácter efímero en el paisaje urbano, basadas en una Estética Ecológica y que nos hablen a través de metáforas de cómo mejorar nuestro presente y avanzar hacia un modelo energético más justo y sostenible. Se buscan intervenciones orientadas a preservar la herencia cultural y analizar diferentes rituales y tradiciones frente a la naturaleza. Podrán presentarse proyectos de Instalación, Performance, Land Art, Arte Reciclado, Escultura, etc…

2. Arte y Nuevas Tecnologías. Se promoverán proyectos artísticos que acerquen el arte y las nuevas tecnologías a la sociedad dentro de ese espacio cultural común. Los proyectos de creadores e investigadores que trabajen en torno a las prácticas artísticas contemporáneas, quedarán estructuradas en tres apartados: Arte interactivo (Net Art, Espacios interactivos, Entornos virtuales), Videoarte (Vídeocreación, Videoinstalaciones, Videodanza, Vjing) y Arte sonoro (Espacio sonoro, Escultura sonora, Vdj).


Para más información:
Dpto. de Comunicación y Prensa - prensa@sporaarteefimero.com

Diciembre 01, 2009

ARROYO
BOXEO Y LITERATURA

muvim123-u.jpgDel 17 de diciembre al 14 de febrero de 2010
Comisaria: Fabienne di Rocco

Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat (MuVIM)
muvim@dival.es
www.muvim.es

Esta exposición celebra un deporte que como competición y espectáculo es, no sólo una de las actividades más antiguas del mundo, sino un elemento de la cultura popular moderna. Eduardo Arroyo nos invita a emprender el recorrido por esa pasión tan suya y jamás desmentida.

Arroyo suele escapar de la pintura y declara que su vocación es la escritura que ahonda en el carácter narrativo de su obra, en la que la pasión pugilística es una constante: ha escrito la biografía Panamá Al Brown y Bantam, una pieza dramática, donde evoca la luz exacerbada del ring y las sombras del destino humano llevadas al paroxismo. Igualmente, ha retratado a Young Pérez, Eugène Criqui, Ray Famechon, Oddone Piazza o Willie Pep, contando la historia ejemplar de aquellos púgiles víctimas de la fuerza del destino. En los dibujos, así como en la obra gráfica, Arroyo plasma la figura obsesiva de la derrota: Arthur Cravan, seudónimo del sobrino de Oscar Wilde, y Jack Johnson, primer boxeador negro campeón del mundo de los pesos pesados.

El 12 de abril de 1916 Cravan y Johnson actuaron de árbitros en el Iris Park. Y, poco más tarde, en la Monumental de Barcelona, en el primer asalto Jonson noqueó al coloso poeta boxeador. Al salir en defensa del arte solitario y cruel del boxeo, según él muy parecido al oficio de pintor, Arroyo plantea la cuestión del lenguaje y del estilo. Siempre ha sido amigo de boxeadores: Yanneck Walzack, a quien visitaba ya retirado en su bar, muy próximo al taller del pintor en La Ruche, así como a Dariusz Tigre Michalczeswki, que fue campeón del mundo de los semipesados. En su colección de libros boxísticos destaca Antonio Ruiz, que Ramón Gómez de la Serna dedicó, en 1926, al boxeador de Vallecas que llegó a ser campeón de Europa de los pesos pluma. Obran en su poder las autobiografías de Sugar Ray Robinson, Tiberio Mitri, Dariusz Michalczeswki, Dum Dum Pacheco, páginas manuscritas de Jean Cocteau dedicadas a Panamá Al Brown. Y, asimismo, carteles de los primeros años del siglo XX y retratos fotográficos de Ernest Hemingway con Kid Tunero.


Otras exposiciones en el MuVIM:
Masonería e Ilustración. Obras del Museo de la Francmasonería de París (del 14 de diciembre al 14 de febrero de 2010).
Impresos de Vanguardia en España 1912-1936 (del 14 de diciembre al 14 de febrero de 2010).
Ciutat Vella y participación ciudadana. (Sic) Sociedad y cultura (del 14 de diciembre al 14 de febrero de 2010).
Deseos, promesas, realidades: ocho objetivos para el desarrollo (hasta el 7 de febrero de 2010).
La Aventura del Pensamiento (todo el año).