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Noviembre 30, 2009

FRANTISEK KUPKA EN LA FUNDACIÓ JOAN MIRÓ

BanderolaFaçana-u.jpgFrantisek Kupka
Obras del Centre Georges Pompidou
28 de noviembre de 2009 – 24 de enero de 2010

Fundació Joan Miró
Parc de Montjuïc s/n 08038 Barcelona T.934439470
www.fundaciomiro-bcn.org

La Fundació Joan Miró presenta Frantisek Kupka, una muestra comisariada por Brigitte Leal, directora adjunta del Musée National d’Art Moderne – Centre Georges Pompidou, y patrocinada por el BBVA. La exposición reúne, por primera vez en el Estado español, un conjunto de casi 80 telas y dibujos de este artista checo, procedentes de los fondos de la institución francesa y documentos pertenecientes a la colección de Pierre Brullé, gran experto en un artista considerado pionero en explorar la abstracción.

La exposición que la Fundació dedica a Frantisek Kupka pretende destacar las aportaciones de este artista: la fusión de los motivos fin-de-siècle austriacos con las exploraciones formales de las primeras vanguardias o un interés por el movimiento, que le condujo tempranamente a la abstracción. Esta especial sensibilidad sitúa la obra de Kupka en un lugar relevante en la historia del arte moderno europeo.

Frantisek Kupka, a quien se han dedicado significativas muestras en los museos más importantes de Francia, Estados Unidos o Japón, no ha disfrutado nunca de una exposición retrospectiva en España. Con el propósito de subsanar este injustificado olvido, la Fundació presenta ahora esta muestra, que permitirá apreciar y comprender la evolución estilística y el método de trabajo de este pintor clave en el desarrollo de la primera abstracción.

Noviembre 27, 2009

El genio de las cosas

09.MINIM++-u.jpgDel 27 de noviembre de 2009 al 31 de enero de 2010
Sales d’exposiciones de Can Palauet. Mataró

Inauguración: viernes 27 de noviembre, a las 20 h

Artistas: Oscar Abril Ascaso, Kim Adams, Azúamoliné, David Bestué / Marc Vives, Luís Gárciga, Joan López Lloret, Ricard Marxer Piñón, Enric Maurí, MINIM++ (Motoshi Chikamori & Kyoto kunoh), Jordi Mediano, John Word & Paul Harrisson. Comisaria de la exposición: Rosa Pera.

http://www.diba.es/oda/elgenidelescoses.asp

Tomando la cotidianidad como territorio que hace falta activar, «El geni de les coses» presenta varias maneras de observar, de interrogar y actuar sobre este escenario, con la energía de aquello más próximo, accesible y simple: los objetos y el espacio. Mediante la exploración del sistema de los objetos y el grado de pertenencia a este sistema, se propone abordar temas como la gestión de la memoria, la subsistencia creativa, el poder del gesto o el alcance de la mirada detenida, todo asumiendo la importancia de mantener un cierto espíritu de humor y voluntad económica con todas las consecuencias.

¿QUÉ OCULTAN LOS OBJETOS QUE NOS RODEAN?
¿QUÉ TIPO DE RELACIONES PODEMOS ESTABLECER?
¿CUAL PUEDE SER EL ACTO CREATIVO MÍNIMO?
¿PUEDE LA IMAGINACIÓN SER UNA HERRAMIENTA DE SUBSISTENCIA?
¿ES LA MEMORIA EL ALMA DE LOS OBJETOS?
¿HACE FALTA PRESERVARLA? CON QUÉ FINALIDAD?


«El geni de les coses» quiere evocar que el arte puede ir más allá de la representación e imbricarse en la vida, y ser una potente herramienta de aumento de imaginarios colectivos, situaciones frágiles y mensajes urgentes. Estas once propuestas artísticas invitan a descodificarlos y a actuar desde la simplicidad, con los elementos mínimos, pero con toda la energía que requieren las situaciones complejas, como la vida misma.


CONTENIDO DE LA EXPOSICIÓN

• Artistas y obras

Oscar Abril Ascaso (Barcelona)
Low Tech Music Nº 7 (pieza para despertadores), 2009.

Kim Adams (Grand Valley, Ontario, Canadá)
Archive, 1970-2007 (selección)

Azúamoliné (Martín Ruiz de Azúa y Gerard Moliné) (Barcelona)
Urna Bios, 1999-2005.

David Bestué / Marc Vives (Barcelona)
Acciones en casa, 2005.

Luís Gárciga (La Habana, Cuba)
Cuando explotamos la conformidad, 2007
Ping-pong, 2006.

Joan López Lloret (Barcelona)
Hermanos Oligor, 2005.

Ricard Marxer Piñón (Barcelona)
Caligraft, 2007.

Enric Maurí (Barcelona)
Enganxat a l’art, 2007
Serie Jo, què puc fer?, 2007.

MINIM ++ (Motoshi Chikamori & Kyoko Kunoh) (Tokyo,Japón)
Tool’s Life, 2001.

Jordi Mitjà (Figueres)
Europa, second hand (useless collection), 2000-2009
Fascinación 3 / Relato 0, 2009.

John Wood & Paul Harrisson (Londres)
Hundredweight, 2003.


• Ámbito de documentación y ámbito del servicio educativo

El ámbito de documentación presenta libros vinculados a las temáticas de la exposición en general y a los artistas que participan en concreto con la finalidad de ofrecer al visitante herramientas de conocimiento, contextualización y análisis de la exposición.

El ámbito del servicio educativo quiere dar visibilidad a los trabajos llevados a término por los grupos que participan en los talleres y en las acciones experimentales.

«El geni de les coses» es una exposición itinerante del Programa de artes visuales de la ODA (Oficina de Difusión Artística del Área de Cultura de la Diputación de Barcelona). Este programa tiene por objetivo facilitar la relación entre el arte y los ciudadanos, con el convencimiento que las acciones de conocimiento y participación de las prácticas artísticas contemporáneas facilitan una interpretación mejor y, sobre todo, más compleja del mundo que nos rodea.

«El geni de les coses» ofrece diferentes servicios a los visitantes: catálogo, web, ámbito de documentación, servicio educativo (con visitas dinamizadas y acciones experimentales) y actividades específicas para cada municipio.


INICIO DE LA ITINERANCIA: MATARÓ

Del 27 de noviembre de 2009 al 31 de enero de 2010.
Inauguración de la exposición y performance de Oscar Abril Ascaso
Viernes 27 de noviembre, a las 20 h

Presentación de la exposición con cargo a la comisaria, Rosa Pera.

Oscar Abril Ascaso ejecutará la performance Low Tech Music Nº 7 (pieza para despertadores). Se pide a todos los asistentes que traigan un despertador de casa preparado por sonar a las 20.15 h. Se ruega puntualidad.

Teatro
Las tribulaciones de Virgina, Hermanos Oligor
Lugar, fecha y hora por determinar

Presentación del catálogo de l’exposición
Viernes 22 de enero de 2010, a las 20 h
A cargo a Rosa Pera, comisaria de l’exposición.


Servicio educativo

Diseño y realización: Experimentem amb l’art.

Visitas dinamizadas y acciones experimentales para grupos (escolares, esplais, grupos de la 3ª edad, entidades, etc.) y proyecto Experiencias adquiridas (escuela, casa, sala d’exposiciones).

Hace falta concertar día y hora al teléfono 937 412 930, los lunes, miércoles y viernes de 10 a 13 h.

Visitas para público familiar
Domingo 27 de diciembre de 2009, a las 12 h
Domingo 24 de enero de 2010, a las 12 h

Sales de exposicones de Can Palauet
Carrer d’en Palau, 32
08301 Mataró
Tel. 937 582 101

canpalauet@ajmatarocat
www.mataro.cat


Horario
De martes a viernes, de 18 a 21h
Sábados, domingos y festivos, d’11 a 14 h y de 18 a 21 h
Lunes, cercado


(Imagen: MINIM ++ (Motoshi Chikamori & Kyoko Kunoh) Tool’s Life, 2001)

MUSAC PROGRAMA UN CICLO DE CINE DE HAL HARTLEY EN RELACIÓN A LA EXPOSICIÓN “LA NOCHE DE PLOMO” DE UGO RONDINONE

iharmoni-u.jpgFechas: 1 de diciembre,2009 – 22 de enero, 2010
Una idea de: Ugo Rondinone
Programación: MUSAC y Área de Actividades Culturales de la Universidad de León
Premier mundial de POSSIBLE FILMS 2: 1 de diciembre. 20.15 h. Teatro Albéitar (León)
Visita dialogada: Donde Hal Hartley y Ugo Rondinone se encuentran. 17 de diciembre. 19.00 h

Consulta la programación: www.musac.es/index.php?ref=93200

MUSAC y la Universidad de León.- Área de Actividades Culturales – Teatro Albéitar han programado para los meses de diciembre y enero el Ciclo de Cine Hal Hartley, una selección de los títulos más significativos de la filmografía de este realizador americano de culto. El ciclo, se encuadra como una actividad en relación con la exposición del artista suizo Ugo Rondinone en MUSAC, La Noche de Plomo. De hecho, la idea parte del propio Rondinone, con el objeto de enriquecer y ampliar el proyecto expositivo desarrollado para León. El ciclo, será un complemento para acercarse simultáneamente al vocabulario onírico íntimo y subversivo de ambos autores. De la mano de este ciclo, se presentarán en premier mundial en León, los últimos e inéditos cortometrajes de Hartley realizados recientemente en Berlín. Junto a éstos, se proyectarán las películas: Flirt, 1993; Trust, 1990; The Girl from Monday, 2005; Henry Fool, 1997; Fay Grim, 2006; The Book of Life, 1998 Surviving Desire, 1991 y No Such Thing , 2001. Los cortometrajes, también ocuparán un lugar representativo dentro del ciclo con la proyección de la compilación Possible Films 1994 – 2004; Theory of Achievement (1991) o Ambition (1991) y el estreno mundial en León de sus últimos cortos.

Como sucede con Rondinone, la obra de Hal Hartley destaca por su estilo personal y recurrente. La temática desmedidamente melancólica de sus producciones, así como la actitud experimental del artista ante su obra se pueden percibir tanto en la concepción de cada proyecto como en la diversidad de medios de expresión que vertebran los mismos. Hartley suele combinar además sus trabajos como realizador, guionista y compositor musical de la mayoría de sus films bajo el seudónimo de Ned Rifle, con las continuas incursiones en la producción escénica a través de obras teatrales y óperas.


• Sobre Hal Hartley

Las películas de Hal Hartley (Lindenhurst, Nueva York, 1959) combinan una exquisita puesta en escena en la que confluye su característico estilo impasible y descarnado [deadpan style] con unos diálogos saturados de ironía y humor. Convertido en un autor de culto, Hartley es el pionero de la consagrada generación de cineastas independientes americanos entre los que destacan Jim Jarmush, Gus Van Sant o Tod Haynes.

En la actualidad, Hal Hartley es considerado una de las figuras claves del movimiento de cine independiente americano de los últimos 20 años. Su obra, aclamada desde temprano por la crítica internacional, ha sido objeto de numerosas retrospectivas (The Museum of Modern Art in New York, Festival Internacional de cine de Gijón, Korea Film Festival, etc). Y ha cosechado galardones en los más prestigiosos festivales, Cannes, Sundance o el Tokyo International Film Festival. Hartley es alumno de la American Academy de Berlín, fue profesor en Harvard entre 2001 y 2004 y fue nombrado Chevalier de l’Ordre des Arts et des lettres de la República de Francia en 1996.


• Hal Hartley. Programa de cine en MUSAC y el Teatro Albéitar

El ciclo de cine recorre algunos de los episodios más singulares del universo cinematográfico del realizador americano a través de una selección de los trabajos más influyentes de Hartley. Así, un total de doce títulos se proyectarán en el MUSAC y en el Teatro Albéitar, de este modo se multiplicarán las oportunidades para los amantes de la filmografía de Hartley de visionar las películas el día que prefieran e incluso, en el caso de algunos títulos, repasarlas dos veces.

Paralelamente al ciclo, se ha programado el 17 de diciembre a las siete de la tarde, Donde Hal Hartley y Ugo Rondinone se encuentran, una visita dialogada que pretende ser un punto de encuentro entre las obras de Hal Hartley y Ugo Rondinone, a partir de un recorrido por la exposición La Noche de Plomo, que puede visitarse hasta el 10 de enero en MUSAC. La actividad, dirigida por el DEAC, Departamento de Educación y Acción Cultural del museo, es gratuita y requiere inscripción previa, que puede realizarse a través de www.musac.es y en la recepción del museo. El número de participantes máximo es de cuarenta personas, y el punto de encuentro será el hall del MUSAC.

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* Esta programación puede estar sujeta a cambios


• Premier mundial de Possible Films II. (1 de diciembre. 20. 15 h. Teatro Albéitar, León):

Hal Hartley ha elegido León como lugar donde realizar la Premier Mundial de sus últimos trabajos, que han sido agrupados bajo el título de Possible Films II. Se trata de cinco nuevos cortometrajes que el realizador americano desarrolló durante su estancia en la ciudad de Berlín entre los años 2006 y noviembre de 2009. En palabras de su autor, <>

Sinopsis de los títulos que integran Possible Films II:

A / Muse (11 mins)
Una joven actriz viaja a Berlín para convencer a director de cine americano exiliado que ella debe ser su próxima musa, la actriz protagonista de su primera película rodada en Alemania.

Implied harmonies (28 mins)
El aplicado asistente de Hal Hartley en Berlín recibe semanalmente cartas de su jefe en las que se indica los libros que el realizador necesita para dirigir el montaje teatral en Ámsterdam de “la Commedia”, la ópera del compositor flamenco, Louis Andressen…

The Apologies (13 mins)
Un dramaturgo presta su apartamento en Berlín a una amiga, una joven actriz que ensayará su próxima audición para la Escuela de Arte dramático, mientras él viaja a Nueva York para resolver los problemas con su última producción teatral.

Adventure (21 mins)
Hal Hartley y su mujer, Miho Nikaido, a partir de un viaje a Japón para encontrarse con los padres de ella reflexionan sobre sus carreras artísticas, las ambiciones profesionales y la aventura de hacerse mayores juntos tras 12 años de matrimonio.

Accomplice (3 mins 8 segs)
Un creador pregunta a su asistente si podría ayudarle a piratear una extraña cinta de video antes que sea confiscada por las autoridades alemanas…


• Breve sinopsis de la programación completa:

La muestra se compone de una selección de los trabajos más influyentes de Hartley como Trust (1990) o la célebre Flirt (1993) – germen de la popular serie de la cadena HBO Sexo en Nueva Cork e interpretada por la actriz y bailarina japonesa, Miho Nikiado, mujer en la actualidad de Hartley y protagonista de la mítica Tokio Decadence. Se hará un repaso por los singulares acercamientos del cineasta al género de la ciencia-ficción como No Such Thing (2001) o The Girl from Monday (2005). Además se presentará su última película estrenada hasta la fecha Fay Grim (2006), continuación protagonizada por Parker Posey - actriz habitual en los trabajos de Hartley - realizada 9 años después de la película que se alzó con el Premio al Mejor Guión en Cannes, Henry Fool, (1997). El ciclo se completa con la proyección de parte de la extensa y aplaudida producción de cortometrajes, que Hartley viene realizando desde finales de los 80, entre los que se pueden destacar los realizados en Long Island (Nueva York) a comienzos de los 90 Theory of Achievment (1991) o Ambition (1991), o los que se agrupan bajo la colección titulada Possible Films 1994 -2004, entre otros.

Fay Grim (2006). EE.UU. / Alemania 118’. V.O.S.E
10 años después de que Hal Hartley realizara Henry Fool aparece Fay Grim. Aquí, la mujer de Henry Fool, que da título a este nuevo film (Parker Posey) es coaccionada por un agente de la CIA para encontrar unos cuadernos pertenecientes a su fugitivo ex marido (Ryan) que contienen información que compromete la seguridad de Estados Unidos. Premio Audience Choice Award en el RiverRun Film Festival, 2007.

The Girl From Monday (2005). EE.UU., 84’. V.O.S.E
Bajo la apariencia de una apuesta joven procedente de una lejana constelación llamada Monday (lunes), una mujer es lanzada al océano con una misión. Trágica pero bella y divertida, The Girl From Monday es una aparente película de ciencia y ficción, que ironiza sobre la forma de vida y los comportamientos humanos. Premi Noves Visions en el Festival Internacional de Sitges, 2005

Possible Films 1994 – 2004. Total100’. V.O.S.E Primera compilación de cortometrajes de Hal Hartley realizados durante varias etapas, en distintos lugares, y con productores diferentes.
Opera No. 1. 1994, 7’; The Other Also ,1997, 7’; The New Math, 1999 15’; NYC3/94, 1994, 10’; The Sisters of Mercy, 2005, 17’ ; Kimono, 2000, 27’ EE.UU.

No Such Thing (2001). EE.UU. / Islandia. 102’. V.O.S.E
Una reportera (Sarah Polley) es enviada a Islandia a investigar la desaparición de un cámara de su equipo. Allí descubre a un depresivo y alcohólico monstruo que no desea otra cosa sino morir. (Fuente FILMAFFINITY)

The Book of Life (1998). EE.UU. 63’. V.O.S.E
El último día del siglo XX, Jesucristo llega al aeropuerto JFK de Nueva York con su atractiva ayudante Magdalena. La pregunta que todo el mundo tiene en mente es: “¿El nuevo milenio equivaldrá al final de la vida?”. Jesús tiene la respuesta. En el transcurso del día, combatirá al Demonio, desafiará la ira de Dios y luchará con Él mismo, decidiendo las almas que merecen ser salvadas. (Fuente FILMAFFINITY)

Henri Fool (1997). EE.UU. 137’. V.O.S.E
Debut de Thomas Jay Ryan como Henri Fool, un ex presidiario que viaja a los suburbios de una ciudad americana con la intención de publicar sus memorias. La aparición de Henry se convertirá en el motor de las búsquedas personales de los habitantes de esta localidad, especialmente de los integrantes de la familia Grim. Premio mejor guión, Cannes. 1998.

Flirt (1995). EE.UU./Alemania./ Japón. 85’ V.O.S.E
En Nueva York: Bill recibe un ultimátum de su novia Emily “O te comprometes o será el fin de nuestra relación”. Mientras en Berlín, Dwight es un joven americano que vive con Johan, un maduro marchante de arte. Al mismo tiempo en Tokio, Miho, una estudiante de danza sin más pretensiones que bailar es besada por su maestro Mistun er Ozu. Tres ciudades, tres historias, tres romances.

Trust (1990). EE.UU. / UK. 107 ‘V.O.S.E
Maria es una problemática adolescente que espera un hijo. Matthew es un ingeniero informático malhumorado. No forman la pareja perfecta pero se han enamorado y quieren aprender a vivir juntos. Premio Waldo Salt al mejor guión en Sundance Film Festival 1991

Theory of Achievement (1991)18’. Ambition (1991) 9’. Surviving Desire. (1991) 60’. EE.UU. 77’. V.O.S.E.
Estilizada trilogía de cortometrajes realizada a comienzos de los 90. Tres obras que contienen la esencia del vocabulario impasible del realizador americano.

(* Imagen: Still del cortometrajeImplied Harmonies, perteneciente a Impossible Films II. Dir. Hal Hartley Cortesía Fortísimo Films. © El artista y Fortísimo Films)


MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE CASTILLA Y LEÓN
Dpto de Comunicación y Prensa
Avda. de los Reyes Leoneses, 24
24008 León - España
T. +34 987 09 00 00
F. +34 987 09 11 11
prensa@musac.es


Museo Nacional Centro de
Arte Reina Sofía
Itinerarios de la colección
Arquitectura

Arquitectura[1]-u.jpgwww.museoreinasofia.es

Construcción, Gentes, Proyecto

La arquitectura es uno de los ejes fundamentales de la modernidad,

horizonte de sus utopías y de sus pesadillas, así como el escenario de las

transformaciones que han tenido lugar en los modos de la vida. El arte

de vanguardia está atravesado por la arquitectura de múltiples maneras

hasta el punto de no poder entenderse completamente sin ella.

Por ello, os proponemos este itinerario que invita a repensar la arquitectura

desde una perspectiva integradora, a través de quince obras escogidas y,

en base a tres vectores fundamentales (construcción, gentes y proyecto),

a través de los cuales recorreremos todo el espectro cronológico y espacial

que nos brinda la colección.



www.museoreinasofia.es



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Noviembre 26, 2009

CENTRO JOSÉ GUERRERO: TRANSDUCTORES.

4122889762_2ff3f69874_b-u.jpgTRANSDUCTORES. Pedagogías colectivas y políticas espaciales es un proyecto del Centro José Guerrero de Granada, ideado desde Aulabierta, y coproducido por la Universidad Internacional de Andalucía-UNIA arteypensamiento y el Ministerio de Cultura, que incluye la puesta en marcha de seminarios y talleres de formación, la construcción y exposición de un archivo relacional, el trabajo con agentes locales y la edición de diversas publicaciones.

www.centroguerrero.org

Dentro de este marco general, que pretende investigar y activar iniciativas en las que se articulen de manera flexible las prácticas artísticas, la intervención política y la educación a partir de la acción de colectivos interdisciplinares, el Centro José Guerrero presenta, del 1 de diciembre al 14 de febrero, una muestra de los casos de estudios que se incluyen en el Archivo Relacional del proyecto: Center for urban pedagogy (New York), Peter Dunn + Loraine Leeson + Community Poster Project (Londres), Wochenklausur (Viena), Fátima Group United + City arts (Dublín), Plattform (Londres), Ala Plástica (Argentina), Temporary Services (Chicago), REPOhistory (Nueva York), AREA (Chicago), Atelier d'architecture autogérée (ParÍs), Oda projesi (Galata, Estambul), Learning Site (Copenhague), Aulabierta (Granada) + Cartografía experiencias nacionales

Paralelamente, del 2 al 4 de diciembre, se llevará a cabo el seminario dialógico internacional Negociaciones culturales. Articulaciones de las pedagogías colectivas y las políticas espaciales, en el que varios de los colectivos presentes en la exposición presentarán sus proyectos.

*Un transductor es un dispositivo capaz de transformar o convertir un determinado tipo de energía de entrada en otra diferente de salida. En la teoría de redes sociales los “transductores” actúan como disparadores o catalizadores de cambios sociales, abriendo nuevas posibilidades de transformación, más integrales y sostenibles con el contexto.


Ya no es una novedad en nuestro país la emergencia y relativo afianzamiento —dentro de la precariedad— de proyectos que se mueven flexiblemente entre lo artístico, lo político y lo pedagógico, por mencionar sólo algunos de los territorios que transitan. Lo que se precisa todavía es una reflexión teóricamente informada sobre los mismos desde una posición comprometida, que a su vez sirva para construir un corpus de documentación y debate imprescindible para consolidar este campo de estudio e intervención. Y a colmar en parte esa laguna es a lo que se dedica TRANSDUCTORES.

TRANSDUCTORES constituye un marco en el que propiciar un encuentro con experiencias internacionales de prácticas y pedagogías colectivas entre el arte y la intervención en el contexto social. TRANSDUCTORES ofrece una visión de los proyectos seleccionados que no se limita a la exposición de producciones o discursos, sino que considera los marcos institucionales y las políticas culturales en los que se desarrollan como parte esencial de los mismos. Si andamos escasos de meras descripciones, documentaciones y estudios de caso, la falta de discusiones sobre la dimensión política e institucional de este tipo de proyectos es todavía más notoria. Aun a riesgo de polarizar una cuestión que admite muchos matices, puede decirse que entre los colectivos más vinculados a un activismo cultural altamente politizado, como pueden ser las universidades libres e iniciativas similares, es habitual —por no decir connatural— esta reflexión teórica. Por el contrario, en las organizaciones más cercanas al tercer sector aún pesa demasiado una retórica de la falta de tiempo, así como una tradición de elaboración de memorias de actividades celebratorias y de informes destinados a la Administración y otras fuentes de subvenciones económicas. En este sentido, los mismos proyectos recogidos por TRANSDUCTORES muestran en sí mismos una gran diversidad de posiciones políticas y estrategias de reflexividad y representación.

TRANSDUCTORES surge a partir de la invitación del Centro José Guerrero a Aulabierta para colaborar en la construcción de un proyecto pedagógico y relacional que tomase las pedagogías colectivas, las políticas del espacio y las redes locales como elementos de trabajo para conformar un archivo de casos y un programa que contribuyese a expandir las acciones del museo en la provincia de Granada. El reto era cómo superar un modelo ya conocido de comisariado relacional y de archivo como el que se vio en Democracy de Group Material, Collective Creativity de What, How & For Who (WHW), la exposición de NGBK en Berlín sobre Loraine Leeson Art for Change: Loraine Leeson. Works from 1975 to 2005, o la celebrada entre nosotros Desacuerdos, coproducido por el MACBA, Arteleku, UNIA y el Centro José Guerrero, con su gama de acciones y redes sociales implicadas. Con dicha voluntad de superación se concibió el archivo como un elemento orgánico y pedagógico, algo vivo que debería enraizarse en lo local y relacionarse con otros grupos y situaciones. Lo cual suponía alejarse de un modelo de gestión cultural más formal, o sólo centrado en la recopilación de materiales de proyectos situados dentro del marco conceptual apuntado para pasar a construir y gestionar colectivamente precisamente aquello que se trataba de estudiar y recoger en el proyecto.

Uno de los primeros objetivos, pues, fue entender el proyecto como una experiencia situada dentro de un espacio de aprendizaje colectivo y en conexión con la “caja de herramientas” que es Aulabierta. Para ello se usarían diversas metodologías participativas de trabajo contextual (cursos de extensión universitaria, encuentros profesionales, seminarios y talleres participativos, etc.), pero repensándolas dentro de los términos de TRANSDUCTORES. Por otro lado, no se quería reducir el proyecto a una simple colección de buenas prácticas con voluntad de empoderamiento (1) y buenas intenciones. Había que pensar otras formas de elaborar y coordinar un proyecto colectivamente. Era necesario no sólo archivar, sino también dinamizar, crear redes y experimentar pedagógicamente precisamente lo que iba a mostrarse: las prácticas y proyectos nacionales e internacionales que, convertidos en casos de estudio, se integrarían en el archivo y exposición del proyecto. Lo cual conllevaba no sólo representar prácticas transductivas y pedagógicas en un contexto de exposición, sino activarlas y discutirlas en forma de eventos, acciones y programas. Un modelo de trabajo que muchos de los grupos incluidos en el archivo despliegan en sus proyectos.

Ese paso suponía una línea abierta de producción local, que potenciaría la labor educativa del Centro José Guerrero y sus mecanismos de gestión como una interfaz o dispositivo pedagógico dentro de un trabajo en red, no simplemente para legitimar o reforzar los contenidos expuestos, sino para problematizarlo y experimentarlo pedagógicamente. Esto llevó a situar el trabajo pedagógico como un elemento estructural y articulador de todo el proyecto (no como una parte complementaria o secundaria), de tal modo que se vertebrase y articularse en relación con sus posibilidades de construir redes, conocimiento colectivo y medios para la distribución de dicho conocimiento. El objetivo no era únicamente representar casos de trabajo de pedagogías colectivas, sino construir prácticas pedagógicas colectivamente, entre diversas instituciones que tuvieran en cuenta este sentido de trabajo en red

El conjunto de materiales expuestos (publicaciones, carteles, postales, diagramas, mapas, vídeos, etc.), que en las distintas fases del proyecto pedagógico de TRANSDUCTORES han sido utilizados como recursos, da cuenta de los procesos llevados a cabo por esos colectivos, o bien son los resultados formales de muchas de sus prácticas. Prácticas que se presentan como modelos de pedagogías colectivas donde se abordan problemas sociales específicos (como por ejemplo el reciclaje, la salud, las basuras, las energías limpias, el concepto de ciudadanía, la regeneración urbana) mediante el desarrollo sostenible, la participación ciudadana o la cultura visual. Prácticas, en fin, que incluyen el trabajo de educadores y estudiantes, artistas, arquitectos, paisajistas o urbanistas, propiciando el intercambio de habilidades y conocimientos, construyendo un aprendizaje en colaboración y promoviendo unas políticas espaciales más integrales y participativas.


1. Empoderamiento es la traducción del término empower. El Diccionario Panhispánico de Dudas de la RAE (primera edición, octubre de 2005, versión online) indica que se utiliza en sociología política “con el sentido de conceder poder a un grupo de personas desfavorecido socio-económicamente, para que mejore sus condiciones de vida a través de sus propias acciones”.

Mutis al natural
Ciencia y arte en el Nuevo Reino de Granada

A01184--R-u.jpg26 de noviembre de 2009 – 14 de febrero de 2010
La Nau Centre Cultural de la Universitat de València

Comisarios: Miguel Ángel Puig-Samper (CSIC); José Antonio Amaya (Universidad Nacional de Colombia)
Comisaria adjunta: María Pilar de San Pío Aladrén
Coordinación: Monique Lambie (SECC); Norberto Piqueras (Universitat de València)

www.uv.es/cultura

Coincidiendo con la celebración del bicentenario del fallecimiento del científico español José Celestino Mutis, la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), el Real Jardín Botánico-Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) y la Universidad de Valencia, con la colaboración de la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) y el Museo Nacional de Colombia, han organizado la exposición Mutis al natural. Ciencia y arte en el Nuevo Reino de Granada que se inaugurará el próximo 26 de noviembre en la Sala Thesaurus de La Nau de Valencia.

La muestra, comisariada por Miguel Ángel Puig-Samper (CSIC), José Antonio Amaya (Universidad Nacional de Colombia) y María Pilar de San Pío Aladrén (comisaria adjunta), pudo verse en el Museo Nacional de Colombia de diciembre de 2008 a marzo de 2009 y en el Real Jardín Botánico de Madrid de abril a mayo de 2009.


La exposición
Mutis al natural. Ciencia y arte en el Nuevo Reino de Granada presenta un recorrido por la vida y los logros culturales y científicos de José Celestino Mutis (1732-1808) destacando cómo, en el siglo XVIII, lideró una empresa con autonomía científica que hizo de Santafé de Bogotá la sede de la Ilustración botánica, estableciendo canales de intercambio científico con capitales europeas como Upsala, París, Madrid y Londres.

Asimismo, la muestra hace evidente el gran legado de Mutis: su compromiso y voluntad para divulgar la riqueza natural de la Nueva Granada y su profunda fe en el talento, la inteligencia y la sensibilidad de los hombres americanos. En la muestra, organizada por la SECC, el CSIC y la Universidad de Valencia se exhiben un centenar de piezas entre láminas, objetos y documentos originales, por medio de los cuales el visitante puede entrar en relación con los diversos campos de interés del científico gaditano.

La muestra, dividida en diez secciones temáticas, permite hacer un recorrido cronológico por la biografía y el legado de José Celestino Mutis:

La primera sección, titulada Mutis y la Ilustración gaditana (1732-1757), da a conocer la importancia comercial, militar e intelectual de Cádiz, en la época en la que el marqués de la Ensenada se proponía reconstruir el poderío naval español, con figuras destacadas como Jorge Juan e instituciones como la Academia de Guardias Marinas, el Observatorio Astronómico y el Colegio de Cirugía, de las que se benefició la educación de Mutis, protegido además por el médico Pedro Virgili.

La exposición continúa con un apartado sobre Mutis y la Ilustración madrileña (1757-1760), en el que se describe la estancia de Mutis en la Corte de Madrid, donde se relacionó con personajes científicos como Miguel Barnades, con el que aprendió los rudimentos de la clasificación botánica de Carl von Linné. Además, Mutis fue profesor sustituto en la cátedra de Anatomía del Hospital General.

La tercera sección Por la ruta de las Indias en busca de Madrid (1760-1770) ilustra la situación de Mutis en la Corte en vísperas de viajar a América así como la coyuntura política en la que se enmarca este viaje, en el que participa en calidad de médico de cámara del virrey Pedro Messía de la Cerda, siempre con la idea de regresar a la corte de Madrid como una gloria científica capaz de crear un nuevo Gabinete de Historia Natural con Jardín Botánico.

El siguiente apartado, dedicado a la nueva función de Mutis como Naturalista sacerdote empresario minero (1770-1778), muestra cómo Mutis fue adaptando al Nuevo Mundo sus planes para la metrópoli hasta inventar una tradición científica en el Nuevo Reino de Granada. Se explica su proyecto de comercializar el Té de Bogotá por iniciativa propia, su intento de explotación de las minas de plata de El Sapo y el descubrimiento de la quina en Santafé (1772).

Sebastián José López Ruiz (1778-1783) y su comisión en Santafé de Bogotá protagonizan la siguiente sección, que recuerda la misión que tuvo este naturalista panameño para explotar la quina y la canela del Nuevo Reino, en competencia con Mutis, como un apéndice de la expedición de Hipólito Ruiz y José Pavón a Perú y Chile.

En el quinto apartado de la muestra, La Real Expedición Botánica del Nuevo Reino de Granada de José Celestino Mutis (1783-1790) se contempla la creación oficial de la Expedición -para la que Mutis selecciona un equipo criollo- así como la organización de un taller de pintura en la Expedición que pinta en colores las láminas en la etapa de la población de Mariquita.

La continuación de esta trayectoria se aborda en la sección La etapa de Mutis en Santafé y sus últimos años (1791-1808), en la que se describe su nuevo equipo de trabajo, en el que figuraron Francisco Antonio Zea, Francisco José de Caldas, etc., y la supresión de la empresa estatal de quina. Además, se comenta el encuentro e intercambio científico de Alexander von Humboldt y Aimé Bonpland con Mutis en Santafé de Bogotá.

El Legado de Mutis, por su parte, muestra la rica y amplia colección botánica e iconográfica que el sabio gaditano dejó tras su muerte en Santafé en 1808 y que fue trasladada a Madrid tras la intervención militar del general Morillo.

La exposición continúa con la presentación de ejemplos del Tesoro artístico de la Expedición Botánica con numerosas muestras de láminas y dibujos de Mutis y, finalmente, enseña en su último apartado titulado Pintores para el Reino cómo la obra de Mutis transformó la sociedad neogranadina con sus innovaciones artísticas.


Instituciones prestadoras
Las piezas que reúne la exposición han sido cedidas por una decena de prestadores españoles, entre los que se encuentran instituciones tan destacadas como el Archivo General Militar; la Biblioteca Nacional de España; el Ministerio de Defensa. Archivo Cartográfico y de Estudios Geográficos del Centro Geográfico del Ejército; el Museo de la Farmacia Hispana. Facultad de Farmacia, UCM; el Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Marti; el Museo Nacional de Ciencias Naturales, CSIC; el Museo Nacional de Ciencia y Tecnología. Ministerio de Ciencia e Innovación; el Museo Naval; la Real Academia de la Historia y el Real Jardín Botánico, CSIC.


Organizan:
Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), Ministerio de Cultura
Real Jardín Botánico-Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), Ministerio de Ciencia e Innovación
Universidad de Valencia

Colaboran:
Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX), Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación
Museo Nacional de Colombia


La Nau Centre Cultural de la Universitat de València. Sala Thesaurus
C/ Universitat, 2
46003 València.
Tel. 963864377
www.uv.es/cultura


HORARIO DE VISITA:
de martes a sábado de 10 a 14 horas y de 16 a 20 horas. Domingos de 10 a 14 horas.
ENTRADA LIBRE


Noviembre 25, 2009

Les Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid 2009

leandre_1-u.jpgDel 30 de noviembre al 9 de diciembre de 2009
En el Centro Pompidou, Jeu de Paume, Théâtre du Châtelet y Cinéma Reflet Médicis

Nuevo cine y arte contemporáneo

www.art-action.org
info@art-action.org

Del 30 de noviembre al 9 de diciembre, en el Centro Pompidou, el Jeu de Paume y el Théâtre du Châtelet, los Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid presentarán 10 días de proyecciones, debates y conciertos multimedia.

Esta excepcional edición propondrá un programa internacional de creación audiovisual reuniendo 150 trabajos de Francia, Alemania, España y otros 60 países, presentando por primera vez en París tanto a artistas y directores internacionalmente conocidos como a jóvenes artistas y directores noveles. Numerosos pre-estrenos cinematográficos, video-programas, conciertos multimedia, un ciclo de debates y un panel de discusión. Asimismo, se dispondrá una video librería que ofrecerá un espacio en el que toda la programación, compuesta en un 95% por pre-estrenos, podrá ser visualizada y revisualizada bajo pedido.

¡RECUERDA LAS FECHAS!
////// INAUGURACIÓN DE PROYECCIONES - LUNES 30 DE NOVIEMBRE
////// EN EL CENTRO POMPIDOU, A LAS 20.30PM

////// EVENTO ESPECIAL - MARTES 1 DE NOVIEMBRE
////// EN EL TEATRO CHATELET, DE 15:00 A 23:00 PM


PELÍCULAS Y VIDEO PROYECCIONES
Ficción, video, aproximaciones documentales, experimental
27 proyecciones, acompañadas individualmente por una sesión de discusión con los artistas y directores
Diciembre 2-6, Centro Pompidou
Diciembre 1, Châtelet Theatre
Diciecembre 6-9, Jeu de Paume
Diciembre 7 y 8, Reflet Medicis movie theatre

• Carta blanca poco convencional a Artavazd Pelechian (RU/AM). Con su presencia
• Carta blanca a Harun Farocki (DE), con la proyección de su última película "By comparaison"
• Carta blanca excepcional a Werner Schroeter (DE). Con su presencia
• La última película de Pedro Costa (PT) 'Ne change rien' (2009, Primicia). Con su presencia.
• Dos videos de Ken Jacobs (USA), "The Day was a Scorcher" (2009, Primicia), y "Excerpt from the Sky Socialist Stratified" (2009, Primicia)
• Una curiosa ficción experimental en 3D de Zapruder Filmmakergroup (IT) "Cock-crow" (2009), exhibida anteriormente en el Film Biennial de Venezia.
• La primicia de la película "Le procès d'Oscar Wilde" (2009) de Christian Merlhiot (FR)
• El acontecimiento cinematográfico de Johan Grimonprez 'Double Take' (2009, BE)
• El cortometraje de Tsai Ming Liang (TW) "Madame Butterfly" (2008)
• El último video de Emmanuelle Antille (CH) " Strings of Affection" (2009, Primicia)
• Participación de diversos países: Francia, Alemania, Espana y una seleccion de peliculas y videos curiosos provenientes de Croacia.

Entre los artistas programados, destacamos particularmente:
• Eija-Liisa Ahtila (FI), Carles Asensio Monrabà (España), Patrick Bernatchez (CA), Francois Bucher (CO), Jonathan Cummins (IR), Johanna Domke (DE), Peter Downsbrough (USA), Ivan Faktor (CR), Elise Florenty (FR), Dora Garcia (ES), Charlotte Ginsborg (UK), Bouchra Khalili (MA), Almagul Menlibayeva (KZ), Ariane Michel (FR), Eleonore de Montesquiou (FR), Natacha Nisic (FR), Hans Op De Beeck (BE), Vivian Ostrovsky (FR), Antoni Pinent (ES), Ben Rivers (UK), Jérôme Schlomoff (FR), Volker Schreiner (DE), Yu Chin Tseng (TW), Apichatpong Weerasethakul (TH), Liu Wei (CN), Julius Ziz (EE/IR),
Cada proyección está elaborada sobre un tema, un interrogante planteado a través de distintos elementos y prácticas audiovisuales.

PROYECCIONES EMPLAZADAS EN EL CENTRO POMPIDOU
15 proyecciones desde el día 2 de Diciembre hasta el día 6

Las proyecciones organizadas en el Centro Pompidou, girarán en torno al tema: « cine y política ». ¿Qué uso hacen hoy en día los artistas y cineastas contemporáneos de los dispositivos de ficción y del trabajo documental? ¿Cómo intervienen el lenguaje cinematográfico y el vocabulario del arte contemporáneo en sus obras? Los artistas participantes indicarán qué elementos definen su conexión con la realidad y discutirán cómo sus obras establecen una relación política con ella.
FORUM - DEBATES
Diciembre día 1, en el Teatro Châtelet
Diciembre 2-5, en el Centro Pompidou –
« ¿Adónde va el cine ?» organizado por el Centro Pompidou
Diciembre día 6, en el Jeu de Paume

Los Rencontres Internationales invitan a cineastas, comisarios, artistas, directores artísticos y programadores de museos nacionales, de arte contemporáneo y de bienales de países europeos y extra-europeos, en los campos del cine contemporáneo, el video y los nuevos medios.
El objetivo de estos debates consiste en reflejar las preocupaciones y caminos explorados por cada país con el fin de exponer sus creaciones acompañándolas tanto desde un punto de vista critico como desde el del publico y los propios artistas.

« ¿ADONDE VA EL CINE ?» EMPLAZADO EN EL CENTRO POMPIDOU
Se llevarán a cabo numerosos debates en torno al tema « Cine y política » dentro de la segunda edición de « ¿Adónde va el cine ?» organizada por el Centro Pompidou del 2 al 5 de Diciembre en la que el filósofo y cineasta Jacques Rancière será testigo e invitado de honor. Participarán los siguientes cineastas: Rabah Ameur-Zaïmeche, Serge Bozon, Tariq Teguia, Pedro Costa, Elia Suleiman, Koji Wakamatsu.
CONCIERTOS MULTIMEDIA
Diciembre dia 1, en el Teatro Châtelet
Thomas Köner
- Le manifeste du futurisme – Primicia en Francia.
En su ópera « El manifiesto del futurismo », Thomas Köner interroga al Manifiesto Futurista del italiano Filippo Tommaso Marinetti y lleva a cabo una deconstrucción. Se trata de una especie de regreso al futuro. En una sociedad actual que podría ser calificada de post utópica y post futurista.

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PARIS/BERLIN/MADRID
En 2007, los “Rencontres Internationales” que inicialmente tuvieron lugar en París y Berlín, se ampliaron a una tercera cuidad: Madrid. En la actualidad, este evento constituye una plataforma artística y cultural única en Europa para artistas, redes profesionales y múltiples audiencias. Los emplazamientos de estas tres ciudades en particular son: el Centro Pompidou y el Museo Nacional Jeu de Paume en París, la Haus der Kulturen der Welt en Berlín, y el Museo Nacional Reina Sofía y la Filmoteca española en Madrid.
El objetivo del proyecto es por tanto presentar trabajos para una amplia audiencia, creando flujos entre diferentes públicos y prácticas artísticas, así como crear nuevos intercambios entre artistas, directores y profesionales.
Busca contribuir a una reflexión sobre nuestra cultura audiovisual contemporánea a través de un variado programa abierto a todo el mundo.


INFORMACIÓN, PASES/ACREDITACIONES, PRENSA
Para una información más detallada: www.art-action.org
Prensa y Acreditaciones profesionales: http://www.art-action.org/site/en/info/pass_accred.htm
Pases gratuitos para estudiantes: http://www.art-action.org/site/en/info/pass_public.htm
Contacto de prensa: Dimitri Larcher info@art-action.org +33 1 40 18 0020


(Imagen: Joan Leandre)

Noviembre 24, 2009

IV CONVOCATORIA DE ARTES PLÁSTICAS “MULIER MULIERIS” 2010

imagenMulier2010-u.jpgDestinatarios: Podrán presentar proyectos, de forma individual o colectiva, artistas de cualquier sexo, edad y nacionalidad.
Tema: Las mujeres desde una perspectiva personal o global.
Organiza: Museo de la Universidad de Alicante.
Recepción de obras: del 16 de noviembre al 15 de diciembre de 2009
Más información: www.mua.ua.es

La celebración del Día Internacional de la Mujer es el marco en el que se organiza la IV Convocatoria “Mulier, mulieris”. Un año más, este certamen se concibe como una plataforma para la reflexión y el diálogo en torno a las mujeres, cuyo propósito es facilitar un espacio para la creación artística vinculada a temas como la identidad de género, la discriminación, la igualdad, la autonomía, los logros alcanzados o los desafíos futuros.

Esta convocatoria nace con vocación de pluralidad; está abierta a artistas de ambos sexos que se cuestionen el status de lo femenino, a la utilización de cualquier medio expresivo que implique una creación plástica (pintura, fotografía, vídeo, escultura, conjunción de varios medios, etc.), así como al tratamiento del tema desde una perspectiva personal o global.


BASES

PRIMERA. Objeto
Abordar la temática femenina desde la creación plástica con el fin de fomentar el diálogo entre arte y sociedad.
Favorecer la difusión de la obra de los artistas seleccionados que será expuesta de manera colectiva en los espacios del Museo de la Universidad de Alicante e incluida en un catálogo.
La exposición se incluirá dentro de la programación de actividades que con motivo del Día Internacional de la Mujer se celebren en la Universidad de Alicante.
Se habilita una dotación económica para la adquisición de obra, sujeta a las retenciones marcadas por la legislación vigente.
Las obras premiadas quedarán en propiedad del Museo de la Universidad de Alicante a fin de integrar su colección de arte. La adquisición incluye los derechos de reproducción de las obras, que el Museo de la Universidad de Alicante se reserva.

SEGUNDA. Participantes
Podrán presentar proyectos, de forma individual o colectiva, en cuyo caso deberán nombrar un representante, artistas de cualquier sexo, edad y nacionalidad.
El autor podrá presentar la obra y/o un proyecto detallado de la misma en el que se especifique:
Memoria de la propuesta
Datos personales del artista/as así como fotocopia del DNI
Curriculum Vitae con los siguientes epígrafes: Formación, Becas y Premios, Exposiciones Individuales, Exposiciones Colectivas, Obras en Instituciones, Obras en Espacios Públicos indicando cual de ellas tiene catálogo editado
Ficha técnica de la obra: técnica, dimensiones, año y valor, así como imágenes de la misma para su reproducción en el catálogo. El/Los autor/-es se comprometen a autorizar su reproducción mediante los soportes que edite el Museo de la Universidad o a instancias de terceras personas para su divulgación.
Toda la documentación adicional que el artista o artistas consideren oportuna.

TERCERA. Características de las obras
Se podrá presentar una sola obra. En caso de no poder enviar la obra, se presentará un proyecto lo más detallado posible a fin de que el jurado tenga una visión completa del mismo.
El tema guardará relación con el objeto de la convocatoria.
La técnica será libre.
Los formatos de las obras estarán condicionados al espacio que el Museo de la Universidad de Alicante haya establecido para su exposición.
En caso de tratarse de obras con particularidades en el montaje, habrán de acompañarse las instrucciones correspondientes.

CUARTA. Recepción de obras
Los concursantes presentarán, junto con la obra y/o el proyecto, un ejemplar de la documentación completa en soporte digital y una copia en papel en el Museo de la Universidad de Alicante, Campus de la Universidad de Alicante, 03690 San Vicente del Raspeig (Alicante), durante el período del 16 de noviembre a 15 de diciembre de 2009 inclusive, en horario de 9:00 a 20:00 horas de lunes a viernes y de 10:00 a 14:00 horas los sábados.

QUINTA. Resolución
El jurado, designado por la Universidad de Alicante, realizará una primera selección de obras basándose en los dossiers y/o en los trabajos presentados, para posteriormente solicitar las obras preseleccionadas en el caso de que no hubiesen sido enviadas.
La resolución se hará pública en enero de 2010 y los seleccionados serán informados por teléfono, fax o correo electrónico.

SEXTA. Exposición y catálogo
El Museo de la Universidad de Alicante se encargará del montaje de la exposición así como de la edición de un catálogo de la muestra, del que se remitirán ejemplares a todos los participantes.

SÉPTIMA. Retirada de la obra
Las obras no seleccionadas podrán ser retiradas, a partir del día siguiente al del fallo del jurado, y hasta el 28 de febrero de 2010.
Las obras seleccionadas y no adquiridas por el MUA podrán ser retiradas en un plazo de quince días a partir de la clausura de la exposición. El Museo prevee un fondo económico para la devolución de obra.
Vencido el plazo de devolución, se entenderá que tanto las obras seleccionadas como las no seleccionadas han sido abandonadas por el autor, por lo que pasarán automáticamente a la propiedad y libre disposición del Museo de la Universidad de Alicante.

OCTAVA. Responsabilidad
El Museo de la Universidad de Alicante velará por la buena conservación de las obras mientras permanezcan en su poder.

NOVENA.
Los organizadores se reservan el derecho de modificar o tomar iniciativas no reguladas por estas bases siempre que sea para mejora de la organización de la convocatoria.
La participación en esta convocatoria supone la aceptación de estas bases, así como de las decisiones del jurado.


Más información: www.mua.ua.es

Noviembre 23, 2009

OPEN UP: CONVOCATORIA PARA PROYECTOS PARA LA FACHADA DIGITAL DE MEDIALAB-PRADO

fachadadigitalok-u.jpgTaller-seminario del 9 al 23 de febrero, 2010 en Medialab-Prado (Madrid).

Cierre de la convocatoria para proyectos: 10 diciembre, 2009
Convocatoria para colaboradores: del 5 enero al 8 febrero, 2010

Profesores el taller: Jordi Claramonte, Chandler McWilliams, Casey Reas y Víctor Viña. Dirigido y coordinado por Nerea Calvillo.

http://medialab-prado.es/article/open_up
medianeralab@medialab-prado.es

En mayor o menor medida según los casos, los proyectos que se desarrollen tendrán que abarcar la producción de estrategias de participación, el desarrollo de la plataforma, el formato de visualización en la pantalla y los protocolos de activación de la misma. Asimismo, tendrán que definir su contexto: la inmediata Plaza de las Letras, el entorno local del barrio, o la ciudad de Madrid. En función de todos estos factores se podrá identificar una participación física y/o virtual.


Los proyectos presentados a esta convocatoria deberán explorar alguno de los siguientes aspectos:

- Propuestas que desarrollen estrategias para la participación pública, en cualquiera de las fases del proyecto

- Propuestas que a través de la pantalla fomenten formas de activación del espacio urbano

- Propuestas que incorporen procesos de producción ciudadana de conocimiento

- Propuestas que favorezcan una mayor visibilidad pública de agentes que normalmente carecen de ella.

- Propuestas que visualicen procesos colectivos.

- Propuestas que desarrollen formas de activación e interacción con la pantalla y entre los usuarios a través de dispositivos portátiles como teléfonos móvil, consolas, láser, etc.
- Propuestas que incluyan sistemas o procesos emergentes que permitan que el proyecto evolucione/varíe en el tiempo.


Los proyectos seleccionados se desarrollarán con la ayuda de varios profesores y asistentes técnicos, además de un extenso grupo de colaboradores.

La convocatoria está dirigida a artistas, matemáticos, antropólogos, informáticos, sociólogos, economistas, ecólogos, arquitectos, educadores, activistas, diseñadores interactivos, escenógrafos, y cualquier otra persona interesada en el tema.

Previa solicitud y para aquellos participantes que residan fuera de Madrid, Medialab-Prado proporcionará alojamiento durante el taller. También se cubrirán los gastos de desplazamiento de una persona por cada uno de los proyectos seleccionados.


Más información, bases de la convocatoria y formulario de envío:

http://medialab-prado.es/article/open_up
medianeralab@medialab-prado.es


Imagen: Fachada digital de Medialab-Prado vista desde la Plaza de las Letras (Madrid)
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Call for projects on digital facades: Open Up

Deadline: December 10, 2009

Dates of the workshop: February 9 through 23, 2010
Venue: Medialab-Prado in Madrid (Spain)

Worskhop tutors: Jordi Claramonte, Chandler McWilliams, Casey Reas, and Víctor Viña. Directed and coordinated by Nerea Calvillo.

Open Up is a workshop focused on the development of projects for the digital façade in Medialab-Prado's building. This call is meant for project proposals to be collaboratively developed during the workshop-seminar taking place in Madrid from February 9 through 23, 2010.

The goals of the workshop are to explore the relationship between the urban screen and public space, to experiment with the screen’s communicative, narrative and visual capacities, and to investigate its potential to offer new forms of participation. Selected projects will be developed under the supervision of teachers, technical assistants and an extensive group of collaborators.

Projects submitted to this call should take the following ideas into consideration: the development of strategies for public participation, activation of urban space through the screen, fostering public visibility of agents that normally have none, visualization of public collectives; interaction with portable devices, etc. All those interested in collaborating in one of the selected projects can sign in from January 5 through February 8, 2010.

Check the call guidelines and submit your project before December 10, 2009. No entry fees.

Pending application, Medialab-Prado will provide lodging for participants residing outside of Madrid and will consider the possibility of covering travel expenses wholly or in part, on a case by case basis.


More information, call guidelines and submission form:
http://medialab-prado.es/article/open_up
medianeralab@medialab-prado.es


Image: View of Medialab-Prado's Digital Facade from Plaza de las Letras (Madrid)



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EXPOSICIÓN MADRILEÑOS. UN ÁLBUM COLECTIVO

eq001_MIGO0003_000003-u.jpg26 de noviembre – 31 de enero de 2010
Sala de exposiciones Canal de Isabel II
Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid
Inauguración: 25 de noviembre a las 20:00 horas
Entrada gratuita
Actividades paralelas: visitas guiadas
www.madrid.org

Esta exposición surge del proyecto El Archivo Fotográfico de la Comunidad de Madrid, que nació en 2007 y que recopila fotografías provenientes de particulares con el fin de crear un gran archivo digital de imágenes de la historia de la Comunidad. Para esta muestra se han seleccionado alrededor de 450 imágenes desde el comienzo de la fotografía en el siglo XIX hasta el año 2000.

En Madrileños. Un álbum colectivo. Archivo fotográfico de la Comunidad de Madrid el espectador podrá entrar en los espacios privados y en la intimidad familiar de aquellas personas que, desinteresadamente, enviaron sus imágenes. También disfrutarán de las imágenes obtenidas en estudios de conocidos fotógrafos de Madrid, lo que les permitirá hacer un recorrido por la iconografía del retrato profesional al uso de la época.

El contenido de la exposición se ha estructurado por áreas temáticas. De este modo, hay espacios dedicados al recuerdo, a la familia, a las fiestas en Madrid, al retrato, a los lugares y a sus gentes; una visión global en la que se reconocerán los tipos, tradiciones, costumbres y modas de Madrid.

Con motivo de la exposición se ha realizado un catálogo con textos del comisario Chema Conesa y del escritor Andrés Trapiello y se ofrecerán visitas guiadas de manera gratuita.

Producción: Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno.

Comisario: Chema Conesa


Dirección:
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II
Santa Engracia, 125
28003 Madrid
Teléfono: 91 545 10 00 – Ext.2505

Horario:
De martes a sábado: De 11:00 h a 14:00 h y de 17:00 h a 20:30 h
24 y 31de Diciembre, Domingos y festivos: de 11:00 h a 14:00h.
25 de Diciembre, 1 y 6 de enero, Lunes: Cerrado

Visitas guiadas:
Sábados 12:00h, 13:00h, 18:00h y 19:00h.
Domingos 12:00h y 13:00h.

Entrada gratuita

+ Info:
www.madrid.org


logos18-u.jpg

(Perales de Tajuña, 1945. Cortesía de Miguel González García)

Noviembre 20, 2009

ABIERTO EL PLAZO DE PRESENTACIÓN DE SOLICITUDES PARA LA PARTICIPACIÓN EN MUSAC EN LA CUARENTENA PRIMER PROFORMA 2010 BADIOLA EUBA PREGO 30 ejercicios 40 días 8 horas al día

les-u.jpgProyecto: PRIMER PROFORMA 2010 BADIOLA EUBA PREGO 30 ejercicios 40 días 8 horas al día
Artistas: Txomin Badiola, Jon Mikel Euba, Sergio Prego
Plazo de presentación de solicitudes: Hasta el 12 de diciembre de 2009
Fechas de la actividad: 8 de febrero – 20 de marzo de 2010, de lunes a sábado, 8 horas al día
Lugar: MUSAC, Museo de Arte contemporáneo de Castilla y León
Destinatarios: Personas vinculadas a la práctica del arte, no sólo a las artes plásticas

PROFORMA es un proyecto desarrollado por los artistas Txomin Badiola (Bilbao, 1957), Jon Mikel Euba (Bilbao, 1967) y Sergio Prego (San Sebastián, 1969) para MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, comisariado por Agustín Pérez Rubio, director de la institución leonesa. PROFORMA consiste en una cuarentena, una reclusión de 3 artistas junto a un grupo de 15 voluntarios, con un programa de 30 ejercicios para ser completados en 40 días que dará comienzo el 8 de febrero de 2010 y se prolongará hasta el 20 de marzo de 2010. Esta experiencia de trabajo artístico, dentro de un dispositivo de exposición (previamente inaugurado el 30 de enero), tendrá como objetivo la transformación, tanto de las personas implicadas como de las propias exposiciones.

La finalidad de los artistas es hacer partícipes a otros, a través de la acción, de una experiencia normalmente privada. Cada ejercicio producirá unos resultados físicos o inmateriales que deberán ser recopilados. Los materiales realizados en el día serán objeto de consideración, tanto en cuanto a su análisis como experiencia como en su comunicación, en un editorial o peer-review que integrará a los directores, a los voluntarios y, eventualmente, a cualquier otro agente externo invitado a participar.

Los agentes que internamente compondrán PROFORMA serán: sus 3 directores –Badiola, Euba, Prego-, un grupo de 15 voluntarios y los recursos humanos del MUSAC. Cada director abordará en total la realización de 10 ejercicios. Tanto el director de cada uno de ellos, como los otros dos directores así como la totalidad de los participantes, intervendrán en cada ejercicio en la calidad que se decida en cada caso. Los voluntarios serán el canal de la realización de los ejercicios.

PERFIL DE LOS PARTICIPANTES
Se buscan personas vinculadas a la práctica del arte -no necesariamente sólo de las artes plásticas- interesadas en la participación activa en una experiencia del arte como modo de conocimiento y comunicación. A los participantes se les pedirá un compromiso con el exceso que PROFORMA representa; un exceso, tanto en la duración de sus actividades presenciales (40 días 8 horas al días), como en la intensidad marcada por el ritmo de los ejercicios, por las condiciones de aislamiento y concentración. Será imprescindible la presencia continuada de los participantes durante 6 semanas de lunes a sábado en jornadas de 8 horas diarias.


PLAZOS DE PRESENTACIÓN Y RESOLUCIÓN
El plazo de presentación de solicitudes será desde el 20 de Octubre al 12 de Diciembre del 2009, ambos inclusive.
La presentación de las solicitudes se hará en persona o por correo certificado o agencia de transporte a la siguiente dirección: PRIMER PROFORMA 2010. MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. Avda. Reyes Leoneses, 24. 24008 León.
Una vez estudiadas por los propios Badiola, Euba y Prego, la resolución se hará pública el 23 Diciembre a través de la página web del museo www.musac.es


BASES DE LA CONVOCATORIA: FICHA TÉCNICA
Fechas: 8 de febrero – 20 de marzo, 2010

Horario: De lunes a sábado con una dedicación de 8 horas al día

Lugar: MUSAC, Museo de Arte contemporáneo de Castilla y León

Destinatarios: Personas vinculadas a la práctica del arte -no necesariamente sólo de las artes plásticas- interesadas en la participación activa en una experiencia del arte como modo de conocimiento y comunicación

Plazas: 15 plazas

Plazo de presentación de solicitudes: 20 de octubre – 12 de diciembre, 2009
ambos inclusive

Documentación a aportar: Fotocopia de DNI/ Pasaporte, carta de motivación, biografía que incluya relato de estudios y actividades realizadas, portafolio que incluya un máximo de 8 imágenes impresas a tamaño A4 y actividades realizadas y descripción de habilidades

Modo de presentación de las solicitudes: En persona o por correo certificado o agencia de transporte a la siguiente dirección: PRIMER PROFORMA 2010. MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. Avda. Reyes Leoneses, 24. 24008 León

Facilidades: El MUSAC se hará cargo de las comidas de mediodía correspondientes a los días de actividad. Para los no residentes en León, la organización facilitará la información disponible para la búsqueda del alojamiento en León. También facilitará 3 ayudas para la manutención y alojamiento de aquellas personas que justifiquen una falta de recursos.

Certificado: Al término de la actividad el MUSAC extenderá un certificado en donde se especificara las actividades realizadas y la dedicación en cuando al tiempo invertido.

Selección: Txomin Badiola, Jon Mikel Euba y Sergio Prego

Resolución: El 23 de diciembre, a través de la página web del museo www.musac.es

Buzón de consulta: primerproforma2010@musac.es

El mal de escritura.
Un proyecto sobre texto e imaginación especulativa

blood-sweeter_u.jpgDel 20 de noviembre de 2009 al 7 de marzo de 2010
Comisaria: Chus Martínez

Centre d'Estudis i Documentació, MACBA
www.macba.cat


Autores/artistas: Fia Backström, Stuart Bailey, Becky Beasley, Julian Beck, Erick Beltrán, Kim Beom, Bernadette Corporation, David Bestué, Kristian Byskov, Mariana Castillo, Daniela Castro, Heman Chong, Keren Cytter, Dexter Sinister, Tim Etchells, Matthias Faldbakken, Richard Foreman, Uqbar Foundation, Justine Frank, Ryan Gander, Dora García, Hadley & Maxwell, Karl Holmquist, Daniel Jacoby, Miranda July, Viola Klein, Bitsy Knox, Irene Kopelman, Zak Kyes, Lea Lagasse, Arvo Leo, Melissa Lim, Rita McBride, Jorgen Michaelsen, Helen Mirra, Fabio Morais, Valérie Mrejen, Marc Nagtzaam, Ingo Niermann, Miguel Noguera, Ahmet Ögüt, Terje Overas, Sener Ozmen, Adrian Piper, Falke Pisano, Olivia Plender, Seth Price, Roee Rosen, Ashkan Sepahvand, Frances Stark, Michael Stevenson, Rupert Thomson, Sue Tompkins, Jalal Toufic, Nickel van Duijvenboden, Jan Verwoert, Marc Vives, Rodolfo Walsh, Adrian Williams.


El mal de escritura es un proyecto algo distinto a lo que estamos acostumbrados, una biblioteca muy singular creada a partir de una colección de libros, opúsculos, panfletos, cuartillas, escritos por artistas. Son libros pensados, producidos y, en su gran mayoría, publicados por artistas no siendo, sin embargo, libros de artista.

Se trata de textos de ficción académica, literaria, política y poética. Su éxito no depende de la escasa calidad literaria, sino de dos factores fundamentales: los canales de distribución y el caracter experimental de los mismos. No hay agentes literarios y por tanto viven al margen, o mejor, en paralelo, a las grandes empresas especializadas en literatura.

Todos los textos tienen algo en común: se trata de un ejercicio de reinvención del lenguaje y la escritura destinada a relacionarse con la producción artística. Estos libros quieren ser leídos por aquellos a los que les interesa el arte contemporáneo, aunque esta no sea una intención confesada.

En el proyecto se cuentan hasta ahora más de ciento cincuenta títulos escritos por más de sesenta artistas internacionales, la mayoría pertenecientes a una misma generación. Este es el resultado que arroja dos años de rastreo y que crecerá a medida que se localicen más textos. El día de apertura de El mal de escritura debe entenderse como la apertura al público de una biblioteca que no solo tiene continuidad sino que podrá tener múltiples formatos expositivos o de consulta. Con ello da cuenta del creciente interés del Museo por la escritura, un interés que dará lugar a debate y a una serie de actividades en 2010.

La biblioteca no está ordenada por materias. Los libros estarán distribuidos en el espacio de modo que cada cual vaya descubriendo la mejor manera de relacionarse con ellos. El público vendrá a leer y a estar con los libros.
La exposición incluye dos proyectos específicamente realizados para esta primera presentación: El mundo explicado, del artista mejicano afincado en Barcelona Erik Beltrán y 100 cartas, de David Bestué y Marc Vives.


Actividades:

El mundo explicado, de Erick Beltrán
Del 25 al 28 de noviembre
Del 2 al 5 de diciembre
Del 9 al 12 de diciembre
Horario: de 10.30 a 13.30 h y de 15.30 a 19 h

Jueves 10 de diciembre de 2009, a las 19.30 h
Encuentro con Will Holder

Viernes 11 de diciembre de 2009, a las 19.30 h
Encuentro con Stuart Bailey

Jueves 4 de febrero de 2010, a las 19 h
Proyección y debate

Helvetica, Gary Hustwit, 2007, 80 min
on la participación del estudio holandés Experimental JetSet
Actividad organizada conjuntamente con Disseny Hub Barcelona (DHUB), con motivo de la exposición Helvética. ¿Una nueva tipografía?, que podrá visitarse del 2 de diciembre de 2009 al 7 de febrero de 2010 en el DHUB Montcada (Montcada, 12).

Taller con Mariana Castillo Deball e Irene Kopelman
Del 23 al 26 de febrero de 2010, de 16 a 20 h

Dirigido a jóvenes artistas y/o estudiantes de Arte.
Selección previa. 20 plazas.
Periodo de preinscripción: Es necesario mandar un CV y una carta de motivación a programespublics@macba.cat, del 25 de enero al 12 de febrero de 2010.


The Malady of Writing Podcast
Programa de radio
A cargo de Kenneth Goldsmith, poeta y cofundador de UbuWeb
Disponible en Ràdio Web MACBA
http://rwm.macba.cat
Programa conducido/presentado/locutado en inglés


Más información: www.macba.cat


(Blood Sweeter than Honey, Ahmet Ögüt, edit. Art-ist Prodüksiyon Tasarim Vb Yaincilik, 2002-2004)

Noviembre 18, 2009

Inmersiones 09

inmersiones-inauguracion-u.jpg20 de noviembre 2009 al 20 de enero de 2010
Sala Amárica
Vitoria-Gasteiz
Comisaria: Izaskun Álvarez Gainza

Inauguración el 20 de noviembre a las 19:00h

Inmersiones 09 es un proyecto - acción - encuentro creado para testar las producciones contemporáneas de artistas y/o colectivos cercanos y emergentes en el contexto actual del País Vasco y Navarra.

50 dosieres
30 presentaciones de proyectos en directo
Exposición de 10 artistas participantes en el taller INM09
Encuentro de proyectos culturales. Otros modelos de gestión

www.inmersiones09.net
facebook.com/inmersiones09

Inmersiones 09 es un proyecto - acción - encuentro creado para testar las producciones contemporáneas de artistas y/o colectivos cercanos y emergentes en el contexto actual del País Vasco y Navarra. INM09 funciona como plataforma de apoyo al arte vasco en todas sus expresiones creando comunidad artística. Para este año 2009, el objetivo de Inmersiones es la difusión y la generación de nuevas redes de trabajo. Para ello, INM09 pretende reforzar el papel de la cultura vasca seleccionando a una treintena de artistas emergentes, editando un catálogo y realizando un tour por los diferentes centros de arte y cultura más representativos del país.


Cuándo y dónde
20 de noviembre de 2009 al 20 de enero de 2010. Sala Amárica de Vitoria-Gasteiz


Participantes
Exposición de 10 artistas: Estitxu Losa, Manu Uranga, Miriam Isasi, Verónica Euguras, Eduardo Hurtado, Sara Morante, Ula Iruretagoiena, Iker Serrano, Josu Zapata, Ianire Sagasti.


50 dosieres de consulta: Leire Iparraguirre , Ivan Mata , Gregorio Sánchez, Iñigo Beristain, Iker Azurmendi , Fermín Diez Ulzurrun , Jenni Alvarado , Rubén Díaz de Corcuera, Josean Pablos, Edurne González, Ula Iruretagoiena, Laura Diez, Asier Bejarano, Josu Zapata, Mikel Belacortu, Elisabet Fernández, Sara Campillo, Nerea de Diego, Iker Serrano, Amaia Alonso, Amaia Gracia, Inés Bermejo, Mariam Unamuno, Miren Elisabet Varona, Erika Yurre, Garbiñe Arroyuelo, Eduardo Hurtado, Sara Morante, Beñat Villanueva, Asoc Rauda Quebrada, Anamnese, Ibai León, Elisa Fernández, Usue Arrieta, Héctor Ortuño, María Jiménez, Manu Uranga, Laurita Siles, Alfredo Zubiaur, Verónica Euguras, Cuantics Creatives, Julen Cano, Pernan Goñi, Unai Requejo, Estitxu Losa, Jaime de los Rios, Andre Koening y Javi Kintana.


30 Presentaciones de proyectos en directo los días 21 y 28 de noviembre de 11:00 a 14:00 en la sala Amárica: Ivan Mata, Urtzi Ibarguen, Iñigo Beristain, Iker Azurmendi, Fermín Diez Ulzurrun, Rubén Díaz de Corcuera , Josean Pablos, Edurne González, Ula Iruretagoiena, Josu Zapata , Mikel Belacortu, Nerea de Diego , Iker Serrano ,Amaia Gracia , Ines Bermejo, Eduardo Hurtado, Sara Fernandez, Ghosts in Armour, Asoc. Rauda Quebrada, Uxue Arrieta, Vicente Vázquez , Maria Jiménez, Manu Uranga , Laurita Siles, Alfredo Zubiaur, Veronica Euguras , Cuantics Creatives, Julen Cano, Pernan Goñi, Unai Requejo, Estibaliz Losa , Jaime de los Rios , Andre Koenig.


Proyecto Amarika
www.amarika.org
El proyecto Amárica surge en 2008 de un encargo del Departamento de Euskera, Cultura y Deportes de la Diputación Foral de Álava para gestionar tres espacios dedicados al arte contemporáneo y dependientes de la institución. El proyecto se gestiona de manera colectiva a través de un consejo asesor y de una asamblea ciudadana, abierta y participativa que nombra y valida bianualmente los miembros del consejo y las directrices generales del proyecto.


DATOS DE CONTACTO Y COMUNICACIÓN:

web: www.inmersiones09.net
información: info@inmersiones09.net
mail de contacto: contacto@inmersiones09.net
facebook: facebook.com/inmersiones09
www.amarika.org

Noviembre 17, 2009

Vídeo Abierto: Tal y como están las cosas

Localización: distintos dispositivos de vídeo de la ciudad de Murcia
11 de noviembre de 2009 a febrero de 2010
Organiza: Comunidad Autónoma de la Región de Murcia. Consejería de Cultura y Turismo. Espacio AV (Murcia Cultural S.A.)
Comisaria Berta Sichel

Se presenta al público en las calles de Murcia el segundo programa del proyecto “Vídeo abierto”. Una iniciativa inédita en España.

www.espacioav.es

Seis dispositivos situados en distintas calles y plazas de la ciudad de Murcia vuelven a mostrar algunas de las producciones en vídeo actual más interesantes en su deseo de divulgar los nuevos lenguajes y medios artísticos. De esta manera, el arte público encuentra un inédito formato de carácter interactivo, ya que el espectador decide cuándo quiere disfrutar de los videos. El programa, no se encuentra por entero en cada uno de los monitores, por lo que para disfrutarlo en su integridad, el usuario debe disfrutar igualmente de un paseo por la ciudad.

Finalizado el proyecto del comisario italiano Marco Pierini sobre culturas del vídeo clip, hoy se presenta un programa realizado especialmente para la ciudad de Murcia y que ha sido comisariado por una de las mayores especialistas en esta disciplina que viven en España, la brasileña y directora del departamento de obras de arte audiovisuales del Reina Sofía Berta Sichel. En este caso, algunos de los vídeos han sido producidos especialmente para el programa.

De nuevo video abierto se caracteriza por la internacionalidad de sus participantes. De hecho, en este caso, y como ha declarado la comisaria “Una de las piedras angulares de este programa híbrido de vídeo es el concepto de frontera: tanto desde una lectura literal como desde una mucho más figurativa. Los artistas participantes no dudan en ir más allá tanto de las limitaciones estéticas formales como de las fronteras geográficas y culturales. Los vídeos fueron rodados en diferentes países”. Por otra parte, este programa, “Tal y como están las cosas”, se introduce en uno de los debates más importantes que hay en el momento en esta disciplina nacida en los años 60, el debate contemporáneo sobre la legitimidad de la distinción entre el cine documental/experimental y el de ficción, lo que ha cautivado a la teoría del cine a lo largo de su historia, y con mucha más intensidad dentro de la postmodernidad.

Este programa se conforma de los siguientes vídeos y artistas:

1
Martha Rosler
Good Blessing America, 2006, 1’
Mateo Maté
Thanksgiven Turkey, 2007, 6’ 6’’,
Perry Bard
Oxygen, 2009, 2’24’’

2
Cecilia Barriga
El origen de la violencia, 2004, 2’
Nuria Carrasco
Fortuna 82, Moraliza 13, 2009, 4’
Teresa Serrano
Untitled (Mesa), 2007, 4’ 58’’

3
Christoph Draeger
Vendedor Subterráneo del día Final, 2006, 5’ 40’’
Peggy Ahwesh
Warm Bodies, Electronic Arts Intermix, 2007, 6’
Jim Costanzo
Billboard, 2007, 3’ 25’’

4
Terry Berkowith
Construction/Destruction, 2009, 3’ 45’’
Carlos Garaioca
Yo no quiero ver más a mis vecinos, 2006, 4’ 14’’
Lazaro Saavedra
Relaciones Profesionales, 2008, 44’’
Caetano Dias
The world of Janiele, 2007, 3’ 38’’

5
Miguel Ángel Ríos
Crudo, 2008, 3’ 14’’
Joan Logue
Wall Street, 2009, 1’ 15’’,
Lisa Dilillo
Realtime/Currency Exchange, 2003, 2’ 30’’

6
Ramón Mateos
Un país, un ejército (un pueblo, una nación), 2008, 2’ 04’’
Jenny Marketou
Don´t forget to Pack your peace of mind, 2007, 2’
Marcia Grostein
Bull Fight Democracy, 2008, 3’ 30’’



(Imagen: plano de situación de los vídeos)

Noviembre 16, 2009

Radiografías. Mitomanía e identidad. Exposición

Supercampeón_Carles-u.jpgFechas: del 17 de noviembre de 2009 al 10 de enero de 2010
Lugar de la exposición: Sala 2 del Centro de Cultura Antiguo Instituto. Calle Jovellanos, 21, 33201 Gijón. Teléfono: 985 18 10 40
museos@gijon.es
http://museos.gijon.es
Horario:
- Inauguración: martes, 17 de noviembre de 2009 a las 19.30 horas.
- Del 18 al 28 de noviembre (coincidiendo con el 47 Festival Internacional de Cine de Gijón) de 11 a 14 y de 18 a 21 horas.
- Del 29 de noviembre al 10 de enero de 2010:
o de lunes a viernes de 17 a 20 horas
o sábados, de 11 a 14 y de 17 a 21 horas
o domingos, de 11 a 14 horas

Comisarios: Colectivo 2clavos en colaboración con Pensart.
Organiza: Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular del Ayuntamiento de Gijón/Xixón
Colabora: EPSON

Radiografías es un proyecto artístico que responde a un análisis de las imágenes internas del cuerpo social al que pertenecemos y consiste en una reflexión objetiva de la situación social del mundo actual desde diversas perspectivas. Los medios de hibridación de disciplinas y los nuevos lenguajes artísticos no se articulan sólo con un fin productivo sino en torno a todas las estrategias de relación entre los elementos de producción, entre individuos, o entre el espectador y el arte.

La exposición Radiografías. Mitomanía e identidad parte de la mitomanía como medio de reelaboración de la identidad, en una sociedad sumergida por el espectáculo y mediatizada por los medios de comunicación y la publicidad hasta el punto de perder las referencias propias. El fenómeno fan, la tendencia al fetichismo y el endiosamiento de lo material; la identificación con el universo paralelo de los famosos, el consumo y la marca, la pertenencia a subculturas en continua emergencia, incluso el fenómeno hincha, son síntomas de una sociedad que lleva experimentando durante décadas una metamorfosis hacia la invención de la identidad para la construcción del mito.

Desde una perspectiva crítica, en algunos casos desgarrada y en otros esperanzadora, esta exposición atiende a la configuración de un espacio vivo en el que cada pieza alberga una “radiografía” fragmentada de la totalidad de aquellos aspectos sociales que son sintomáticos del presente. La creación se presenta así, no solo como forma de ofrecer un reflejo de la realidad, sino también como medio de ofrecer posibilidades alternativas a ésta.
La exposición se concibe en base a fundamentos de la cultura visual contemporánea y a la concepción de nuestro entorno físico y virtual. Desde la construcción de la identidad digital, la mitomanía del yo, a la construcción de realidades personales y universos psicológicos que provienen del arraigo a los mass-media, las celebrities, la música, el cine, el cómic o el deporte. Radiografías. Mitomanía e identidad muestra una identidad colectiva en base al mito que desarrolla la representación de un imaginario en el que cualquier contemporáneo puede reconocerse.

La exposición cuenta con la participación de 19 artistas:


Abdul Vas (Venezuela,1978), ha realizado numerosas exposiciones individuales en los últimos años entre las que podemos destacar: Fresh Gallery, Madrid, 2009; Art Center Georgetown, Guyana, 2009; 4 Space, Zaragoza, 2008; Galería T20 de Murcia, 2007.

Adrián García (Tetuán, 1969) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Madrid. Ha obtenido becas: Casa de Velázquez 2005; Colegio de España en París, 2000; Academia de España en Roma , 1998. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas entre otras: Galería Subespace, Seul, Corea, 2007; DIVA. Digital & Video Art Fair, New York, 2006; Decibelio, 2005, Arte Santander 05, Tentaciones Estampa 2005.

Ha recibido un importante número de premios entre los que podemos destacar: Calle Foro Sur 2009, Certamen de Artes Plásticas “El Brocense” Premio Adquisición en 2008; Espacio Contemporáneo Archivo de Toledo ECAT, Proyecto expositivo 2007; Premio de Creación Artística de la Comunidad de Madrid 2006.

Alexandra McQuilkin (Boston, 1980). Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Nueva York y Máster en Bellas Artes por la Steinhard School de Nueva York en 2008. Ha realizado un importante número de exposiciones individuales, entre las que podemos destacar: Galeria Adler, Frankfurt am Main, Alemania, 2009; Marvelli Gallery, New York City, NY, USA, 2007. Al mismo tiempo ha participado en numerosas exposiciones colectivas desde 1999, destacando: Kunst Film Biennale Köln, Colonia, Alemania, 2009; East Coast Video, Ramis Barquet Gallery, Neuva York, USA, 2009; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid - Centro Pompidou París, Francia 2009; Cynthia Broan Gallery, New York City, NY, USA, 2007; 12th Biennial of Moving Images, Centre pour l’image Contemporain, Saint Gervais, Ginebra, Suiza, 2007.

Andrés Senra (Río de Janeiro, 1968). Licenciado en Biología Fundamental por la Universidad Complutense de Madrid. Ha realizado exposiciones colectivas e individuales: Espacio Menosuno de Madrid; La noche en blanco’08, Madrid; ESTAMPA’05 de Madrid; Museo de Arte moderno de Río de Janeiro (Brasil); Festival internacional de cine pobre de Gibara (Cuba), entre otras.

Antonio Ortega (Sant Celoni, Barcelona, 1968) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Completa su formación en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París en 1991, en la London Biennal 2000 y como residente en el programa Atelierstipendium Stand Moenchendladbach 2002. Entre sus proyectos individuales destacan los trabajos realizados en Objectif Exhibitions, Amberes; Scottsdale Museum, AZ; Fundació Joan Miró -espai 13-; The Showroom, Londres. En la actualidad es profesor en el departamento de Artes Visuales de la Escuela Massana, Barcelona y artista representado por la Galeria Elisabeth & Klaus Thoman de Innsbruck, Austria.

Carles Congost (Olot, Gerona, 1970), combina con desinhibición diferentes medios y soportes como el vídeo, la música, el dibujo y la fotografía. De su trayectoria cabe destacar las siguientes exposiciones individuales: Espai 13 de la Fundació Miró de Barcelona, 2000; Centro Andaluz de Arte Contemporáneo 2001; Espacio Uno del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2001. En cuanto a exposiciones colectivas ha participado en el Palau de la Virreina de Barcelona, 2002; en el Hamburguer Bahnhof de Berlín, 2003; en f a projects de Londres, 2003. Con la Galería Luis Adelantado ha presentado su obra en ferias internacionales: París, Chicago, Torino, Miami/Basel, Monterrey, Nueva York, Caracas y Madrid.

Daniel Toca (México D.F., 1979). Formado en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda", Ciudad de México. Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas, entre las que destacan: Y, Kunsthaus Miami, Florida, 2009; K, Ferenbalm-Gurbrü Station, Ciudad de México, 2008; Harto_Espacio, Montevideo, Uruguay, 2006; Mucha Raum, Karlsruhe, Alemania, 2005, entre otras. Fue becario de FONCA-Jóvenes Creadores en 2008-2009 y del programa Baden-Württemberg STIPENDIUM para realizar una residencia en la Academia de Arte de Karlsruhe en 2004-2005. Es miembro y fundador de la revista Nerivela y forma parte del colectivo Rotatorio.

Diana Larrea (Madrid, 1972). Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Ha realizado exposiciones colectivas e individuales: EXPO Zaragoza’08; National Centre of Contemporary Art de Moscú (Rusia); Espai 13 de la Fundació Joan Miró, entre otras.

Fabien Giraud (París, 1980), se formó en el campo de las artes aplicadas y del diseño. Sus trabajos videográficos parten, a menudo, del dibujo. Su interés se centra en la representación del mundo de los adolescentes y de las comunidades en que se mueven, donde los individuos se ven obligados a reinventarse para adaptarse.
Entre sus exposiciones individuales podemos destacar Les Choses qui Tombent, Gertrude Contemporary Art Spaces, Australia 2009; NILF - Calculating Infinity, CAN, Neuchâtel, Suiza 2009. Ha participado en un importante número de exposiciones colectivas como La Force de l’Art 02, Grand Palais, París 2009; Lucky Number Seven, Biennale de Santa Fé, Nouveau-Mexique /NM, USA 2008; Superdôme, Palais de Tokyo, París 2007; Biennale d’Art Contemporain de Lyon 2007; Enlarge Your Practice, Friche Belle de Mai, Marseille, France 2007.

Félix Fernández (Lugo, 1977). Artista multidisciplinar. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Pontevedra, se forma paralelamente en danza contemporánea y teatro-performance. Ha sido becado en 2009 por Unión FENOSA para residir en Berlín y New York. Ha expuesto en el Instituto Cervantes, Tokio y Pekín; Kunstlerhaus Dortmund, Alemania, Museo de Arte Contemporáneo de Tel Aviv y MARCO, Vigo, entre otros.

Fischerspooner es un colectivo de performers creado por Warren Fischer y Casey Spooner. Realizan música, danza, moda, cine y fotografía. Comienzan su carrera en 1998 en el Astor Place Starbucks de Nueva York. Su música ha sido publicada en tres álbumes: Odyssey, Entertainment y Emerge, que obtuvo grandes éxitos.

Fischerspooner ha participado en festivales de Estados Unidos y Europa. Su nuevo espectáculo, Between World, presentado en el MOMA de Nueva York en el año 2009 está de gira mundial.

Jacopo Miliani (Florencia, 1979), se graduó en la Universidad de Boloña en la especialidad de Art D.A.M.S. (disciplinas de las artes, de la música y del espectáculo), cursando después estudios de postgrado MA Fine Art en el Central Saint Martins of Art and Desing de Londres. Su trabajo estudia la relación entre el espacio y el espectador, el intercambio del tiempo y la dimensión espacial.

Ha ganado dos premios, el Movin’Up 2005 y el premio GAI para jóvenes artistas italianos y Pagine Bianche d’autore, región toscana 2008. En 2008 ha participado en varias exposiciones como el proyecto Italian Wave, Artissima en Turín, la Bienal de Jóvenes Artistas Mediterráneos, Feria del Levante, Bari o el Festival Loop en Barcelona. En 2009 asistió a la Platfform Garanti International Residence Program en Estambul.

Left Hand Rotation. Left (el concepto abstracto) Hand (el objeto, lo material) Rotation (la acción), es un giro en dirección contraria que puede producirse en cualquier momento. Left Hand Rotation es un colectivo artístico creado en 2004 y afincado en Madrid, que desarrolla proyectos experimentales en múltiples formatos y soportes. Está integrado por dos/tres personas, licenciadas en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y, actualmente, profesionales del sector de la comunicación y publicidad. Left Hand Rotation pretende provocar un aluvión de contradicciones irresolubles cuya finalidad es la búsqueda de la contradicción paradójica. Como colectivo trabaja con aquellos medios y formatos en la frontera entre el arte y otros canales, adoptando la forma de lo que llamamos "arte cuestionable" (que no cuestionador).

Lucía Antonini (Madrid, 1980) a través del arte me interesa alterar las reglas del juego de la realidad social, desde las formas preestablecidas de relacionarnos y de configurar nuestros sistemas de conocimiento. El arte puede ser un dispositivo de verificación de estas “imágenes colectivas” sobre las cosas. Me interesa cuestionar las jerarquías que tendemos a crear entre las partes de nuestra organización, tanto social, como de conocimiento y extensión entre el artista y el espectador. La experiencia de la web 2.0 nos presenta otra forma de relacionarnos y de relacionar la información. La forma de comunicarnos está cambiando la percepción que tenemos de la realidad y la forma de configurarla.

Pablo Pérez Sanmartín (Pontevedra, 1980). Licenciado en bellas artes por la Universidad de Vigo. Ha participado en diversas exposiciones: Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Santiago de Compostela; MARCO de Vigo; Generación 2005 (Caja Madrid); Muestra Injuve 2006 (Círculo de Bellas Artes); Capc Musée d´art contemporain de Bordeaux. Francia; Maus hábitos. Porto, Portugal; CIGE, Pekín, China.

Pauline Fondevila (Le Havre, 1972). Estudió en la École Nationale Supérieur des Beaux Arts de Lyon. En 2004 se trasladó a Barcelona, actualmente vive y trabaja en Rosario, Argentina.
Ha participado en numerosas exposiciones colectivas: Galería Loevenbrück, Paris, 2003; Palais de Tokio, Paris, 2004; Galería Estrany-de la Mota, Barcelona, 2005; Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Santiago de Compostela, 2006; Entre sus exposiciones individuales destacan: Galerías Estrany-de la Mota, Barcelona; Sollertis, Toulouse; Laboratorio 987, Musac, León; Bienal San Paulo-Valencia; Art-o-rama, Marsella.

Rosana Antolí (Alcoy, Alicante 1981). Entre sus exposiciones individuales destacan: Galería Proyecto Arte de Madrid, 2008; Galería Putiklub Kunstraum, Berlín, Alemania, 2008; Festival Modularbeta 07 de Berlín, Alemania, 2007; Galería Orange Berlín, Alemania, 2007.

Sebastián Gordín (Buenos Aires, 1969), se licenció en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano de Buenos Aires y continuó su formación en 3 residencias en Francia.
Realiza exposiciones individuales desde 1989: Galería Distrito 4 en Madrid, 2007; Fundación Telefónica, 2003; Instituto de Cooperación Iberoamericana, 2001, 1993, entre otras.
Obtuvo numerosos premios: ArteBa-Petrobras Primera edición en 2004; Primer Premio Adquisición de la Bienal Nacional de Arte de Bahía Blanca (Museo de arte contemporáneo de Bahía Blanca, 2001) y el Premio Braque, beca de estudios de un año otorgada por el gobierno francés (1994). Participa desde 1999 en ferias internacionales como ARCO, ArteBa, Art Basel Miami y Pulse Miami y New York.

Sito Mújica (Sabadell, Barcelona 1971). Estudia diseño gráfico en la Escola d’Art Illa de Sabadell. En 2007 inicia su proyecto Copiadas donde reproduce, con técnicas tradicionales como el óleo, la acuarela o el lápiz de grafito, fotografías extraídas de páginas webs y blogs. Su obra se ha mostrado en festivales como el Festival de Arte Contemporáneo de Barcelona y en Galerías como N2 de Barcelona o Envoy Gallery de NYC. Pero su principal medio de difusión, los sitios de redes sociales, le han permitido entrar en contacto con los artistas a los que copia y admira, Paul Sepuya, Ryan Pfluger, David Young… y participar en proyectos como en el libro “Toscaza 3” de Matthias Herrmann. Actualmente compagina su actividad artística con la docencia.


Más información en:
www.pensart.org
www.elhervidero.org

Noviembre 13, 2009

Seminario de Gayatri Chakravorty Spivak en el CENDEAC.

07-143ProfSpivaklecture0011-u.jpgLa cuestión de la Subalternidad.
1 y 2 de diciembre, 17:00 a 20:30 horas.

CENDEAC
www.cendeac.net

Gayatri Chakravorty Spivak conducirá un seminario en el CENDEAC los días 1 y 2 de diciembre de 2009. Se tratará de una ocasión única para familiarizarse con el pensamiento de Spivak, pudiendo confrontar la lectura de algunos de sus textos más influyentes con la propia autora. Ninguna persona interesada en el pensamiento subalterno, poscolonial y feminista de las últimas décadas debería dejar pasar esta oportunidad. Durante las dos sesiones se debatirá sobre la historia y utilidad del esquivo concepto de lo subalterno propuesto por Spivak, con una primera sesión centrada en “Lo subalterno: usos y abusos”, y una segunda sesión que versará sobre “Mujeres, subalternidad y esencialismo estratégico”. Ambas sesiones se construirán en torno a las preguntas que surjan a partir de tres textos de Spivak disponibles en castellano, “¿Puede hablar lo subalterno?”, “Estudios de Subalternidad: Deconstruyendo la historiografía” y “El desplazamiento y el discurso de la mujer”.


Biografía
Gayatri Chakravorty Spivak es catedrática de Humanidades en la Universidad de Columbia (Nueva York). Entre sus libros se encuentra la traducción e introducción crítica de Of Grammatology (de Jacques Derrida, 1976); Thinking Academic Freedom in Gendered Post-Coloniality (1993); In Other Worlds y Outside in the Teaching Machine (1993); A Critique of Postcolonial Reason (1999); Death of a Discipline (2003) y Other Asias (2007). En la actualidad prepara el volumen An Aesthetic Education in an Age of Globalization. En castellano, la editorial Akal publicará próximamente su Crítica de la razón poscolonial. Gayatri Chakravorty Spivak también ha realizado numerosas traducciones desde el bengalí al inglés. Sus textos “Translation As Culture” (2005), “Translating into English” (2005), y “Rethinking Comparativism” (2009) reflexionan sobre su interés por la tarea del traductor. “Righting Wrongs” (2001), y “Ethics and Politics in Tagore, Coetzee, and Certain Scenes of Teaching” (2004) dan una idea de su compromiso por complementar el vanguardismo. “¿Puede hablar lo subalterno?” (1983) se ha convertido en un texto clásico y controvertido. (1987);


Más información e inscripciones en www.cendeac.net

Seminario co-organizado con la Universidad de Murcia, con posibilidad de reconocimiento de créditos de libre configuración de acuerdo con su normativa interna.


CENDEAC, C/ Madre Elisea Oliver Molina, s/n, Murcia

Soft Fiction, Imaginarios insurgentes

SoftFiction-1-u.jpgSoft Fiction. LA CONSTRUCCIÓN DE NARRATIVAS DE DESEOS Y FANTASIAS SEXUALES DE MUJERES. Zinebi 51, del 21 al 26 de noviembre, Bilbao

Soft Fiction, RELATOS CULTURALES SOBRE VIOLENCIA, GÉNERO Y GLOBALIZACIÓN
Casa de Cultura Okendo, Donostia, del 13 de noviembre al 4 de diciembre, de lunes a viernes de 16:00 a 20:30, Inauguración viernes 13, a las 19:00horas

www.consonni.org/intrahistorias

El proyecto SOFT FICTION de la artista Virginia Villaplana y la productora de arte consonni (Bilbao), se plantea como un procedimiento de escritura que, en un sentido amplio, explora los distintos niveles de relación existentes entre el cine experimental, la novela como ficción documental y la crítica como performance cultural. Partiendo de la película de mismo título Soft Fiction (1979) de Chick Strand se trata de un proyecto que presenta diversidad de dispositivos: Sf1, un taller de mediabiografía donde una red de personas deconstruyen y crean nuevas y experimentales narrativas a partir de sus archivos biográficos. Sf2, una programación de cine dentro del festival internacional de cine documental y cortometraje de Bilbao ZINEBI 51. Sf3, una muestra de vídeo y coloquios con realizadoras en el Centro Cultural Okendo de Donosti. Sf4, la edición de una publicación sobre la construcción del deseo y el placer así como la disección de la frontera documento-ficción.


Sf1 TALLER DE MEDIABIOGRAFÍA

Virginia Villaplana propone el concepto de Mediabiografía como una investigación en curso que trabaja con relatos donde una red de personas los deconstruyen y crean nuevas e experimentales narrativas a partir de sus archivos biográficos. La Mediabiografía como concepto experimental en la práctica se interroga sobre la “tecnología de la memoria” como depósito y ampliación de las imágenes y su narración.

Este taller investiga sobre las dos líneas de reflexión del proyecto SOFT FICTION: la delgada línea que separa realidad y ficción; y la construcción de narraciones que reflejan deseos y sexualidades de las mujeres. cuestiones de géneros. El taller se imparte por Virginia Villaplana durante dos intensos fines de semana entre octubre y noviembre. En el taller participan: Manu Arregui, Ivan Crespo, Oihana Garro, Miren Gaztainaga, Ainhoa Güemes, Eduardo Hurtado, Aloña Intxaurrandieta, Josune Muñoz, Saioa Olmo, Susana Talayero, Itziar Ziga y Maider Zilbeti. Artistas, actrices, críticas de literatura feminista, feministas canallas, escritoras, críticos de arte, gestores culturales…todas con experiencia dilatada en procesos creativos y reflexiones feministas.


Sf2 SOFT FICTION. LA CONSTRUCCIÓN DE NARRATIVAS DE DESEOS Y FANTASIAS SEXUALES DE MUJERES. ENTRE FICCIÓN Y DOCUMENTO.
Zinebi 51, del 21 al 26 de noviembre, Bilbao
SOFT FICTION A PIE DE CALLE
Sábado, 21
Calle Torre
(frente a Bizitza, Kukusoak, Zazpi Bide Taberna, Zulo y Ormaetxe)
De 20.30 a 01am
Soft Fiction se filtra en la calle, las narraciones de las películas se mezclan con las conversaciones habituales de un sábado noche en un rincón emblemático del casco viejo bilbaíno.
Se proyectarán fragmentos de Soft Fiction.
Mujer Trama de Virginia Villaplana.
Boy meet Girl de Eugenia Balcells

CICLO DE CINE SOFT FICTION
SESIÓN 1. 102 min
Martes 24
Museo de Bellas Artes de Bilbao
20h

Presentación del ciclo Soft Fiction a cargo de la artista Virginia Villaplana y proyección de:
Soft Fiction de Chick Strand (54 min)
Sink or Swim de Su Friedrich (48 min)
SESIÓN 2. 140 min
Miércoles 25
Bilborock
20h

November de Hito Steyerl (25 min)
Lovely Andrea de Hito Steyerl (30 min)
Mi vida, segunda parte de Angelika Levy (85min)
SESIÓN 3. 104 min
Jueves 26
Museo de Bellas Artes de Bilbao
20h

Con la presencia de la realizadora Sandra Schäfer quien presentará su película.
Passing the Rainbow de Sandra Schäfer y Elfe Brandenburger (71 min)
La Memoria Interior de María Ruido (33min)

Ver sinopsis en www.consonni.org


Sf3 SOFT FICTION: IMAGINARIOS INSURGENTES
RELATOS CULTURALES SOBRE VIOLENCIA, GÉNERO Y GLOBALIZACIÓN
de Virginia Villaplana producida por consonni


Casa de Cultura Okendo
del 13 de noviembre al 4 de diciembre
de lunes a viernes de 16:00 a 20:30

Inauguración viernes 13, a las 19:00horas

PROGRAMACIÓN DE VIDEO
El programa de películas y coloquios pretende enfocar la relación problemática entre representación y dispositivos visuales, prácticas artísticas, género y violencia. Una lectura crítica de los pliegues profundos que el ejercicio del poder ha sometido a la experiencia de la violencia real y simbólica del género en el discurso de la Cultura Visual.

The Peacekeepers and the Women, Karin Jurschick
La Voz Humana, María Ruido
Nice Coloured Girls, Tracey Moffat
Passing the Rainbow, Sandra Schäfer y Elfe Brandenburger
Mujer Trama, Virginia Villaplana
Writing Desire, Ursula Biemann
Carta a mi Hermana, Habiba Djahnine
Women videoletters- a second text on war & globalization
Amazonas, Mujeres Indomables, María Galindo de Mujeres Creando
Ver sinopsis en www.consonni.org

VISITAS GUIADAS
Este ciclo de video se desarrolla en un espacio expositivo transformado, domesticado para responder a las narrativas de las propias películas. Las activistas feministas Nagore Iturrioz e Idoia Ros son responsables de las visitas guiadas con diferentes asociaciones de mujeres o grupos interesados en conocer el proyecto así como de las traducciones de las conferenciantes.
Para apuntarse a las visitas guiadas escribe a berdintasuna@donostia.org o llama al 943 48 14 13. Las visitas guiadas también se pueden realizar por la mañana.

COLOQUIOS CON REALIZADORAS
El 16 de noviembre a las 18.30h Mujeres Creando muestran su último trabajo.
El 23 de noviembre a las 19h, Virginia Villaplana presenta la muestra de video y Sandra Schäfer desvela los detalles de su película Passing the Rainbow.
El 3 de diciembre a las 19h coloquio con la realizadora Habiba Djahnine.

Organizado junto al Área de Igualdad del Ayuntamiento de Donostia con el apoyo de Capitalidad Cultural Donostia 2016.

Sf4 Libro SOFT FICTION
El libro del proyecto SOFT FICTION será una herramienta para leer o trazar nuevos recorridos en torno al feminismo sobre todo haciendo hincapié en las poéticas que ha generado. La temática será la misma que la de todo el proyecto: la construcción de deseo y de placer así como la disección de la frontera documento-ficción. El libro cuenta con el apoyo esencial del centro cultural Montehermoso.

Noviembre 12, 2009

TALLER ACCESOS INDIRECTOS A LA CULTURA CONTEMPORÁNEA

TALLER-DIDÀCTIC-u.jpgA CARGO DE PEPE RIBAS Y GERMÁN LABRADOR MÉNDEZ
Fecha: 20, 21 y 27, 28 de noviembre
Horario: Viernes de 16 a 20 h
Sábado de 10 a 14 h y de 16 a 20 h

EACC - Espai d´art contemporani de Castelló.
www.eacc.es

El Espai d’art contemporani de Castelló informa que está abierta la inscripción para participar en el Taller Accesos indirectos a la cultura contemporánea que impartirán en el EACC Pepe Ribas y Germán Labrador Méndez los días 20, 21, 27 y 28 de noviembre.

La primera sesión del taller, Contracultura: otra transición fue posible, se realizará los días 20 y 21 de noviembre y estará a cargo de Pepe Ribas quien abordará las ideas, los cambios culturales y movimientos que se desarrollaron en la Contracultura. También se reflexionará sobre el papel jugado por la Izquierda Autoritaria, los Movimientos Sociales, los Partidos Políticos, la Prensa Democrática, los Post-franquistas, las Luchas Sindicales, la Nueva Cultura, los Pactos de la Moncloa, las Jornadas Libertarias, el caso Scala y la Movida madrileña.

Por su parte los días 27 y 28, en la sesión Formas de transición. Accionismo, artes colectivas y ciudadanía ante la democracia por venir, Germán Labrador Méndez abordará las formas de transición en las prácticas ciudadanas y en las prácticas artísticas. Analizará las formas del graffiti, del arte urbano y del arte en transición. Reflexionará sobre las formas colectivas, populares, ciudadanas para nombrar un tiempo histórico y sobre las formas con las que hoy volvemos sobre un tiempo que ya no nos pertenece.

El precio del taller es de 30 euros y la formalización de la matrícula puede realizarse en la página: http://inscripcio.uji.es, en cualquier momento del día, o por teléfono, en el número 964 728 870, en horario de 10 a 14 hores, de lunes a viernes.


EACC - Espai d´art contemporani de Castelló.
Prim s/n 12003. Castelló
Tel: 964 72 35 40
www.eacc.es

OFFMÓSTOLES09

kammerflimmer_4c-u.jpg20 – 22 NOV
Cuatro programas de video, tres conciertos, un largometraje y otros deleites...


CA2M Centro de Arte Dos de Mayo
www.madrid.org/ca2m

Del 20 al 22 de noviembre se dan cita en el CA2M diferentes manifestaciones contemporáneas en torno a la imagen en movimiento y el sonido: cuatro programas de video, tres conciertos, un largometraje y otros deleites.

Los cuatro programas de cortos presentan un variado conjunto de la creación reciente en video. Los programas 1 y 3 recogen algunas creaciones exhibidas durante los últimos años en festivales y exposiciones internacionales y, aunque la selección de los videos que los componen no responden a un planteamiento temático, las piezas que se presentan comparten muchos puntos de conexión, tanto en los asuntos tratados como en los aspectos formales: el paso del tiempo, el paisaje o la historia son denominadores comunes de todos ellos. Los programas 2 y 4 responden a enfoques temáticos: Visiones Periféricas que, comisariado por el colectivo madrileño Playtime Audiovisuales, recoge algunas de las últimas producciones nacionales que se encuentran en la periferia del cine comercial y El paisaje del hombre, de corte más experimental y que, comisariado por Xavier García Baldón, nos presenta el arte del paisaje en nueve films y videos recientes. Asimismo se presentará por primera vez en Madrid la última película de Agnès Varda Les Plages d'Agnès.
La parte musical del fin de semana la completan tres conciertos que nos acercan a la magia del directo desde posiciones muy diversas: la electrónica como acompañamiento sonoro del cine, la mecánica aplicada a la creación musical y una aproximación al jazz desde una óptica nada ortodoxa de la mano de Tadeo, Pierre Bastien y Kammerflimmer Kollektief respectivamente. Todo ello acompañado de picoteo, bebida y espacios para la charla y el encuentro.


OFFMOSTOLES09: PEGGY AHWESH, PIERRE BASTIEN, ALEX BRENDEMÜHL, CARLOS CASAS, LUIS CERVERÓ, CHRIS CHONG CHAN FUI, ANOUK DE CLERCQ, AITOR ECHEVERRÍA, FÉLIX FERNÁNDEZ, FRANCISCO FRANCO, BEATRICE GIBSON, STEPHEN GRAY, JOHN HEY, KAMMERFLIMMER KOLLEKTIEF, PABLO LAMAR, ADAM LEECH, VINCENT MEESSEN, MICHAEL MORLEY, JACCO OLIVIER, PEDRO ORTUÑO, MANUEL PADDING, ENRIQUE PIÑUEL, ELODIE PONG, MICHAEL ROBINSON, ROGELIO SASTRE, TADEO, MIKE TAMNEY, AGNÈS VARDA, CÉSAR VELASCO BROCA


PROGRAMACIÓN

VIE 20
Comenzamos el fin de semana a las 20:00 H. con un vino para despertar los sentidos… en el vestíbulo del CA2M
20.30 H. presentación y programa 1. Salón de Actos
y para cerrar el primer día a las 21:30 H. concierto de Tadeo: estreno de La Zona

SAB 21
Comenzamos el día a las 13.00 H. un buen momento para tomarse un aperitivo en nuestra terraza
13:30 H. concierto: Pierre Bastien. Terraza del CA2M. Después del concierto un poco de picoteo y charla al sol de noviembre
16:00 H. programa 2. Visiones periféricas . Salón de Actos
Durante toda la tarde, tés, cafés y pastas en torno a los que poder hablar… para que no se enfríe el ambiente
17:30 H. programa 3. Salón de Actos
19:00 H. Les plages d’Agnès, Agnès Varda. Salón de Actos

DOM 22
Despiértate el domingo al sol de nuestra terraza
Desde las 13:00 H. puedes tomarte el aperitivo en el CA2M
13:30 H. concierto de Kamerflimer Kollektief. Terraza del CA2M
Después del concierto un poco de picoteo y charla al sol de noviembre
16:00 H. programa 4. El paisaje del hombre. Salón de Actos


Más información: www.madrid.org/ca2m

DIRECCIÓN
CA2M Centro de Arte Dos de Mayo
Avda de la Constitución, 23
Móstoles, Madrid
centrodeartedosdemayo@madrid.org

HORARIO
De martes a domingo: de 11:00 a 21:00 horas
Lunes: cerrado

INDICACIONES DE ACCESO
Metro: L12 Pradillo
Cercanías: C5 Móstoles (23 minutos desde Embajadores)
www.madrid.org/centrodeartedosdemayo/el_centro/ubicacion.html

ENTRADA GRATUITA


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(Kammerflimmer Kollektief, Thomas Weber, Heike Aumüller y Johannes Frisch.)

Seminario “¿Una reforma de la Ley de Propiedad Intelectual?”. 18 y 19 de Noviembre de 2009.

REFORMALEYSEMINARIO-u.jpgEste Seminario supone una oportunidad única para conocer las opiniones de juristas expertos en la materia y la orientación de dos de los grupos parlamentarios integrantes de la Comisión de Cultura del Congreso.

18 y 19 de Noviembre
www.arteyderecho.org
info@arteyderecho.org/
Persona de contacto: Clara Mediavilla
Aforo limitado.
Se ruega confirmación: 915235647

PROGRAMA
“¿UNA REFORMA DE LA LEY DE PROPIEDAD INTELECTUAL?”
UNIVERSIDAD REY JUAN CARLOS

Miércoles 18 de Noviembre de 2009

16h30 - Inauguración.
D. Pedro González Trevijano. Rector de la Universidad Rey Juan Carlos.
D. Alberto Corazón. Presidente de la Fundación Arte y Derecho.
D. Javier Moscoso del Prado. Patrono de la Fundación Arte y Derecho. Director del Seminario.

17h00 - Ponencia: ¿Es necesaria una reforma de la Ley de Propiedad Intelectual?.
D. Antonio Delgado Porras. Abogado. Presidente del “Instituto de Derecho Autor”
Ruegos y Preguntas.
Coloquio.

Jueves 19 de Noviembre de 2009

10h30 - Ponencia. ¿Es necesaria una reforma de la actual regulación de los delitos relativos a la propiedad intelectual?
Dña. Carmen Tomás-Valiente Lanuza. Profesora titular de Derecho penal en la Facultad de Derecho de la Universitat de Valencia
11h30 - Pausa Cafe
12h00 - Ponencia. La Ley de Propiedad Intelectual y los Creadores Visuales
D. José Miguel Rodríguez Tapia. Catedrático de Derecho Civil. Universidad de Málaga.
17h00 Mesa Redonda. Proposición no de Ley relativa a la elaboración por el Gobierno de un nuevo Proyecto de Ley para regular la propiedad intelectual.
Moderador Javier Moscoso del Prado.
D. José Andrés Torres Mora. Diputado del Grupo Parlamentario Partido Socialista (PSOE).
D. José María Lasalle Ruiz Diputado del Grupo Parlamentario Partido Popular (PP)
D. Carlos Guervós Maíllo. Subdirector General de Propiedad Intelectual. Ministerio de Cultura.
D. Javier Gutiérrez Vicén. Director General de VEGAP
18h30 Ruegos y Preguntas
19h00 Clausura

Noviembre 11, 2009

Partes de

partesde-u.jpgArtista: Pep Agut
13 noviembre 09 – 8 enero 10
Inauguración: Viernes 13 noviembre 2009, 20.00 horas

Trayecto Galería
www.trayectogaleria.com

“Partes de” es una instalación perteneciente a un grupo más amplio de trabajos -“Regiones” (2006-08)- que desarrollan aspectos relativos a la autorrepresentación y a la posición del artista y del público. Surgieron como contrapeso a la densidad conceptual y la resistencia a los aspectos emocionales de “Hércules (Autorretrato en devaluación económica y plusvalía cultural” (2005-07).

La instalación, formada por diversas proyecciones de transparencias, está planteada como una suma de fragmentos, como un grupo de esbozos o breves alegorías que el artista sometería a ensayo con vistas a la (im)posible ejecución de una obra posterior de mayor abasto, una que, de existir, nos facultaría para la comprensión positiva, clausurada, de aquello de que pudiera tratar. En este caso la aparición de un sujeto parlante y comprensible cuya identidad subjetiva se abriría a la aparición de la nuestra desde el espacio del arte.

Diríamos que cada elemento de la instalación se desarrolla en un plano distinto y trama cada uno de los hilos de un particular tejido definido tanto por sus partes tupidas -densas en su contenido representacional subjetivo, alegórico-, como por las vacías -densas en su contenido formal y espacial- verdaderos hiatos que, sin embargo, multiplican el potencial de los resortes poéticos y psicológicos del espectador ante las secuencias de imágenes y su ocupación del espacio.


Trayecto Galería
San Vicente de Pa úl, 21
01001 Vitoria–Gasteiz
Tef. 00 34 945 205152
Fax. 00 34 945 205152
trayecto@trayectogaleria.com
www.trayectogaleria.com

HORARIO:
Martes a sabado 11.30-13.30 / 17.00-21.00


(Imagen: fragmento de la proyección partes de)

CARLOS AMORALES
Black Cloud

expoCarlosAmorales2-u.jpgDel 3 de Noviembre de 2009 al 6 de Enero de 2010
Comisario: Jérôme Sans
Inauguración 3 de Noviembre a las 20H.

Espacio AV
Sala Verónicas (Calle de Verónicas s/n) Murcia

www.espacioav.es

La exposición Black Cloud es el proyecto más importante que el artista mexicano Carlos Amorales ha desarrollado en España. Su trayectoria fulgurante hace de este artista uno de los más importantes no sólo de la escena latinoamericana sino del panorama global ya que ha tenido presencia en importantes eventos y museos de Europa y América. Este proyecto que se muestra en la Sala Verónicas literalmente ocupa el espacio a la vez que juega con la idea de su absoluto vacío siendo un ejercicio virtuoso a la vez de ligereza y opresión.
Carlos Amorales (México 1970) ha definido la belleza como el momento de contradicción que puede tener una imagen, un instante de absoluta seducción y a la vez repulsión, cargado de rebeldía. No se trataría por tanto de crear alegorías o discursos cerrados, sino la posibilidad de que el espectador pueda construir dentro de una composición de imágenes su propia idea.
Black cloud es un ejemplo perfecto de la capacidad del trabajo de este artista para generar a partir de clichés, de una iconografía conocida y anclada en la tradición, un discurso original y profundamente perturbador. En esta instalación Carlos Amorales parte del mito de que la polilla es un heraldo de la muerte y encontrarla en el umbral de una puerta, en una ventana o en el techo de una habitación es señal de mala suerte o de un fallecimiento próximo. Pero el proyecto aunque adquiere una profunda carga simbólica al ocupar una iglesia barroca bajo la advocación de la Verónica no se puede leer sólo como una vanitas o un recordatorio de la brevedad de la vida, sino que también es -como escribe Sebald en su libro Austerlitz, en las páginas en las que se pregunta si también las polillas sueñan- el relampaguear de lo irreal en lo real.
Así, como si fuera un sueño, asistimos a un extravío, a una ocupación del espacio sacralizado del arte, a un tiempo extraño y nocturno. Un encuentro con lo enigmático. Porque con sus giros, curvas, rizos y espirales parece que Black Cloud estuviera, sobre todo, dibujando una pregunta.


Organiza: Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad Autónoma de la Región de Murcia. Departamento de Artes Visuales. Murcia Cultural


Contacto prensa:
Pepa Plaza
Consejería de Cultura y Turismo
Telf 968 375144 / 618680423

Contacto exposición:
Departamento de Artes Visuales
Telf 968 930205


(Imagen de sala)

Noviembre 09, 2009

LA CIUTAT RECONEGUDA / LA CIUDAD RECONOCIDA
De Gemma Miralda y Marc Castellet

1y2-u.jpgProducción: Departamento de Artes Visuales. Ayuntamiento de Terrassa.
Dirección: Susana Medina
Hasta el 22 de noviembre.
Sala Muncunill
Plaza Didó 3 Terrassa

www.terrassa.cat/artsvisuals
www.gemmamiralda.com
www.marccastellet.com

Catálogo disponible en: terrassaartsvisuals@terrassa.cat

(Alter)visiones urbanas: una perspectiva descentrada a partir de una óptica desenfocada


La paradoja de la fotografía en el siglo XXI

Son momentos paradójicos para el mundo de la fotografía. Como lo fueron para las artes plásticas a comienzo del siglo pasado. Explica Jean Clair que en aquel momento los artistas plásticos conocían más técnicas de dibujo y pintura que los artistas actuales. No obstante, la invención de la fotografía impulsó (a parte de otros elementos, como el progresivo autonomismo del mundo artístico de los condicionantes religiosos, morales o académicos) el abandono del figurativismo realista y el inicio de nuevos caminos que reinterpretaban la realidad o bien construían una nueva realidad propia del mundo artístico. Al mismo tiempo, en un movimiento reactivo los artistas plásticos se volvieron a interesar por otras culturas (la fascinación per el arte africano de Picasso y las primeras vanguardias) o formas artísticas previas al redescubrimiento renacentista de la figuración realista, como el arte románico o el gótico.
La fotografía del siglo XXI vive en cierta manera una situación similar, aunque todavía más paradójica: la progresiva implantación de la fotografía digital y la mejora y el abaratamiento de los dispositivos que parece no tener freno han llevado a la situación en que la posibilidad de tirar centenares de instantáneas con gran calidad han banalizado la fotografía. Una situación que ha ido desvalorizando en cierta manera la profesión de fotógrafo, que vé invadidas sus competencias profesionales.

Per contra, la fotografía se ha convertido en un elemento central de la vida cotidiana actual tanto pública como privada y, con la proliferación de miles de fotógrafos amateurs, Internet, y en particular las páginas web han significado a un tiempo una estetización de la vida económica y social (Lloyd, 2006), en la que la fotografía ha tenido un papel central. Un proceso que está llegando a su zenit con las redes sociales que contienen centenares de millones de fotografías. Asimismo, en los mercados del arte, la fotografía se ha revalorizado y los originales se cotizan más que nunca, contradiciendo claramente la tesis de Benjamin (1982) de la pérdida de aura de la obra original.

En esta situación paradójica de crisis (real o aparente, todavía no lo sabemos) de la profesión, popularización de su uso público y privado, y reconocimiento por parte del mercado del arte, se produce un fenómeno paradójico: la recuperación de antiguos aparatos fotográficos analógicos, de los antiguos carretes de formatos no estandards, el proceso de revelado y todo aquello que parecía condenado a los museos de historia. La afición por estas cámaras de los años ochenta parece, pues, una reacción parecida a la de los artistas plásticos del siglo pasado, de distanciamiento del realismo y de la búsqueda arqueológica de su disciplina. Una búsqueda innovadora que pretende, a partir de la dificultad técnica y de los resultados a veces azarosos, encontrar nuevos caminos creativos, como están haciendo la fotógrafa y el fotógrafo terrasenses, Gemma Miralda y Marc Castellet, en utilizando exclusivamente este tipo de dispositivo para la realización de La ciutat reconeguda/La ciudad reconocida.

En cierta manera, todos los revivals o downgrades técnicos tienen en común el hecho de revivir la autenticidad del trabajo artístico, en este caso la experiencia fotográfica. No es el primer caso de un retorno a antiguos instrumentos artísticos, que signifiquen a la vez nuevos caminos creativos. Por ejemplo, con la recuperación de la llamada música antigua puesta de moda en los años ochenta, es decir, la interpretación de la música barroca con los instrumentos y los cánones de la época, los músicos intérpretes se lanzaron a cambiar el instrumento canónico clásico que dominaba, que es más preciso, más fácil de afinar y con una acústica más potente, por unos instrumentos, los del siglo XVII. Unos instrumentos que requieren un nuevo aprendizaje de la técnica y cambian significativamente el resultado de la ejecución de una misma partitura, con el riesgo de obtener resultados inesperados.
De la misma manera, la práctica de la fotografía a partir de la cámara HOLGA también significa una vuelta atrás en la técnica y un abandono de la calidad, la precisión y la capacidad de rectificar de la fotografía digital actual. Al mismo tiempo impone el aprendizaje de un nuevo instrumento, que por su diseño originario de la China de los años ochenta tiene unos resultados menos precisos. Éste es casi siempre inesperado y la imagen puede llegar a ser inutilizable, y por eso impone de nuevo la disciplina de pensar en lo que se quiere conseguir antes de apretar el disparador.
De la misma forma aporta fileteado el efecto túnel, la suavidad de la imagen, los colores alterados e imágenes con aberraciones ópticas y cromáticas. No en vano una de las consignas de utilización de estos aparatos es “no mires por el visor, si no siempre te saldrá la imagen desencuadrada”, “dispara desde la mano, no desde la cara” o “dispara tan cerca como puedas” para tener más posibilidades de enfocar... Todo esto, con evidente espíritu de búsqueda y de juego.
Otra paradoja es que la pasión por estos tipos de aparatos, más parecidos a un juguete que a las complejas cámaras actuales, está en el hecho que han sido rescatados del olvido gracias a las nuevas tecnologías. Es a partir de la red que se forma una comunidad de fans de estos tipos de aparatos fotográficos llamada lomografia, y a partir de una web difunden su decálogo, sus experiencias, las fotos, etc. La revolución digital, que ha convertido nuestras reflexs en artilugios de museo, ha convertido, por tanto, las lomo y todas sus imperfecciones en potentes canales de creación, tal como en los trabajos de Marc Castellet y Gemma Miralda.


Intersticios urbanos y rurales. Miradas desde la periferia

El fotógrafo Marc Castellet nos presenta una sesentena de fotografías realizadas durante unos tres años en los alrededores de la ciudad de Terrassa. La serie de imágenes nos presenta la ciudad mirada desde sus límites a partir de todos los ángulos, recorriendo muchos espacios que la mayor parte de los habitantes de la ciudad, nuevos y antiguos, desconocen completamente.
Una de las características del hecho urbano es su fuerza gravitatoria: al menos en el esquema europeo de ciudad (y al contrario que en el modelo americano abanderado por Los Ángeles), todas las dinámicas sociales, económicas y culturales tienden a concentrarse en el centro, convirtiendo los espacios públicos céntricos (siguiendo el esquema del ágora romana) en el escenario por excelencia del hecho urbano. Estos espacios que, según Simmel (2001) comportan la aceleración del ritmo mental, de las sensaciones, las interacciones, se han convertido desde el impresionismo, en escenario y objeto de las representaciones artísticas. Por contra, las periferias o en todo caso, los espacios intersticiales entre la ciudad y el campo forman parte de un no-lugar en el sentido que le da el antropólogo Marc Augé (1992), un lugar de paso, una región en cierto sentido incómoda que muchas veces se tiende a esconder en las representaciones que se hace la ciudad de si misma y que proyecta al exterior.
Si los centros de las ciudades son los lugares representados hasta la nausea por parte de los turistas, las periferias son un tema poco tratado. Periferia: del griego peri, “alrededor” y, phereia, “circunferencia”. La misma etimología nos plantea un círculo, es decir, el espacio que delimita la ciudad. No obstante, tal como nos muestra este trabajo, la ciudad no acaba en un punto y empieza el campo de forma nítida. Y si el centro está cargado de sentido y contenido histórico, esta periferia tampoco es un desierto, como se aprecia en las imágenes de Castellet.
O, más que periferia, con toda la carga negativa que comporta tendríamos que hablar de intersticios, es decir, el espacio pequeño entre dos mundos, una tierra de nadie, un lugar olvidado que según la visión mayoritaria combina lo peor de dos ámbitos: el desorden de la naturaleza y lo gris de la ciudad. Siguiendo los principios de la antropología estructuralista que resalta la importancia de las clasificaciones y de los límites, podríamos decir que estos intersticios son por naturaleza unos espacios impuros. Lo podríamos resumir con el aforismo de lord Chesterfield popularizado por Mary Douglas: “La suciedad es lo que está fuera de lugar. La tierra de mi jardín es tierra, es algo normal en su lugar, la tierra en mi cocina es suciedad”. Los intersticios o aquellos espacios que están fuera de la ciudad, pero todabía no dentro de la naturaleza, han sido históricamente espacios donde se han localizado las actividades consideradas impuras o contaminantes, como hospitales, prisiones, cementerios, etc. También, por otra parte, en las periferias se expulsan los marginales o las actividades consideradas vulgares: huertos urbanos, barracas, etc.

Sólo de tanto en tanto los gobernantes se encargan de estos espacios y entonces aparecen con planes de ordenación y urbanización, es decir, descuartizar y cimentar. No hace falta decir que los últimos años, bajo la presión del mercado inmobiliario, la ciudad y sus especuladores se han girado y han mirado de dentro hacia fuera, proyectando nuevos barrios con los que aumentar la población y las ganancias, si no los han atravesado con infraestructuras para transportar más rápidamente los ciudadanos que cada vez viven más lejos de sus trabajos, volviendo a lo que era una gradación entre ciudad y campo en una barrera infranqueable para el paso de personas y animales. A pesar de algunos esfuerzos por parte de biólogos, ecologistas y activistas de los nuevos movimientos sociales, todavía no se ha entendido la importancia de los espacios intersticiales entre ciudad y campo: lugar de ocio para los ciudadanos, ecosistema de especies. Las fotografías de Castellet nos muestran todos estos espacios y usos, actuales y pasados, algunos abandonados, algunos utilizados por parte de algunos, nunca convertidos en espacios de uso, todavía con el reto planteado, pero no abordado, de reivindicarlos, de tejer puentes entre los dos ámbitos y deshacer así las cicatrices.
No es la primera vez, seguro, que en un ejercicio de inversión simbólica (revalorizar lo que socialmente es detestado como arte) por parte del artista se convierte la periferia en objeto de trabajo artístico. Un ejemplo, entre otros: una exposición de nueve fotógrafos en el Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles sobre la belleza en las periferias, que muestra los nuevos barrios construidos en tiempo récord en la capital española, ahora medio abandonados por el estallido de la burbuja inmobiliaria. Las imágenes desprenden una sensación combinada de espacios fantasmales i a la vez de banalidad urbanística que producen los bloques y las casas del extraradio madrileño. También podemos encontrar fotos de periferias urbanas, como por ejemplo el magnífico trabajo de Camilo José Vergara (1999) sobre los espacios urbanos devastados en los EEUU, que el trabajo de Marc Castellet recuerda. Aún así, la originalidad, del trabajo no consiste en buscar espacios periféricos o abandonados solamente, sino que es lo que decimos, el nexo donde la paleta de colores de la natura se mezcla con el marrón del hierro oxidado, el gris de la uralita y el cemento, y el negro del asfalto, donde aún no domina ninguno de los colores, en un resultado estético sorprendente e inquietante, que seguro que nos hará pensar hacia donde avanzamos como modelo de ciudad.

La cara oscura de los símbolos urbanos. El patrimonio histórico y el arte público convertidos en pesadilla
Gemma Miralda nos presenta en este trabajo fotográfico un conjunto de fotografías de esculturas, edificios, etcétera, de Terrassa que a primera vista no son fáciles de identificar. Nada parecido, pues, al típico catálogo turístico, sino que nos propone una reinterpretación del arte público y el patrimonio cultural, revelando una cara diferente, muchas veces irreconocible e inquietante, cercan a la pesadilla.
En nuestras ciudades hemos visto aparecer esculturas, el llamado arte público de grandes dimensiones. En estos casos se ha partido del esquema “cuanto más grande mejor” y ocupan un lugar central de los espacios públicos. Se dice en broma que los conductores parisinos han aprendido a leer jeroglíficos egipcios gracias a les largas ratos que se pasan parados en la rotonda de la Concordia, presidida por el gran obelisco de Luxor. En nuestras ciudades, las rotondas, espacio público inútil visto el intenso tráfico que las envuelve por definición, se han convertido en lugares privilegiados de este arte público donde los conductores pueden entrever, más que observar, estas esculturas, fruto de los encargos de los gobiernos locales.
Los monumentos son pilar de la “memoria histórica”, a pesar de que ahora aparezcan vinculados a los movimientos sociales que reivindican las víctimas de las dictaduras. Desde el siglo XIX, los lugares de la memoria han estado vinculados a lo que querían recordar los dominantes y los vencedores, a partir de una selección de la historia: de aquí la proliferación de estatuas de prohombres, próceres, santos, militares, reyes y otros personajes. Más tarde hubo recuerdos para los personajes anónimos, los caídos por causas o patrias diversas. Pero en nuestro país, no habiendo un consenso sobre las causas legítimas y las patrias por las cuales morir o matar, a diferencia de otras ciudades europeas, hay pocos homenajes a nada o a nadie en concreto. No per eso dejan de formar parte de la construcción simbólica de la identidad colectiva, pero no apelando a valores políticoemocionales, sino de una forma más visual.
Gemma Miralda propone una visión inquietante, pues, del patrimonio histórico, las esculturas, los espacios o las construcciones emblemáticas de la ciudad. Con imágenes tomadas desde un ángulo inesperado, todas nocturnas y con el mencionado aparato HOLGA, da una visión alternativa a las fotografías oficiales que aparecen en las revistas de autopromoción que suelen acompañar los discursos de los gobernantes. Y es que pasa con los símbolos que, de tan vistos, el significante pierde el significado y acaba siendo una figura que se recorta en el horizonte, sin que las intenciones de los promotores públicos de las artes consigan su objetivo de divulgarlo entre los ciudadanos.
No tenemos que pensar, aún así, que el arte público ha perdido protagonismo, sino que, al contrario, sigue proliferando. De hecho, uno de los objetivos implícitos sí que se consigue, que es el de dar identidad visual a la ciudad. En un momento en que las ciudades, el nivel local, toman protagonismo con la conocida glocalización y los gobiernos locales se convierten en agentes activos de su promoción, el arte público ocupa un lugar destacado en la creación de “marca de ciudad”, el llamado urban branding. Como si se tratara de un logo, las ciudades utilizan el arte público para imitar a las grandes ciudades turísticas donde se asimila un edificio o un monumento a la ciudad: París = Torre Eiffel, Barcelona = Sagrada Familia... y Terrassa = Monumento de la mujer trabajadora.
Esta “imposición” de unas obras o unos edificios, a veces es reinterpretada y tergiversada malévolamente por los habitantes de la ciudad. Se trata, como diría Bourdieu (1998), de una autodefensa delante de la violencia simbólica. No sería la primera vez que se pone un alias grotesco a un monumento, por la similitud que tiene a otras cosas... como la que hacía Pierre-André de Mandiargues a La marge de la columna dedicada a Colon de Barcelona. En definitiva, como ha estudiado la socióloga Natalie Heinich (1998), el arte público genera controversia e interpretaciones populares diversas... a pesar de que no sean siempre las esperadas por el artista o por parte del gobernante que la ha encargado y pagado.
Tal como muestran las imágenes tomadas por Miralda, el resultado del arte público no hace que la ciudad se convierta en un lugar más agradable para vivir, sino que estos monumentos pueden volverse objetos impuestos (en la participación política, todavía nadie ha pensado en pedir la opinión sobre estos temas a los habitantes de la ciudad) y en cierta manera inquietantes y perturbadores. Nadie se pregunta sobre la utilidad ni tampoco nadie hasta ahora se había interesado por el aspecto que tienen a partir de medianoche, a través del objetivo de una cámara. El arte contemporáneo ha luchado por desestabilizar la definición de la realidad dominante y, por tanto, la definición de la identidad burguesa (Lash, 1993). En este caso, nos encontramos delante de un trabajo fotográfico que consigue desestabilizar la imagen que tiene la ciudad de si misma, presentando como conjunto de luces y sombras inéditas estos iconos, aquellos espacios o aquellos objetos con los cuales nos hemos acostumbrado a convivir y que se supone que nos tendrían que representar.

Joaquim Rius
Sociólogo


Referències bibliogràfiques
Augé, Marc (1992), Non-Lieux, introduction à une anthropologie de la surmodernité, Paris: Seuil.
Benjamin, Walter (1982), "La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica." En: Discursos interrumpidos, Madrid: Taurus Ediciones.
Bourdieu, Pierre (1998), La distinción. Criterio y bases sociales del gusto, Madrid: Taurus.
Clair, Jean (1983), Considérations sur l'état des Beaux-Arts. Paris: Gallimard.
Douglas, Mary (2000), Pureza y peligro: análisis de los conceptos de contaminación y tabú. Madrid: Siglo XXI.
Heinich, Natalie (1998) Le Triple jeu de l'art contemporain. Sociologie des arts plastiques. Paris: Éditions de Minuit.
Lash, Scott (1993), Sociología del postmodernismo. Buenos Aires: Amorrortu.
Simmel, Georg (2001), “Las grandes urbes y la vida del espíritu”. En: El individuo y la libertad. Ensayos de crítica de la cultura. Barcelona: Ediciones de Bolsillo.
Vergara, Camilo José (1999), American ruins. Nova York: The Monacelli Press.

(Imagen Izq.: Marc Castellet; Imagen Dcha: Gemma Miralda)

Magíster en Teoría y Práctica de las Artes Plásticas Contemporáneas.

Departamento de Pintura. Facultad de Bellas Artes.
Universidad Complutense de Madrid.
550 horas teórico-prácticas, conferencias y clases magistrales (60 ECTS)
El Magíster en Teoría y Práctica de las Artes Plásticas Contemporáneas se ocupa de los aspectos fundamentales del arte actual y de su relación con los ámbitos del pensamiento, la crítica y el mercado del arte.

Director: Dr. Josu Larrañaga Altuna, Catedrático de Universidad, Director del
Departamento de Pintura, Facultad de Bellas Artes.
Universidad Complutense de Madrid.
550 horas teórico-prácticas, conferencias y clases magistrales (60 ECTS)

El Magíster en Teoría y Práctica de las Artes Plásticas Contemporáneas se ocupa de los aspectos fundamentales del arte actual y de su relación con los ámbitos del pensamiento, la crítica y el mercado del arte.


Para ello se propone los siguientes objetivos:

- Desarrollo de los aspectos filosóficos de diferentes prácticas artísticas y conocimiento de las direcciones y características del pensamiento estético, creando juicios críticos de forma coherente con el ámbito del arte contemporáneo, y de las nociones y prácticas del arte postmoderno en los términos en los que se han referido artistas, filósofos, sociólogos, críticos de arte, escritores e historiadores, para obtener así una visión de cómo ha afectado a la cultura y a la sociedad contemporánea. Se abordan cuestiones como las reflexiones de artistas y teóricos en torno a la naturaleza del lenguaje artístico y la representación, se analiza la crisis de la representación y el retorno de lo real en el arte contemporáneo. Asimismo, se estudian las estrategias, obras y teorías que han abordado esta problemática, y su contraste con otros cortes temporales y categorías anteriormente tratadas.

- Adquisición de metodologías para la ejecución profesional de proyectos artísticos dirigidos a la reflexión y la investigación de las variables dentro de los procesos artísticos; esta indagación se extiende hacia ámbitos expositivos públicos y privados, así como hacia la gestión y la autogestión de los mismos.

- Realización de un proyecto artístico personal, individual o colectivo, bajo la tutoría de uno de los profesores, el cuál será afín al proyecto. Al mismo tiempo, se estudia la relación con los aspectos económicos y sociales que definen el mercado del arte, para clarificar el territorio profesional y sus posibilidades, pudiendo realizar prácticas en empresas de arte y nuevas tecnologías, publicaciones en el ámbito de la crítica y en galerías.

Está estructurado en dos cursos. El primero se imparte de marzo a junio y el segundo de septiembre a diciembre, en 2010. El horario de clases es de lunes a viernes, de 18 a 22 horas.


Materias del primer curso: marzo-junio 2010

Introducción a la Teoría del Arte Contemporáneo.- Se facilitará una perspectiva general de las principales teorías artísticas desarrolladas en el transcurso del siglo XX. Se trata de dotarse o de actualizar los conocimientos mínimos necesarios para la comprensión y aprovechamiento de la asignatura de Estética y Teoría del Arte Contemporáneo.
Estética y Teoría del Arte Contemporáneo I.- La asignatura se refiere a los aspectos filosóficos referidos a las distintas prácticas artísticas, desde la pintura y la escultura, como géneros tradicionales, hasta los nuevos lenguajes y medios tecnológicos y la interacción de todos ellos con disciplinas afines como el cine, la música o la arquitectura.
Crítica de Arte.- El objetivo de este curso consiste en el conocimiento de las diferentes direcciones y características del pensamiento estético dentro de la crítica del arte contemporáneo, pretendiendo situar la obra artística del alumnado en el contexto real del mundo del arte y capacitarle para desarrollar juicios críticos en forma de ensayos y artículos.

Las propuestas artísticas del siglo XX.- Se trata de adquirir o recordar una visión y una comprensión global de las prácticas artísticas del siglo XX, que permita posteriormente la ubicación y comprensión adecuadas de las estrategias artísticas contemporáneas más determinantes.

Estrategias artísticas contemporáneas I.- En este curso se investigarán las diferentes nociones y prácticas del arte postmoderno en los términos en los que se han referido filósofos, teóricos, críticos de arte, sociólogos, escritores e historiadores para indicar el giro y la transformación relevante del arte acaecidos durante los últimos treinta años y que ha afectado de una forma profunda a la cultura y la sociedad contemporáneas.

Estrategias artísticas contemporáneas II. Arte y Lenguaje.- El segundo bloque de este curso abordará la gran relevancia que toma la reflexión de los artistas y teóricos del arte en torno a la naturaleza del lenguaje del arte y la representación. Se analizará la crisis y el retorno a lo real en el arte contemporáneo, así como se estudiarán las estrategias de trabajo de los artistas más relevantes en esta cuestión y la obra de semiólogos y filósofos que han abordado esta problemática.


Materias del segundo curso: septiembre - diciembre 2010

Estética y Teoría del Arte Contemporáneo II.- Durante este curso se profundizará en los contenidos planteados en la primera parte de la asignatura.

Estrategias artísticas contemporáneas III. Arte y Política.- En este curso se estudiarán problemáticas de las que se han ocupado numerosos artistas en las últimas décadas y las estrategias de representación seguidas para abordarlas, así como la confrontación de éstas con la representación tradicional de las categorías anteriormente tratadas.

Mercado del arte.- Este curso abordará el estudio de las cuestiones económicas y sociales en relación con las estructuras que definen el mercado del arte. Tratará de proporcionar un conocimiento actualizado y real del mundo profesional para que el alumnado pueda manejarse dentro de dicho campo.

Taller de proyectos.- Curso de carácter teórico-práctico conducente a la adquisición de metodologías para la ejecución profesional de proyectos artísticos dirigidos a la consecución de exposiciones en los ámbitos público y privado, así como para la gestión o autogestión de las mismas.

Junto a estas materias el alumno cursa los Talleres, que constituyen el núcleo central del curso. Su objetivo principal es el desarrollo del proyecto artístico particular de cada alumno. Los talleres cuentan con un tutor que supervisa de forma continuada, y con arreglo a la distribución de tiempos que considera más oportuna, la definición, puesta en práctica y desarrollo del conjunto de los trabajos del alumno.

Los alumnos pueden adscribirse a una de las áreas de trabajo siguientes: Pintura, Nuevos géneros, Arte público y Crítica. La disponibilidad de los talleres depende de la demanda por parte del alumnado.


Profesorado del Magíster:
Josu Larrañaga Altuna, Fernando Castro Flórez, Félix Guisasola Camblor, Miguel Ángel Ramos Sánchez, José Luis Gutiérrez Muñoz, Joaquín Ivars Pineda, Ramón Caravaca Pozuelo, Daniel Lupión Romero, Juan Martín Prada, Javier Sanz Fuentes, Daniel Villegas González, Patricia Mayayo Bost, Pilar Montero Vilar, Oscar Alvariño Belinchón, Víctor Chacón Ferrey, Laura de la Colina Tejeda, Blanca Fernández Quesada, Aurora Fernández Polanco, José María González Cuasante, Juan Millares Alonso, Tonia Raquejo Grado, Eduardo Zamarro Flores, Sagrario Aznar Almazán, Ramón Salas Lamamié de Clairac


Matrícula
Se precisa realizar previamente la preinscripción al Magíster en los términos del apartado siguiente y, una vez aprobada la admisión del solicitante, realizar la reserva de plaza antes del 23 de diciembre de 2009.


Preinscripción
Los interesados en cursar el Magíster deberán formalizar una solicitud de preinscripción en la Secretaría de estudiantes de la Facultad de Bellas Artes. Se podrá hacer de forma presencial o por internet.
La documentación requerida para realizar la preinscripción es la siguiente:
- fotocopia del DNI o pasaporte
- dossier de obra realizada y currículum vitae
- original y fotocopia del título de licenciado, si ha cursado sus estudios en España o en un país de la Unión Europea (en este último caso, los documentos deben estar traducidos al castellano por un traductor jurado)
- si ha cursado sus estudios fuera de la Unión Europea y éstos no han sido previamente homologados o no cuenta con la autorización del Rector para realizar un Doctorado en la UCM, deberá presentar original y fotocopia del título de licenciado y de su certificación académica donde consten todas las asignaturas cursadas con las calificaciones obtenidas. Ambos documentos deberán estar traducidos al idioma castellano por un traductor jurado y legalizados por vía diplomática (con el sello de la Apostilla de La Haya o en los Consulados de España en el país en que se haya cursado).
En el caso de realizar la PREINSCRIPCIÓN POR INTERNET, deberá imprimir el resguardo y entregarlo o enviarlo por correo a la Secretaría de estudiantes junto con la documentación indicada anteriormente, en un plazo máximo de 30 días. En este caso, la fotocopia del título y del certificado de estudios debe estar compulsada.
En el momento de la preinscripción deberá abonar la cantidad de 30 € en concepto de gastos de administración y de selección de candidatos. En ningún caso el candidato tendrá derecho a su devolución, salvo que no se llegara a celebrar el curso.
Una vez realizada la admisión de alumnos por parte de la dirección del curso, se deberá realizar la reserva de plaza mediante el pago del 30% del coste del curso.
El importe total del curso asciende a 3.300 euros. La matrícula se podrá abonar en uno o dos plazos.
Se puede realizar la preinscripción en
https://metanet.ucm.es/metaserv/FreeFormularioXml?cod_operacion=400051¢ro=16600&titulo=200916600001


Para más información sobre preinscripción y matrícula:
http://www.ucm.es/info/ucmp/pags.php?tp=Titulos%20propios%20(Magíster,%20Especialista%20y%20Experto)&a=estudios&d=0003021.php

Información:
Departamento de Pintura. Facultad de Bellas Artes UCM
Teléfono: 91 394 36 56
pintura@art.ucm.es

Noviembre 06, 2009

Seminario online UOC-LABoral: “Cultura y entretenimiento digital; Nuevos juegos y jugadores en las industrias creativas”

logo_fcbk-U.jpgwww.uoc.edu/seminarios/6/1_presentacion.html
www.laboralcentrodearte.org

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial y la Universitat Oberta de Catalunya (UOC) han organizado un seminario en el que, bajo el título “Cultura y entretenimiento digital: Nuevos juegos y jugadores en las industrias creativas”, se propone interrelacionar las prácticas artísticas y culturales digitales con el contexto general del entretenimiento digital y, también, mostrar una panorámica sobre las intersecciones más relevantes e innovadoras entre cultura lúdica, nuevos medios y tecnología, con especial incidencia en el ocio digital. La iniciativa supone una nueva aportación a la actividad de Mediateca Expandida, puesta en marcha este mismo mes de octubre por LABoral. Se trata de un formato centrado en la exhibición e investigación de proyectos audiovisuales que, posteriormente, se incorporarán a los fondos de la Mediateca del Centro de Arte.

Este Seminario se suma al de “Innovación en arte y cultura digital”, celebrado el pasado julio en el marco de los cursos de verano. Este nuevo Seminario tiene como objetivo analizar el impacto de la cultura lúdica en sociedad; es decir la estética, dinámica y lógica de los videojuegos así como la manera en que estos entran en relación con otras formas de entretenimiento digital y manifestaciones de la cultura, tales como el arte, el cine, la televisión y la música, que han adoptado nuevos modelos en la relación entre emisor y receptor del mensaje mediático. En la sociedad lúdica, todos somos jugadores y habitamos, creamos y definimos los diferentes niveles de un entorno multijugador masivo.

El curso en “Cultura y entretenimiento digital” se desarrollará a distancia, en el campus virtual, del 18 de noviembre al 16 de diciembre. Contará con la participación de reconocidos especialistas internacionales como: Jose Luis de Vicente, Daphne Dragona, Domenico Quaranta, Raquel Rennó, Pau Waelder y Pau Alsina, coordinador, junto a Rosina Gómez-Baeza Tinturé, del programa de Seminarios.


El Curso tendrá una duración de 25 horas, al término de las cuales los participantes
recibirán 1 crédito ECTS. Toda la información está disponible en:
http://www.uoc.edu/seminarios/6/1_presentacion.html

La inscripción del curso está abierta hasta el día 16 de noviembre, y se puede llevar a cabo en:
http://www.uoc.edu/seminarios/web/matricula.html?id=Identificador&idpath=61311


PROGRAMA

_ - Cultura y sociedad lúdica
1. Contexto histórico: del juego en la cultura a la sociedad del entretenimiento.
2. Las industrias culturales ante la sociedad lúdica: cine, videojuegos, música y entretenimiento en la economía del ocio.

_ - Editores de niveles: apropiación y producción propia.
1. Del ready-made al mashup: la cultura de la apropiación.
2. Cultura del sampling en la era digital.
3. Crowdfunding y nuevos modelos de financiación colectiva.
4. Mazmorras para dragones noveles: la onda expansiva de MySpace y otras comunidades virtuales en la industria del entretenimiento.
5. Machinima: el cine de los entornos virtuales.

_ - First Person Shooters: el consumidor como protagonista.
1. Los nuevos espectadores: usuarios, prosumers y fans.
2. Se prohíbe no tocar: de la obra participativa al game art.
3. Todos somos lonelygirl15: el triunfo de la estética amateur.
4. Modo multijugador: creación colectiva de productos culturales en la red.

_ - Walkthroughs: nuevos caminos en la distribución de contenidos culturales.
1. El modelo peer-to-peer y sus consecuencias para la industria cultural
2. Gift economy.
3. Marketing viral y uso de los social media en la difusión de productos de
entretenimiento.
4. Los nuevos grandes centros de producción en la "periferia global".

_ - Todo juego significa algo: más allá del simple entretenimiento.
1. Serious games: insertando la realidad en un entorno lúdico.
2. Culture jamming y subversión de los mensajes mediáticos.

_ - ¿Continuar? Escenarios para futuras partidas.
1. Las industrias creativas en la era de la Sociedad red.


Más información:

http://www.uoc.edu/seminarios/6/1_presentacion.html

http://www.laboralcentrodearte.org

Asesoría personalizada: 902 141 141

Seminario Internacional Sobre Nuevas Dramaturgias

imagenseminario2-u.jpgDel 23 al 28 de noviembre de 2009
En colaboración con el Centro Párraga
Dirigido por José Antonio Sánchez (Universidad de Castilla- La Mancha)

Espacios dónde va a tener lugar:
Mesas de trabajo: ESAD (escuela Superior de Arte Dramático).
Taller Escritura Mario Bellatín: Centro Párraga, ESP3.
Conferencias: COAMU (Colegio Oficial Arquitectos de Murcia).
Actuaciones: Centro Párraga/CENDEAC, ESP0.

Para más información, te puedes descargar el programa en:
www.centroparraga.es/pdf/dramaturgias_09.pdf

El CENDEAC, en colaboración con el Centro Párraga, celebrará del 23 al 28 de noviembre El Seminario Internacional sobre Nuevas Dramaturgias, que bajo la dirección de José Antonio Sánchez, catedrático de la Universidad de Castilla-La Mancha y reconocido investigador, contará con ponentes de talla internacional.

El objetivo del Seminario es plantear una reflexión sobre los diferentes conceptos de dramaturgia que se dan en este momento en la práctica escénica actual, así como estudiar de qué modo el concepto de dramaturgia es entendido desde otras disciplinas del conocimiento.
Dirigido a todos aquellos profesionales, creadores y estudiantes vinculados o interesados por los ámbitos temáticos de la literatura, la creación escénica contemporánea, las artes visuales y la producción artística en general, así como profesionales y estudiantes de otros ámbitos (arquitectura, sociología, pedagogía, antropología…) interesados por la aplicación de los conceptos escénicos a sus campos de trabajo.


Ponentes
Adrian Heathfield_/ Universidad de Roehampton
Oscar Cornago_/ Investigador del CSIC y Artea
Helgard Haug_/ Componente de la compañía Rimini Protokoll
Roger Bernat_/ Director escénico
André Lepecki_/ Profesor de la Universidad de Nueva York
Juan Domínguez_/ Coreógrafo, director de In-presentable
Enrico Casagrande_/ Fundador de Motus (Italia)
Daniela Nicolo_/ Fundadora de Motus (Italia)
Bonnie Marranca_/ Catedrática de teatro en The New School/ Eugene Lang College
Raimund Hoghe_/ Dramaturgo de la fallecida Pina Bausch y coreógrafo
Angélica Liddell_/ Dramaturga y creadora escénica
Manuel Delgado_/ Antropólogo de la universidad de Barcelona
Antonio Araujo_/ Director artístico y profesor de la universidad de Sao Paulo
Sara Serrano_/ Directora escénica
Pablo Fidalgo_/ Dramaturgo y director escénico
Pablo Ley_/ Dramaturgo, profesor de la Escuela Superior de Arte Dramático de Barcelona
Mario Bellatín_/ Escritor mexicano, novelista experimental


Actuaciones
Rimini Protokoll: Der Zauberlehrling
Raimund Hoghe: Swan Lake
Angélica Liddell, Atra Bilis: La casa de la fuerza
Sergi Faustino: Z.

Además Mario Bellatín, el escritor mexicano cuya novela experimental plantea un lúdico juego entre realidad y ficción, impartirá un curso por las mañanas de 10:00 a 14:00 hrs. al que podrán acceder las personas inscritas mediante selección de currículo. Bajo el nombre de “Radiografía” el objetivo será crear un libro entre todos.

La duración de este curso es de 60 horas y equivale a 2 créditos de libre configuración de la Universidad de Murcia.
Para más información sobre el seminario e inscripciones visita:
www.cendeac.net


CONVOCATORIA DE PROYECTOS ESPACIO ABISAL 2010

Lojo_abisali-u.jpgEspacio Abisal
C/ Hernani 14
48003 Bilbao
Tlf. 944164544

espacioabisal@gmail.com
www.espacioabisal.org

Espacio Abisal seleccionará hasta tres proyectos para su programación de 2010 con el fin de apoyar aquellos trabajos que provengan de artistas jóvenes o colectivos artísticos, se vinculen a una investigación curatorial o cuyo formato sea distinto al tradicional espacio expositivo, siempre que todos ellos se enmarquen dentro de la producción artística contemporánea y presenten un alto grado de experimentación.

Los dossieres se presentarán obligatoriamente en PDF e incluirán una breve descripción del proyecto, así como toda la información necesaria para su comprensión, fotografías de las obras a presentar y su descripción técnica, un esquema de su colocación en sala, la ficha de inscripción debidamente cumplimentada y el documento de aceptación de las bases firmado (ambos descargables de la página web de Espacio Abisal).

Será obligatorio presentar el dossier en formato PDF en la dirección espacioabisal@gmail.com con el asunto “Convocatoria 2010” (si además fuese necesario un dossier “físico”, éste será enviado al apartado de correos 1042 de Bilbao).

La fecha límite de recepción de proyectos será el 30 de noviembre de 2009.

Descarga de documentos: http://www.espacioabisal.org/es/varios.php


BASES

1.- La Asociación Cultural Espacio Abisal abonará un hasta un máximo de 1000€ (IVA incluido) por proyecto, en el que se incluyen: el caché del artista, portes, dietas, alojamiento, transporte, material fungible, mantenimiento del espacio y otros gastos específicos que se vinculen directamente a la obra o la propuesta seleccionada.

2.- La Asociación Cultural Espacio Abisal, buscará financiación a través de subvenciones y colaboraciones con otras entidades o empresas. El capital obtenido será repartido de forma proporcional entre todas las muestras que tengan lugar dentro del periodo al que haga referencia cada subvención o ingreso obtenidos para este fin.

3.- De acuerdo con lo dispuesto en los puntos anteriores, la designación del capital obtenido se distribuirá atendiendo a las particularidades del proyecto, estudiando en cada caso las necesidades a cubrir. Espacio Abisal se compromete a pagar 200 euros por caché de artista (o colectivo) por proyecto. Espacio Abisal solventará los gastos de transporte, alojamiento y dietas para el día de montaje e inauguración hasta un máximo de 300 euros por proyecto. Espacio Abisal no costeará en ningún caso los gastos de producción de las obras. Todos los gastos de (transporte, dietas y alojamiento) serán adelantados por el artista y deberán ser justificados con las pertinentes facturas legales y con los datos administrativos de la asociación.

4.- Espacio Abisal, por su condición de Asociación sin ánimo de lucro, nunca será partícipe de ninguna transacción mercantil con el contenido de las exposiciones. En el caso de que el artista efectuara alguna venta durante el transcurso de la muestra, se considera oportuno recibir un 20 % para fondo común y posibilitar la mejora de infraestructura propia de la asociación. En ningún caso la obra se retirará antes de la finalización de la exposición.

5.- La Asociación Cultural Espacio Abisal se compromete a realizar una adecuada difusión de la muestra, para lo cual realizará al menos una edición de folleto/flyer y un mailing general (incluyendo convocatoria de medios de comunicación). El artista se compromete a enviar con al menos dos meses de antelación la información del proyecto a fin de poder realizar dicha comunicación. El artista tiene plena libertad para procurarse su propio material de difusión sobre el proyecto a realizar en Espacio Abisal, si bien deberá incluir el logotipo, nombre y dirección de la asociación, así como proporcionar un ejemplar a la asociación a efectos de archivo y documentación. El material de comunicación, así como el dossier presentado podrán ser utilizados para la edición de un catálogo o memoria del Espacio Abisal.

6.- El artista podrá hacer uso de los equipos y herramientas de que dispone Espacio Abisal. En caso de ser necesarias infraestructuras inexistentes en Espacio Abisal, el artista podrá contar con el apoyo de la asociación en los trámites oportunos para llegar a disponer de ellos. En caso de ser necesaria la compra de material se hará conforme al apartado 1

7.-Serán valorados aquellos proyectos con una alto grado de especificidad, investigación o que impliquen un trabajo colectivo. Del mismo modo, se tendrán en cuenta propuestas curatoriales y proyectos no expositivos pero relacionados con cultura y producción contemporáneas.

8.-El jurado de la convocatoria Abisal estará formado por un mínimo de 5 personas entre las que habrá al menos dos miembros de la Asociación. La composición del jurado se hará publica una vez haya fallado el mismo a través de la página web de la asociación con el fin de que las propuestas enviadas no estén condicionadas por las personas que integran el jurado y viceversa. El jurado estará compuesto por personas que trabajan en el ámbito de la producción cultural. El jurado tendrá la potestad de dejar desierta la presente convocatoria. Su fallo será inapelable.

9.-El artista se compromete a dejar el espacio en condiciones óptimas de uso, del mismo modo en que lo encontró. De no ser así los posibles desperfectos ocasionados en las instalaciones y/o el material serán subsanados dentro del presupuesto inicial de la exposición indicado en el apartado 1 pudiendo entonces no realizarse el pago de caché estimado en el apartado 3 para cubrir os desperfectos.

10.- Estas bases son un contrato general que será revisado, estudiado, adecuado y modificado si fuese necesario en cada proyecto con el fin facilitar el trabajo de los artistas, comisarios y colectivos seleccionados, teniendo en cuenta las posibilidades de la Asociación, sus medios económicos y sus recursos humanos. Espacio Abisal por este motivo se reserva el derecho de solicitar al artista/comisario/colectivo una explicación más detallada del proyecto con el fin de seleccionar aquellas propuestas que se ajusten más correctamente al espacio y su filosofía.

11.-Estas bases funcionan además como un contrato no contractual entre el artista y Espacio Abisal, siendo por tanto aceptado por ambas partes, firmado y sellado en el momento de hacerse públicos los proyectos seleccionados con el fin de proporcionar una marco de trabajo adecuado para ambas partes.

12.-Los dossieres artísticos incluirán una breve descripción del proyecto, así como toda la información necesaria para su comprensión, fotografías de las obras a presentar, un esquema de su colocación en sala (mapa descargable en la página web de Abisal), la ficha de inscripción rellena con todos los datos y el contrato/bases generales firmado. Será obligatorio presentarlos en formato PDF en la dirección espacioabisal@gmail.com. Si además fuese necesario un dossier “físico” éste será enviado al apartado de correos 1042 de Bilbao haciendo constar en el sobre el mismo asunto.

FECHA LÍMITE 30 NOVIEMBRE DE 2009
*los mails de todos los participantes serán incluídos en la base de datos de Abisal para futuras comunicaciones, talleres y convocatorias

Noviembre 05, 2009

Programación OFF LIMITS noviembre 2009

offlimits100-u.jpgLos que se ven entre sí – 2 al 6 de noviembre
Acción!09 MAD - 5 y 6 de noviembre, 19.30 h
In-Sonora - 12 al 21 de noviembre, 12 a 20 h
Ars Games - 22 de noviembre, 19 h
Dorkbot - 27 de noviembre, 20.30 h
El Invernadero de Lavapiés - 30 de noviembre, 19.00

www.offlimits.es

Los que se ven entre sí
Lunes 2 al viernes 6 de noviembre

Residencia de Bea Fernández y Elena Albert para realizar y editar diversas entrevistas a intérpretes residentes en Madrid.

Los que se ven entre sí es un proyecto de investigación centrado en la figura del intérprete como memoria y archivo vivo de la creación escénica contemporánea. Su objetivo es realizar un vídeodocumento, formado de muchos cuerpos, mosaico de opiniones diversas alrededor de cuestiones como la vivencia del interprete y su memoria tanto física como autobiográfica. El proyecto parte de las entrevistas realizadas a bailarines y actores sobre su experiencia como intérpretes y el hecho de la interpretación. Se presentó por primera vez dentro del marco del festival LP'09 organizado por La Porta (Barcelona), con formato de instalación en proceso.


Acción!09MAD
Jueves 5 y viernes 6 de noviembre, 19.30 h

Encuentro Internacional de Arte de Acción y Performance, que desde el año 2003 ofrece al público de Madrid una visión amplia y profunda de un género independiente y autónomo como es la “performance”.

Programa de acciones en Off Limits:
Jueves 5 de noviembre: Eva Pérez (Valencia), Ryszard Piegza (Polonia) y Antonio Gómez (Mérida)
Viernes 6 de noviembre: Anna Kalwajtys (Polonia), Isabel León (Cáceres) y Angela García (Valencia).


In-Sonora. V Muestra de arte sonoro e interactivo
Del 12 al 21 de noviembre
Horario L a V 12 a 20 h S de 11 a 14 h

In-Sonora es un encuentro anual que reúne instalaciones y objetos sonoros/interactivos, eventos experimentales, talleres, debates y presentaciones. A través de una convocatoria que apunta sobre todo a artistas emergentes, IN-SONORA se convierte en una plataforma de difusión e investigación de propuestas arriesgadas de arte sonoro.

En Off Limits se presentarán los artistas Pablo Serret (España), Kyop Jeong (Korea-Francia), Mario Sarramián (España) y Der Wexel (Holanda). Además podrán consultarse los archivos de sonido de los premios de arte sonoro En el Aire V, de Hablar en Arte y la pieza de escucha La Oveja Negra de Javier Montero.

El 12 de noviembre a las 21.30 h, Kyop Jeong inaugurará la muestra con la performance-instalación “Oreille antérieure” que permite al espectador visibilizar una serie de modulaciones sonoras.

www.in-sonora.com


Ars Games
Domingo 22 de noviembre, 19 h

Ars Games es un encuentro de artistas, investigadores y docentes, que trabajan en el entorno de convergencia del mundo del arte y los videojuegos, un evento pionero y referente a nivel nacional e internacional. En su cuarta edición, el festival abarca ciclos de conferencias, talleres, proyecciones audiovisuales y programación de artes escénicas.

Sin título-provisional, una pieza coreográfica-vídeo instalación interactiva de Aniara Rodado donde la fotografía documental, los videos de combate y los campos de batalla en los videojuegos se constituyen en materia corporal para la bailarina.

Durante la performance de Martin Thiele, Roland muss aufs Klo (Roland has to go) el artista actúa segun las ordenes verbales del publico que intenta liberarlo de una habitación. Esta aventura see and say fue presentada en el Festival A MAZE. First Step en Berlin en el 2009 donde obtuvo el premio "Best Immersion & Gameplay".


Dorkbot
Viernes 27 de noviembre, 20.30 h
Encuentro coordinado por Javier Candeira

Dorkbot es robótica chanante, baja tecnología y bajas pasiones, electrónica ciberpumbi, arte que se enchufa, memes mecanotrónicos. Dorkbot hace música, esculturas, robótica, visuales y proceso de datos. Dorkbot son científicos locos, artistas digitales, inventores de algoritmos y hackers de hardware. En definitiva, Dorkbot consiste en un encuentro mensual de artistas, ingenieros y ciudadanos en general interesados en eso que llaman "arte electrónico" en el sentido más amplio del término.


El Invernadero de Lavapiés
Lunes 30 de noviembre, 19 h

El Invernadero de Lavapiés es un espacio donde se libera el proceso creativo de los límites del consumo. Hipótesis: Eliminando los fines comerciales la creación puede expandirse mas allá de lo convencional.

Creatividad, experimentación, reivindicación y mucho cachondeo es su filosofía. El caos, como contexto para la creación de su actual experimento y la experiencia, demuestran que la creatividad es mucho más potente ante estímulos inesperados.

www.elinvernaderodelavapies.blogspot.com


Off Limits
Escuadra 11 bajo, 28012 Madrid
Metro: Lavapiés y Antón Martín
www.offlimits.es


TALLERES DE ARTE ACTUAL DE OTOÑO EN EL CÍRCULO DE BELLAS ARTES

banner_talleres_281009-u.jpgLA CONSTRUCCIÓN DE UN CUADRO
Dirigido por Miguel Galanda
23.11.09>27.11.09
17>21 H

NetArt
Dirigido por Ricardo Domínguez
30.11.09>04.12.09
17>21 H

www.circulobellasartes.com

El Círculo de Bellas Artes tiene programados para este otoño dos Talleres de Arte Actual dirigidos por artistas de reconocido prestigio.


LA CONSTRUCCIÓN DE UN CUADRO
Dirigido por Miguel Galanda
23.11.0927.11.09
17>21 H

Miguel Galanda (Zaragoza, 1951) es licenciado en Filosofía por la Universidad de Barcelona, donde cursó también estudios de Bellas Artes. En 1984 se traslada a Madrid, y desde entonces ha desarrollado una intensa actividad, exponiendo, entre otras, en las Galerías Ovidio, Montenegro y Juana Mordó. Recientemente acaba de inaugurar su última exposición, Metal de noche / Night Metal, en la Fundación Gabarrón en Nueva York, con piezas estrenadas parcialmente dentro de la escenografía del concierto fin de temporada del Círculo de Bellas Artes. Perteneciente a la llamada «Generación de los 80», su pintura postula un regreso a la materia y a la centralidad de la figura, emplazando el carácter trágico de la existencia humana en el centro de la visión pictórica.
Este taller tiene como hilo conductor la distinción que establece Walter Benjamin entre crear y construir: crear es la posibilidad que tenemos todas las personas; construir solo está al alcance del gran artista. Centrándose en la pintura, se planteará cómo se llega a la imagen, qué secretos esconde, cuál es la importancia de la materia en su conformación, qué tiene de específico o qué la distingue de otras técnicas, cómo llega el artista a encontrar y plasmar su propia visión…

http://www.circulobellasartes.com/ag_talleres.php?ele=110&mod=futuro&tipo=general


NetArt
Dirigido por Ricardo Domínguez
30.11.09>04.12.09
17>21 H

Éste taller se centrará en la historia y tácticas del NetArt (de 1994 a 1998), presentando el trabajo de artistas que usaron los primeros navegadores que se distribuyeron, y hasta qué punto respondieron a otras prácticas artísticas del arte de performance, arte conceptual, medios tácticos, comunicación de guerrilla, y culture jamming (movimiento en respuesta al bombardeo de imágenes publicitarias). También echaremos un vistazo a la participación del Net Art en relación a otros espacios sociales que surgieron al mismo tiempo: tales como, Zapatismo digital, Desobediencia Civil Electrónica, hacktivismo, artivismo, y hasta qué punto han influido en la actual estética post-medios.

http://www.circulobellasartes.com/ag_talleres.php?ele=112&mod=futuro&tipo=general


Precio: 108€ Socios: 96€
Inscripción: www.circulobellasartes.com
Información: 913 605 409- andrea.pascual@cbamadrid.es


NOVIEMBRE 2009 / INTERMEDIÆ, MATADERO MADRID

Espaciotiempoyemocion-u.jpgINTERMEDIÆ [Creación Contemporánea]

MATADERO MADRID
Paseo de la Chopera, 14. 28045 Madrid
Entrada libre

www.intermediae.es
info@intermediae.es
prensa@intermediae.es

ESTACIÓN FUTURO / INAUGURACIÓN ESPACIO, TIEMPO Y EMOCIÓN — 6 de noviembre
OPEN ARSGAMES/MONDOPIXEL 6 — 6 de noviembre
IN-SONORA V EN INTERMEDIÆ / ARS AUTÓMATA — del 10 al 29 de noviembre
IN-SONORA V EN INTERMEDIÆ / ESPACIO DE ESCUCHA Y VÍDEOS SONOROS — del 10 al 29 de noviembre
FREE(K) SESSION 6 / VISUAL INTERACTIVO — 19 de noviembre
LEGÁZPOLIS, TAMARA ARROYO — hasta el 31 de diciembre
PROYECCIONES — 7, 14, 21 y 28 de noviembre, 18.30
PROCESOS DE ARCHIVO

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ESTACIÓN FUTURO / INAUGURACIÓN ESPACIO, TIEMPO Y EMOCIÓN
Videojuegos independientes, comisariado por Javier Candeira

Viernes 6 de noviembre, 20.30 h

Espacio, Tiempo y Emoción es el título del segundo programa de Javier Candeira para Estación Futuro. Una selección de seis videojuegos independientes que nos acerca a sentimiento como el amor, la pérdida, la satisfacción, la traición y el engaño, mostrando que el arte cinético del videojuego no es solo emoción adrenalínica. Podrás jugar a Braid de Jonathan Blow, World of Goo de 2D Boy (Ron Carmel y Kyle Gabler), ROM CHECK FAIL de Jarrad Woods, Enviro-Bear 2010 de Justin Smith, The Graveyard de Tale of Tales (Michaël Samyn y Auriea Harvey) y Polaris de Robert Yang.

> Javier Candeira: hiperactivo.com / pixeltopia.net

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OPEN ARSGAMES/MONDOPIXEL 6
Open Arsgames y Mondopixel

Viernes 6 de noviembre, 19.30 h

En estos encuentros, presentaciones, ponencias o conversaciones con expertos invitados se tratan diferentes aspectos de los estudios sobre videojuegos: la narratología, los estudios cognitivos, las teorías de la representación y la ludología. En esta ocasión Mar Canet presentará “Jugando en tiempos de crisis” y Javier Candeira presentará “Gaming the System: cómo los videojuegos pueden enseñarnos a diseñar sistemas interactivos "virtuosos". Además y a propósito de la inauguración de Espacio, tiempo y emoción, Javier Candeira presentará este nuevo programa de Estación Futuro y el grupo addSensor cerrará con un concierto.

> www.arsgames.net
> En streaming desde: www.ustream.tv/channel/arsgames.net-redefining-art-%26-computer-games
> Programa de ayudas a la creación 2009

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IN-SONORA V EN INTERMEDIÆ / ARS AUTÓMATA
Alberto Bernal e Iván Ferrer

Inauguración 10 de noviembre, 19.00 h. Del 10 al 29 de noviembre
Proyecto multidisciplinar dirigido por Alberto Bernal e Iván Ferrer, en el que se expondrán diversas manifestaciones musicales y sonoras basadas en un trabajo sobre lo autómata con el instrumento de la pianola tradicional y sus derivados modernos. La iniciativa consta de tres escenarios:
1_ Una instalación llamada "Pieza de Escaparate" [Schaufensterstück], de Peter Ablinger, inauguración y encuentro con el artista el 10 de noviembre 19.00 h.
2_ Concierto de Ananda Sukarlan, varias obras para piano automático, piano tradicional y sonidos grabados, el martes 24 de noviembre 20.00 h.
3_ Mesas redondas:
- Arte y Ciencia, un recorrido retrospectivo. Dirige y modera José Ramón Marcaida. Miércoles, 25 de noviembre a las 19.00 h.Jueves, 26 de noviembre a las 19.00 h
-Welcome to the machine: la máquina y sus representaciones en la música del siglo XX. Dirige y modera Igor Conteras.

> www.in-sonora.com
> Programa de ayudas a la creación 2008
> Inauguración del 10 de noviembre a las 19.00 h

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IN-SONORA V EN INTERMEDIÆ / ESPACIO DE ESCUCHA Y VÍDEOS SONOROS
Plataforma IN-SONORA

Inauguración 10 de noviembre, 19.00 h. Del 10 al 29 de noviembre

Piezas sonoras de los artistas Miguel A. García, Fabián Ávila, Bruno Bresani, Francisco Eme, Josh Goldman, Bernabé Gómez, Alfonso Hervás, Oier IA “Dedalu”, Keppe, Tomaz Klotzel, Kunkuni mix project, Raphael Simon - Karen, Sol Rezza, Pedro Torres y TensionCo.

Vídeos sonoros de los artistas Angella Conte, Mit Borras, José Tomé, Lacomida visuals, Ninotchka Art Project y Visónica: proyectando sonidos. Muestra de vídeos sonoros de México impulsada por la plataforma TRANSONICA (México), comisarios: Lucia Cavalchini y José Ignacio López Ramírez –Gastón (Discos Invisibles / Tijuana).

> www.in-sonora.com
> Inauguración del 10 de noviembre a las 19.00 h
> Programa de ayudas a la creación 2009

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FREE(K) SESSION 6 / VISUAL INTERACTIVO
Jay Barros

Jueves 19 de noviembre, 19.30 h.

Free(k) Culture pretende fomentar una comunidad de usuarios y creadores que utilizan herramientas libres para la creación, y promover esas producciones a través de las Free(k) Sessions. La sexta sesión de Free(k) Culture estará dedicada a las artes visuales. Chris Sugrue (csugrue.com) presentará proyectos sobre interactividad y en gráficas visuales basadas en OpenFrameWorks. Francesca Mereu (www.mereufrance.blogspot.com) Visions, un proyecto sobre generación instalaciones de hologramas 3d interactivos. Finalmente Julien Charlon comentará su experiencia en proyectos de "interactividad analógica" organizado para la creación del libre participativo MundoLavapies.

> freekculture.net
> Programa de Ayudas a la Creación Contemporánea 2009

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LEGÁZPOLIS
Tamara Arroyo

Intermediæ / Nave 2
Hasta el 31 de diciembre

Legázpolis, una obra de la artista Tamara Arroyo, es el primer proyecto de Mundo Legazpi. Tamara presenta una obra que descubre en Legazpi un particular “país de las maravillas” en el que habitar paisajes de ilusión y trazar un nuevo mapa. El proyecto de Tamara en la web de Mundo Legazpi se completa con una instalación en la nave de Intermediae titulada el Strip de Delicias. Como si del Strip de las Vegas se tratase, la instalación está formada por una serie de carteles luminosos que hacen referencia a lugares lejanos. Carteles de locales comerciales que son una forma de visibilidad de las poblaciones inmigrantes en Legazpi.

> www.mundolegazpi.intermediae.es

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PROYECCIONES

Un programa que presenta regularmente vídeos, documentales y películas relacionados con la programación.
Descargar programa de noviembre (pdf)

— AQUÍ SE CONSTRUYE (O YA NO EXISTE EL LUGAR DONDE NACÍ). Ignacio Agüero
Sábado 7 de noviembre, 18.30 horas

Documental que registra el transcurso del tiempo, en un espacio que se transforma al compás de los cambios que impone el mercado. En el filme, un residente de un barrio en la comuna de Providencia, en Santiago de Chile, observa y sufre la demolición de la casa contigua y la construcción de un edificio sobre el mismo lugar, a lo largo de dos años. A modo de epílogo, este habitante percibe que la luz que entra por las ventanas de su casa ya no es la misma, que casi todos sus vecinos se marcharon, y que hasta las colonias de pájaros emigraron. Sólo le queda mirar desde abajo a los nuevos moradores que se encaraman en los balcones del nuevo edificio.

> 2000 (Chile). Documental. Duración 74’. Castellano


— LAS PELUQUERAS. Maite Alberdi e Israel Pimentel
Sábado 14 de noviembre, 18.30 horas

Ana Luisa lleva 60 años levantándose temprano para abrir la peluquería ubicada en el living de su casa. Tato lleva 40 años levantándose aún más temprano para ir al barrio Brasil y atender la peluquería de Ana Luisa. Peinados y cortes, es lo único que queda para ofrecer. La peluquería es su refugio en medio de un barrio que rejuveneció demasiado para los ojos de ellas. Entre quienes las visitan está Aurora, una sobrina, que le ofrece a Ana Luisa una oportunidad para tratar de reactivar el negocio.

> 2007 (Chile). Documental. Duración 26’. Castellano

— AMARGO COMO LA VIDA. Mario Opazo
Sábado 21 de noviembre, 18.30 h

Documental que expone de manera crítica y poética el estado de vida del pueblo Saharaui en los campamentos de refugiados en Argelia. Mario Opazo ha venido difundiendo con su trabajo la causa de la lucha Saharaui, una sociedad que lleva mas de 35 años reclamando desde el exilio su territorio, el Sahara Occidental, invadido por Marruecos. El artista visitó los Campamentos de Refugiados en el mes de junio de 2008, y desde su retorno a América Latina, ha venido difundiendo la situación de los Saharauis, este documental es unos de los medios por los cuales se intenta expandir la causa de la RASD.

> Con la presentación del director
> 2008 (Chile). Documental. Mario Opazo. Duración 100’. Árabe y castellano con subtítulos en castellano

— SIDDIEQA, FIRDAUS, ABDALLAH, SOELAYMAN, MOESTAFA, HAWWA AND DZOEL-KIFL. Joost Conijn
Sábado 28 de noviembre, 18.30 h

Siddieqa, Firdaus, Abdallah, Soelayman, Moestafa, Hawwa and Dzoel-kifl son los nombres de los siete hijos de una familia holandesa islámica. Viven en una caravana situada en una zona de “okupas” en los muelles de la ciudad. Se trata de un lugar en el que los nómadas y los vagabundos viven en pequeñas chozas y caravanas. La familia islámica vive al otro lado de la valla con sus siete hijos; el pequeño tiene tres años y el mayor catorce. La película trata de conceptos universales como la libertad y la autenticidad. Estos niños llenan sus días con espontaneidad e inventiva, a pesar del aislamiento y la miseria en la que crecen.

> 2003 (Holanda). Documental. Duración 41’. Neerlandés e inglés con subtítulos en castellano

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PROCESOS DE ARCHIVO
Valeria Graciano y Manuela Zechner, Pablo Jarauta, Cía. Puctum, Sarah Vanagt. (Co-comisario Neil Cummings)

Work in progress: Vídeo, teatro documental, instalación

Procesos de archivo ensaya formas de abordar la construcción de un archivo en el contexto de una institución concebida a partir de las ideas de proceso y participación. Las propuestas artísticas que van formando del proyecto son archivos vivos que recogen y dan a conocer la memoria colectiva local, la memoria del propio lugar -de Matadero-, así como las experiencias que han dado cabida a distintos públicos en Intermediæ. Pasado, presente y futuro se combinan en las distintas propuestas que va acogiendo la plataforma Procesos de archivo.

— LITTLE FIGURES. Sarah Vanagt
Videocreación de la artista Sarah Vanagt. Tres estatuas en el Mont des Arts de Bruselas: un rey, una reina y un caballero medieval. Tres recién llegados a Bruselas: un chico filipino, una chica refugiada de Ruanda y un chico marroquí. Una conversación imaginaria.

— FUTURE ARCHIVE. Manuela Zechner y Valeria Graziano
Future Archive es un proyecto que se aproxima a través de entrevistas a diferentes personas al reto de cómo plantear distintos futuros deseables. En la web, se recogen conversaciones basadas en posibles tiempos y espacios por venir, propuestas en las cuales dos o más personas habitan a través del diálogo diferentes versiones del futuro. Este Archivo del Futuro se compone de entrevistas y conversaciones en el que se dialoga cuidadosamente para desarrollar un vocabulario y una sintaxis de formas potenciales de pensar y existir.

> www.futurearchive.org

— CORTE ARGANZUELA. Cía Puctum

Instalación en la plataforma Procesos de archivo / Proyecto escénico de teatro documental
Corte Arganzuela de la Cía. Puctum es un proyecto que trabaja desde hace 2 años con un grupo de vecinos sobre sus vivencias autobiográficas, vinculadas a la historia y las transformaciones de los barrios que componen Arganzuela.

> www.puctumteatro.com



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INTERMEDIÆ [Creación Contemporánea]

MATADERO MADRID
Paseo de la Chopera, 14. 28045 Madrid
Entrada libre

www.intermediae.es
info@intermediae.es
prensa@intermediae.es

Noviembre 04, 2009

INGRÁFICA, Segundo Festival Internacional de Grabado Contemporáneo Ciudad de Cuenca

logoingrafica09copia-u.jpgDel 6 de noviembre al 13 de diciembre de 2009
Exposiciones, intervenciones urbanas, jornadas con profesionales, talleres, convocatorias, recorridos guiados, etc.

www.ingrafica.org

Ingráfica, Festival Internacional de Grabado Contemporáneo Ciudad de Cuenca, celebrará su segunda edición del 6 de noviembre al 13 de diciembre de 2009 bajo el tema “Realidad o ficción”.

• Única cita con el mundo de la obra gráfica y seriada de carácter no comercial en España, se consolida como punto de encuentro y reflexión entre los profesionales del grabado y el público interesado a través de Exposiciones, Intervenciones en la calle, Jornadas, Talleres, Convocatorias, Recorridos guiados, etc.

• Durante seis semanas, Cuenca acoge la obra de más de setenta artistas nacionales e internacionales de plena actualidad en el ámbito del grabado y la creación gráfica, entre cuyos nombres se encuentran Javier Aranguren (España), Matteo Fato (Italia), Michael Wegerer (Austria), Ma Zhao Wu (China), Toño Camuñas (España), Sebastian Moldovan (Rumanía), o los colectivos La Más Bella (España), PSJM (España) y Twozywo (Polonia).

• En las Jornadas Ingráfica los artistas de la presente edición hablarán de su trabajo y debatirán con el público asistente sobre el proceso creativo de sus obras, el impacto del arte gráfico en la creación contemporánea, los límites entre realidad y ficción, etc.

• Las Exposiciones Ingráfica 09 regresan a las principales sedes culturales y museísticas de la ciudad: Fundación Antonio Pérez, Fundación Antonio Saura, Museo de la Semana Santa, Escuela de Arte José María Cruz Novillo y las Iglesias de San Andrés y San Miguel.

• A la programación oficial de Ingráfica se suman los espacios asociados al festival con exposiciones de producción propia: Espacio Torner, Museo de Obra Gráfica de San Clemente y las Galerías X Amor al Arte y Pilares.

• Ingráfica Transversal abre el festival a nuevas propuestas de exhibición en soportes urbanos como marquesinas, ventanas de autobuses urbanos o paredes; en objetos de uso cotidiano como azucarillos y servilletas de bares e, incluso, en la propia piel en forma de tatuajes.

• Ingráfica Intercambia permite a treinta ciudadanos acoger en su casa una litografía de la suite “Diurnes” de Pablo Picasso y André Villers. A cambio, cederán un objeto decorativo de sus propios hogares que pasará a formar parte de una exposición colectiva en la Fundación Antonio Pérez.

• Durante esta edición la Universidad de Castilla-La Mancha participa en el festival patrocinando los Talleres Ingráfica y promoviendo la muestra “Postgráfica / Contragráfica; en los límites extendidos de la Gráfica”.

• El público espectador está invitado a descubrir las exposiciones e intervenciones del festival a través de los Recorridos Guiados, que se celebrarán los sábados por la mañana.

• Ingráfica en Abierto fortalece la proyección internacional de Cuenca a través de la Trienal Internacional de Grabado de Cracovia, uno de los eventos más prestigiosos de grabado en Europa, y de los acuerdos alcanzados con el Instituto Cervantes para promocionar el festival en el extranjero.

• Ingráfica publica el catálogo oficial del festival en edición bilingüe, con todos los datos de la programación y ensayos de Javier Chavarría y José Ramón Alcalá.

• ingrafica.org, el sitio Web del festival, mantiene su edición bilingüe e incorpora nuevos recursos audiovisuales y un mayor dinamismo en la presentación de la información y la gestión de las inscripciones y otros servicios.

• Con el fin de mejorar el impacto y repercusión de las actividades en la ciudad, Ingráfica 09 será objeto de estudio por parte del Observatorio de Políticas Culturales de la UCLM y la Diputación Provincial de Cuenca.

• Ingráfica es un proyecto original de la asociación Hablar en Arte (www.hablarenarte.com), promovido por el Ayuntamiento de Cuenca con el respaldo del Consorcio de la Ciudad.


Más información
info@ingrafica.org
Tel. +0034 91 308 00 49
www.ingrafica.org


Patrocinadores institucionales:

Ayuntamiento de Cuenca
Consorcio de la Ciudad de Cuenca
Cuenca 2016







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Narrativas de fuga II. Claire Fontaine

FOTOGRAMAFINALNARRATIVAS2-u.jpgConversaciones en torno a la construcción de discursos en el arte contemporáneo

Universidad Internacional de Andalucía - UNIA arteypensamiento

Seminario - Taller - Conferencias - Proyecciones
Sevilla, 17 - 20 noviembre 2009
Coordinación_Nuria Enguita Mayo

Abierto el plazo de inscripción

(Imagen: Fotograma de Bande à part, Jean-Luc Godard, 1964)

presentación

Hoy en día, las obras de arte, independientemente de donde se exhiban, coexisten con los artículos de consumo en una promiscuidad permanente, física y simbólica. Lo que denominamos el “contexto” no es sino la zona gris de esta cohabitación, de esta confusión. El valor de uso de los conceptos y de las imágenes se ha reducido enormemente al haber aumentado disparatadamente su valor de cambio en el mundo del arte.

Las ferias de arte y otros lugares mayormente comerciales han sido rehabilitados e impulsados a modo de ocasiones en las que se brinda al público la oportunidad de ver arte contemporáneo. Por otro lado, se da por supuesto que la vida no comercial de las obras de arte evolucionará solamente en el espacio de una recepción regulada. A juzgar por las estrategias adoptadas por los gobiernos en diferentes partes del mundo se diría que los niños y el público en general tienen que estar en contacto con el arte contemporáneo, como si se tratara de algo saludable o terapéutico.

A los artistas de hoy parece darles vergüenza abordar el tema de la vida en cuanto problema político, que fue un tópico omnipresente de la vanguardia, de los movimientos de los años setenta y de toda la filosofía del siglo XX. Este tema parece haber encontrado su lugar en la imagen cinética y, así, coloniza documentales y películas de todo tipo, como si el contacto con el mundo material le supusiera una amenaza.
El objetivo del arte ya no es construir o describir mundos posibles, y esto se debe a que esa tarea ha sido completamente asumida por la industria o la televisión. El arte tiene que dirigirse al espectador, ese sujeto desconocido a quien, sin embargo, hay que tener en cuenta.

Las democracias mercantilistas han generado una figura híbrida, el cliente-usuario-ciudadano, cuya función es reclamar aquello por lo que ha pagado. Paradójicamente, sin embargo, hemos llegado a una situación en la que si los servicios públicos, los transportes o la enseñanza, se encuentran en la necesidad de ir a la huelga a fin de hacer oír sus demandas, el gobierno puede objetar que los huelguistas secuestran a la población y causan daños económicos. Visto desde otra perspectiva este fenómeno se puede describir así: los trabajadores son víctimas del chantaje de esta nueva figura que paga por sus derechos y considera que toda forma de lucha es una manera de atentar contra la ley, cuando la ley no es sino el resultado de muchas luchas. Como parte de esta misma estructura económica, el artista se encuentra en una situación similar, no puede olvidar en ningún momento que su obra es una “creación social”.

Deleuze cita a Paul Klee al final de su conferencia ¿Qué es el acto de creación?: los artistas hacen su obra para un pueblo que falta, para una gente que todavía no existe, nunca para el público preexistente. La obra de arte al tiempo que crea su público, crea una gente que antes no existía. Deleuze no cita la obra de arte como instrumento pedagógico controlado, sino como mecanismo de subjetivación para el espectador. No es para él un elemento de educación cívica, sino una herramienta liberadora y desculturizadora, una herramienta para la revuelta.

El punto de partida de este seminario será la proximidad impuesta entre el artista y su público, el público compuesto de compradores y vendedores, y el público espectador. Las consecuencias de esta promiscuidad son numerosas, pero queremos analizarlas desde la perspectiva del artista, dejando a un lado la perspectiva sociológica. La oscilación permanente entre seducción y censura, el trabajo implícito de reformatear el arte a fin de hacerlo compatible con el contexto y la necesidad de auto-inscripción en un campo en el que los críticos están cada vez más ausentes, serán algunos de los puntos que abordaremos.

Cualquiera puede objetar, por supuesto, que los artistas no están obligados a someterse a estas obligaciones, y todos tendríamos que estar de acuerdo, pero hoy denominamos artista a alguien que lleva a cabo estas tareas. De las otras nadie sabe nada.

Claire Fontaine, 2009


Narrativas de fuga II. Claire Fontaine continúa los encuentros iniciados por UNIA arteypensamiento en primavera de 2009 con el fin de aproximarse a autores fundamentales en la creación del discurso estético contemporáneo y que tuvo como primera invitada a Alice Creischer. De nuevo, a partir del encuentro y el debate directo con artistas, se pretende conocer sus prácticas en sus momentos de fuga, en sus acciones más intensas; no tanto a partir de la contemplación directa de su obra como de ciertos conceptos, textos e imágenes de los que surge su posicionamiento en torno al proceso del arte y a su contexto.

Claire Fontaine es un colectivo de artistas creado en 2004 con base en París que propone una esfera de actividad colectiva que no tiene que ver con los formatos impuestos por el sistema del arte. Su proceso creativo es ya una forma de participación comprometida que cuestiona dichos formatos, con el fin de entender cuál puede ser el papel del arte en un mundo en el que el consumo ya no es una actividad en sí misma sino un factor inevitable en la construcción de nuestras vidas. En un mundo de subjetividades estandarizadas y un tiempo y un espacio marcado por la publicidad, Claire Fontaine plantea la posibilidad de una interrupción de la vida activa, una huelga humana. “El arte sería simplemente una manera de estar atento a esas interrupciones, un espacio en el que hablar de cuestiones que de otro modo estarían enterradas, un campo de intervención formal que ya no se plantea como un modo de liberación sino como un espacio puramente estético. Pero como tal, capaz de albergar un enorme potencial crítico sobre la organización general de la sociedad”.

¿Cómo hacer llegar ese potencial crítico? ¿Cómo neutralizar la simplificación pedagógica en la transmisión del arte contemporáneo? Acompañada por Michael Krebber y Elena Crippa, Claire Fontaine propondrá: “una reflexión libre, basada en nuestras prácticas correspondientes, acerca de los dos principales contextos de recepción del arte contemporáneo -sus dos infiernos-: el espacio pedagógico y el mercado”.


seminario-taller

Asistencia previa inscripción
17 – 20 noviembre 2009
Martes a jueves de 10:00 a 14:00 h
Viernes de 10:00 a 18:00 h

Martes_17 noviembre 2009
10:00-12:00 h
Pesadillas institucionales a cargo de Claire Fontaine
Presentación global del proyecto, estableciendo una comparación entre el arte como herramienta para la subjetivización y la simplificación pedagógica que, a fin de generalizarlo y hacerlo cada vez más público, lo reduce a mera ilustración de ciertos valores positivos. El objetivo del seminario es analizar las posibilidades del arte como agente perturbador que rechaza nuestro modelo de civilización y viene a poner en tela de juicio la viabilidad del modelo acumulativo.

12:00-13:00 h
Algunos conceptos de Neo-formalismo y algo acerca del antiguo formalismo en las artes a cargo de Michael Krebber
Michael Krebber presentará trabajos de varios artistas denominados recientemente Neo-formalistas, junto a otros del escultor alemán Antonius Höckelmann y el cineasta Jack Smith.

13:00-14:00 h
Comisariar en un escenario comercial a cargo de Elena Crippa
Elena Crippa presentará brevemente un número de exposiciones y proyectos que organizó mientras trabajaba en la Lisson Gallery desde 2006, cuando el mercado estaba aún en pleno auge, hasta 2009, bien entrada la recesión y el estancamiento del mercado del arte.

Miércoles_18 noviembre 2009
10:00-14:00 h
Discusión entre los ponentes moderada por Claire Fontaine
Se discutirán los temas presentados por los ponentes examinando críticamente cuestiones como la teatralidad, la estética relacional en la construcción de la nueva figura del espectador / consumidor interactivo y el artista como proveedor de servicios.

Jueves_ 19 noviembre 2009
10:00-14:00 h
Presentación y debate de trabajos de las personas inscritas
La discusión se centrará en los diferentes planteamientos presentados por los participantes para luego examinar las posibilidades evocadas por sus puntos de vista.

Viernes_ 20 noviembre 2009
10:00-18:00 h
Sesión de trabajo con las personas inscritas


conferencias-proyecciones

Asistencia libre
17 – 19 noviembre 2009
19:00 h

Martes_17 noviembre 2009
19:00 h
Una educación política sin imágenes a cargo de Claire Fontaine
Presentación de las tres películas que se proyectarán durante el seminario y explicación de su relación con el contenido general del mismo. La conferencia abordará las dificultades y las contradicciones que entraña el planteamiento pedagógico en el marco de una política emancipadora y en la difusión del arte contemporáneo.

20:00 h
Proyección de la película Sean de Ralph Arlyck, Estados Unidos, 1969, 15 min, V.O. subtitulada al castellano
San Francisco, 1969. Sean, un niño de cuatro años y medio, descalzo y con el pelo alborotado, mira a cámara, despliega toda su candidez y confiesa con una sonrisa: “I smoke grass” [Fumo hierba]. El niño, que rechaza la autoridad policial pero no acierta a ordenar los días de la semana, es retratado por Ralph Arlyck, un veinteañero que le interpela en off y filma sus pasos durante varios días. Es uno de sus vecinos de Haight-Ashbury, epicentro emocional del movimiento hippie. De esta película, con dos únicas voces separadas por una generación y Vietnam como telón de fondo, dijo François Truffaut “No tengo sino elogios para el director y la pequeña estrella que es verdaderamente ‘el chico’ de nuestros Tiempos Modernos”.

Miércoles_18 noviembre 2009
19:00 h
Pubertad en la pintura a cargo de Michael Krebber
Un intento de conectar los conceptos de dandismo y pintura y de desmontar esta construcción inmediatamente. Quizá la palabra Pintura remita a la palabra Arte hasta el punto que la mayoría de la gente que tiene que ver con ella (en cualquier tipo de actividad) tiende a pronunciarla con un guiño, o con un gesto que indicara un entrecomillado, incluso si (o precisamente por ello) tienen cierto respeto por ese campo, lo que nos da una idea del aspecto institucional o del poder de dicho concepto.

20:00 h
Proyección de la película D’amore si vive de Silvano Agosti, Italia, 1984, 94 min, V.O. subtitulada al castellano
D’amore si vive [De amor se vive] comenzó como una serie televisiva de unas nueve horas de duración, para ser editada posteriormente como un largometraje. Rodada en la ciudad de Parma, la película examina lenta y minuciosamente los procesos del amor, especialmente entre personas excluidas socialmente o con problemas físicos o mentales.

Jueves_19 noviembre 2009
19:00 h
Sobre ciertas cuestiones relativas a la presentación y al presente a cargo de Elena Crippa
La lectura que hace Michael Fried del arte minimal como “teatral” ha sido muy debatida y criticada. Y, sin embargo, el análisis de Fried demostraba una percepción muy sutil de los cambios que estaban teniendo lugar en la relación entre las obras de arte y su público y apuntaba a una manera de entender el arte como mecanismo de subjetivación. Se analizarán, como parte de una determinada trayectoria histórica, las cuestiones de la teatralidad, los cambios en los modos de dirigirse al espectador y en la relación entre las obras de arte y los contextos cada vez más comerciales de exhibición y consumo.

20:00 h
Proyección de la película Koko: A talking gorilla de Barbet Schroeder, Francia, 1978, 80 min, V.O. subtitulada al castellano
En 1977, los aclamados cineastas Barbet Schroeder y Nestor Almendros se aproximaron al universo del primate más famoso del mundo: Koko. Este documental se filmó justo después de que el gorila fuera llevado del zoo a la Universidad de Standford por el Doctor Penny Patterson, para llevar a cabo un experimento controvertido: se le enseñarían las bases de la comunicación humana a través del lenguaje de signos americano. La película arroja luz sobre los debates éticos y filosóficos en torno a los derechos de los animales.


inscripción

Seminario/taller >> Este seminario está dirigido a artistas o estudiantes de arte, comunicación audiovisual, antropología, sociología o economía así como a productores culturales y público en general interesado en examinar las formas de hacer compatible el arte con su contexto, y en discutir cómo éste puede reincorporarse a un mundo dominado por el consumo y la estandarización de la subjetividad.

Número máximo de participantes: 20.
Número de horas: 35 h.
Matrícula: gratuita.

Las solicitudes se realizarán rellenando el formulario online accesible desde la página del proyecto en www.unia.es/arteypensamiento o enviando un email a la dirección uniaarteypensamiento@unia.es antes de las 14:00 h del 12 de noviembre de 2009, incluyendo los datos personales de la persona interesada y una reflexión sobre las razones por las que desea participar en el seminario-taller. La admisión se comunicará personalmente a las personas seleccionadas.

Las personas seleccionadas que estén trabajando sobre estos temas a nivel artístico, académico o autodidacta tendrán la oportunidad de presentar sus trabajos si lo desean para contrastarlos con los ponentes y otros participantes.


Certificados >> Los alumnos matriculados en el seminario-taller que acrediten al menos la asistencia al 80% de las jornadas y, en su caso, hayan superado el sistema de evaluación previsto en el curso recibirán un certificado de asistencia en los que constará el número de horas del curso (35 horas).


ponentes

Claire Fontaine es un colectivo fundado en 2004 que vive y trabaja en París. Tras haber tomado su nombre de una popular marca de cuadernos escolares, Claire Fontaine se autodeclara una “artista ready-made” y comienza a elaborar una versión de arte neo conceptual, obras que a menudo nos recuerdan al trabajo de otra gente. Trabajando con neón, vídeo, escultura, pintura y textos, su práctica puede ser descrita como un cuestionamiento abierto a la impotencia política y a la crisis de la singularidad que parece caracterizar al arte contemporáneo hoy. Pero si la artista misma es el equivalente subjetivo de un urinario o una caja de Brillo (tan desplazada y privada de valor de uso e intercambiable como los productos que ella crea) queda siempre la posibilidad de lo que ella llama “la huelga humana”. Con sólo cuatro años, Claire Fontaine se sirve de su frescura y juventud para transformarse en singularidad cualquiera, y en terrorista existencial en busca de emancipación subjetiva. Crece entre las ruinas de la noción de autor, experimentando con protocolos de producción colectivos, détournements y puestas en escena de diversos dispositivos para compartir la propiedad intelectual y la propiedad privada. Entre sus apariciones recientes se encuentran: Arbeit Macht Kapital, Kubus, Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, Munich; They Hate Us For Our Freedom, Contemporary Art Museum St. Louis; Lucky In The Misfortune, Masion Descartes, Institut Français des Pays-Bas, Ámsterdam; Feux de Détresse, Galerie Chantal Crousel, París y Claire Fontaine, The Exhibition Formerly Known as Passengers, CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco; Recessions, Galerie Gabriele Senn, Viena; Inhibitions, Reena Spaulings Fine Art, Nueva York. En la actualidad prepara un libro sobre los conceptos “artista ready-made” y “la huelga humana”.

Elena Crippa, conservadora y comisaria de exposiciones, es italiana pero reside en Londres, donde estudió en el Royal Collage of Art. Hasta hace poco era subdirectora de exposiciones en la Lisson Gallery, donde en el transcurso de los tres últimos años organizó numerosas exposiciones tanto individuales, como las de Daniel Buren, Alora & Calzadilla y Dan Graham, como colectivas, además de otros proyectos realizados fuera de la galería, como Perplex in Public, una serie de obras y performances presentadas en diversos emplazamientos de la ciudad de Londres, en 2008, y las exposiciones de la serie “Lisson Presents”, que se han venido realizando durante este año. Es miembro de RUN, un colectivo de conservadores de arte de Londres, y recientemente se le concedió la ayuda Leverhulme para dirigir en conjunción con el London Consortium y el Departamento de investigación de la Tate Gallery un curso de doctorado basado en el proyecto Art School Educated, Currículo Change in Art Schools 1960-2010.

Michael Krebber es artista, reside en Colonia e imparte clases de pintura en la Staedelschule de Frankfurt. En 2004, participó en Formalismo: el arte moderno, hoy en el Kunstverein de Hamburgo. En 2005 colaboró en Alien Hybrid Creatures con el texto “Puberty in Painting”, y ese mismo año John Kelsey escribía sobre él: “Krebber ha declarado públicamente que carece de ideas, puesto que todas las buenas ideas que se le puedan ocurrir ya han sido pensadas por alguien antes. De modo que se ha planteado dos vías de escape a esta situación: En primer lugar, no huir, y si huyes, entrégate luego”. Krebber colabora esporádicamente en Texte zur Kunst, y para el primer número de mayo escribió un artículo sobre la relación del periodo Vache de René Magritte y el concepto de “pintura mala”.


programa

>>Martes_17 noviembre 2009

10:00-12:00 h
Pesadillas institucionales sesión de trabajo con Claire Fontaine

12:00-13:00 h
Algunos conceptos de Neo-formalismo y algo acerca del antiguo formalismo en las artes sesión de trabajo con Michael Krebber

13:00-14:00 h
Comisariar en un escenario comercial sesión de trabajo con Elena Crippa

*19:00 h
Una educación política sin imágenes conferencia a cargo de Claire Fontaine

*20:00 h
Proyección de la película Sean de Ralph Arlyck, Estados Unidos, 1969, 15 min, V.O. subtitulada al castellano


>>Miércoles_18 noviembre 2009

10:00-14:00 h
Discusión entre los ponentes moderada por Claire Fontaine

*19:00 h
Pubertad en la pintura conferencia a cargo de Michael Krebber

*20:00 h
Proyección de la película D’amore si vive de Silvano Agosti, Italia, 1984, 94 min, V.O. subtitulada al castellano


>>Jueves_ 19 noviembre 2009

10:00-14:00 h
Presentación y debate de trabajos de las personas inscritas

*19:00 h
Sobre ciertas cuestiones relativas a la presentación y al presente conferencia a cargo de Elena Crippa

*20:00 h
Proyección de la película Koko: A talking gorilla de Barbet Schroeder, Francia, 1978, 80 min, V.O. subtitulada al castellano


>>Viernes_ 20 noviembre 2009

10:00-18:00 h
Sesión de trabajo con las personas inscritas
* Las sesiones marcadas con asterisco serán abiertas al público interesado. El resto de sesiones requieren inscripción previa.



Unia_arteypens_c-u.jpg

Noviembre 03, 2009

Seminario de Jean-Louis Déotte
Los aparatos estéticos, artísticos y las musas

69900001-u.jpg16/17/18 noviembre
18.30-21.30

CENDEAC, MURCIA
www.cendeac.net

Fue Benjamin el primero en distinguir las artes (las musas) y los medios de reproducción (la fotografía, el cine). Ahora bien, resulta evidente en la lectura de La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica que ni la fotografía, ni el cine son simplemente dos medios de reproducción de las obras de arte. Dado que tanto la una como el otro implican la sensibilidad de una época. Son aparatos (apparatus) que tienen necesariamente una dimensión técnica. Benjamin proporciona un análisis muy rico de nuevas relaciones con la temporalidad que determinan a ambos. Por sí mismos estos aparatos no son artísticos, pero modifican cada arte dotándolo de un nuevo significado. Esta categoría de aparato estético permite integrar otras técnicas que no poseen un estatus real: como es el caso de la perspectiva. Es el caso también de instituciones como el museo que han modificado radicalmente el discurso de las artes plásticas, etc.


Sesiones

En la primera sesión se hablará de los aparatos estéticos modernos (esencialmente proyectivos) y las artes. Aquí, los aparatos no deben entenderse como dispositivos en el sentido de Foucault y Agamben.
En la segunda sesión se abordará la filosofía benjaminiana de la técnica, en particular la cuestión de la arquitectura de hierro y hormigón del siglo XIX, elaborada en la lectura de S. Giedion (Construire en France, construire en fer, en béton). Benjamin elabora la noción de la forma plástica como resolución de un problema técnico.
En la tercera sesión se analizará como bajo la influencia de un aparato estético, un artista puede desarrolla su propio aparato artístico. Analizaremos el caso de Kurt Schwitters y del aparato Merz.


Breve biografía

Antiguo director del programa del Colegio internacional de Filosofía (París). Es profesor del departamento de filosofía de la Université Paris 8 Saint-Denis-Vincennes y coordinador de la Maison desd Sciences de l’Homme Paris Nord. También es responsable de los programas de investigación internacionales y director de la colección Esthétiques chez L’Harmattan (con 100 títulos publicados). Es el responsable de la revista online Appareil, patrocinado por la Maison desd Sciences de l’Homme Paris Nord. Ha publicado una quincena de libros entre los que se encuentran L’époque des appareils (2004), L’époque des appareils, (2004), Catástrofe y olvido (1994, ed. cast. 1998) y Le musée, l'origine de l'esthétique (1990)

CaixaForum (Barcelona). Canal Mediateca / Media Art

caixaforum10-u.jpgCanalMediateca. One Minute Festival 2008
Presentación IDEP. Escuela de la Imagen
Exposición FotoPres’09


CaixaForum Barcelona
Avenida Marquès de Comillas, 6-8
08038 Barcelona

www.laCaixa.es/obrasocial

_ Multimedia. Canal Mediateca

One Minute Festival 2008
Del 23 de noviembre al 23 de enero de 2010
Clips de vídeo

Presentación de la pasada edición del Festival One Minute con la proyección del dvd que recoge todos los clips de 1 minuto premiados en las diferentes categorías del festival.

Los One Minute son exactamente esto, pequeños clips de video de un minuto de duración. Clips de mirada rápida y fácil, en un mundo en el que a menudo todo se mira a alta velocidad.

La relación de los One Minute con los anuncios, los videoclips, el uso de cámaras domésticas, los clips de publicidad en internet,…convierte a la expresión artística de los One Minute en el formato mejor adaptado a nuestros tiempos.

Cada año se celebra una convocatoria de One Minute abierta a todo el mundo, de allí la amplia y variada nacionalidad de los participantes.

Participa tú también visitando: www.theoneminutes.org


Coordinación: Jordi Nicolau

1. Small News
Segredo Miguel Gonçalves Mendes (Portugal) 2007
Dedicated to My Father Zang Ying (Xina) 2008
Why? Vincent Assiga (Camerun) 2007
Domestic Tourism Maha Maamoun (Egipte) 2008
Scraping Su Tomesen (Païssos Baixos) 2008
Up Yours Mohammed Fahmy (Egipte) 2008
From the World of Silence Arpa Hacopian 2008 (Armenia)
There is a Dog in the Sky Qi Yun Bo (Xina) 2008

2. Looking out of the Window
Chachi Avi Krispin (Israel) 2008
Looking out the Window Perce Jerrom (Regne Unit) 2008
Stil Maartje Jaquet (Païssos Baixos) 2008
Hoekhuis Inne Haine (Païssos Baixos) 2007
Dog Hell Enda Walshe (Irlanda) 2008
Sweeper Benjamin Collins & Matt Esterhuizen (Regne Unit) 2008
La Nui Tong Yan Feng (França) 2008
Sunday Morning Wang Dan & Wei Shilei (Xina) 2008

3. City Minutes
Amsterdam 11-12 am David Djindjikhachvili (Païssos Baixos) 2008
Beijing 5-6 am Janneke Küpfer, 2008
Amsterdam 2-3 pm Judith Leysner (Païssos Baixos) 2008
Beijing 10-11 pm Su Tomesen (Païssos Baixos) 2008
Melbourne 4-5 pm Tai Snaith & Narinda Reeders 2008
Allenbikiosk, Tel Aviv 3-4 am Avi Krispin (Israel) 2008
Beijing 3-4 pm Dario Bardic 2008
MarVista, L.A. 4-5 am Nadine Hottenrott 2008

4. Junior
Les Enfants Dits Sorciers Richard Issam (Congo) 2007
Accident Mohammed Majid al-Ghazali (Jordània) 2007
Simple Day Janis Vitolis (Latvia) 2007
Untitled Junior Gidey G/Hiwot Teka (Etiòpia) 2008
Un Pedophile Lisa Nankafu (Congo) 2007
High and Low Shyngyz Derbissov (Kazakhstan) 2008
We Want to Play Sabreen Abu Shakra (Jordània) 2007

5. Book or Film Retold
De Bijbel, Koran en Tora Kriems and kleine Navaja / by Glebbeek & Krijl 2008
The Man Evelien Krijl (Païssos Baixos) 2008
Wiegel Eendje Mr. van Hetten / by Krijl & de Feijter (Païssos Baixos) 2008
Metamorphosis Anne Guest 2008
Tamelijk Wim Ter Schippers / by Glebbeek & Krijl (Païssos Baixos) 2008
Heart of Darknes Vivian Wenli Lin n2008
De Vreemdeling Franck Guilot / by Krijl & de Feijter 2008
Crazy Baker _pela _epin & Mariana Maioto 2008
Final Agnieszka Paszkiewicz 2008
Le main Froide Assion Eklou / by Krijl & de Feijter 2008

6. One Minute of Freedom
The Black Race Richard Elekwa (Nigeria) 2007
Sobre la Hierba (Lie on the Grass) Carlos Aravena (Xile) 2007
Le Reve Andrea Zavala Folache (Païssos Baixos) 2008
Writing Process Alois Di Leo (Regne Unit) 2008
One Last Cigarette Fahman F. (Indonèsia) 2008
Folly Symmetry Frank ter Hors (Païssos Baixos) 2008
Unravel Inbal Yomtovian (Israel) 2008
Benauwd Jasper van Es (Païssos Baixos) 2008

Entrada libre


_Media Art

- IDEP. Escuela de la Imagen
Centros de enseñanza en arte multimedia y nuevas tecnologías

Sábado 14 de noviembre l 19.00 h
Muestra de trabajos de alumnos del graduado superior de fotografía y del Curso de fotografía de autor y creación de proyectos

Entrada libre


- Exposición FotoPres’09
XIX Certamen de Fotografía de Prensa Española

Del 30 de octubre al 21 de febrero de 2010

FotoPres es uno de los concursos de fotografía de prensa con más historia y reconocimiento del Estado español. El certamen se organiza con el objetivo de dar a conocer y difundir la fotografía documental y contribuir a la consolidación, en nuestro país, del documentalismo contemporáneo. Cada dos años, la Fundación ”la Caixa” otorga seis becas a proyectos fotográficos inéditos y tres premios a trabajos realizados en los últimos dos años.
La exposición muestra las propuestas seleccionadas como premios y becas en la edición del año 2009. Se trata de proyectos con un alto contenido social, que ofrecen un intenso análisis de la actualidad.
Los premiados en el FotoPres’09 son: Emilio Morenatti (primer premio), Walter Astrada (segundo premio) y Alfonso Moral (tercer premio). Los becados del FotoPres'09 son: Mikel Aristregi, Lurdes R. Basolí, Jo Expósito, Aleix Plademunt, Marta Ramoneda y Fosi Vegue.

Entrada libre



CaixaForum Barcelona
Avenida Marquès de Comillas, 6-8
08038 Barcelona

Horario:
De lunes a domingo, de 10 a 20 h
Sábados, de 10 a 22 h

Entrada gratuita
Servicio de Información
Obra Social Fundación ”la Caixa”
Tel: 902 22 30 40
De lunes a domingo, de 9 a 20 h
www.laCaixa.es/obrasocial

(Amsterdam 2-3 pm Judith Leysner (Païssos Baixos) 2008)

Acción!09MAD

Acción!09MADImpactArialColorFondoBlanco-u.jpgConsolidándose como una referencia del Arte de Acción, los contenidos de Acción!09MAD se estructuran en torno a: “PERIFERIAS SIN CENTRO”, “ESPACIOS PARA LA ACCIÓN” y “NOSOTRAS, VOSOTRAS, ELLAS”; cada uno como un marco referencial abierto en el que se inserta una amplia programación que abarca desde las performances mismas a los espacios de transmisión donde se reflexiona sobre nuevas propuestas conceptuales o los talleres como el de Esther Ferrer en La Casa Encendida. El programa incluye también un espacio propio para jovenes artistas emergentes y un espacio para coproducción e intercambio con otros festivales europeos y nacionales.


Ver información completa en: www.accionmad.org

Esta nueva edición de Acción!MAD tiene un carácter ligeramente distinto a las anteriores en cuanto a los espacios donde se presenta, puesto que se desarrollará en cuatro sedes durante tres semanas: Off Limits, Círculo de Bellas Artes de Madrid, La Casa Encendida y Matadero Madrid.

El programa se desarrollará del 05 al 21 de Noviembre y presentará las performances de Esther Ferrer (E), Nezaket Ekizi (TUR/D), Mónika Günther & Ruedi Schill (CH), Kurt Johannessen (S), Anna Kalwajtys (PL), Riszard Piegza (PL), John G. Boehme (CA/USA) Kai Lam (SING), Antonio Gómez (E), J.M. Calleja (E), Fernando Baena (E) Carlos Felices (E), Angela García (E), Isabel León (E), Eva Pérez (E), María Marticorena (E) y Denys Blacker (GB/CAT).
Las propuestas teóricas de Guy Sioui-Durand (CAN) y Catie de Balmann (FR).
La presentación del Festival MUGA CAULA que realizará JOAN CASELLAS (E).
Talleres de Arte de Acción que impartirán Esther Ferrer en La Casa Encendida (Madrid) y Monika Güenther & Ruedi Schill en el Laboratorio de Arte Jóven (Murcia).

Acción!09MAD
Ver información completa en: www.accionmad.org es miembro del Programa Cultura de la Unión Europea, que junto con otros siete de los más activos festivales de performance europeos colaboran para construir AN SPACE FOR LIVE ART/UN ESPACIO PARA EL ARTE DE ACCIÓN.

Ver información completa en: www.accionmad.org


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PROGRAMA:

Jueves 5 noviembre
OFFLIMITS, C/ Escuadra, 11 - Madrid - 19,30h
Acción: Eva Pérez (Valencia)
Acción: Ryszard Piegza (Polonia)
Acción: Antonio Gómez (Mérida)

Viernes 6 noviembre
OFFLIMITS, C/ Escuadra, 11 - Madrid - 19,30h
Acción: Anna Kalwajtys (Polonia)
Acción: Isabel León (Cáceres)
Acción: Angela García (Valencia)

Jueves 12 noviembre
CIRCULO DE BELLAS ARTES, C/ Alcalá 42 - Madrid - 19,30h
Presentación: Guy Sioui Durand (Canadá)
Acción: Carlos Felices (Madrid)
Acción: J.M. Calleja (Mataró)

Viernes 13 noviembre
CIRCULO DE BELLAS ARTES, C/ Alcalá 42 - Madrid - 19,30h
Presentación: Catie de Balmann (Francia)
Acción: John G. Boehme (Canadá)
Acción: Maria Martincorena (A Coruña)

Del 16 al 20 noviembre
LA CASA ENCENDIDA - Ronda de Valencia, 2 - Madrid - de 17 a 21h.
Taller de Arte de Acción
Esther Ferrer (España).
Información e inscripciones en www.lacasaencendida.es

Miércoles 18 de noviembre
LABORATORIO DE ARTE JOVEN - Murcia - de 17 a 21h.
Taller de Monika Günther y Ruedi Schill (Suiza)
Acción de Monika Günther y Ruedi Schill (Suiza).
Información e inscripciones en www.laboratoriodeartejoven.com/

Jueves 19 noviembre
MATADERO MADRID - Abierto por Obras - Pº de la Chopera 14 - Madrid - 20h
Presentación: Documental La Muga Caula (Girona)
Acción: Kai Lam (Singapoore)
Acción: Fernando Baena (Madrid)

Viernes 20 noviembre
MATADERO MADRID - Abierto por Obras - Pº de la Chopera 14 - Madrid - 20h
Acción: Kurt Johannesen (Noruega)
Acción: Monika Günther y Ruedi Schill (Suiza)

Sábado 21 noviembre
MATADERO MADRID - Abierto por Obras - Pº de la Chopera 14 - Madrid - 20h
Acción: Nezaket Ekici (Alemania)
Acción: Esther Ferrer (España)

Domingo 22 noviembre

MATADERO MADRID - Plaza Interior - Pº de la Chopera 14 - Madrid - 12h
Acción: Denys Blacker (Gran Bretaña)

Convocatoria para la solicitud de talleres AVAM 2010 destinados a la producción artística.

logotalleresavam-u.jpgTalleres disponibles a partir del 15 de enero de 2009: 1 de 47 m2; 1 de 34 m2; 1 de 33m2; 1 de 30 m2.
Plazo presentación de solicitudes a partir del 2 de noviembre hasta el 4 de diciembre de 2009

www.avam.net/

La presente convocatoria inicia el programa TALLERES AVAM para artistas plásticos y visuales, cuyo objetivo es facilitar el acceso de los creadores a espacios de trabajo en la ciudad de Madrid para el desarrollo de su actividad profesional en condiciones accesibles, atendiendo así a la demanda del sector.

La puesta en marcha de este programa es el resultado de la estrecha colaboración entre AVAM y el Ayuntamiento de Madrid, a través del Área de Las Artes y la EMVS, para facilitar a los creadores el acceso a espacios específicos destinados a la producción del trabajo artístico.


1.- Objeto

El objeto de la presente convocatoria es ofrecer a los artistas plásticos y visuales el acceso a talleres de uso temporal, así como recursos profesionales, atendiendo así a la necesidad de potenciar y mejorar las condiciones profesionales de su actividad productiva.

Las características y condiciones de uso de dichos talleres son las siguientes:

Ubicación física de los talleres: Avenida de Los Poblados s/n, esquina calle del doctor Tolosa Latour 23. 28041 Madrid.

Número de talleres: 4.

Dimensiones:
· Taller nº 1: 47 m2
· Taller nº 2: 30 m2
· Taller nº 3: 34 m2
· Taller nº 4: 33 m2

Prestaciones de cada uno de los talleres:conexión eléctrica, luz natural y luz eléctrica blanca cenital, conexión a Internet (wi-fi), agua corriente, calefacción y aire acondicionado, puerta de carga y descarga (a excepción del taller nº 4), puerta de acceso a zona común, mobiliario básico (cajonera, sillón, taburete, mesa fija). Los artistas usuarios de los talleres podrán aportar los materiales y equipos necesarios para su trabajo. Los aseos y ducha se encuentran en una zona común a los 4 talleres. Los planos y características técnicas pueden consultarse en www.avam.net.

Prestaciones del área de recursos tecnológicos para artistas: este área esta destinada, bajo petición, a todos los artistas, beneficiarios o no de los talleres, que necesiten el uso o el asesoramiento profesional tecnológico para el desarrollo de su producción artística. El área tecnológica dispone de técnico especializado opcional, dentro de los horarios y las condiciones establecidos por AVAM. En www.avam.net se pueden consultar los recursos tecnológicos, servicios y tarifas.

Periodo de uso de cada taller:mínimo de 3 meses y máximo de 1 año. En un periodo comprendido, en cualquier caso, entre el 15 de enero y el 31 diciembre de 2010.

Horario de apertura y cierre de los talleres:Horario de mañana y tarde ininterrumpido de lunes a sábado. Para el acceso a los talleres por necesidades profesionales en días festivos y horarios excepcionales, será imprescindible la notificación y justificación por parte del interesado, y la autorización específica de AVAM.

Coste de uso de los talleres: Los beneficiarios deberán sufragar las prestaciones de los talleres, mediante una aportación económica mensual a AVAM.

· Taller nº 1: 350 euros/mes
· Taller nº 2: 225 euros/mes
· Taller nº 3: 255 euros/mes
· Taller nº 4: 225 euros/mes

Las aportaciones se incrementarán anualmente según el IPC.
TALLERES AVAM ofrece un descuento del 10% a artistas socios de AVAM.

A los costes anteriormente mencionados, se sumarán los gastos mensuales de electricidad y agua de cada taller.

Fianza: El beneficiario de cada taller deberá abonar con carácter previo al uso del mismo, la cantidad correspondiente a dos mensualidades a AVAM, que le serán reintegradas a término de uso, en caso de no existir daños en los talleres o dependencias comunes a los mismos imputables al usuario.

Acceso al uso de los talleres: Una vez asignados los talleres por la comisión de valoración, cada uno de los beneficiarios firmará con AVAM un documento que les autorizará el uso, con las condiciones y obligaciones indicadas en la presente convocatoria y de acuerdo con la resolución de la comisión de valoración. La autorización de acceso al uso de los talleres tendrá lugar a partir del 15 de enero de 2010, para los primeros beneficiarios.

La información técnica específica de cada uno de los talleres, así como de los servicios del área tecnológica puede consultarse en www.avam.net.


2.- Beneficiarios.

Podrán solicitar el uso de los talleres los artistas o colectivos de artistas plásticos y visuales que requieran de un taller o estudio para trabajar en su obra, realizar un proyecto artístico específico o iniciar un proceso de investigación y experimentación artística.

En el caso de personas físicas, los solicitantes deberán tener una formación o trayectoria artística acreditada.

En el caso de personas jurídicas, su objeto social debe tener relación con la creación, experimentación y producción contemporánea en el campo de las artes plásticas y visuales, con trayectoria acreditada.


3.- Plazo y lugar de presentación de solicitudes.

Desde el 2 de noviembre de 2009 hasta el 4 de diciembre de 2009, ambos incluidos.

Al cierre de dicho plazo no se admitirá ninguna solicitud ni información complementaria a los formularios ya registrados. En el caso de envío postal se tendrá en cuenta como fecha de entrega la registrada en la oficina postal correspondiente.

La petición se realizará por medio del FORMULARIO DE SOLICITUD, a través de www.avam.net/talleresavam/formulario.html o podrá recogerse en AVAM, calle Mayor 4 - 3º pta 8, de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 horas (excepto festivos); así como también en Matadero Madrid, Paseo de la Chopera 14, en horario de martes a viernes de 16:00 a 22:00 horas.

Documentación a presentar:

A. Formulario de solicitud cumplimentado con los siguientes datos: nombre, apellidos, fecha de nacimiento, nacionalidad, dirección, localidad, provincia, código postal, teléfonos, correo electrónico, y página web (opcional). En el formulario de solicitud el solicitante deberá indicar las opciones de fechas idóneas de utilización de los talleres durante el periodo 2010 (indicar fechas en meses naturales). Asimismo deberá indicar el o los talleres que se solicitan, por orden de preferencia.

B. Fotocopia DNI o pasaporte en el caso de personas físicas.

C. Fotocopia CIF, en el caso de persona jurídica.

D.Documento acreditativo de domicilio fiscal.

E. Declaración responsable del pago mensual del taller asignado.

F. Currículo vitae (un máximo de 1.000 palabras) para las personas físicas. Memoria de las actividades y/o proyectos realizados (un máximo de 1.000 palabras) de los últimos dos años, en el caso de colectivos o personas jurídicas.

G. Documentación complementaria de obra reciente. No se aceptarán originales, ni documentación adjunta como catálogos, folletos, obras originales, etc. En caso de proyectos audiovisuales, el artista podrá aportar un DVD acompañando al dossier.

H. En el caso de presentar para su realización un proyecto concreto, el artista deberá aportar una memoria del proyecto a desarrollar.

I. La documentación complementaria debe presentarse en tamaño folio o DinA4, ocupando un máximo de 10 hojas; si el envío se realiza por correo postal deberá estar encuadernado. Se desestimarán las solicitudes que no se ajusten a esta norma, por cuestiones de organización y valoración.

J. La solicitud y dossier adjunto deberán de presentarse en español.

Lugar de presentación:

1. En mano o por correo postal a nombre de "Convocatoria TALLERES AVAM 2010" a la dirección: AVAM en calle Mayor, 4 - 3º pta 8 - 28013 Madrid, en horario de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 horas. No se atenderán las solicitudes presentadas en mano con posterioridad al 4 de diciembre de 2009 y fuera de los horarios señalados, o con sello postal posterior a esa fecha en el caso de envío postal.
2. Mediante envío electrónico: La documentación requerida puede ser enviada por correo electrónico a correo@avam.net. El envío electrónico permite adjuntar documentación complementaria mediante un archivo en formato pdf, comprimido zip, en caso necesario. No se tendrá en cuenta ninguna solicitud electrónica recibida después de las 24:00 horas del día 4 de diciembre de 2009.

Recepción de solicitud y documentación adjunta: La recepción de la solicitud y documentación, se confirmará desde AVAM mediante e-mail para envíos por correo electrónico y correo postal, para las entregas en mano se emitirá un resguardo. En caso de no recibir dicha confirmación, deberá entenderse que la documentación no ha sido recibida en las oficinas de AVAM. No se atenderán las reclamaciones en este sentido realizadas después del 4 de diciembre de 2009.


4.- Comisión de valoración para la concesión de talleres.

Para la evaluación y selección de las solicitudes presentadas, se constituirá una comisión de valoración formada por:

· Presidente: La Presidenta de AVAM, o persona con cargo de la junta directiva de AVAM en quien delegue.

· Cinco vocales:
- La Directora General de Proyectos Culturales del Área de Las Artes del Ayuntamiento de Madrid, o persona en quien delegue.
- La directora de AVAM, o persona en quien delegue.
- Tres artistas, de reconocido prestigio, designados por la comisión de seguimiento AVAM/Área de las Artes del Ayuntamiento de Madrid.
- Secretario: La secretaria de AVAM, sin voz ni voto.

El Presidente de la comisión de valoración ostentará el voto de calidad.

Una comisión técnica integrada por 2 técnicos de AVAM, y 2 técnicos del Área de las Artes asesorará a la comisión acerca de la viabilidad de las solicitudes, en base a la naturaleza del trabajo o proyecto a realizar y de acuerdo con las características espaciales y técnicas de los talleres.

La comisión de valoración de las solicitudes podrá entrevistarse con los solicitantes o recabar información complementaria de los mismos, con el fin de poder desarrollar mejor las funciones que le han sido encomendadas.

La decisión de la comisión de valoración será inapelable.


5.- Plazo de resolución de la convocatoria.

La Comisión de valoración examinará y evaluará las solicitudes y la documentación presentada de acuerdo a los criterios que se establecen en el punto 6 de la presente convocatoria.

Una vez valoradas las solicitudes, la comisión de valoración emitirá el resultado en el plazo máximo de 20 días, contados desde el día que finalice el plazo de presentación de las solicitudes.

Finalmente la comisión elaborará un listado con los artistas seleccionados, estableciendo para ello un calendario de ocupación de los talleres durante el periodo 2010, así como una lista de espera para casos de renuncia.

La resolución será comunicada a cada uno de los solicitantes seleccionados por escrito y se dará a conocer por medio de www.avam.net.


6.- Criterios de valoración.

La Comisión de valoración tendrá en cuenta, a la hora de valorar las solicitudes, los siguientes criterios:

- Calidad y coherencia de la trayectoria profesional o del proyecto a desarrollar.
- Necesidades espaciales y técnicas para el desarrollo del trabajo en base a las condiciones físicas de los talleres.


7.- Seguimiento del uso de los talleres y obligaciones de las personas beneficiarias.

Para realizar un correcto seguimiento de los talleres, para informar a la comisión de seguimiento AVAM/Las Artes, y para incorporar la información en la memoria anual del programa TALLERES AVAM, un responsable técnico de AVAM realizará trimestral o semestralmente, según el caso, entrevistas personales a los artistas usuarios de los talleres.
Los artistas y/o colectivos seleccionados en esta convocatoria se comprometen a:

1. Aceptar la resolución de la comisión de valoración. Para ello, deberán comunicar por escrito la aceptación del taller concedido en el plazo de 5 días hábiles, contados a partir de la notificación de adjudicación temporal de taller. De no ser así, se entenderá que el artista renuncia, por lo que se entenderá decaído en su derecho, pudiendo concederse el taller al suplente que figure en primer lugar, y así sucesivamente.

2. Cumplir las normas generales y particulares de los talleres, de acuerdo con horarios, calendario, y las instrucciones del responsable de AVAM, además de mantener un comportamiento cívico en la convivencia y provechoso en los talleres.

3. Desarrollar su trabajo en el plazo y condiciones previstas en la convocatoria. En caso contrario, la autorización de uso de los talleres podrá ser revocada automáticamente por AVAM.

4. Abonar a AVAM el coste de uso del taller dentro de los cinco primeros días de cada mes, mediante domiciliación bancaria.

5. Rembolsar a AVAM mensual o bimensualmente, según el caso, el gasto corriente de agua y electricidad.

6. Utilizar el espacio de los talleres exclusivamente para dar cumplimiento a los fines comprendidos en estas bases. Cualquier cambio de destino o de uso de los talleres dará lugar a la resolución automática de la autorización de uso de los talleres. En ningún caso el taller podrá tener otro uso que el de espacio destinado a la producción artística; no estando autorizado su uso como almacén, depósito, vivienda, espacio de exposición, centro de reunión; etc.

7. Respetar las instalaciones, tanto del taller como de los espacios comunes, haciéndose cargo de la fianza correspondiente, que será devuelta una vez haya concluido el periodo de utilización y verificado el buen estado de las instalaciones. Si fuera necesario por parte del artista beneficiario pintar, agujerear o realizar cualquier otra modificación del espacio durante su uso, es necesario solicitar el permiso específico para tal fin, asumiendo éste su recuperación posterior. A término de contrato, será obligatorio y responsabilidad del artista, dejar el espacio limpio y recogido, hacerse cargo de la basura generada, no dejar mobiliario personal ni restos materiales u otros objetos. En caso contrario se valorara económicamente el deterioro del espacio, y su recuperación se realizará con cargo a la fianza. Si ésta no fuera suficiente para cubrir los daños, se requerirá la cuantía correspondiente.

8. Permitir la entrada al taller a los profesionales por indicación de los responsables de AVAM para realizar reparaciones urgentes y necesarias o de mantenimiento del espacio.

9. Colaborar con los responsables de AVAM para la realización de actividades puntuales organizadas con el objetivo de fomentar la convivencia de los talleres con el vecindario.

10. Participar bajo la coordinación y asesoramiento de AVAM, en al menos una jornada de "talleres abiertos", destinada a mostrar los procesos de producción desarrollados en los Talleres AVAM 2010, con la participación de profesionales del ámbito cultural (críticos, comisarios, gestores, directores y técnicos de espacios expositivos y museos, técnicos de la administración en materia cultural, periodistas culturales de medios generalistas y especializados, etc.).

11. Autorizar a AVAM a mostrar una parte o la totalidad del proyecto o trabajo realizado por los artistas beneficiarios de los talleres, de común acuerdo con los mismos, a través de su página web y en sus memorias anuales.

12. Citar TALLERES AVAM 2010 en caso de la difusión y divulgación de la obra producida en los talleres, mediante la fórmula: "El presente proyecto ha sido realizado en los TALLERES AVAM 2010".

Las personas o colectivos seleccionados en esta convocatoria no estarán autorizados a:

1. Destinar los talleres a fines distintos a los contemplados en estas bases.

2. Ceder o facilitar el uso del taller a persona o entidad distinta a la autorizada.

3. Realizar trabajos que necesiten el uso de productos tóxicos, maquinaria industrial que genere ruidos por encima de lo permitido o supongan un peligro para el espacio y el propio artista. Estanorma se encuentra sujeta a las condiciones de seguridad y físicas de los talleres.

Quedará sin efecto, la autorización de uso de los talleres, previa audiencia al interesado, cuando el beneficiario incurra en alguna de las siguientes causas:

- No realizar la actividad que motiva la autorización de utilización del taller.

- Incumplir sin causa que lo justifique las condiciones establecidas en la presente convocatoria.


8.- Devolución de la documentación presentada por los solicitantes.

Para la devolución por correo postal de la documentación enviada, se deberá incluir un sobre de tamaño adecuado y correctamente franqueado, con la dirección postal en la que se desee recibir, o bien acudir a la oficina de AVAM, en horario de 10 a 14 horas, durante los 30 días hábiles posteriores a la comunicación del fallo. Transcurrido ese periodo de tiempo, AVAM no se hará responsable de la documentación depositada.


9.- Interpretación y aceptación de las bases.

Cualquier duda que pueda surgir en relación a la interpretación de estas bases será resuelta por AVAM.

La participación en la presente convocatoria supone la aceptación plena de las normas que la regulan. El incumplimiento de cualquiera de las obligaciones que se fijan en las presentes bases supone la suspensión inmediata del acuerdo, con independencia de la responsabilidad a que pudiera dar lugar.


AVAM - Artistas Visuales Asociados de Madrid

C/Mayor 4, 3º- 8
24013 Madrid
Tel/Fax: 913913293
correo@avam.net
www.avam.net


logoavam-uuu.jpg

Noviembre 02, 2009

John Beech
Incidents: Drawings & Sculptures

dph5-u.jpgInauguración jueves 5 de noviembre a las 20.00 h.
Del 5 de noviembre al 12 de diciembre

www.lacajanegra.com

La Caja Negra presenta la primera exposición individual en España del artista inglés radicado en Brooklyn John Beech. Utilizando los materiales más humildes, desde moquetas automotrices hasta planchas de aglomerado, Beech crea objetos que son al tiempo imperfectos y elegantes, complejos y directos. Todo su trabajo cabalga entre las categorías de pintura y escultura al estar sobre todo interesado en el aspecto objetual de las cosas, de modo que deja que la forma y los materiales se manifiesten por si mismos. Da igual que se trate de fotografías encontradas a las que cubre literalmente de pintura, o de objetos subsidiarios –peanas, embalajes, plataformas rodantes o contenedores- que se definen sobre todo por la función que cumplen y que fuera de ella se convierten en estorbos. De hecho, la elección de los materiales es un elemento fundamental en el trabajo de Beech: “Estoy interesado en fusionar el vocabulario visual de lo útil y el de la abstracción”. El resultado es un conjunto de objetos sutiles e irónicos dotados de una gran belleza y capacidad de atracción. Es evidente la influencia de maestros contemporáneos como Donald Judd, pero su estética se sitúa más bien a “nivel de calle”, alejada de las texturas perfectas y de la frialdad de gran parte del arte minimalista.
El azar es otro elemento clave en el trabajo de Beech; la aplicación de la pintura sobre los objetos o las fotografías se acerca deliberadamente al trabajo de bricolaje casero en el que cierta imperfección o un goteo de más son inevitables. El resultado sin embargo siempre desposee a los objetos de su utilidad y los transforma en soportes para lo que podría considerarse una forma de pintura abstracta en la que el espectro cromático es igualmente importante.
La exposición en La Caja Negra reúne dibujos, esculturas y objetos que comparten la intención fundamental de Beech: demostrar la belleza formal que hay en la imperfección de los objetos chocantes, las cosas torpes y los utensilios extraños.


John Beech (1964 | Winchester, Reino Unido. Vive y trabaja en Brooklyn) terminó sus estudios de Bellas Artes en la universidad de Berkeley y desde entonces fijó su residencia en los Estados Unidos. Ha presentado su trabajo en exposiciones individuales y colectivas en museos y galerías en Suiza, Alemania, Estados Unidos y Canadá. En la última edición de Art Basel Unlimited presentó un proyecto individual y su obra forma parte de colecciones como la Albright-Knox Gallery en Buffalo, NY, el San Francisco Museum of Art, el Berkeley Art Museum, el Oakland Museum y el San Jose Museum of Art.


Menos es más, excepto cuando más es más.
El arte de John Beech

Edward Albee

Conozco el trabajo de John Beech desde hace casi 20 años, cuando conocí al joven artista recién llegado de Inglaterra a San Francisco. Los objetos que hacía el joven escultor me intrigaban, pues estaban un poco fuera de la onda de la escultura que se hacía en esos días. Eran tan emocionantes como lo que Serra y Bourgeois habían estado haciendo, pero estaban liberadas de sus limitaciones. Quizá encontraba una cierta influencia de Richard Tuttle –sus análisis maravillosamente atolondrados—pero era una influencia liberadora y no limitante. Además por supuesto, Tuttle no era un nombre muy conocido entonces, e incluso quizá John Beech no lo conocía, aunque ciertamente parecía motivado por las mismas energías.
Dos piezas de pared de Beech me fascinaron inmediatamente –un trozo de goma encapsulada en un tubo rectangular de plástico transparente, colgando torcido de un trozo de alambre doblado, y otra pieza hecha con dos tubos rectangulares del mismo plástico transparente, ambos llenos de páprika y colocados sobre el muro, uno exactamente encima del otro.
Me llevé las dos pues, siendo como soy un poco “coleccionador”, sentía que las merecía más que el, y ese fue el principio de una amistad, de un coleccionismo y de una curaduría que se han profundizado en la medida en que su obra ha madurado.
Pero ya entonces, estaba empezando a hacer piezas que llevaban claramente su firma. La menciono sin ningún orden:

--piezas de suelo largas y estrechas, de contornos minimalistas pero definidas con agresividad
--lo mismo pero pertrechado sobre el muro, quizá a medio metro del suelo
--alfombras tejidas de metal, goma o fieltro
--contenedores de madera más grandes con un lado implosionado, casi siempre la parte de arriba, color dentro
--pequeños objetos planos y de formas extrañas, levitando mediante ruedas exageradamente grandes (estos nunca me gustaron - ¿o nunca los entendí?)
--gruesos discos en bajo relieve, descentrados en el muro, giratorios; también discos giratorios que emergen de la superficie
--y color en todos lados! Brillante y hermoso, nunca estridente, siempre rico y táctil

Hace ocho o diez años (quizá más!) Beech empezó a fotografiar basureros y otro tipo de contenedores en sus ubicaciones lógicas –ambientes industriales, colocados contra la pared o contra las bardas. Estos objetos se han convertido en una preocupación enriquecedora para el, al tiempo que ha continuado con sus exploraciones previas.
La presente exposición ha tomado las fotografías y las ha convertido en algo doblemente ausente: casa pieza se ha convertido –increíble e inevitablemente- en tres objetos artísticos! Lo que ves cuando miras es una pintura sobrepuesta sobre una fotografía, que se convierte en algo más que sólo eso: la pintura sobre la foto –muchas veces cubriéndola casi por completo- es una obra de arte en si misma (tanto como lo es la foto sobre la que se encuentra) pero su efecto último es el de una pintura junto con junto con la capa inferior fotográfica, por decirlo de alguna manera, funcionando en una asociación que genera el producto final –dos objetos artísticos conjurados para crear un tercero. Y mientras que las fotografías mismas son obras de arte, y las pinturas son obras de arte también, y buenas, es el proceso de imposición el que nos da la pauta de las intenciones de Beech y que resultan juntas –y visibles- en la tercera obra final.
Examinen la variedad de superficies pintadas, los colores elegidos, el grado de camuflaje de las fotografías, las decisiones estéticas que han convertido uno en dos en tres.
Examinen las decisiones que han determinado el hecho de que cuando menos material primario vemos tenemos un resultado más satisfactorio –cuando menos es más. Y examinen cuando es al contrario –cuando mientras más material primario vemos es cuando tenemos la proporción ideal—cuando más es más.
Estas decisiones no son arbitrarias; son el resultado de un ojo y de una mente trabajando juntas intuitiva y formalmente para darnos las formas y precisiones de unas pinturas completamente terminadas.

Pero ¿se trata de pinturas? ¿No son acaso imposiciones tridimensionales? ¿No son escultura?

Nueva York, Septiembre 2007


Para mayor información e imágenes por favor póngase en contacto con la galería.

Galería La Caja Negra Ediciones
Fernando VI, 17‐ 2º‐ I
28004 Madrid (ES)
T. 91 3104360 F. 91 3087238
info@lacajanegra.com
www.lacajanegra.com
Abierto de lunes a viernes de 11 a 14 y de 16.30 a 20.30 hrs.
Sábados de 11 a 14 hrs.

Creative Clash. European seminars on transforming organisations with the arts

Creativeclash_logo-u.jpgCreative Clash Barcelona es el primer seminario de una serie de encuentros europeos sobre el impacto de las intervenciones de los artistas en los procesos de innovación. Organizado, los días 23 y 24 de noviembre, en el marco de un proyecto europeo por DISONANCIAS, Tillt (Suecia) y WZB (Berlín), el seminario pretende reflexionar sobre el impacto socioeconómico de los programas de colaboración entre artistas y organizaciones, y orientar las políticas europeas en este ámbito.

www.disonancias.com/es/articulo/419-creative-clash/

Incripción: catalunya@disonancias.com. Aforo limitado. Fecha límite de inscripción: 16 de Noviembre

En el marco del proyecto europeo Tillt Europe desarrollado entre DISONANCIAS (www.disonancias.com), Tillt (www.tillt.se, Suecia) y WZB (Social Science Research Center, www.wzb.eu, Berlin), destinado a formular recomendaciones a las políticas europeas en materia de apoyo a plataformas interdisciplinares de arte e innovación, se organizan tres seminarios de difusión de los resultados del proyecto. Bajo el nombre de Creative Clash, los seminarios tendrán lugar en Barcelona el 23 y 24 de noviembre, en Bruselas el 9 y 10 de diciembre, y en Estocolmo el 16 y 17 de diciembre.

Creative Clash Barcelona será el escenario para la presentación de los proyectos desarrollados en la recién terminada edición catalana de DISONANCIAS, plataforma para impulsar la innovación abierta y colaborativa entre artistas y empresas. Se darán a conocer de primera mano las experiencias de sus protagonistas mediante una visita a las diversas sedes de las empresas y organizaciones participantes: Telefónica I+D, GTD, Eidola, TV3 y Tránsit Projectes. Además se organizará un taller destinado a políticos y técnicos interesados en desarrollar programas multidisciplinares para la innovación.


Lunes, 23 de noviembre de 2009

10h00-14h00

Sala de Actos del Palau Marc
Department de Cultura i Mitjans de Comunicació de la Generalitat de Catalunya
Rambla Santa Mònica, 8

10h00-10h15. Introducción a cargo de Ania Bas (artista).
10h15-10h30. Presentación del seminario a cargo de DISONANCIAS.
10h30-11h00. Caso de estudio (Tillt): Carita Brovall, directora del Departamento de Salud del Ayuntamiento de Ulricehamn (Suecia).
11h00-11h20. Pia Areblad, directora de Tillt. Creative Clash. La necesidad de un New Deal en Europa.
11h20-11h50. Coffee break.
11h50-12h20. Caso de estudio (Disonancias): Pedro Resano, Director de innovación de Seguros Lagun Aro + Josep Maria Martin, artista.
12h20-12h40. Miren Vives (Disonancias). La mediación entre artistas y organizaciones: cuatro casos europeos (Disonancias, Tillt, Interact, Artistsinlabs).
12h40-13h00. Michael Hutter, director de la Unidad Cultural Sources of Newness del Social Science Research Center (WZB) en Berlin. El impacto de las intervenciones de los artistas en organizaciones: herramientas para la evaluación.
13h00-13h30. Debate y conclusiones
13h30-14h00. Encuentra tu compañer@ de viaje. “Speed-dating” con cocktail


Lunes, 23 de noviembre de 2009

16h00-21h20

DISONANCIAS Bus-Tour
Salida autobuses Avda. Drassanes (16h)
Llegada (21h20) Plaça Catalunya (delante de El Corte Inglés)


BUS Route 66 (ruta en inglés)
16h00-18h30. Visita a Telefònica I+D & Carme Romero y a GTD & Mo Y. Presentación de los proyectos desarrollados.

BUS “Camíno de Santiago” (ruta en catalán)
16h00-18h30. Visita a TV3 + Diego Soroa y a Eidola + Jazmin Vasco.
Presentación de los proyectos desarrollados.

19h00. Llegada a Can Xalant (Mataró): presentación del proyecto Activa DISONANCIAS con Pau Faus-A77-Trànsit Projectes
Conclusiones, copa y canapés con Les Salonnières
21h00. Salida de los autobuses hacia Barcelona.


Martes, 24 de noviembre de 2009

10h00-14h00

Taller ‘slow-innovation’
Citilab Cornellà

Este taller es un seminario cerrado, bajo el lema 'innovación lenta' en el cual los participantes trabajarán las políticas de la innovación desde los propios contextos y desde las herramientas disponibles que los gobiernos locales, autonómicos, nacionales y europeos tienen para promover programas multidisciplinares para la innovación. De la sesión se esperan extraer nuevos mapas de posibilidades así como estrategias de trabajo interdepartamentales e interterritoriales. El taller está destinado a políticos y técnicos de innovación y cultura.
Taller diseñado en colaboración con Platoniq y Diego Soroa.


Lunes 23 de noviembre: entrada libre previa inscripción a catalunya@disonancias.com. Aforo limitado. Fecha límite de inscripción: 16 de Noviembre. Traducción simultánea catalán – inglés.

Martes 24 de noviembre: taller reservado a políticos y técnicos de innovación y cultura. Aforo limitado. Fecha límite de inscripción: 16 de Noviembre. Idioma de trabajo: castellano.

http://www.disonancias.com/es/articulo/419-creative-clash/

Fernand Deligny
Permitir, trazar, ver

MoindreGeste4-U.jpgSeminario
13 y 14 de noviembre de 2009

Programa de cine
4, 11, 18, 25 de noviembre y 8 de diciembre de 2009

Programa de Sandra Álvarez de Toledo

www.macba.cat

SEMINARIO
Viernes 13 y sábado 14 de noviembre de 2009

El MACBA presenta la obra del educador, escritor y cineasta Fernand Deligny (1913-1996), aún insuficientemente conocida entre nosotros, mediante la organización de un seminario y un programa de cine que acompañan la publicación de una selección de sus textos, editados por Sandra Álvarez de Toledo, con el título de Permitir, trazar, ver (Barcelona, MACBA, 2009). El desarrollo del seminario sigue las etapas cronológicas del recorrido que llevó a Deligny del hospital psiquiátrico de Armentières (norte de Francia), donde fue educador durante la Segunda Guerra Mundial, a Monoblet, en la región protestante de Les Cévennes (sur de Francia), donde en 1969 creó una red de acogida de niños autistas. Del asilo a la red, los retos son los mismos: crítica de las «ideologías de la niñez»; creación de un medio alternativo a la institución, diseñado no para sino de acuerdo con la especificidad de individuos refractarios a la dependencia; la aplicación, en prácticas formalizadas (por no decir artísticas), de un pensamiento antropológico del espacio y de lo «humano» exterior al lenguaje. En la escritura y el cine, Deligny busca una lengua que corresponda al «modo de ser» autístico sin intención ni proyecto. La búsqueda de una imagen «que no se toma», análoga al trazado original y común, es la última etapa de una reflexión poética y política. El rechazo de Deligny a las «especialidades», el hecho de recurrir a conocimientos prácticos en vez de hacerlo a disciplinas estancas, encuentra eco en un seminario polivalente que reúne a investigadores, sociólogos, filósofos, psicoanalistas, traductores, artistas, historiadores del cine e historiadores del arte.

PROGRAMA

Viernes 13 de noviembre

18 h Presentación del libro Permitir, trazar, ver de Fernand Deligny, a cargo de Sandra Álvarez de Toledo
Esta compilación de textos de Fernand Deligny, educador, escritor y cineasta (1913-1996), reúne una serie de escritos publicados entre 1945 y 1987. Reconstruye las etapas de una trayectoria que lo llevó desde la lucha contra la gestión institucional de la delincuencia hasta un enfoque experimental del autismo. La escritura fue para Deligny una actividad constante, existencial, el laboratorio permanente de su práctica como educador. Sus primeros libros son panfletos contra las ideologías de la infancia que inspiraron la política reeducativa de la posguerra. A partir de finales de los años sesenta, acoge a niños autistas e inventa de arriba abajo un dispositivo de acogida: una red de áreas de permanencia, unos educadores no especializados –como él mismo–, una forma de vida ritualizada hasta el extremo, inspirada en lo inmutable autístico. Inventa una cartografía –las «líneas del errar»– que transcribe los trayectos de los autistas en el espacio. Lleva a cabo una reflexión antropológica contra la ley del lenguaje y a favor de una definición del individuo a-subjetivo, específico, desprendido de sí mismo. Opone el actuar «para nada» al hacer productivo, lo «humano por naturaleza» al hegemónico «hombre-que-somos-nosotros».
Fernand Deligny: Permitir, trazar, ver, Sandra Alvarez de Toledo (ed.). Barcelona: Museu d’Art Contemporani de Barcelona, 2009, 144 páginas, con ilustraciones en color y en blanco y negro.

19 – 21 h Ponencias y debate
Michel Chauvière
«El ciclo del interés del niño y las ideologías de la niñez. Reflexiones sobre las contribuciones de Fernand Deligny»

Jean-Michel Chaumont
«La obra de Fernand Deligny: balance personal»

Moderador por confirmar


Sábado 14 de noviembre

11 – 14 h Ponencia, proyección y debate
Jean-Claude Polack
«François Tosquelles y Fernand Deligny. Psicosis y experiencias del espacio»

Proyección de la película
Le Moindre geste (El mínimo gesto), Fernand Deligny, Josée Manenti y Jean-Pierre Daniel, 1962-1971, 100 min

Moderador: José García Ibáñez

16 – 18 h Ponencias y debate
Jean-Philippe Antoine
«Beuys, Deligny y el dibujo: una “conversación entre las cosas”»

Marianne Dautrey
«De la red a Les Cévennes: una labor para hacer desaparecer la intención»

Moderador: Jean-François Chevrier

19 – 21 h Ponencias y debate
Hervé Joubert-Laurencin
«Camarear, recortar y desparalizar, o el cine como acto de contingencia»

Jean-François Chevrier
«El trazo y la imagen. Artaud y Deligny»

Moderador: Enric Berenguer


Auditorio MACBA. Entrada gratuita
Aforo limitado
programespublics@macba.cat
Tel: 93 412 14 13
www.macba.cat
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Programa de cine
Miércoles 4, 11, 18 , 25 de noviembre y martes 8 de diciembre

El cine forma parte integrante de la obra de Deligny como práctica experimental y no –como sucedió con la pedagogía moderna– como programa educativo o cultural. Con el proyecto fílmico realizado por adolescentes de La Grande Cordée se adelanta veinte años a las producciones de cine militante. En aquel entonces, Deligny considera este medio como un «arma» contra la exclusión y la normalización. Algunos años más tarde, el rodaje de Le Moindre geste se presenta como un juego colectivo dirigido por un adolescente psicótico. Ce gamin, là (1975), realizado por un cineasta autodidacta con los niños autistas de la red, completa el significativo corpus de textos, documentos e imágenes publicados por Deligny para sustentar su crítica del lenguaje. Matti da slegare, película que Marco Bellocchio filmó el mismo año cerca de Parma, ataca frontalmente la institución psiquiátrica y reta a la sociedad a que reintegre a los enfermos mentales que ella misma ha producido. Ambas películas se oponen, tanto por la forma como por las alternativas al internamiento que proponen. Fernand Deligny. À propos d’un film à faire (1989) se presenta como un ensayo cinematográfico sobre las relaciones entre lenguaje e imagen. En 1947, en el marco de la asociación de educación popular Travail et Culture, Deligny proyectó en varias ocasiones Putyovka v zhizn, obra de Nikolai Ekk a partir del Poema pedagógico del educador soviético Anton Makarenko. Durante mucho tiempo, el relato de la colonia de adolescentes Gorki, que Makarenko creó en 1921 en Ucrania, constituyó para él un modelo de educación libertaria y una obra de referencia.

PROGRAMA

Miércoles 4 de noviembre, a las 19.30 h
Ce gamin, là (Ese chico de ahí), Renaud Victor, 1975, 96 min

Miércoles 11 de noviembre, a las 19.30 h y sábado 14 de noviembre, a las 12.30 h (en el marco del seminario)
Le Moindre geste (El mínimo gesto), Fernand Deligny, Josée Manenti y Jean-Pierre Daniel, 1962-1971, 100 min

Miércoles 18 de noviembre, a las 19.30 h
Fernand Deligny. À propos d’un film à faire (Fernand Deligny. Sobre una película por hacer), Renaud Victor, 1989, 67 min

Miércoles 25 de noviembre, a las 19.30 h
Matti da slegare (Locos de desatar), Silvano Agosti, Marco Bellocchio et al., 1975, 140 min


Auditorio MACBA
Entrada: 2 euros por sesión (excepto la sesión del sábado 14 de noviembre, gratuita)
Amics del MACBA: Gratuito
Aforo limitado
programespublics@macba.cat
Tel: 93 412 14 13
www.macba.cat


Filmoteca de Catalunya
Martes 8 de diciembre, a las 19.30 h
Putyovka v zhizn (El camino de la vida), Nikolai Ekk, 1931, 75 min

Esta película se proyecta dentro del ciclo «El estudio Mejrabpom, el Hollywood rojo» (25 de noviembre-10 de diciembre) de la Filmoteca de Catalunya (Av. Sarrià 35, tel. 93 410 75 90).

Agradecimientos: Filmoteca de Catalunya