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Octubre 30, 2009

DESEOS. PROMESAS. REALIDADES. OCHO OBJETIVOS PARA EL DESARROLLO

muvim009-u.jpgDel 15 de octubre al 7 de febrero de 2010
Comisario: José Luis Pérez Pont
MuVIM

muvim@dival.es
www.muvim.es

"Deseos. Promesas. Realidades. Ocho objetivos para el desarrollo" pretende contribuir a dar visibilidad a las problemáticas detectadas por la ONU y resaltar especialmente los ocho objetivos de desarrollo del milenio con el fin de acercar a la opinión pública una nueva lectura desde el arte. En la exposición pueden verse obras de Silvia Molinero Domingo, Manit Sriwanichpoom, Paco Roca, Jesús Jaime Mota, Pepa López Poquet, Silvia Sempere, Gema Hoyas y Salvi Vivancos.


Cada proyecto artístico aborda uno de los ocho objetivos para el desarrollo, habiendo sido invitados a reflexionar sobre los mismos artistas que mediante su trayectoria creativa han manifestado ya una especial sensibilidad por las situaciones que se perpetúan con especial virulencia en algunas zonas del planeta, a la par que en el mundo desarrollado decrece la educación en valores.

El proyecto se compone no sólo de la exposición con los trabajos de los artistas invitados, si no también de la edición de un catálogo donde se recogen los estudios encargados a distintos autores, así como la documentación de los proyectos artísticos y un blog. "Deseos. Promesas. Realidades. Ocho objetivos para el desarrollo" pretende ser un lugar de confluencia que desde ámbitos diferentes de conocimiento e investigación, se analizan los diferentes fenómenos planteados a través de las distintas ramas de estudio, intentando acotar los amplios matices de estas problemáticas. Los autores que participan en el proyecto son: Josep L. Barona Vilar, Blanca Muñoz, Vicente Bellver Capella, Ricard Huerta, Dora Sánchez, Concha Domingo, Santiago Alba Rico y Antonio Méndez Rubio.

Los ocho objetivos para el desarrollo sobre los que tratan las obras como las aportaciones de los autores son: la mejora de la salud materna, el combate de enfermedades como el VIH/SIDA y el paludismo, la garantía de sostenibilidad del medio ambiente, la necesidad de lograr una enseñanza primaria universal, la promoción de la igualdad entre los géneros y la autonomía de la mujer, la reducción de la mortalidad infantil, el fomento de una asociación mundial para el desarrollo, la erradicación de la pobreza extrema y el hambre. Más información sobre los objetivos en http://www.un.org/spanish/millenniumgoals/.

La exposición está organizada por la Fundación por la Justicia y cuenta con el patrocinio de la Conselleria de Inmigración y Ciudadanía, Generalitat Valenciana.


MuVIM.
C/ Quevedo
10. Valencia.
Teléfono 96 3883730
muvim@dival.es
www.muvim.es

Octubre 29, 2009

MEDIALAB-PRADO / NOVIEMBRE - DICIEMBRE 2009

intheairsm-u.jpgMedialab-Prado
Espacio de cultura digital
Plaza de las Letras · C/ Alameda, 15
28014 Madrid

info.m@medialab-prado.es
www.medialab-prado.es





TALLERES

LA HEMEROTECA AUDIOVISUAL COMO PROCOMÚN
5 noviembre / 19:00h.
Mini-taller impartido por Tíscar Lara sobre la recuperación de material audivisual en soportes obsoletos, con el objetivo de investigar sobre la digitalización de contenidos audiovisuales públicos y privados. Los participantes podrán aportar sus propios archivos. Plazas limitadas. Inscripción previa.

VISUALIZAR'09: DATOS PÚBLICOS, DATOS EN PÚBLICO
12 al 27 noviembre. Incluye Seminario Internacional sobre visualización de datos públicos
[+info]
Dirige: José Luis de Vicente. Profesores del taller: Ben Cerveny (Stamen), Aaron Koblin y Manuel Lima. Con el apoyo de Bestiario. Colabora: Open Knowledge Foundation.
Esta nueva edición estará dedicada a destacar la importancia de las estructuras de datos en los procesos públicos de decisión y gobernanza. El objetivo es ofrecer nuevas formas de hacer accesibles datos públicos en formatos que permitan su reutilización y que fomenten procesos de innovación ciudadana. Los proyectos seleccionados abordan cuestiones como el gasto y calidad del agua, los registros de patentes, la piratería en internet, la evolución de la gripe A (H1N1) o el uso de las redes sociales en política, entre otras.
Cierre de inscripciones para participar en los grupos de desarrollo: 11 noviembre
12 y 13 noviembre: Seminario Datos públicos, datos en público. Con las conferencias de Jose Luis de Vicente (director de Visualizar), José Manuel Alonso (W3C/CTIC-eGovernment Lead), Liz Turner (Open Knowledge Foundation), Kerry Mitchell (Sunlight Foundation), Aaron Koblin y Ben Cerveny (Stamen).
19 noviembre / 19:00h: Presentaciones de colaboradores del taller
26 noviembre / 19:00h: Presentación final de proyectos desarrollados
27 noviembre a enero 2010: Muestra de resultados del taller
Financiado por la Fundación Española para la Ciencia y la Tecnología - Ministerio de Ciencia e Innovación.

HELLOWORLD!: CREACIÓN ESCÉNICA CONTEMPORÁNEA Y NUEVAS TECNOLOGÍAS
10 al 13 diciembre.
Segunda parte del taller de producción de espectáculos de pequeño formato centrados en la aplicación del trabajo experimental y creativo con tecnologías digitales al ámbito de la performance contemporánea.
Dirigido por David Rodríguez. Profesores: David Rodríguez, Jorge Cano y Óscar Villegas. Invitados: Zachary Lieberman y Marcel·li Antúnez. [+info]

TALLER DE PROGRAMACIÓN CREATIVA II
Del 15 al 19 de diciembre
. Plazas limitadas. Inscripción previa necesaria.

PLAYLAB: EXPERIMENTACIÓN CON VIDEOJUEGOS
El taller-laboratorio PlayLab es un espacio para la creación, la difusión, el aprendizaje y la discusión a través de los videojuegos. La convocatoria para proyectos permanece abierta hasta el 25 de noviembre (ver Convocatorias Abiertas más abajo). [+info]
Todos los viernes / 17:00h: Reuniones semanales

VIERNES OPENLAB
Todos los viernes / 19:00h
: Espacio abierto de encuentro y experimentación con software y electrónica.


ENCUENTROS AVLAB: EXPERIMENTACIÓN SONORA Y VISUAL
Los encuentros AVLAB son reuniones mensuales entre gente con intereses afines en los campos de la música experimental, electrónica, electroacústica, arte sonoro, dispositivos interactivos y en general el procesado de audio y vídeo en directo.

ENCUENTRO AVLAB: IN-SONORA V [+info]
14 noviembre / 19:00h.
En colaboración con In-Sonora 2009, muestra de aret sonoro e interactivo. Con las actuaciones de:
· Miguel Álvarez y su grupo DissoNoiSex. Presenta su trabajo sonoro reciente que engloba composición, programación radiofónica, escritos, instalaciones, etc.
· Pangea.
Sonidos ásperos, atmósferas cautivadoras e hipnóticas.
· Hyperpotamus. Música a capela o cómo hacer música con la voz como único instrumento

MÚSICA Y MATEMÁTICAS
19 diciembre / 19:00h
. Sesión dirigida por José Manuel Costa.


CONFERENCIAS: LOS JUEVES DE MEDIALAB-PRADO

Sesión de trabajo del Laboratorio del Procomún
3 diciembre / 19:00h.
Comienzo de la nueva etapa del Laboratorio del Procomún, en la que se dará continuidad a los grupos de trabajo anteriores y se abrirán nuevas propuestas.

Conferencia de Marcel·lí Antúnez: Sistematurgia
10 diciembre / 19:30h.
(...) El proceso de producción demanda la creación de ciertos prototipos específicos, tanto en el ámbito del software como en el del hardware. El uso de las interfaces, sobre todo corporales, sitúa al actuante en una nueva categoría que funde al actor, al bailarín y al manipulador de objetos en uno. La comunicación performance / espectador se transforma. Parámetros como el hipertexto y la interactividad afectan, entre otros, a los medios de representación, al papel del espectador y al transcurso de la obra.
Marcel.lí Antúnez Roca es fundador de La Fura dels Baus e internacionalmente conocido por sus performances mecatrónicas e instalaciones robóticas. Desde los años ochenta su trabajo se ha caracterizado por el interés en los miedos y los deseos del ser humano, primero desde la performance tribal de La Fura dels Baus y más tarde en solitario a través de un tipo de obras que proponen sistemas complejos que a menudo se convierten en híbridos sin categoría. [+info]

Presentación de Animata, software para animación en tiempo real
17 diciembre / 19:00h.
Bence Samu presenta Animata, un software de animación en tiempo real de código abierto, diseñado en Kitchen Budapest para crear animaciones, proyecciones de fondos interactivos para conciertos, teatro y performances de danza.
[+info]


CONVOCATORIAS ABIERTAS

VISUALIZAR'09: DATOS PÚBLICOS, DATOS EN PÚBLICO
Convocatoria para colaboradores hasta el 11 noviembre

Taller-seminario internacional sobre visualización de datos del 12 al 27 noviembre
Los colaboradores pueden apuntarse a cualquiera de los diez grupos que desarrollarán las propuestas seleccionadas, en función de sus intereses, aportando sus conocimientos e ideas al mismo tiempo que aprenden del resto del grupo y de los profesores del taller. Ver Talleres más arriba. [+info]
Proyecto financiado por la Fundación Española para la Ciencia y la Tecnología - Ministerio de Ciencia e Innovación.


PLAYLAB: LABORATORIO DE EXPERIMENTACIÓN CON VIDEOJUEGOS
Convocatoria para proyectos hasta el 25 noviembre

PlayLab propone explorar el contexto del juego y del videojuego como espacio para la creación, la experimentación, el aprendizaje y la reflexión, y como ámbito especialmente propicio para el trabajo colaborativo y la confluencia entre distintas disciplinas.
La convocatoria está dirigida a la presentación de proyectos para su producción colaborativa en el taller que se celebrará en Madrid del 21 al 24 de enero y del 4 al 7 de febrero de 2010.

Con la colaboración de ArsGames y PlayStation® [+info]


CURSOS Y OTRAS ACTIVIDADES

DRUPAL: Curso de introducción a la gestión de contenidos con software libre
4 noviembre, 21 diciembre / 18:00h.
Sesiones mensuales gratuita sobre diversas utilidades de este software. Asistencia gratuita sin inscripción. Organizado e impartido por Documentados. [+info]

DRUPALMAD
10 noviembre, 1 diciembre / 18:00h.
Reunión mensual de una comunidad local de desarrolladores de Drupal, un sistema de gestión de contenidos para sitios web. [+info]

JORNADAS REDES DE ARTE
9 diciembre / 19:00h.
Encuentro sobre arte en la red. Organizadas por Arte10.com

PLAZANIMADA. INSTALACIÓN INTERACTIVA
Todos los días / 20:30h a 24:00h. Los dibujos enviados por los usuarios a través de http://plazanimada.es son proyectados en el espacio físico de la Plaza de Las Letras de Madrid, creando la ilusión de un graffitti efímero hecho de luz. Plazanimada es una instalación interactiva que superpone la red y la calle, ofreciendo una plataforma abierta para la expresión pública en la ciudad .
Proyecto creado por Steven Pickles, Juan Fabián, Enrique Esteban y Martín Nadal.


Programación sujeta a cambios. Para información actualizada, consultar: http://medialab-prado.es
Prensa: difusion@medialab-prado.es


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(Proyecto In the Air, de Nerea Calvillo y colaboradores. Invitado al taller Visualizar'09: Datos públicos, datos en público.)

Estudios Visuales #7: "Retóricas de lo radical" - Convocatoria pública de colaboraciones

ev_logo_pq.gifBajo el título de "retóricas de lo radical", nuestra idea es atender a cómo los estudios críticos pueden enfrentar el análisis de las prácticas simbólicas que han hecho del "antagonismo", la "resistencia" y/o "lo radical" su principal coartada discursiva: la resistencia como el lugar común ideológico más recurrido por los más diversos discursos y prácticas contemporáneas.

El objetivo principal es entonces preguntarnos cómo pueden los estudios críticos contribuir a desmantelar tales retóricas, y cómo las dependencias ideológicas y los intereses de hegemonía que se esconden tras sus formaciones del imaginario pueden ser desenmascarados y puestos en evidencia.

Como objetivo añadido, queremos preguntarnos de qué modo puede entonces el análisis crítico contribuir al desarrollo de formas de las prácticas que verdaderamente puedan resistir a los discursos dominantes –incluso cuando ellos se presentan bajo la máscara de "la resistencia" (ejemplos de ello se podrían encontrar miles, desde el discurso publicitario de Boss al nuevo disco de The Muse, pasando claro está por las propias prácticas artísticas, las primeras promotoras de este tipo de tácticas encubridoras).

¿Nos encontramos frente a una “fase antagonista” del capitalismo cultural –una fase que habría integrado la “crítica artística” –para emplear los términos de Boltanski y Chiapello? ¿Estamos simplemente ante una actualización de las “contradicciones culturales” del capitalismo avanzado? ¿Cómo puede abordarse todavía la “crítica de ideología” por parte de la teoría crítica –en un tiempo en el que las prácticas e instituciones culturales parecen haber establecido y estabilizado complicidades estructurales con los “teóricos críticos” (integrándolos como curators, conferenciantes, prologadores de catálogos, investigadores de plantilla …) para obtener de ello su propia legitimación como, precisamente, instituciones o prácticas “antagonistas”, “críticas” o “radicales”?

Pensamos que se trata de una cuestión crucial en el momento actual, y tanto para las prácticas culturales –en lo que todavía ellas aspiren a transformar el mundo que habitamos- como desde luego para el desarrollo y repensamiento actual de la teoría crítica y sus métodos y recursos analíticos y epistemológicos. En ese sentido, nuestra pregunta concierne también y primordialmente a la cuestión de las “nuevas humanidades” –los nuevos estudios críticos, las nuevas ciencias humanas- y la redefinición que en el marco de las transformaciones contemporáneas de las formaciones del saber y sus instituciones deben ellas abordar para lograr asumir el rol que se les demanda, como proveedoras de un criticismo riguroso y bien fundado, en lugar del papel de legitimación al que desde su pseudocaracterización contemporánea son una y otra vez requeridas.

Los artículos propuestos deberán tener una extensión de entre 10 y 15 folios a doble espacio, y deberán enviarse por correo electrónico a colaboracion@estudiosvisuales.net con anterioridad al próximo 15 de diciembre.

Octubre 28, 2009

SPORA. II Bienal Internacional de Arte Efímero abre su convocatoria de proyectos de Arte y Nuevas Tecnologías y Arte y Naturaleza

Miga_final_02_baja-u.jpgSPORA. II Bienal Internacional de Arte Efímero convoca, hasta el próximo 8 de noviembre, la presentación de proyectos de Arte y Nuevas Tecnologías y Arte y Naturaleza para la II edición de su muestra, que se celebrará en Granada entre el 15 y el 20 de diciembre de 2009.

www.sporaarteefimero.com

SPORA. Bienal Internacional de Arte Efímero es un itinerario bianual de arte contemporáneo y efímero por la ciudad de Granada.
La muestra transcurre por un sendero cuyos extremos, claramente diferenciados, dan sentido a uno de los argumentos de la muestra, Tradición y Modernidad. A un lado, el Sacromonte, como exponente de esa tradición, de los oficios artesanos y de una larga historia. En el otro extremo, la zona de museos de la ciudad, con el Centro Cultural- Museo de Caja Granada y el Parque de las Ciencias; ambos, ejemplo de modernidad y puesta al día de una ciudad. Y entre ambos extremos, la ciudad y sus calles más concurridas. Ahí es donde surge SPORA en cada edición. En edificios tan emblemáticos como el Bañuelo, el Carmen de la Victoria, El Palacio de los Córdova o calles y espacios como la Fuente de las Batallas, Recogidas o el Embarcadero del Río Genil, los artistas que se reúnen en torno a SPORA muestran a la sociedad sus obras de arte efímero.
Conceptos como el vestigio, la no pertenencia, el recuerdo, lo perecedero, el momento de emoción y disfrute para los sentidos o la desmaterialización como esencia de lo efímero frente
a lo perdurable
son el argumento de esta muestra, que se dispersa sobre la ciudad.

El agua de los ríos Darro y Genil hará de hilo conductor a través del tiempo y las diferentes culturas, para fundir tradición y modernidad potenciando un espacio cultural común.
SPORA es una búsqueda de ese espacio cultural común, en el que se promueven y difunden proyectos de arte contemporáneo que fomenten valores éticos y sociales a partir de dos líneas de investigación:

1. Arte y Naturaleza Se promoverá la educación sobre el respeto y la recuperación del Medio Ambiente, con intervenciones artísticas multidisciplinares de carácter efímero en el paisaje urbano, basadas en una Estética Ecológica y que nos hablen a través de metáforas de cómo mejorar nuestro presente y avanzar hacia un modelo energético más justo y sostenible. Se buscan intervenciones orientadas a preservar la herencia cultural y analizar diferentes rituales y tradiciones frente a la naturaleza. Podrán presentarse proyectos de Instalación, Performance, Land Art, Arte Reciclado, Escultura, etc…

2. Arte y Nuevas Tecnologías.
Se promoverán proyectos artísticos que acerquen el arte y las nuevas tecnologías a la sociedad dentro de ese espacio cultural común. Los proyectos de creadores e investigadores que trabajen en torno a las prácticas artísticas contemporáneas, quedarán estructuradas en tres apartados: Arte interactivo (Net Art, Espacios interactivos, Entornos virtuales), Videoarte (Vídeocreación, Videoinstalaciones, Videodanza, Vjing) y Arte sonoro (Espacio sonoro, Escultura sonora, Vdj).


PARTICIPANTES
Podrá concurrir a la presente convocatoria, individualmente o de forma colectiva (nombrando un representante), cualquier artista sin límite de edad, nacionalidad o género.


DURACIÓN DE LA MUESTRA
La duración de la muestra será de 6 días, entre el 15 y el 20 de diciembre, durante los que se fijarán secuencialmente la presentación de las obras seleccionadas en el itinerario planteado.


ESPACIOS Y LOCALIZACIONES
Los artistas becados realizarán la obra in situ. Ésta deberá estar concebida para una ubicación concreta que el artista podrá seleccionar dentro del itinerario propuesto y que se realizará en el tejido urbano de Granada o en los edificios propuestos (tanto en el interior como en los patios o fachadas). Dependiendo de la especificidad de cada proyecto, se trabajará al aire libre en los espacios públicos o en los talleres del Centro de Estudios Escénicos (Escénica Técnica), Museo Memoria de Andalucía o la Facultad de Bellas Artes.
Los artistas se comprometen a cumplir con los objetivos de convivencia y de participación en las actividades de la Muestra y a acabar su trabajo en el plazo estipulado, de tal manera que las obras estén instaladas en el itinerario designado en la fecha programada.


DOTACIÓN
La Organización correrá con los gastos de alojamiento y manutención de los artistas participantes durante los días en que se desarrolle el evento (no incluyéndose los traslados) y aportará los materiales, medios y utillaje que previamente se hayan acordado con cada artista becado, según la memoria de su proyecto.


PRESENTACIÓN DE PROYECTOS Y FORMALIZACIÓN DE SOLICITUDES
Podrán presentarse proyectos de cualquier disciplina artística o lenguaje creativo siempre que entronquen con las dos líneas temáticas que articulan la muestra: Arte y Naturaleza (se considerarán, especialmente, aquellos proyectos que integren la recuperación de oficios artísticos tradicionales) y Arte y Nuevas Tecnologías.
Cada artista o colectivo podrá presentar el número de proyectos que estime oportuno siendo necesaria su aportación en papel y CD; DVD ó MiniDv, (para trabajos de videoarte); mp3 ó wav (en el caso de piezas de arte sonoro).
Éstos incluirán, obligatoriamente, los siguientes apartados:
• Impreso de solicitud de inscripción.
• Fotocopia del DNI o pasaporte del solicitante.
• Datos de contacto (nombre, email, teléfono, fax, correo postal, etc.)
• Curriculum Vitae redactado en un máximo de dos folios.
• Memoria explicativa del proyecto (extensión máxima cinco folios) detallando:
- Denominación del Proyecto.
- Breve descripción del proyecto (máximo 200 palabras).
- Disciplina/s artística/s.
- Características del proyecto.
- Instrucciones de montaje y descripción de las necesidades técnicas y materiales para la realización del mismo (El montaje y desmontaje de las obras corresponderá al responsable del proyecto aunque la Organización prestará apoyo y asesoramiento al mismo).
- Lugar de realización propuesto.
- Documentación gráfica del proyecto (croquis, bocetos, dibujos, diseños, fotografías, etc.)
- Gastos de producción (rider técnico, materiales, tecnología, equipo técnico, etc.)
• Documentación gráfica de obra reciente (mínimo de 5 obras y máximo de 10).

Tanto las imágenes aportadas en el dossier como en la memoria explicativa del proyecto tendrán una resolución de 300 ppp.

En caso de no recibirse toda la información anteriormente detallada de forma completa, la participación será desestimada, no entrando en consideración del Jurado.
Deberá indicarse en el proyecto si la obra que concurre en esta convocatoria es inédita o si ha sido presentada en otro festival o acontecimiento cultural, concretando la fecha y lugar donde ha sido realizada.
Las solicitudes, junto con la documentación correspondiente, se entregarán en:

VICEDECANATO DE RELACIONES INSTITUCIONALES
VICEDECANATO DE CULTURA Y ALUMNOS
Edificio Aynadamar,
Avda. de Andalucía s/n,
18071, Granada

en días laborables de 9:00 h. a 14:00 h., o mediante correo certificado. La presentación de solicitudes a través de las Oficinas de Correos se hará en sobre abierto, con objeto de que en la cabecera del boletín de inscripción se hagan constar con claridad el nombre de la Oficina y la fecha de presentación, de conformidad con lo dispuesto en el artículo 31 del Real Decreto 1829/1999, de 3 de diciembre.
El plazo de presentación de proyectos finalizará el día 8 de noviembre de 2009.


SELECCIÓN
Los proyectos presentados serán sometidos a un proceso de selección por un Comité designado por la Organización compuesto por profesionales de reconocido prestigio de distintas disciplinas artísticas. Dicho comité se hará público en su momento en la página web de SPORA.
El Comité de Selección elegirá el número de proyectos que considere oportuno, evaluando la calidad artística, la adecuación al entorno urbano, la complementariedad entre las distintas propuestas y su viabilidad material y económica.
Al tratarse de proyectos que ocuparán espacios públicos, será imprescindible la obtención de los permisos municipales oportunos para la realización y montaje de las obras, que gestionará la propia Organización.
Los responsables de los proyectos se comprometen a subsanar cualquier deterioro que se produzca en su obra, garantizando en la medida de lo posible que ésta permanezca en perfectas condiciones el tiempo que dure la muestra.


PUBLICIDAD Y PROMOCIÓN
Tras la realización de la Muestra la Organización editará un catálogo que incluirá todas las actuaciones desarrolladas.
Los artistas cederán los derechos de exhibición e imagen de los trabajos realizados para esta Muestra y para las actividades destinadas a la difusión de la misma. Para ello se solicitará de cada artista o colectivo la firma de un acuerdo con SPORA que regule la cesión de los derechos de publicación y reproducción de los proyectos seleccionados.
La Organización se reservará el derecho de publicación y reproducción de las intervenciones artísticas seleccionadas en todos aquellos casos relacionados con la promoción del programa,e incorporará a su fondo documental y de archivo público toda la documentación generada. En cuanto a las obras audiovisuales una copia entrará a formar parte directamente de ese fondo documental.


OBSERVACIONES
La participación en el encuentro supondrá la total aceptación de estas bases.


INFORMACIÓN
De 9 a 14 horas en:
Facultad de Bellas Artes,
Vicedecanato de Cultura y Alumnos y Oficina de Relaciones Internacionales.
Edificio Aynadamar,
Avda. de Andalucía s/n,
18071, Granada.
Teléfono:(00+34) 659216547 y 659231583
E-mail:
• Belén Mazuecos: bmazue@ugr.es (español e italiano)
• Luiza Anca Sirbu: vtribbaa@ugr.es (español e inglés)
• Ana García López: agarcial@ugr.es http://www.sporaarteefimero.com
Prensa: prensa@sporaarteefimero.com Tfno: 639 39 02 56


Desdoblamientos

DesdoblamientoDeustcheAkademie#1-u.jpgInauguración 24 de octubre a las 20.00 horas
Artista: Arancha Ruiz
Comisariada por Silvia Alzueta
Unicaja Espacio Emergente
29 de octubre al 21 de noviembre

Arancha Ruiz nos plantea en su serie Desdoblamientos las múltiples posibilidades que se desprenden de cada una de las decisiones nimias, o no, que tomamos en nuestro día a día. Su propuesta surge de una búsqueda constante, de una duda y cuestionamiento de cada una de las actuaciones que realizamos continuamente. La artista se dispone ante la “realidad” con una lucidez extraordinaria, cuestionándose todos y cada unos de los futuribles posibles que nos acompañan en nuestra cotidianeidad. Las decisiones que sin saberlo harán que nos crucemos con una u otra persona, por ejemplo, son vitales para componer las escenas de los capítulos que conformarán nuestra vida. Por eso y para esto Arancha se desdobla y desdobla los escenarios y, en diferentes actitudes, se dispone a mostrarnos varias de las infinitas posibilidades a las que nos podemos enfrentar ante una misma situación. Curiosamente sus personajes, en muchos casos ella misma, se encuentran en actitudes meditativas o de aparente inactividad, no ocurre nada ya que el suceso está por llegar.

Es un cuestionamiento, no sólo de su identidad sino también de su corporeidad, que surge de un desdoblamiento de su persona en todas las posibles Aranchas, siempre de perfil o de espalda, nunca mirando a la cámara, que busca con sus fotografías un artificio en espacios comunes, como pueden ser una habitación vacía de una academia de idiomas en Alemania, que se corresponde con la serie Desdoblamiento Deustche Akademie#1-4, o una estación de metro, Marienplatz#1 y 2. El citar estas dos series no es baladí ya que ambas conforman una variación dentro de los modelos que configuran la exposición, es decir, desdoblamientos de personas en espacios interiores. La serie, Deustche Akademie consta de cuatro obras en las que introduce el enigma en su poética; dos en las que aparece ella en diferentes actitudes, otra en la que aparece una joven desconocida y por último, la número dos en la que simplemente queda el espacio vacío y la ausencia como registro de la presencia de alguien que ha dejado de usar o que va a usar esta escalera. Existe en estas cuatro obras una mirada melancólica ante un espacio abandonado en el que la artista juega en todo momento con el fuera de campo, con lo que hay más allá de la ventana o con aquello a lo que la chica está mirando.

Por otra parte y como término intermedio entre estas fotografías en las que la personas se desdoblan está Tacheles, reminiscencia de trabajos anteriores en los que la fotógrafa trabaja con la arquitectura a través de recomponerla y descomponerla para conformar un hermoso juego arquitectónico que no puede más que recordarnos la obra del inigualable de Gordon Matta Clark. Este estadio en el que la arquitectura se reconstruye visualmente da lugar a una fragmentación del entramado urbano como es el caso de las obras Berliner Dom, Gartnererplatz, Marienplatz, entre otras. Son paisajes urbanos en los que, tanto las personas como las fachadas de los edificios, han sufrido un desdoblamiento que consiste en superponer sobre un mismo plano una imagen pero variando ligeramente la orientación del fragmento seleccionado. Se podría decir que asistimos a una visión múltiple o fragmentada de una misma escena, donde no ocurre nada en especial. Los personajes se desdoblan y nos muestran sobre una misma instantánea posibles recorridos para cruzar una habitación, un parque o una estación de metro. Son imágenes de duda, de encrucijada, que sin embargo, y a pesar de las múltiples posibilidades de elección, todas ellas nos llevan al mismo punto que no es otro que nuestra vida. Por último las obras exteriores y de paisajes de naturaleza controlada, es decir, parques en los que el hombre ha organizado el espacio en los que nuevamente son sólo las figuras se desdoblan para, en el caso de Crossover Place, crear un juego de tensiones visuales y reales en los que las figuras se necesitan para mantener un equilibrio inestable. La clave de su obra es como a partir de algo unitario, en apariencia, la artista es capaz de construir un uno múltiple. Reflexiona sobre como asir el vacío o fotografiarlo buscando en los resquicios de las imágenes que capta con su cámara fotográfica y con las múltiples posibilidades que nos da una misma escena, una misma situación.

Silvia Alzueta, octubre 2009


Unicaja Espacio Emergente
c/ Dr. Pérez-Bryan 3. 2º planta
Malaga

RAY JOHNSON. Completar y devolver, por favor

49xonline-u.jpg6 noviembre 2009 – 10 enero 2010
Comisario: Alex Sainsbury en colaboración con Chus Martínez
Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA)

www.macba.cat

El programa de otoño del Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) propone como líneas principales una gran retrospectiva de las obras, las ideas y las influencias de John Cage, así como una presentación extensiva de la obra de Ray Johnson. Los artistas norteamericanos John Cage y Ray Johnson vivieron en la misma época y compartieron experiencias. A pesar de tratarse de dos producciones independientes, la decisión de presentar ambas exposiciones simultáneamente en las salas del Museo responde al hecho de que ambos artistas se preocupan por inventar un lenguaje que aborde la ascendencia de la contemporaneidad versus la modernidad. Tienen en común el intento de reconfigurar los cimientos epistemológicos del proyecto moderno, es decir, la forma en que decidimos qué es cultura y qué no lo es. Ningún lenguaje puede reflejarse en la transparencia de los signos; a través de sus obras, pues, nos vemos obligados a inventar, a crear nuevos métodos para pensar el mundo.


RAY JOHNSON. Completar y devolver, por favor

La producción del artista norteamericano Ray Johnson (1927-1995), en su mayoría collages, pequeños dibujos objeto y un contingente de arte postal, está marcada por su relación con el mundo del arte. La escala de sus trabajos, los materiales y el método son testimonio de un ejercicio muy contemporáneo: intentar entender el funcionamiento de la comunidad artística. Su obra puede ser descrita como protopop, aunque calificarla de este modo indicaría que, en realidad, no llegó a ser y por eso no alcanzó la visibilidad de otros trabajos. La razón, sin embargo, estriba en el método: Ray Johnson intenta colarse en los espacios intermedios y su obra aspira a un nivel de intimidad inusitado (el sujeto es el filtro y el resultado) y un tanto folclórico (en el sentido más crítico del término), lo que le aleja de la lógica de la producción y el consumo de masas.

A Ray Johnson, hijo de inmigrantes finlandeses, se le inculcó el interés por el arte desde niño. En 1945 se inscribió en el Black Mountain College, donde entraría en contacto con artistas como Robert Rauschenberg, John Cage, Merce Cunningham y Josef Albers. Este último lo acercó a la filosofía de la Bauhaus, corriente de la que Johnson aprendería el gusto por el empleo de las tramas, la autonomía del color y el potencial de la imagen encontrada por azar. Allí conoció también a Richard Lippold, uno de sus profesores, quien lo introdujo en el mundo del arte neoyorquino y en el grupo de los artistas americanos abstractos, con los que expuso por primera vez en 1949. Este hecho marcaría su carrera, ya que Nueva York, su evolución creativa, estética y política, se convertiría en uno de los ejes que estructuró la obra de Ray Johnson durante más de tres décadas.

Poco después comenzaría a trabajar con collages, inspirado tal vez, como le ocurriera a Andy Warhol, por su labor en el diseño comercial. Estos primeros collages están muy influenciados por las enseñanzas formales que recibió en el Black Mountain College y se sirven de lo cotidiano como hilo conductor. Así, para elaborarlos utilizaba los cartones que se emplean en las lavanderías para doblar camisas. Los llamó «moticos», una palabra creada por él y que describe como algo fugaz y cotidiano.

A mediados de los años cincuenta, Ray Johnson comenzó a utilizar el correo para llamar la atención sobre sus collages, enviándolos junto a pequeñas notas a comisarios de instituciones, coleccionistas y amigos. Un ejemplo de esto es la serie conocida como The Luckies (1959-1961), que es la respuesta a un poema que le había mandado su amigo Gerald Ayres sobre Charles «Lucky Lindy» Lindbergh.

La práctica del envío postal se consolidaría a partir de 1960, fecha en la que se iniciaron los envíos masivos y, por tanto, la circulación en masa de sus obras. Ed Plunkett, artista Fluxus, propuso, en broma, para este movimiento el nombre «New York Correpondence School», término que Ray Johnson aceptó de inmediato.

El año 1960 constituye también el punto de partida de las performances de Ray Johnson, empezando por Nothing (Nada), cuyo origen, según el propio Johnson, se encuentra en la actitud contraria a los happenings (es decir, a la intención de que ocurra algo). «Nada» fue la respuesta que dio el artista en muchas ocasiones a las propuestas que recibía para exponer en galerías. En cualquier caso, la mayoría de sus performances de los años sesenta y setenta estarían asociadas a eventos relacionados con la «New York Correpondece School» y titulados en base a clubs de fans imaginarios, como sería el caso de Paloma Picasso.

Entre 1965 y 1973, Ray Johnson crearía collages –una práctica común entre los artistas neoyorquinos– para sus exposiciones individuales. Los collages de Johnson de esa época mantienen la estructura formal de los de principios de los años cincuenta y centran su contenido en las referencias artísticas. Son collages construidos con esmero y gran precisión, en los que subyace su interés por la indeterminación y el azar inspirados en la filosofía zen, que aprendió de John Cage. Así, los collages podían modificarse entre exposición y exposición, incluyendo, en ocasiones, materiales reciclados de collages anteriores. De este modo creaba superficies complejas, entre la figuración y la abstracción, en las que los significados se entrelazaban y quedaban, a veces, ocultos en la forma. Las referencias son muchas y van desde lo personal hasta lo más general.

Otra constante en los collages de Ray Johnson es el interés por el lenguaje y los juegos de palabras. Los fragmentos de los collages se convierten en una excusa para explorar las relaciones entre las cosas y las personas, lo verbal se convierte en un refuerzo para lo visual: los juegos de palabras nos ayudan a comprender las asociaciones de imágenes.

Durante todo ese tiempo Ray Johnson no dejó de enviar imágenes por correo. Así como en los collages expuestos era él quien modificaba las obras, en los envíos postales las modificaciones las realizaban otros, lo que generaba un intercambio basado en la intervención: es lo que él llamaba «una partida de ping-pong». A menudo, los envíos se hacían a medida del destinatario, evocando bromas privadas que incitaban a ese intercambio.

A finales de los años setenta, Johnson dejó de crear collages con la intención de exponerlos, rechazando todas las propuestas de exposición que recibía. Los collages de esta época adquieren más y más capas, y Johnson trabaja de forma meticulosa en collages ya hechos. De este modo se multiplica la idea de superposición y los contenidos se hacen cada vez más complejos, con citas que se entrelazan y responden a momentos distintos. En ocasiones llegó incluso a cortar secciones enteras de estos collages para mandárselas a alguien.

Entre tanto, el movimiento del arte postal se consolidó como fenómeno internacional. Ray Johnson incorporó la fotocopia como prolongación de las litografías en ciclostil que había empezado a producir a finales de los cincuenta, empleando hojas de «tamaño carta» (equivalente norteamericano del A4) para difundir sus obras. El contenido de estas piezas muestra una mezcla de su imaginario, referencias personales y elementos de la cultura generalista. Cuanto más próximo se sentía del destinatario, más embellecía estos envíos: muchas de las hojas se enviaron con instrucciones para que se añadiese algo, se devolviesen al remitente o se reenviasen a otro destinatario. Los perfiles en blanco de la cabeza del artista, por ejemplo, alcanzaron a infinidad de artistas y de hipotéticos artistas, con la indicación de que se anotase algo y se difundieran.

Gran parte de estos últimos envíos postales guardan relación con el mundo del arte y con la ambivalencia con que lo observaba Johnson. No es tanto una crítica de las instituciones como una reflexión sobre sus propias preocupaciones. Un ejemplo de esto es el envío «Querido Whitney Museum: te odio. Cordialmente, Ray Johnson»: en 1971 el Whitney ofreció una exposición al artista que él dedicó íntegramente a la red del arte postal. También se apropia de los logros formales de otros artistas, como Carl André, e ironiza sobre ellos.

Ray Johnson crea en todo su trabajo una nueva economía de mensajes, una forma muy personal y muy ambiciosa de poesía concreta. Antes incluso del movimiento del arte pop, la obra de Johnson manifiesta una interesante dimensión antropológica que se traduce en su percepción de la sociedad de distribución y consumo, así como en su perspicacia a la hora de aludir a los problemas de género en la cultura de su época.


Otras exposiciones:
MODERNOLOGÍAS. Artistas contemporáneos investigan la modernidad y el modernismo
La anarquía del silencio. JOHN CAGE y el arte experimental
Colección MACBA


Más información en www.macba.cat


MACBA_Logo-U3.jpg


Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA)
Plaça dels Àngels, 1
08001 Barcelona


Ray Johnson, Untitled (Please Send To Mike Belt), 1972-1975. Cortesia The Estate of Ray Johnson at Richard L. Feigen & Co. Foto: Bill Orcutt. © Ray Johnson, Estate of Ray Johnson at Richard L. Feigen & Co., 2009

Octubre 27, 2009

II CONVOCATORIA BIENAL para artistas españoles: Audiovisual

cama-u.jpgLas obras podrán enviarse por correo postal hasta el 30 de noviembre de 2009

www.100kubik.de

BASES

100 kubik – Raum für spanische Kunst de Colonia, es la única galería en Alemania que presenta exclusivamente artistas españoles en este país. Conjuntamente con el Archivo de Arte Español en Alemania (SKAD), presenta su II Convocatoria bienal en la modalidad de audiovisual; con el objeto de promocionar el trabajo de los artistas españoles en Alemania.
La convocatoria está dirigida a obras de corta duración realizadas en VÍDEO. La finalidad es seleccionar los trabajos más destacados y presentarlos en el 2010 en la galería 100 kubik y darles la mayor difusión posible en Alemania.


Condiciones de participación:

1- Los artistas tienen que tener nacionalidad española o haber cursado sus estudios en el país o demostrar su residencia de los últimos 5 años en España.

2- Los artistas deben haber realizado estudios artísticos o de medios audiovisuales o estar en el último año de carrera.

3- Las obras estarán realizadas en español, incluyendo subtítulos en alemán o en inglés. Tema y género son libres y cada autor puede presentar hasta tres videos.

4- El formato de los videos tiene que ser .mp4 o .wmv3. La resolución del video para 4:3 standart: 640 x 480. Para widescreen DV 853 x 480. Para HD 1280 x 720. Para el audio usar el código AAC, bitrate 320 kbps, simple rate: 44,100 kHz

5- Se establece una duración máxima de 10 minutos por obra. Con las obras seleccionadas se realizará un DVD al que se dará la mayor difusión posible en Alemania. Las mejores obras podran verse también en la página web de la Galería.

6- Cada obra se presentará en formato DVD-video, y se exhibirá en monocanal. Por tanto, no podrán participar videoinstalaciones o cualquier tipo de obra con montajes y tecnología específicos.

7- Las obras estarán etiquetadas con el título, autor, año y duración. En el caso de presentar más de una obra, cada una irá en un DVD diferente.

8- Los seleccionados se comprometen a mandar dos imágenes relacionadas con el video en formato jpg de alta resolución para su difusión en prensa.

9- Tanto las imágenes como los sonidos deberán ser de producción propia, y en ningún caso estar sujetos a derechos de autor o de reproducción.

10- Se debe completar el formulario de inscripción y adjuntarlo a la obra junto a la fotocopia del pasaporte o DNI

11- No se realizarán devoluciones. Las obras seleccionadas pasarán a formar parte de la videoteca del Archivo de Arte Español (Spanisches Kunst-Archiv in Deutschland-SKAD), a través de la cual se podrán hacer proyecciones con fines no lucrativos y/o educativos. El resto de las obras se destruirá.

12- Las obras podrán enviarse por correo postal hasta el 30 de noviembre de 2009 (fecha de matasellos). No hace falta certificar. Los gastos de envío correrán a cargo de los participantes. Las obras se mandarán a la siguiente dirección:

Galerie 100 kubik
Carmen Gonzalez-Borras
Brüsseler Str. 59
D- 50672 Koeln
Deutschland

13- En el caso de situaciones no incluídas en estas condiciones, la dirección de la galería decidirá sobre su resolución.


Para cualquier aclaración dirigir un email a: info@100kubik.de

Más información en www.100kubik.de

Octubre 26, 2009

Memoria de Anzo - José Iranzo Almonacid

003Anzo-u.jpgDel 27 de octubre de 2009 al 14 de febrero de 2010
Comisario: Joan Àngel Blasco Carrascosa
Centre Cultural La Nau de la Universitat de València
Sala Martínez Guerricabeitia

www.uv.es/cultura

La exposición "Memoria de Anzo" contempla una síntesis de la variada producción artística (pintura, escultura, dibujo, obra gráfica), de José Iranzo Almonacid “Anzo” (1931-2006), autor de una personalísima obra artística que llena un importante capítulo del arte contemporáneo valenciano, español e internacional. Para ella ha sido seleccionado un conjunto de obras representativo de sus diferenciadas etapas artísticas. La muestra ha sido conformada con piezas de la propia Colección Martínez Guerricabeitia y con otras –inéditas o escasamente publicitadas anteriormente, facilitadas por los herederos del artista. Inconformista e innovador, la producción artística de Anzo ha venido siendo gestada desde una radical independencia, siendo el fruto de una profunda preocupación humanística que le llevaría a hurgar en las cuestiones más nodales de la problemática axiológica contemporánea. Fue galardonado con el Premio de las Artes Plásticas de la Generalitat Valenciana (2003). Tan cierto es que mucho se ha escrito sobre Anzo, como que todavía faltan por hacer otras aproximaciones a su obra artística desde la perspectiva más rigurosa de la crítica y la historiografía. A este tenor, confiamos en que la presente exposición contribuya al mejor conocimiento de uno de los artistas plásticos más destacados de nuestro arte contemporáneo, merced a esta nueva edición de"Trobades amb la Col.lecció Martínez Guerricabeitia".


ORGANIZA i PRODUCE:
Fundació General de la Universitat de València.
Patronat Martínez Guerricabeitia

PATROCINA: Banco Santander y Heineken
COLABORA: Ibercaja i Fesord


Centre Cultural La Nau de la Universitat de València
Sala Martínez Guerricabeitia
C/ Universitat, 2
46003 València.
Tel. 963864377.
www.uv.es/cultura

HORARIO DE VISITA:
de martes a sábado de 10 a 14 horas y de 16 a 20 horas.
Domingos de 10 a 14 horas.

ENTRADA LIBRE

iD Barrio. Creatividad social, acción colectiva y prácticas artísticas. Seminario internacional + taller de proyectos | Calaf y Barcelona

barrio_05_castellano-u.jpgiD Barrio | Calaf
Seminario: 14 y 15 noviembre 2009
Taller Horitzó TV: 6, 7 y 13 noviembre 2009

iD Barrio | Barcelona
Seminario: 27 y 28 noviembre 2009
Taller KUNSTrePUBLIK : 30 noviembre - 4 diciembre 2009
Taller Traces of Autism: 30 noviembre - 4 diciembre 2009

Más información e inscripciones:
http://idensitat.net, idensitat@idensitat.net
El plazo de inscripción para el seminario y taller en Calaf finaliza el 31 de octubre. Para el seminario y talleres en Barcelona el 12 de noviembre.

iD Barrio mediante los seminarios de Calaf y Barcelona plantea que el arte puede ser un factor de innovación en los procesos de transformación de la ciudad , ya que es capaz de hacer emerger la creatividad social latente y desplegarla a través de acciones colectivas. Los seminarios cuentan con la participación de: Sergi Alegre, Colectivo Amasté, Daniel G. Andujar, Colectivo Basurama, Paola Di Bello, Viviana Bravo, Joan Caballol, Santiago Cirugeda, Francesca Comisso, Manuel Delgado, Colectivo LUL, Fadhila Mammar, Josep-Maria Martín, Gary W. McDonogh, Francesc Muñoz, Oriol Nel.lo, Jose Luis Oyon, Martin di Peco, Martí Peran, Josep Puigpelat, Marta Ricart, Montserrat Santolino, Colectivo Sin|studio, Colectivo Traces of Autism, Colectivo TUP, Jordi Vidal, Loïc Wacquant, Judi Werthein.

Los Talleres serán impartidos por HoritzóTV (Calaf) y por los colectivos KUNSTrePUBLIK y Traces of Autism (Barcelona).

A quien se dirige: El seminario está dirigido a artistas, diseñadores, arquitectos, educadores, gestores culturales, dinamizadores socioculturales, trabajadores sociales, estudiantes de sociología, antropología, arte, arquitectura, educación, así como a un público que vive y participa en proyectos de barrio.

iD Barrio plantea desplegar el proyecto en distintos contextos realizando seminarios, talleres y mostrando la actividad generada o latente en el lugar. Se parte de la idea de que el arte puede ser un factor de innovación en los procesos de transformación de la ciudad, puesto que es capaz de hacer emerger la creatividad social latente y desplegarla a través de acciones colectivas. Esta afirmación puede ser fácilmente planteada como pregunta, a la vez que introduce cuestiones que se deberán responder, contrastar o amplificar en el contexto del seminario y los talleres vinculados:

¿Como se relaciona el arte en los procesos de transformación urbana y social? ¿Qué papel y función tienen los procesos de participación? ¿Como se puede activar la creatividad social en un entorno determinado? ¿Como se pueden desplegar procesos creativos que a medio y largo plazo incidan en un entorno local? ¿Como se puede formar parte de ámbitos de acción colectiva a través de procesos creativos? ¿La transformación de la ciudad, está abierta a proyectos? ¿Qué relación hay entre políticas culturales y planificación territorial? ¿Pueden los contextos locales formar parte del discurso cultural global?


iD Barrio | Calaf
Creatividad social, acción colectiva y prácticas artísticas

Seminario: 14 y 15 noviembre 2009.
El seminario que se desarrollará en Calaf quiere analizar la capacidad de transformación urbanística y social de los barrios a partir de la creatividad, la participación y las prácticas artísticas. Se contará con artistas, expertos en procesos de transformación en pequeñas y medianas ciudades y proyectos activos en el entorno local.
Idensitat desarrolla en Calaf, desde hace diez años, proyectos culturales y artísticos que se relacionan con el territorio en su dimensión física y socia. Coincidiendo con el hecho de que Calaf está trabajando en mejorar el casco antiguo, y habiendo logrado esta población ver aprobado su proyecto con la obtención de una de las ayudas que promueve la Llei de Barris (Ley de Barrios que en Catalunya viene concediendo desde hace cinco años ayudas para la mejora de barrios, áreas urbanas y poblaciones que requieren de una atención especial, con el fin de evitar su degradación y mejorar la calidad de vida de sus habitantes (web información sobre la LLei de Barris). Este seminario pondrá en relación temáticas basadas en la transformación urbanística y social y el papel catalizador del arte y la cultura para generar acciones creativas de carácter local abiertas a proyecciones y conexiones externas.

Sábado 14 de noviembre

10.30h
Creatividad y participación. Proyectos artísticos y culturales que activan prácticas colectivas.

AMASTÉ. Amasté es una oficina de ideas especializada en articular procesos y dispositivos de mediación, relacionales y participativos, que fomenten la imaginación, la reflexión activa y el espíritu crítico.
Marta Ricart Massip. Artista, investigadora y educadora. Cofundadora de la red Artibarri y Àtic, Comunidades Creativas para el cambio social.
Casal de Calaf. Sociedad sin ánimo de lucro dedicada a la actividad cultural de Calaf.

16.00h
Creatividad y espacio. Intervenir en el territorio.

Josep-Maria Martín. Artista. Es profesor en el Pole Arts Actión, HEAD (Haute École d’Art et de Design, Geneva University of Art and Design) Suiza y L’École Supérieure des Beaux-Arts de Perpignan, Francia.
LUL Landscape Urbanism Labs. Colectivo multidisciplinar, compuesta de artistas, arquitectos de paisaje y curadores.
Josep Puigpelat. Presidente de la Cooperativa de Agricultores de Calaf y Comarca, COPAC.
Plataforma Tenim un Problema. Grupo de acción local que organiza encuentros para la reflexión y el debate crítico entorno temáticas glocales.

Domingo 15 de noviembre

11.00h
Transformación urbana y participación. Barrio, ciudad y territorio.

Oriol Nel·lo. Profesor titular de la Universitat Autònoma de Barcelona y Secretario de Planificación Territorial de la Generalitat de Catalunya. Es autor de numerosos libros y artículos sobre la organización administrativa y la ordenación del territorio.
Francesc Muñoz. Doctor en geografía, profesor y director del Observatorio de la Urbanización en la Universitat Autònoma de Barcelona. Especializado en urbanismo y diseño de estrategias territoriales.
Joan Caballol. Teniente de alcalde y concejal de Urbanismo de l'Ajuntament de Calaf.
Gaspar Maza. Antropólogo, profesor de la Universitat Rovira i Virgili de Tarragona. Sus trabajos principales han sido sobre temas relacionados con la reproducción de la exclusión social, los usos del espacio público y el desarrollo de proyectos comunitarios en diferentes barrios y ciudades.

Taller de Horitzó TV: 6, 7y 13 noviembre 2009.
Taller de recetas para cocinar una televisión en internet. Taller dedicado a aprender tecnologías digitales y audiovisuales con el fin de difundir contenidos a través de la web. El taller es impartido por el colectivo Horitzó TV que ha desarrollado el proyecto Plató Volant en Calaf. El programa del taller consiste de tres bloques principales: streaming, formatos y posibilidades del entorno web para proyectos de televisión local y taller de recursos gratuitos en la web.


iD Barrio | Barcelona
Creatividad social, acción colectiva y prácticas artísticas

Seminario: 27 - 28 noviembre 2009
en Barcelona se realizará un seminario de dos días de duración centrado en el entorno urbano a partir de la creatividad, la participación y las prácticas artísticas. Se pondrá especial énfasis en la gestión de los procesos participativos, las dinámicas de trabajo en entornos locales en relación con procesos y discursos ultralocales. Artistas, agentes culturales, expertos y estudiosos de los procesos de transformación de la ciudad y proyectos activos en barrios específicos confluyen para analizar diferencias y trazar puntos de conexión desde los respectivos campos de acción.

Viernes 27 de noviembre

11.00h
El contexto local y la dinámica global en el espacio institucional cultural.

Hans D.Christ, Iris Dressler. Directores del WKV Württembergischer Kunstverein Stuttgart. Han comisariado numerosos proyectos, entre ellos, On Difference. Políticas del espacio acerca de la expropiación y re-apropiación de los espacios de acción social, política y cultural.
Daniel G. Andújar. Fundador de Technologies To The People y director de numerosos proyectos en internet como art.net.dortmund, e-barcelona.org o e-valencia.org. Su trabajo cuestiona las promesas democráticas e igualitarias de las nuevas tecnologías de la comunicación.
Judi Werthein. Artista. Su trabajo ha sido mostrado en el Tate Modern, el Centrum Beeldende Kunst en Rótterdam, Stichting de Appel en Ámsterdam, Museo del Barrio (Nueva York) entre otros, y ha participado en eventos internacionales como InSite_05 (Tijuana) y Manifesta7.

17.00h
Arquitectura activa y cartografía viva. Espacios para el intercambio de experiencias.

Basurama. Colectivo dedicado a la investigación y gestión cultural que ha centrado su área de estudio y actuación en los procesos productivos, la generación de desechos que estos implican y las posibilidades creativas que suscita esta coyuntura contemporánea.
Santiago Cirugeda. Arquitecto. Desarrolla proyectos de subversión en distintos ámbitos de la realidad urbana. Actualmente involucrado en proyectos de autoconstrucción en varias ciudades españolas, donde grupos de ciudadanos deciden generar sus propios espacios urbanos.
Martín di Peco. Arquitecto por la Universidad de Buenos Aires. Forma parte de diversos colectivos de experimentación e investigación sobre sociedad – arte – territorio.
Sin|studio. Grupo de creadores emergentes dedicado a la investigación del ámbito de confluencia entre la arquitectura, el arte y otros campos de conocimiento. Desarrollan proyectos de intervención en espacios públicos, con objeto de trabajar sobre las condiciones de contextos sociales concretos.
Traces of Autism. Colectivo interdisciplinario que trabaja sobre el análisis y cartografía del territorio realizando largos recorridos por el espacio público para producir un archivo de elementos encontrados, traduciéndolo en mapas, textos, imágenes y videos.
Martí Peran. Comisario independiente y profesor de teoría del arte en la Universitat de Barcelona. Recientemente ha impulsado el proyecto Ciutats Ocasionals y comisariado Arquitectures sense lloc. Es miembro editor de “Roulotte” y colabora con varias revistas de arte (Exit Express, Artforum International).

20.00h
Inauguración de la exposición Dispositivo Itinerante.

Sábado 28 de noviembre

11.00h
Mediación creativa y barrio en los procesos de intervención artística.

Francesca Comisso. Comisaria y miembro del colectivo a.titolo, dedicado a las prácticas artísticas que tratan sobre las dimensiones sociales y políticas del espacio público. Es profesora en el Politécnico de Turín.
Paola di Bello. Artista. Profesora de fotografía en el Brera Academy of Arts, Milano. Su trabajo explora problemas socio-políticos que definen la ciudad contemporánea.
Viviana Bravo. Artista visual especializada en Integración entre Arte y Arquitectura. Realiza proyectos colaborativos e intervenciones vinculadas a espacios públicos en conflicto. Es profesora de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Chile y en la Escuela de Artes de la Universidad del Desarrollo.
KUNSTrePUBLIK. Colectivo de artistas que produce proyectos y genera estrategias in situ para espacios públicos no usados y mutables.

17.00h
El barrio, participación y gestión de la diferencia.

Gary W. McDonogh. Antropólogo. Director y profesor del Program in Growth and Structure of Cities. Bryn Mawr Collage, Philadelphia.
Fadhila Mammar. Licenciada en Filología Española por la Universidad de Grenoble (Francia) y Túnez. Master en Migraciones, Refugio y Relaciones Intercomunitarias. Es mediadora, y experta en Mediación Intercultural.
José Luis Oyon. Arquitecto profesor de la Universitat Politècnica de Catalunya. Entre sus libros cabe destacar: Atlas histórico de ciudades europeas; Barcelona, 1930: un atlas social; El cinturón rojinegro y La quiebra de la ciudad popular.
Montserrat Santolino. Periodista. Representante de la Associació Cultural Florida-Waslala, que ha participado en el Plan de Desarrollo Comunitario del barrio y en el proceso de definición del Plan Integral, ampliado gracias a la Ley de barrios.
Sergi Alegre Calero. Teniente de alcalde de Urbanismo, Territorio y Medio Ambiente y concejal del Plan de Actuación de Sant Cosme, Ayuntamiento del Prat de Llobregat.
Loïc Wacquant. Sociólogo. Autor de los Condenados de la ciudad. Ha analizado los suburbios de Paris y diferentes ciudades americanas. Profesor de sociología en la Universidad de Berkeley, California. [Participa en el seminario con un texto que se distribuirá entre los asistentes].

20.00h
Programación de vídeos comentados
sobre temáticas de acción colectiva en el contexto de barrio. A cargo de Manuel Delgado, antropólogo y profesor de la Universitat de Barcelona.

Viernes 4 de diciembre

18.00h
Presentación de proyectos del taller KUNSTrePUBLIK.

20.30h
Presentación del proyecto Històries i Llocs de Sans Façon, promovido en colaboración entre Idensitat y Priorat Centre d’Art con la participación de DO Montsant y la colaboración del celler El Masroig y el celler Aibar. Habrá degustación de vino de la DO Montsant.

Taller KUNSTrePUBLIK: 30 noviembre - 4 diciembre 2009
El taller estará dirigido por el colectivo KUNSTrePUBLIK [Markus Lohmann, Harry Sachs, Philip Horst, Daniel Seiple, Matthias Einhoff]. En el taller se harán propuestas de trabajo específicas que estarán orientadas a poner en relación la exploración del territorio, el análisis del espacio con el activismo sociocultural y la participación. El taller será de carácter transdisciplinar, combinando personas que trabajan en contextos de barrio con artistas, arquitectos y diseñadores. El taller de Kunstrepublik se realizará en el barrio del Raval y se utilitzará La Capella como espacio de trabajo.
Autores del trabajo Skulpturenpark Berlin_Zentrum, http://www.skulpturenpark.org/

Taller Traces of Autism: 30 noviembre - 4 diciembre 2009
El taller será dirigido por el colectivo Traces of Autism [Jozua Zaagman, Maartje Dros, Jacqueline Schoemaker]. Colectivo interdisciplinario que trabaja sobre el análisis y cartografía del territorio realizando largos recorridos por el espacio público para producir un archivo de elementos encontrados, traduciéndolo en mapas, textos, imágenes y videos. El taller consistirá en aplicar esta metodología de trabajo en un barrio de Barcelona.

Dirección de los seminarios: Gaspar Maza, antropólogo, profesor de la Universitat Rovira i Virgili de Tarragona y Ramon Parramon, director de Idensitat y profesor de Elisava.

iD Barrio | Calaf es una propuesta de IDENSITAT en colaboración con el Ajuntament de Calaf y forma parte del proyecto ARTWORK'09 de la Diputació de Barcelona. Este proyecto está subvencionado por el programa de Projectes Innovadors según la Orden TRE/337/2008, patrocinado por el i cofinanciado por el Fondo Social Europeo.

iD Barrio | Barcelona, es una propuesta de IDENSITAT para La Capella. Ajuntament de Barcelona en colaboración con el Goethe Institut, el Consulado General de los Países Bajos en Barcelona y Generalitat de Catalunya. Departament de Cultura.


IDENSITAT es un proyecto de arte que investiga sobre las maneras de incidir en el ámbito del
espacio público a través de propuestas creativas en relación al lugar y el territorio desde la dimensión física y social. Constituye una plataforma de producción e investigación en red, en el ámbito de lo artístico, donde experimentar nuevas formas de implicación e interacción en el espacio social. Desde hace 10 años desarrolla proyectos artísticos en Calaf y actualmente trabaja en varios contextos urbanos. Los proyectos desarrollados en los talleres formarán parte del archivo de Idensitat con la voluntad de encontrar mecanismos de producción para aquellos que se ajusten a dinámicas específicas vinculadas al contexto local.

IDENSITAT está impulsado por Ayuntamiento de Calaf, Ayuntamiento de Manresa, Departamento de Cultura y Medios de comunicación de la Generalitat de Catalunya y Diputación de Barcelona. Desarrolla proyectos compartidos con Can Xalant, Centre de Creació i Pensament Contemporani de Mataró, Priorat Centre d’Art, Ayuntamiento del Prado de Llobregat, Consonni (Sondika), La Capella (Barcelona) y Hangar (Barcelona). Forma parte de la red de espacios de producción Xarxaprod.


Inscripciones: idensitat@idensitat.net


Octubre 23, 2009

PlayLab: laboratorio de experimentación con videojuegos. Convocatoria para proyectos

playlab-u.jpgCierre de la convocatoria: 25 noviembre 2009
Inscripción de colaboradores: del 14 diciembre 2009 al 20 enero 2010
Celebración de los talleres: del 21 al 24 de enero y del 4 al 7 de febrero de 2010 en Medialab-Prado (Madrid)

Coordina: Flavio Escribano.

playlab@medialab-prado.es
www.medialab-prado.es/talleres

PlayLab, en colaboración con Arsgames, propone explorar el contexto del juego y del videojuego como espacio para la creación, la experimentación, el aprendizaje y la reflexión. La convocatoria está dirigida a la presentación de proyectos relacionados con este ámbito para su producción colaborativa en el taller que se celebrará en Madrid del 21 al 24 de enero y del 4 al 7 de febrero de 2010.

Las actividades de PlayLab se proponen como un proceso de investigación abierto y participativo desde el que abordar este fenómeno cada vez más extendido e influyente del videojuego en nuestra sociedad contemporánea, explorando su potencial crítico, su capacidad para crear espacios de socialización más allá de lo puramente comercial y estandarizado y sus posibilidades para el aprendizaje.

El PlayLab se interesa también por la historia del juego y del videojuego, indagando en posibles genealogías y estudiando los efectos sociales, cognitivos y psicológicos que son propios del videojuego actual.
Los profesores del taller serán Mar Canet, Antonin Fourneau y Abelardo Gil-Fournier.
La convocatoria para la inscripción de colaboradores interesados en participar en la producción de los proyectos se abrirá el 14 diciembre 2009.

Las propuestas se podrán enviar a través del formulario online hasta el 25 de noviembre 2009:
http://medialab-prado.es/article/convocatoria_playlab_laboratorio_de_experimentacion_con_videojuegos

Con la colaboración de PlayStation®


El objeto de esta convocatoria es la selección de un máximo de diez propuestas para su desarrollo colaborativo durante el taller, concebido como una plataforma de investigación, producción y aprendizaje colectivo desde la que se apoye al máximo el desarrollo de los proyectos seleccionados. Las propuestas se desarrollarán en grupos multidisciplinares de trabajo compuestos por el autor/autores y los colaboradores interesados, con el asesoramiento conceptual y técnico de los profesores y asistentes.

La convocatoria está dirigida a artistas plásticos, artistas de los nuevos medios, game artistas, educadores, psicólogos, antropólogos, investigadores del ámbito de la ludología, realizadores / cineastas, programadores, ingenieros de hardware, escenógrafos, arquitectos y cualquier otra persona interesada en la experimentación en el ámbito de los videojuegos.
La publicación de la relación de proyectos seleccionados será el 11 de diciembre de 2009.


Núcleos temáticos

· El juego más allá de la pantalla: la ciudad como game arena, geolocated games, juegos de mesa, aplicación en las artes escénicas, robótica, juegos de realidad aumentada, etc.

· El juego como generador de espacios de socialización, ya sea en los procesos colaborativos de producción o en las formas colectivas de juego (social gaming).

· Aplicaciones del juego y el videojuego en otras áreas: educación, ciencia, ingeniería, economía, sistemas de organización social, etc

· Los usuarios toman las riendas: remezclando, reutilizando, interviniendo y usando de manera no prevista videojuegos existentes (machinima, game hacktivismo); o participando activamente en la producción (experimentación de hardware y software con plataformas de juego, videojuegos en software libre) y en la creación o redefinición de las reglas del juego sin alterar el código.

· Videojuegos artísticos y/o críticos, nuevas narrativas interactivas y/o ficcionales, activismo, género, nuevas formas de representación.

· Intervención en mundos persistentes multiusuario, proyectos de intervención y situacionismo performativo en videojuegos, videojuegos de rol.

· Videojuegos para los/as nuevos/as jugadores/as: videojuegos 2.0, casual games, o minis games. Así como propuestas que aporten o fomenten una mayor presencia del ámbito femenino en la producción y uso de los videojuegos.


Más información y envío de propuestas:
http://medialab-prado.es/article/convocatoria_playlab_laboratorio_de_experimentacion_con_videojuegos


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Call for projects - PlayLab: Laboratory of experimentation with videogames

http://medialab-prado.es/talleres

PlayLab, in collaboration of Arsgames, aims to explore the context of games and Video games as a space for creativity, experimentation, learning and reflection. To that end, Medialab-Prado issues a call for the presentation of proposals to be carried out within the collaborative production workshop that will take place in Madrid on January (21 to 24) and February (4 to 7), 2010.

Deadline for proposals: November 25, 2009

Call for collaborators: December 14, 2009 through January 20, 2010

Coordinated by: Flavio Escribano. Teachers: Mar Canet, Antonin Fourneau, and Abelardo Gil-Fournier

With the collaboration of PlayStation®


What is PlayLab
:

PlayLab aims to explore the context of games and Video games as a space for creativity, experimentation, learning and reflection. It also aims to create an environment that leads to collaborative work in which different disciplines come together.

PlayLab's activities are proposed as an open and participatory research process from which one can approach Video games, a phenomenon that is becoming more extensive and influent in Contemporary Society, and explore its critical potential, its learning possibilities and its capacity to create social spaces that go beyond the purely commercial and standardized.

PlayLab is also interested in the history of Games and Video games as it examines its possible genealogies and studies its social, cognitive and psychological effects characteristic of Video games today.


Core themes
:

· The Game beyond the screen: the city as a game arena, geolocated games, board games, applied to scenic arts, robotics, augmented reality games, etc.

· The Game as a generator of social spaces whether in the collaborative processes of production or in the collective forms of playing (social gaming).

· Game and Video game Application in other areas: education, science, engineering, economy, systems for social organization, etc.

· The users take things in hand: remixing, reusing, intervening and using existent Video games in an unexpected way (machinima, game hacktivismo); or actively participating in the production (experimentation with hardware and software with Game, Video game and Free Software platforms) and in the creation and redefinition of the rules of the game without altering the code.

· Artistic and/ or critical Video games, new interactive and/or fictional narratives, activism, gender, new forms of representation.

· Intervention in Multiuser Persistent Worlds, projects for intervention and performative situationism in Video games, Role-playing Video games.

· Video games for New Players: Video games 2.0, casual games and minis games, as well as proposals that bring and promote a greater presence of women in the Video game production and use.


medialabpra-u11.jpg

Octubre 22, 2009

LA ANARQUÍA DEL SILENCIO. JOHN CAGE Y EL ARTE EXPERIMENTAL

music-U.jpgMuseu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), 23 octubre 2009 – 10 enero 2010
Comisaria: Julia Robinson
Exposición organizada por el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y coproducida con Henie Onstad Art Centre, Høvikodden (Noruega)

www.macba.cat

John Cage (1912-1992) redefinió una práctica radical de composición «experimental» que no solo cambió el curso de la música y la danza modernas, sino que configuró un nuevo horizonte conceptual para la práctica artística de fines del siglo XX. Destacando la relevancia de la contribución de Cage al arte contemporáneo, el MACBA presenta la mayor retrospectiva dedicada al compositor desde su muerte, y la primera que ofrece una historización de su obra y del impacto que ha tenido.

La exposición recorre sistemáticamente la evolución de la trayectoria artística de Cage: de la música de percusión (años treinta) a las composiciones para «piano preparado» (años cuarenta), la aleatoriedad y la indeterminación (años cincuenta), las nuevas tecnologías (a partir de los sesenta), hasta llegar a la temática política que, de modo cada vez más explícito, informó las obras de las últimas décadas de su vida. Cage dio lugar a innumerables innovaciones formales, estructurales, temporales y tecnológicas que se han convertido en piedras angulares de la conciencia contemporánea.

En esta muestra, sus innovaciones se materializan como una poderosa serie de catalizadores, a través de los cuales el compositor alteró los términos de la práctica creativa en general. Grabaciones, películas, partituras y otros materiales documentales permiten adentrarse en el extraordinario alcance de su proyecto. Mediante un tratamiento cronológico de las partituras y sus realizaciones –desde poco ortodoxos instrumentos de percusión, o noisemakers, hasta los ruidos ambientales, desde notaciones en pentagrama hasta meras instrucciones textuales–, las aportaciones de Cage se yuxtaponen con el arte generado en su entorno, de modo que salen a la luz las muchas aperturas conceptuales que el compositor fomentó.

Por la singularidad de su enfoque –explorar la obra de un compositor desde la perspectiva de un museo de arte contemporáneo–, la exposición aborda las colaboraciones de Cage con artistas como un aspecto clave en la historización de su práctica. Mientras los artistas rechazaban la expresión, Cage desarrolló la «composición indeterminada» y sus partituras se convirtieron en un modelo crucial para mediar el acto creativo. Cuando Marcel Duchamp proclamó que «el espectador completa la obra» (1957), el concepto de «partitura indeterminada» de Cage llegó como una matriz para poner a prueba esa idea. Su obra recalibró la relación entre partitura y performance, autor y receptor. Esta base conceptual fue asumida por artistas de todo tipo, para quienes la noción de Cage fue fundamental: de Duchamp y Calder a Rauschenberg y Ellsworth Kelly, y de Henry Flynt a Warhol, Nam June Paik y Fluxus. Revelando un nuevo campo conceptual que reconfigura nuestro concepto de la práctica artística de posguerra, las obras más emblemáticas de Cage se sitúan en relación con otras obras clave de sus coetáneos. Así detectamos sinergias inesperadas entre Cage y los artistas que compartían su compromiso con lo nuevo, lo no subjetivo y lo cambiante, con los modelos mediados de «composición» y con la utilización de la tecnología que redefinió el vínculo del arte con la experiencia perceptiva.


Otoño Cage-Cunningham
La exposición va acompañada de un amplio programa de actividades (conciertos, performances, proyecciones y talleres para familias y para jóvenes) que contará con la participación destacada de la Merce Cunningham Dance Company, formación de quien fue su compañero y colaborador durante cincuenta años. Estas actividades se suman al programa conjunto de diversas instituciones culturales de la ciudad en torno a dos figuras centrales de la vanguardia artística.


Más información en www.macba.cat


MACBA_Logo-U.jpg


Concert for Piano and Orchestra
[Concierto para piano y orquesta]
1957-1958
página 9
Impresión sobre papel
32,5 x 23 cm
Copyright © 1960, 1988 by Henmar Press, Inc. Con el permiso de C.F. Peters Corporation. Todos los derechos reservados

La AECID abre las SIC, convocatoria de ayudas para la promoción de la Cultura española en el exterior

AECID_UU.jpgLas SIC -Subvenciones a la Internacionalización de la Cultura española- están dirigidas a ciudadanos españoles, a ciudadanos extranjeros residentes legalmente en España, a agrupaciones o colectivos de personas físicas o jurídicas sin personalidad jurídica, así como a las personas jurídicas y entidades públicas o privadas, nacionales o extranjeras, para la organización o participación en proyectos de creación artística y la difusión de las artes en sus variados lenguajes y manifestaciones.

www.aecid.es

Se han convocado las Subvenciones a la Internacionalización de la Cultura española de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID). El plazo de presentación de solicitudes para estas subvenciones, que impulsan la promoción de la cultura española en el exterior, ya está abierto y finaliza el miércoles 4 de noviembre de este año.

Esta convocatoria está dirigida a ciudadanos españoles, a ciudadanos extranjeros residentes legalmente en España, a agrupaciones o colectivos de personas físicas o jurídicas sin personalidad jurídica, así como a las personas jurídicas y entidades públicas o privadas, nacionales o extranjeras de cualquier nacionalidad, para la organización o participación en proyectos de creación artística y de la difusión de las artes en sus variados lenguajes y manifestaciones. Y subvencionará proyectos o actividades que se hayan iniciado entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2009, cuyo periodo de ejecución tenga una duración máxima de doce meses, sin prejuicio de prórroga.

La AECID ha habilitado un espacio web www.aecid.es/sic para informar de todos los aspectos de estas subvenciones, fruto de la internacionalización de la cultura, y con cuya convocatoria se trata de fomentar la presencia española en las distintas manifestaciones culturales, el apoyo a la difusión de la actividad creadora de artistas contemporáneos y la presencia de la industria cultural española, sin olvidar que la cultura, hoy, es uno de los factores clave para el desarrollo de las sociedades.


Más Información.
Comunicación AECID.
comunicacion@aecid.es
Tel. 91 583 82 65.
www.aecid.es


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Octubre 21, 2009

Debates Little Talks en torno a la exposición Clip/ Stamp/ Fold. La Arquitectura Radical de las “Little Magazines” 196X-197X

ImagenGorila-u.jpgVIERNES 6 DE NOVIEMBRE DE 2009, debate e inauguración.
Debate: 17.00 horas en el CENDEAC

Exposición: Inauguración el 6 de noviembre a partir de las 21:30. La muestra se podrá visitar hasta el 17 de enero de 2010 en la Sala de Exposiciones del Colegio Oficial de Arquitectos de Murcia.

www.cendeac.net

Comisariada por Beatriz Colomina, Catedrática de Princeton University y Fundadora del Programa Media and Modernity en dicha Universidad, la exposición Clip/ Stamp/ Fold explora el fenómeno de proliferación de pequeñas revistas que, en los años sesenta y setenta, transformaron por completo la cultura arquitectónica de la época desplazando, incluso, el foco de interés desde los propios edificios hasta las revistas como lugar de experimentación, innovación y debate. A través de una selección de revistas autopublicadas de vida efímera, folletos, manuales de construcción o publicaciones profesionales que vivieron sus “momentos de pequeñez, esta exposición indaga sobre la amplitud y la heterogeneidad la extraordinaria explosión de publicaciones independientes de arquitectura de aquella época.

Clip/Stamp/Fold extiende su proceso de investigación al público e invita a muchos de los editores de estas publicaciones a participar en la exposición a través de un simposio denominado Little Talks que se celebrará en el CENDEAC la tarde de su inauguración, el 6 de noviembre. Intervendrán Beatriz Colomina, los Profesores Jarauta y José Miguel de Prada Poole, así como un selecto grupo de representantes de la arquitectura y el diseño radical italiano de los años sesenta y setenta: Gian Piero Frassinelli de Superstudio, Gianni Pettena y Ugo la Pietra.


Más información e inscripciones en www.cendeac.net

Pinacoteca Psiquiátrica en España, 1917-1990

8010-U.jpgDel 22 de octubre de 2009 al 24 de enero de 2010
Comisaria: Ana Hernández Merino
Coordinación general: Norberto Piqueras Sánchez

Centre Cultural La Nau de la Universitat de València. Sala Estudi General
www.uv.es/cultura

Justificación científica y propuesta
Las pinturas de enfermos mentales en España han sido para la psiquiatría, desde los inicios del siglo XX, un instrumento de apoyo en el diagnóstico, una actividad ocupacional o un modo de psicoterapia, heredando en gran parte las tesis del forense italiano Lombroso y su obra Genio y Locura (1909), del psiquiatra Herman Simon en su Tratamiento Ocupacional (1928), las aportaciones del psiquiatra e historiador del arte Hans Prinzhorn quién en 1922 reunió más de 5.000 obras de pacientes en la colección del Hospital de Heidelberg.
La emergencia de las vanguardias europeas posibilitó que la pintura psiquiátrica se proyectara fuera de los muros manicomiales gracias a las visitas que algunos artistas como Klee, Bretón o Max Ernst realizaron al Museo de Hans Prinzhorn. Los locos, que podían ser artistas, mostraron su obra no sólo como un reflejo de sus procesos morbosos, sino también como obras de arte capaces de conmover por la originalidad de sus formas y de sus contenidos. Las obras mostraban los tenues límites entre la creación de artistas sanos o enfermos, erigiéndose como un hecho cultural mas allá de las etiquetas, a menudo peyorativas, que imponían los diagnósticos psiquiátricos.

En España hemos podido contemplar exposiciones de pintura marginal como la de “Visiones Paralelas” en el Museo Reina Sofía de Madrid, en el año 1992. En ella se mostraba las confluencias de perspectivas entre la pintura de artistas que habían realizado la mayor parte de su obra recluidos en un manicomio y la de artistas de vanguardia. Las obras procedian de Museos, Galerías y colecciones particulares de Europa y Estados Unidos. La tesis de la muestra planteaba cruces de miradas que iban más allá de influencias formales y que mostraban al espectador y a los investigadores múltiples interrogantes acerca del arte, de la locura, de los movimientos de vanguardia, de la psiquiatría o sencillamente la angustia, el dolor, el sufrimiento psíquico que trascendía a través de la belleza de las obras expuestas.
En 1997, en el Museo de Navarra se presentó la muestra “Neue Invention” procedente del Museo de Art brut de Lausanne fundado por Dubuffet. En el año 2001, también pudimos contemplar en el MACBA de Barcelona una muestra sobre la Colección Prinzhorn, de la Clínica Psiquiátrica de Heidelberg y en el año 2005 en Madrid, la Fundación La Caixa presentó “Mundos interiores al descubierto” poniendo desde la óptica posmoderna la discordancia del término arte marginal. En ella se incluyeron obras de Bispo de Rosario, de Dubuffet, de Klee, Schiele, Hauser, Louise Bourgeois, Aloise o Müller entre otros.

En las exposiciones de Madrid, de Barcelona o Navarra, la procedencia de las obras en ningún caso había trabajos pictóricos de artistas enfermos de nuestro país y tampoco formó parte del debate, cuál había sido la consideración en España de la pintura psiquiátrica. Estos hechos podrían llevarnos a la precipitada o errónea conclusión de que no ha habido, en España, ninguna experiencia de esta índole y que en los hospitales psiquiátricos de nuestro país no se pintaba o no se coleccionaba pintura, cuando no ha sido así. La hubo, y aunque sin ser una preocupación preferente para los psiquiatras, se coleccionó por su interés artístico y se analizó por su interés psicopatológico. Se conformaron museos específicos, desaparecidos en la guerra civil como el del Instituto Pere Mata de Reus; se organizaron exposiciones en 1935 en el Ateneo de Madrid, o en el IV Congreso Mundial de Psicoterapia organizado por el Hospital Clínico de Barcelona en el 1958, en el que se habla por primera vez del arteterapia, o en el Casón del Buen Retiro de Madrid en el año 1966, con motivo del IV Congreso Mundial de Psiquiatría, dónde se reúnen más de setecientas obras. Estas muestras siempre fueron organizadas, exclusivamente, en el ámbito y para el interés de los profesionales de la psiquiatría. Hay una excepción relevante y se da en la última década del siglo XX, La Asociación de Artistas Plásticos Línea Paralela de Sevilla, hace una firme apuesta por facilitar la emergencia en el espacio cultural de los artistas que por su situación mental permanecen en el anonimato.

La propuesta de esta exposición es mostrar desde una perspectiva actual las principales producciones de pintura psiquiátrica del siglo XX en España a partir de las obras que se han localizado en diversos centros hospitalarios españoles y en diferentes colecciones privadas.


La exposición, que presenta más de trescientas obras, documentos originales, documentales sobre el Hospital de la Santa Cruz realizado por José Mª Comelles y sobre los 600 años de Hª del manicomio Padre Jofre de Cándido Polo y material fotográfico.
La muestra se estructura en 8 secciones de carácter temático:

1: Lo primitivo y ajeno
2: Geometrías, arquitecturas, máquinas y otros inventos
3: Ángeles y demonios
4: Pictoescrituras
5: Alienista/ alienado; Escenas hospitalarias
6: Melancolía
7: Localización de la locura, la cabeza como alegoría
8: Sueños, delirios y monstruos


Prestadores de obras y documentación (instituciones y coleccionistas particulares):
Colección Dr. Joan Obiols Llandrich (Barcelona)
Colección Dr. Gonzalo Lafora (Madrid)
Fundación Terapia Racional. Clínica Vellavista (Lleida)
Colección José Pérez Villamil (Vigo)
Collección Asociación de Artístas Plásticos Línea Paralela, Sevilla
Fundación Andaluza para la Integración Social del Enfermo Mental (Faisem), Sevilla
Colección Dr. Sarró. (Barcelona)
Colección Orden Hospitalaria de San Juan de Dios, Ciempozuelos (Madrid)
Hospital Psiquiátrico de Cabaleiro Goas (TOEN), (Ourense)
Hospital Psiquiátrico de Conxo (Santiago de Compostela)
Museo de Historia de la Medicina y la Ciencia, Universitat de València
Hospital Psiquiátrico de Bétera y Museo d´ Etnología. Diputación de Valencia
Antonio Rey González
Enric Jordá
José Luís Belinchón
José Vicente Estalrich Canet
Oscar Azumendi


PROYECTO Y ORGANITZACIÓN: Universitat de València
PRODUCCIÓN: Universitat de València y Ayuntamiento de Elche
PATROCINA: Caja Madrid

LUGAR: Centre Cultural La Nau de la Universitat de València. Sala Estudi General
C/ Universitat, 2
46003 València.
Tel. 963864377.

HORARIO DE VISITA:
de martes a sábado de 10 a 14 horas y de 16 a 20 horas. Domingos de 10 a 14 horas.
ENTRADA LIBRE

(Sin título. José Martín, Martincito. Acuarela sobre papel 1964.)

Octubre 20, 2009

Máster interuniversitario de Gestión Cultural UOC-UdG-UIB (título oficial)

Imagen_emailing_w3art-u.jpgFormación de posgrado 2009-2010
Programas de Gestión de la Cultura
Másters, posgrados y especializaciones, cursados on-line en el Instituto Internacional de Posgrado de la UOC

Matrícula abierta. Inicio de curso: 28 de octubre de 2009

www.uoc.edu/masters

Un máster para la formación de nuevos perfiles en la gestión de la cultura

Este máster surge de la necesidad social de formar profesionales de la gestión cultural para responder a las necesidades que supone el crecimiento del mercado relacionado con la actividad cultural, y el mayor interés existente por parte de las administraciones públicas para dotar a sus ciudadanos de servicios culturales.

Estas necesidades se han generado a partir de los cambios en la cultura del trabajo y los usos que hace la ciudadanía de su tiempo libre. Paralelamente, las administraciones públicas cada vez son más conscientes de la importancia de la cultura como motor de crecimiento económico y en la promoción local y territorial, además del valor del patrimonio cultural como elemento de identidad y cohesión social.

En nuestro país, y al no existir una formación reglada específica en este ámbito, la mayor parte de los profesionales de la gestión cultural en activo provienen de ámbitos relacionados, en mayor o menor grado, con las ciencias humanas y sociales y se percibe claramente el potencial de este ámbito de conocimiento para la creación y el desarrollo de nuevos y no tan nuevos perfiles profesionales.

La oferta formativa oficial existente hasta el presente se circunscribía al entorno presencial y no existía la posibilidad de acceder a una formación a distancia de calidad en este ámbito. Con este máster que ofrecemos, se permite el acceso de estudiantes de todo el mundo, con una especial dedicación a los del ámbito iberoamericano.


Un máster con valor añadido

Este máster propone una mirada integral, transversal y globalizadora en el ámbito de la gestión de la cultura, al integrar claramente un análisis en profundidad de las políticas culturales y tres especializaciones que corresponden a las tres áreas en este campo que han experimentado un crecimiento más notable en los últimos años: la interpretación del patrimonio, el turismo cultural y los sectores e industrias culturales.

La generalización de las TIC en el ámbito cultural, con una notable incidencia en las formas de crear, producir, difundir y consumir cultura, nos ha llevado a la aparición de nuevas formas de expresión de las creatividades, nuevas técnicas y enfoques creativos, -con los impactos consiguientes en las industrias culturales- y nuevos usos y apropiaciones de las TIC en la gestión de los servicios culturales, desde la organización interna en los propios departamentos hasta las propuestas de nuevos proyectos y programas culturales. Todas estas nuevas realidades se incorporan en la oferta docente del máster.
Finalmente, este máster es una oferta formativa en modalidad íntegramente virtual, basada en la incorporación de las tecnologías en los procesos docentes y de aprendizaje.

LA FUNDACIÓN ARTE Y DERECHO PROMUEVE LA CREACION VISUAL, LOS ENSAYOS SOBRE ARTE Y LOS ESTUDIOS DE INVESTIGACION.

w3artoctubre-U.jpgA través de las convocatorias que promueve esta Fundación, en el año 2009 se han financiado 21 proyectos de creación visual con una dotación de 100.000€ y se ha premiado el ensayo titulado “Iconoclasia, Historia del Arte y Lucha de Clases” y un estudio sobre la Contratación Pública de obras de arte.

www.arteyderecho.org/

La Fundación Arte y Derecho es una es una fundación privada de interés social que fue creada en el año 1997 por iniciativa de la entidad de gestión colectiva de derechos de autor de los creadores visuales españoles, VEGAP, para desarrollar actividades en favor del sector de la creación visual, tanto de carácter asistencial, como de carácter promocional, en cuyo desarrollo se preserva siempre la defensa del artista, su obra y sus derechos como autor.

Estas actividades se financian gracias al Fondo Asistencial y Cultural que VEGAP crea y que se nutre del 20% de la remuneración que obtiene anualmente por la gestión del derecho de remuneración por copia privada.


PROPUESTAS

El fomento de la creación de obras de arte contemporáneo se realiza a través de PROPUESTAS, que es una convocatoria pública, abierta a todos los artistas españoles, cuyo objetivo es financiar la creación de obras de arte contemporáneo, cuya propiedad queda, tras su producción, en mano de los artistas.

En el ejercicio 2009, se han distribuido 100.000€ entre cinco categorías: Audiovisual y Nuevas Tecnologías, Artes Plásticas, Ilustración, Fotografía y Diseño.

PROPUESTAS, tras trece convocatorias, se ha convertido en un referente en el ámbito de los concursos de obras de arte contemporáneo, acogiendo una participación que supera anualmente los 600 proyectos.

Más información en:
http://www.arteyderecho.org/ES/Actividades_de_promocion_de_los_creadores/Propuestas_2009


ESCRITOS SOBRE ARTE
ENSAYOS JURÍDICOS

La Fundación fomenta a su vez la creación de ensayos de arte contemporáneo y la investigación jurídica sobre el derecho de autor de los creadores visuales, con el PREMIO ESCRITOS SOBRE ARTE y el PREMIO ARTE Y DERECHO PARA ESTUDIOS JURÍDICOS, que se convocan con carácter anual.

Los miembros del Jurado del Premio Escritos sobre Arte, tras una difícil deliberación debida a la alta calidad de los escritos que se presentaron, decidieron otorgar el Quinto Premio “Escritos sobre Arte” de la Fundación Arte y Derecho al texto enviado por D. José María Durán Medraño, titulado “ICONOCLASIA, HISTORIA DEL ARTE Y LUCHA DE CLASES. Sobre las relaciones entre economía, cultura e ideología”.

Más información en: http://www.arteyderecho.org/ES/Actividades_de_promocion_de_los_creadores/Premio_Escritos_sobre_Arte

Por su parte el estudio de investigación jurídica titulado “LOS LÍMITES A LOS DERECHOS DE AUTOR EN LA CONTRATACIÓN PÚBLICA DE OBRAS DE ARTE” del Catedrático de Derecho Civil de la Universidad de Málaga, D. José Miguel Rodríguez Tapia, fue el ensayo premiado en esta categoría.

Más información en:
http://www.arteyderecho.org/ES/Actividades_de_divulgacion_de_derecho_de_autor/Premio_Fundacion_Arte_y_Derecho_Estudios_Juridicos


COLECCIÓN EDITORIAL ARTE Y DERECHO

A finales del año 2009 ambos escritos estarán a disposición de todos aquellos interesados en su lectura.

Los escritos que se premian cada año, se editan por nuestra Fundación y se incorporan dentro de la COLECCIÓN ARTE Y DERECHO que dispone ya de doce títulos y que en el año 2009 incorporará tres títulos más.

Más información en:
http://www.arteyderecho.org/ES/Publicaciones/Coleccion_Arte_y_Derecho

MUSAC PRESENTA EXPOSICIONES DE A KASSEN EN EL LABORATORIO 987 Y GLOBALIZADOS, Colección MUSAC EN EL FESTIVAL PERIFERIAS DE HUESCA

musac12-u.jpgExposición: Window to the World
Inauguración: 24 de octubre, 20.00 h
Artistas: A Kassen
Comisaria: Tania Pardo
Espacio: Laboratorio 987

Exposición: Globalizados. Perspectivas sobre la sociedad de consumo en la Colección MUSAC.
Fechas y lugar: Del 23 de octubre al 22 de noviembre de 2009. Sala de Exposiciones de la Diputación de Huesca
Comisarios: Antonio Latorre, Tania Pardo

www.musac.es







WINDOW TO THE WORLD: PROYECTO ESPECÍFICO DEL GRUPO ARTÍSTICO A KASSEN PARA EL LABORATORIO 987. Inauguración: 24 de octubre

Artistas: A Kassen
Comisaria: Tania Pardo
Lugar: Laboratorio 987, MUSAC
Fechas: 24 de octubre, 2009 – 10 de enero, 2010
Inauguración: Apertura de la exposición a las 20.00 h. Dj Jeppe Laursen a las 00.00 h
Con la Colaboración de Statens Kunstrad Danish Arts Council y de la Embajada de Dinamarca

El Laboratorio 987 presenta el sábado 24 de octubre la primera muestra individual en España del grupo de artistas daneses A Kassen, comisariada por Tania Pardo. Formado en Copenhague en 2004, el grupo artístico está integrado por cuatro jóvenes: Christian Bretton-Meyer (1976), Morten Steen Hebsgaard (1977), Søren Petersen (1977) y Tommy Petersen (1975). A Kassen en danés, significa “seguro de afiliación al paro”, elección nominativa que supone un juego cómico y una visión irónica respecto al mundo del arte y la situación del artista, y toda una declaración de intenciones, donde se mezcla la ironía y el ingenio como estrategias recurrentes que el colectivo emplea para reflexionar sobre el encuentro entre el público y el objeto artístico, el material gráfico y el concepto.

A Kassen manifiestan un interés constante por la implicación con el lugar y con el propio espectador. Sus obras a menudo se basan en la instalación performática y la escultura. Sus sorprendentes acciones, la mayoría de las veces imperceptibles a primera vista, terminan por alterar la percepción del espectador. Las acciones se desarrollan habitualmente mediante un inteligente e ingenioso sentido del humor. A Kassen reflexiona críticamente sobre el absurdo de muchas de las situaciones relacionadas con determinados contextos, tanto artísticos como cotidianos.

Window to the World. Proyecto específico para el Laboratorio 987
Este colectivo ha concebido para el Laboratorio 987 un proyecto específico en el que reflexionarán sobre la relación entre la arquitectura del edificio de la vidrieras diseñado por Tuñón y Mansilla y el espacio de la propia sala expositiva. El nombre de la muestra, Window to the World (ventana al mundo), toma el título de una de las obras que los daneses han ideado para este espacio. Título y obra, aluden en sentido literal a un elemento arquitectónico y a un concepto social. El espectador completará las significaciones metafóricas y conceptuales, convirtiéndose en un elemento clave dentro de la muestra. Será la primera vez en la Historia del MUSAC que el exterior del edificio ganador del Premio Mies Van der Rohe de Arquitectura Contemporánea Europea (2007) será alterado visiblemente. Utilizando cristales del exterior del edificio, los artistas realizarán en el Laboratorio 987 la escultura Window to the World, estableciendo por tanto una conexión entre exterior e interior.

Otros de los trabajos desarrollados para esta muestra será Permanent reflection, en la que a través de juegos de engaño ópticos, inciden en la dilusión entre los géneros en el arte actual: fotografía, instalación y performance se dan la mano con el fin de alterar la percepción del espectador. Una pieza de marcado carácter conceptual que unificará así el objeto artístico –la fotografía- con la performance e instalación –el visitante-.

En la pieza Mural (striped), harán referencia a la propia historia de la sala Laboratorio 987, para ello los artistas, como si de arqueólogos se tratase, irán descubriendo en una de las paredes de la sala expositiva las diferentes capas de pintura que se han aplicado en las distintas exposiciones que han tenido lugar en el espacio desde la inauguración de MUSAC el 1 de abril de 2005. Un homenaje a todo lo acontecido en la sala anteriormente que recupera la memoria del espacio expositivo. La exposición se completa con una pieza que se instalará en un espacio anexo al Laboratorio 987.

Sobre A Kassen
A Kassen manifiestan un interés constante por las relaciones entre los espacios arquitectónicos y el propio espectador. Su trabajo analiza las fronteras entre lo que es arte y lo que no, utilizando referencias al conceptual de los años 60. Ejemplo de ello es una de las piezas más destacadas del colectivo, Concrete Floor, donde un joven permanece sentado durante las horas de exposición ya que sus zapatillas están pegadas al suelo de la galería expositiva. La acción consiste por tanto en descubrir el por qué de la inmovilidad de este visitante. En la acción titulada Endless Döner, cocineros de diferentes Restaurantes Doner Kebab de la ciudad de Copenhague esculpieron el rollo de carne de cordero al modo del escultor Brancusi, por lo que finalmente la comida se acabó convirtiendo en una escultura degustada por el público asistente al restaurante, que no era consciente de que participaba de una acción artística. Es precisamente de esa invisibilidad entre el arte, la descontextualización de determinadas situaciones cotidianas y la ironía, sobre lo que reflexionan A Kassen.

Laboratorio 987, sala de proyectos del MUSAC
El Laboratorio 987, sala de proyectos artísticos específicos del MUSAC se presenta como un espacio anexo que funciona independientemente a la programación general del Museo. La primera artista en intervenir en este espacio fue Silvia Prada (Ponferrada, 1969), con el proyecto específico Hot or Not, de abril a mayo de 2005. Tras ella se realizó el proyecto de vídeo de Fikret Atay (Batman, Turquía, 1976) con el nombre de Sonidos Lejanos /Distant Sounds. Posteriormente Abigail Lazkoz (Bilbao, 1972) realizó el proyecto Esconde la mano de septiembre a octubre de 2005; también el artista Ryan McGinley (New Jersey, EE.UU, 1978), llevó a cabo la exposición de fotografía Beetween us / Entre nosotros, de noviembre a diciembre de 2005 y Wilfredo Prieto (Santi Spíritus, Cuba, 1977) proyectó la instalación Mucho ruido y pocas nueces II desde diciembre de 2005 a marzo de 2006. Monika Sosnoswka (Ryki, Polonia, 1972) realizó la instalación titulada Untitled de marzo a mayo de 2006. Philipp Fröhlich (Schweinfurt, Alemania, 1975) firmó la exposición de pintura Exvoto. Where is Nikki Black? de septiembre a noviembre de 2006. Pauline Fondevila (Le Havre, Francia, 1972) expuso la instalación November Song de noviembre de 2006 a enero de 2007. Clare E. Rojas (Ohio, EE.UU, 1976) presentó la muestra Sympathetic Magic de enero a marzo de 2007. Posteriormente Marc Vives (Barcelona, 1978) + David Bestué (Barcelona, 1980) realizaron el proyecto Imágenes del Fin del Mundo de marzo a mayo de 2007 y en mayo fueron Joao Maria Gusmao (Lisboa, 1979) + Pedro Paiva (Lisboa, 1977) quienes realizaron un proyecto específico. Desde julio de 2007, Matías Duville (Buenos Aires, Argentina, 1974) presentó su instalación pictórica Cover, que permaneció hasta septiembre de 2007. Ivan Grubanov (Serbia, 1976) y Ángel de la Rubia (Oviedo, 1979) inauguraron la nueva temporada de esta sala desde marzo a mayo de 2008 con el proyecto Después de todo / Afterall. Dan Attoe (Bremerton, Washington, 1975) realizó una muestra de pinturas titulada, American Dreams de mayo a julio de 2008 y Nicolás Paris (Bogotá, Colombia, 1977) e Ignacio Uriarte (Krefeld, Alemania, 1973) presentaron Tan sencillo como una línea o un círculo / As simple as Line or a Circle de julio a septiembre de 2008. De septiembre a noviembre de 2008 se inauguró la muestra Gallo rojo, gallo negro del artista Antonio Ballester (Madrid, 1977). De noviembre a enero se llevó a cabo la exposición El aire aún no respirado de la artista Regina de Miguel (Málaga, 1977)y de enero a Abril de 2009 se inauguró la muestra Deriva del artista colombiano Mateo López (Bogotá, 1978). El último proyecto desarrollado ha sido Un NO por respuesta, donde han participado Javier Arce, Menchina Ayuso, Josechu Dávila, Joan Morey, Tere Recarens, Antonio de la Rosa, Riiko Sakkinen, Miguel Ángel Tornero, Un Mundo Feliz y la acción de Aitor Saraiba. En julio de 2009 se presenta la primera individual del artista francés Cyprien Gaillard (París, Francia, 1980) en España.


GLOBALIZADOS. PERSPECTIVAS SOBRE LA SOCIEDAD DE CONSUMO EN LA COLECCIÓN MUSAC. Inauguración 23 de septiembre dentro de la décima edición del FESTIVAL PERIFERIAS de Huesca

mucac12_b-u.jpgComisarios: Antonio Latorre, Tania Pardo
Artistas: Ignasi Aballí; Daniele Buetti; Carles Congost; Joan Fontcuberta; Sandra Gamarra; Pierre Huyghe; Kaoru Katayama; Immo Klink; Juan López; Muntean / Rosenblum; Fernando Sánchez Castillo; Martín Sastre; Sean Snyder; Azucena Vieites.
Lugar: Sala de Exposiciones de la Diputación de Huesca
Fechas: Del 23 de octubre al 22 de noviembre de 2009

MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León presentará el próximo 23 de Octubre, enmarcada dentro del décimo aniversario del Festival Periferias de Huesca, la muestra Globalizados. Perspectivas sobre la sociedad de consumo en la Colección MUSAC. El festival temático y multidisciplinar Periferias estará dedicado en esta edición al tema “lo comercial”, y es en torno a este eje temático donde se circunscribe esta ambiciosa exposición que mostrará fondos de la Colección MUSAC.

En el arte contemporáneo frecuentemente se alude a lo comercial de una manera despectiva. Para ciertos especialistas, lo comercial resulta un demérito para la obra de arte. Pero qué duda cabe que lo comercial es sólo un aspecto externo de la obra, una porción de una realidad mayor y más compleja. La obra de arte siempre gravita en campos semánticos que aluden a la idea que hay detrás de la creación, al proceso, a la posible intencionalidad o a las vivencias del propio autor. En cualquier caso, a la hora de reflexionar sobre este complejo concepto: “lo comercial”, debemos plantearnos diferentes preguntas que, paradójicamente, maticen nuestra respuesta: artísticamente, ¿está exclusivamente “lo comercial” ligado a la cantidad por la que una obra sale al mercado?, ¿se mide también lo comercial en términos de éxito, entendiendo este como “popular” (medios de comunicación)?

Esta exposición, comisariada por Antonio Latorre (Comisario Independiente, Huesca) y Tania Pardo (Comisaria MUSAC) reflexionará sobre la cultura popular, el consumo y los mass media, analizando así, a través de las obras expuestas, la mundialización cultural y la globalización económica. Para ello la muestra girará entorno cuatro ejes fundamentales, que marcarán, a su vez, el recorrido de la muestra.

Por un lado, las piezas que inciden explícitamente en los medios de comunicación de masas –Ignasi Aballí; Muntean & Rosemblum; Daniele Buetti, Joan Fontcuberta y Sean Snyder-; por otro, los artistas que utilizan la imagen de distintos iconos de la sociedad actual –Kaoru Katayama; Martín Sastre; Sandra Gamarra-; las referencias a la publicidad, el objeto cotidiano y al Pop –Carles Congost; Azucena Vieites; Immo Klink y Pierre Huyghe -; y los que se plantean la relación del artista con la sociedad actual, desde postulados relacionados con el consumo –Fernando Sánchez Castillo o Juan López-.

Esta muestra pretende reflexionar sobre el arte como consumo cultural, sin obviar el objeto artístico como objeto de consumo, en cualquier caso, el complejo mundo del arte no puede obviar que también está regido por las leyes del propio mercado artístico o, lo que es lo mismo, la importancia de lo comercial. No olvidemos que, tras la II Guerra Mundial y el surgimiento de las segundas vanguardias, la sociedad de consumo y el capitalismo se desarrollan, el coleccionismo se dispara y el arte se convertirá en un objeto de especulación. Aunque no será hasta finales de los cincuenta con el surgimiento del Pop Art, cuando comienzan a exaltarse los valores de la sociedad de consumo, evidenciado en la producción plástica por la relación entre la producción cultural y la vida cotidiana. El Pop, con el encumbramiento del objeto comercial a la categoría de arte fundió el diseño, el comercio, la industria y el propio arte en una amalgama indisoluble, en un camino sin retorno. Desde Andy Warhol, el concepto de arte cambió, se amplió y liberalizó, ya que cualquier objeto industrial, cualquier objeto popular de consumo cotidiano, podía encumbrase a la categoría de arte,. Los rasgos distintivos o elementos que caracterizan la cultura popular de los años 60 encuentran una importante aceptación dentro de las tendencias artísticas contemporáneas. El arte Pop pervive en distintos aspectos de la plástica actual, a través de su lenguaje contundente y de sus estrategias. Un lenguaje visual exuberante, de gran plasticidad y dinamismo. Una exaltación del color en un amplio conjunto de formas, motivos y materiales innovadores.

En cualquier caso, ya Umberto Eco en 1965, con la publicación de su libro Apocalípticos e Integrados analizaba la relación de la cultura popular y los medios de comunicación a través de una serie de conceptos –los apocalípticos y los integrados- que examinan las diferentes posturas de la sociedad ante la cultura de masas. Y es que en este mundo hiperglobalizado y mixtificado, donde se producen cambios constantes y la cultura ha dejado de pertenecer sólo a una élite, se pretende, con esta exposición, reflexionar sobre nuestro mundo globalizado (las redes sociales, Internet, televisión, etc.), la cultura popular y el arte.

Antonio Latorre
(Coscojuela de Sobrarbe, Huesca) Ha comisariado numerosas exposiciones individuales de arte contemporáneo entre ellas de Marina Núñez, Enrique Marty, Jesús Palomino o Dis Berlin. También colectivas nacionales como Aires Bizarros o EsencialEs, como asesor cultural de Seguros Pelayo. Colectivas internacionales como Freak and Chic, La Belleza de la Oscuridad o Las Fronteras del Género para distintas entidades. Asimismo ha comisariado exposiciones para varias ediciones de Periferias en Huesca. Ha participado en jurados de becas y concursos y escrito textos para catálogos. Ha sido responsable de Intervenciones Artísticas para ExpoZaragoza 2008.

Tania Pardo
(Madrid, 1976) Es comisaria en MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, donde ha comisariado la exposición Abajo la Inteligencia de Fernando Sánchez Castillo (enero-mayo 2007); 24 horas 10 minutos de Salvador Cidrás (septiembre 2008-enero 2009) o Fin de Marina Núñez (enero-julio 2009). También es la comisaria y responsable de programación del espacio Laboratorio 987. En el campo de la crítica de arte, ha sido colaboradora habitual de Exit Express, Exit Books, Revista Internacional Lápiz, Cimal, Arco-noticias, Matador, El Correo de Arco, ¿Qué hago yo aquí?, etc. Ha sido redactora de El Periódico del Arte. Ha publicado en diversos catálogos de exposición. Ha desarrollado otras actividades relacionadas con la gestión de prensa y comunicación para distintas instituciones. Ha impartido cursos y seminarios sobre Arte Contemporáneo, así como co-dirigido, junto Manuela Villa, el Curso de Gestión Cultural que organiza la Universidad Carlos III en el Círculo de Bellas Artes de Madrid (2008) y ha sido miembro de diversos jurados de premios y concursos relacionados con el Arte Contemporáneo como los Premios Generación Caja Madrid, Premio Descubrimientos de PhotoEspaña o Premio de Videocreación Iberoamericana MUSAC-Casa de América, etc. También ha sido comisaria invitada en DOMÉSTICO’08, donde llevó a cabo el proyecto Uno más uno, multitud (diciembre 2008- enero 2009). Es directora, junto Manuela Villa, de las Jornadas producir, exponer, interpretar. Estrategias y conflictos en la práctica curatorial hoy. Actualmente prepara las próximas exposiciones en el Laboratorio 987 de A Kassen (julio-octubre 2009), A Kassen (octubre 2009-enero 2010) y Yorgos Sapountzis (enero 2010).

Octubre 19, 2009

LAWRENCE WEINER
UNDER THE SUN

IMAGENPROYECTOLAWRENCEWEINER-u. UNDER.jpg23 de Octubre de 2009 al 28 de Marzo de 2010
Inauguración 23 de Octubre, 20:00 h
EACC - Espai d´art contemporani de Castelló

www.eacc.es

Conocido como uno de los pioneros del llamado Arte Conceptual, Lawrence Weiner se autodefine como un escultor que usa el lenguaje como medio expresivo. Desde finales de los años 60 su obra se ha materializado en libros, animaciones y canciones, camisetas, pins, tatuajes, bocas de alcantarilla, posters… Su propuesta se articula fundamentalmente alrededor del material lingüístico. Weiner toma el lenguaje como materia escultórica con la que crear sus obras, técnica que emplea para componer Under the Sun, proyecto concebido para el Espai d’art contemporani de Castelló.

En las últimas cuatro décadas Weiner ha realizado obras y exposiciones con textos pintados o vinileados directamente sobre la pared, suelos o fachadas de edificios; en carteles y libros que él mismo diseña. De este modo, el arte de Weiner no existe solamente como lenguaje, ni se limita a ser escrito sobre un soporte, sino que incorpora la vaguedad de significado que puede existir en lo hablado o en lo traducido.

Respondiendo a la invitación del EACC, Lawrence Weiner propone el proyecto Under the Sun en dos versiones: un trabajo concebido para el espacio público y una exposición en la que despliega sus conceptos en la sala del EACC.

La obra pública hace referencia a cuestiones como ¿Qué constituye una escultura pública?, ¿Quién y dónde está ese público? Weiner reitera estas preguntas con este proyecto que se llevará a cabo en tres lenguas: valenciano, castellano e inglés.

Under the Sun funciona en dos contextos discursivos, cada uno aludiendo a diferentes espacios y modos de encuentro o espacios de recepción.

Under the Sun une estos dos niveles, el relacionado con el lenguaje como una presentación necesaria y efímera como punto de partida de la obra pública y el otro como una inscripción permanente de la obra pública en sí misma. Ambos son diferentes pero al mismo tiempo indisociables ya que comparten la misma poética.

Under the Sun nos recuerda claramente al mundo taurino pero también la delicadeza y elegancia de una ola que toma forma en el espacio como su propio territorio.

Under the Sun es una invitación a caminar, jugar o simplemente ejercitar la mente de uno mismo.


EACC - Espai d´art contemporani de Castelló
Prim s/n 12003. Castelló
Tel: 964 72 35 40
www.eacc.es

FEEDFORWARD. EL ÁNGEL DE LA HISTORIA
Limpiando lo que queda del siglo XX. ¿Qué es progreso hoy?

FEEDFORWARDimagen-u.jpgLABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón
22.10.2009 – 05.04.2010

www.laboralcentrodearte.org

Feedforward. El Ángel de la Historia aborda el actual momento histórico en el que los escombros del conflicto político y la desigualdad económica se amontonan, mientras las fuerzas globalizadas, reforzadas en gran medida por el “progreso” de las tecnologías digitales de la información, nos empujan inexorablemente hacia delante. El título de la muestra hace referencia al cuadro Angelus Novus, de Paul Klee, que Walter Benjamin interpretó, como es bien sabido, como un “ángel de la historia” paralizado por las ruinas de un pasado que se apilan frente a él mientras una tormenta le empuja hacia atrás, desde el paraíso hacia un futuro incierto (el progreso).

La exposición, comisariada por Steve Dietz, Director Artístico de la 01SJ Biennial, y Christiane Paul, Directora del Programa de Graduados de Estudios de los media, New School, NY y Comisaria Adjunta de New Media Arts, Whitney Museum of American Art, incluye 29 obras realizadas por 27 creadores y equipos de artistas.

Los proyectos se presentan, como en un espejo retrovisor del progreso, en secciones relacionados con cinco temas:
• Los “escombros” del siglo XX generados por las guerras y conflictos
• Las contramedidas de control y represión instituidas tanto por el estado como por el capital global en su intento por mantener el control
• La estética y el lenguaje simbólico de los media de nuestro tiempo
• Las fuerzas de la globalización económica, como las deslocalizaciones o las migraciones
• Las posibilidades de reconstrucción y agencia o capacidad de acción.

En su conjunto, los proyectos expuestos en Feedforward dibujan una imagen compleja de las fuerzas políticas y sociales globales que nos empujan hacia el futuro. La muestra incluye tanto los aspectos problemáticos del presente y del futuro, como el potencial para la acción colectiva y responsable. En el momento más dramático de la actual crisis económica mundial, Feedforward propone, en efecto, una limpieza de lo que queda del siglo XX y lanza un interrogante: ¿qué es progreso hoy?


COMISARIOS: Steve Dietz y Christiane Paul
DISEÑO DE LA EXPOSICIÓN: Ángel Borrego – Office for Strategic Spaces
ARTISTAS: AES+F, Christopher Baker, Stella Brennan, Paul Chan, Nancy Davenport, Nonny de la Peña y Peggy Weil, Hasan Elahi, Cao Fei, Bárbara Fluxá, Daniel García Andújar, Fernando García-Dory, Goldin + Senneby, Harwood, Wright, Yokokoji, Knowbotic Research + Peter Sandbichler, Langlands + Bell, Jennifer + Kevin McCoy, Margot Lovejoy, Naeem Mohaiemen, Ali Momeni + Robin Mandel, Carlos Motta, Trevor Paglen, Rachael Rakena, Fez Fa’anana, Brian Fuata, Stephanie Rothenberg + Jeff Crouse, System-77CCR Consortium, Piotr Szyhalski, Tamiko Thiel + Teresa Reuter, Carey Young


SYMPOSIUM FEEDFORWARD
Los días 23 y 24 de octubre se celebrará el Symposium Feedforward. El Ángel de la Historia, en el que un numeroso panel de artistas y expertos en el arte de los nuevos medios debatirá algunas de las cuestiones capitales que plantea el discurso expositivo.
Entre los participantes en este encuentro cabe citar a los comisarios de la exposición Christiane Paul y Steve Dietz, a quienes acompañarán Sarah Cook, Margot Lovejoy, Tamiko Thiel, Chris Baker, Jose Carlos Mariategui, Stephanie Rothenberg, Angus Cameron, Tiziana Terranova, Piotr Szyhalski, Naeem Mohaiemen, Barbara Fluxá, Esther Leslie, Hasan Elahi, Konrad Becker y Marco Peljhan, Nonny de la Peña y Peggy Weil, Knowbotic Research, Tom Levin, Jaron Rowan y Clara Piazuelo, Tere Badía, Emmanuel Rodríguez, Graham Harwood, Eric Kluitenberg, Daniel G. Andújar, Fernando García-Dory, Carlos Motta, Ali Momeni.


logosLaboral-u.jpg


LABoral Centro de Arte y Creación Industrial
Los Prados 121
33394 Gijón (Asturias)
T. +34 985 185 577
F. +34 985 337 355
info@laboralcentrodearte.org
www.laboralcentrodearte.org

EXPOSICIÓN XX EDICIÓN CIRCUITOS ARTES PLÁSTICAS Y FOTOGRAFÍA’08. CADA PASO CUENTA.

CircuitosGuillermoMora-u.jpg21 de octubre – 28 de noviembre
Sala de Arte Joven
Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid

Inauguración: 20 de octubre a las 20:00 horas
Entrada gratuita
www.madrid.org/

El martes 20 de octubre se inaugura en la Sala de Arte Joven la muestra que presenta a los artistas seleccionados en la vigésima edición de la convocatoria Circuitos de Artes Plásticas y Fotografía’08, que anualmente organiza la Comunidad de Madrid.

Esta exposición, comisariada por Javier Díaz-Guardiola, se enmarca dentro de la línea expositiva de la Sala de Arte Joven, en la que se dan a conocer nuevos valores emergentes de la creación plástica, artistas menores de 35 años que desarrollan su trabajo en la región de Madrid.

Bajo el subtítulo de “Cada paso cuenta”, se presentan las últimas producciones de nueve jóvenes creadores, que muestran el mestizaje de diversas técnicas artísticas siguiendo la tendencia actual al utilizarlas según sus posibilidades expresivas y discursivas. Más allá de lo abstracto, se interesan por plasmar experiencias próximas y cotidianas, llevando al espectador hacia unas reflexiones universales. Según su comisario esta muestra es una referencia “al espacio que esta promoción ocupa respecto a las que le precedieron y las que le seguirán... y al papel que el certamen jugará en la trayectoria profesional de los creadores que este año lo integran”.

Para esta exposición itinerante (su próxima sede será la sala de exposiciones de la Universidad de Pontevedra) se ha editado un catálogo, de distribución gratuita, que se podrá conseguir en la Sala de Arte Joven durante las fechas que esté expuesta la muestra.

Artistas participantes: Loreto.B, Carlos Fernández-Pello, Javier Fresneda, Julio Galeote, José Enrique Mateo León, Guillermo Mora, Jesús Pedraza Villalba, Paloma Polo y Daniel Silvo.

Organiza: Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno, Comunidad de Madrid


Horario:
De lunes a sábados: De 11:00 a 14:00 h y de 18:00 a 21:00 h
Domingos y festivos: Cerrado


Dirección:
Sala de Arte Joven
Avda. de América, 13
28002 Madrid
Teléfono: 915642129
www.madrid.org/


SUMATORIOGENERAL-u10.jpg


(Crédito imagen: De un soplo, 2009. Autor: Guillermo Mora)

Octubre 16, 2009

PETER OSBORNE. El Arte Más Allá de la Estética. Filosofía y Crítica en el Arte Contemporáneo

peterosborne-u.jpgMartes 3 y miércoles 4 de noviembre. De 18.30 a 21.00 horas.
Cendeac, Murcia.

www.cendeac.net

Seminario coorganizado con la Universidad de Murcia, con posibilidad de reconocimiento de créditos de libre configuración de acuerdo con su normativa interna.


Primera sesión: Crítica
Hace muchos años que se viene afirmando que la crítica de arte está en “crisis”. ¿Pero se trata de una crisis intelectual o institucional? ¿Qué concepto de crítica resulta apropiado para el arte contemporáneo? Este seminario considerará la cuestión, en primer lugar, desde el punto de vista de las fuentes filosóficas del concepto de crítica moderno en Kant, el Romanticismo alemán y Hegel; y en segundo lugar, en relación a la delineación de la categoría “arte contemporáneo”. ¿Con que tiene más que ver la crítica, con el placer, con la interpretación o con la verdad? ¿Cuáles son los parámetros del juicio? ¿Debería el juicio ser interno o externo a la obra?
Segunda sesión: Lo nuevo
A menudo, el modernismo se asocia con una ruptura en términos de la filosofía de la historia y con la instalación de “lo nuevo” como la demanda permanente de un presente absoluto y auto-trascendente: una demanda que continúa imponiéndose sobre el arte contemporáneo. ¿Pero qué significa que una obra de arte sea históricamente cualitativamente “nueva”, en lugar de una mera “novedad” en un sentido relacionado con la moda? Este seminario considerará esta cuestión a través de la comparación crítica de dos concepciones filosóficas enfrentadas de lo nuevo: (1) El modelo dialéctico post-hegeliano de Adorno, en el que lo nuevo es la “negación determinada” de lo viejo, (2) la concepción post-nietzscheana de Deleuze de lo nuevo como un acto creativo puramente afirmativo.
¿Es la negación o la afirmación la fuerza que impulsa la producción de lo nuevo?


Biografía
Peter Osborne es catedrático de Filosofía Europea Moderna y director del Centre for Research in Modern European Philosophy, Middlesex University, Londres, así como coeditor de la revista Radical Philosophy. Entre sus libros se incluyen The Politics of Time: Modernity and Avant-Garde (1995), Philosophy in Cultural Theory (2000), Conceptual Art (2002; ed. cast. 2006), How to Read Marx (2005) y Walter Benjamin: Critical Evaluations in Cultural Theory (ed. 3 vols.). El arte más allá de la estética, será publicado por el CENDEAC en el 2009.


Para preparar el seminario de Peter Osborne, el CENDEAC invita a todas las partes interesadas a asistir a un grupo de lectura en el que comentar los materiales sugeridos por el autor.


Más información e inscripciones en www.cendeac.net

Octubre 15, 2009

“CALLEJONES”

Callejones_2-u.jpgUn proyecto de Javier Gascón, organizado por la Universidad Politécnica de Valencia con la colaboración del Ministerio de Cultura del Gobierno de España.

Sala Josep Renau
(Facultad de Bellas Artes. Universidad Politécnica de Valencia)
www.upv.es/entidades/BBAA/

La Sala Josep Renau de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia acoge desde el jueves 15 de octubre la exposición Callejones, un proyecto surgido de la mano del creativo, artista y documentalista Javier Gascón, que lo define como “un punto medio en un proceso de investigación plástico, una herramienta de trabajo para desencadenar ideas, acciones y debates en torno a lo urbano”.

La muestra incluye, además de múltiple material bibliográfico y enlaces con información de un proyecto que Gascón inició en 2004, una proyección de una acción llevada a cabo en Xerez durante 2007 en colaboración con asociaciones vecinales, una video-instalación sobre el predominio del automóvil en el panorama urbano y la instalación Tejidos urbanos.

La exposición, que permanecerá abierta al público hasta el 20 de noviembre de 2009, podrá visitarse tanto en horario de mañana (11.00 a 13.00 horas) como vespertino (15.00 a 18.00 horas). El acceso es libre.

OCTUBRE 2009 / INTERMEDIÆ, MATADERO MADRID

2-UUU.jpgINTERMEDIÆ [Creación Contemporánea]

MATADERO MADRID
Paseo de la Chopera, 14. 28045 Madrid
Entrada libre

www.intermediae.es
info@intermediae.es
prensa@intermediae.es





ESTRENO EN INTERMEDIÆ DE LA OBRA CORTE ARGANZUELA — 18, 24 y 25 de octubre
FESTIVAL DE CINE EL OJO COJO — 8, 14 y 15 de octubre
FREE(K) CULTURE: RED PANAL - SITIO DE MÚSICA LIBRE Y COLABORATIVA — 27 de octubre
PROYECCIONES — 3 y 16 de octubre, 18.30
OPEN-ARSGAMES/MONDOPIXEL - GAME GIRLS RENEGADE — 2 de octubre
LEGÁZPOLIS, TAMARA ARROYO — hasta el 31 de diciembre
ESTACIÓN FUTURO / LOS SUEÑOS EUCLIDEOS DE KENTA CHO — hasta el 30 de octubre
PROCESOS DE ARCHIVO — hasta el 31 de diciembre


ESTRENO DE LA OBRA DE TEATRO DOCUMENTAL CORTE ARGANZUELA
Cía. Puctum

18 y 25 de octubre, a las 20 h
24 de octubre, a las 21 h

Estreno de la obra de teatro documental Corte Arganzuela de la compañía Puctum, que trabaja sobre las transformaciones del distrito y sus barrios, a través de las historias de vida de sus habitantes, que en este caso son los propios actores de la obra.

> Estreno 17 de octubre, 13h. Nave 16, dentro del festival SISMO
> Programa de Ayudas a la Creación 2009
> Blog de Corte Arganzuela
> www.puctumteatro.com


FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE EL OJO COJO
8, 14 y 15 de octubre, 18.00 h

Organizado por la Asociación Cultural homónima, se desarrolla desde 2005 en Madrid. Nació con el objetivo de promover el diálogo intercultural y la integración de grupos desfavorecidos, difundiendo obras cinematográficas de calidad que difícilmente llegan a España.

> www.elojocojo.org
> Descargar folleto

FREE(K) CULTURE: RED PANAL - SITIO DE MÚSICA LIBRE Y COLABORATIVA
Free(k) Culture, Jay Barros. Red Panal, presentado por Matías Lennie

27 de octubre, 18.30 h

Intermediæ acoge Free(k) Culture, un proyecto coordinado por Jay Barros que pretende fomentar un concepto de escena o comunidad de usuarios y creadores libres (licencias copyleft o creative commons) que utilizan herramientas libres, a la vez que el uso y conocimiento de estas herramientas y licencias libres. Para ello plantea las Freek Sessions un espacio de encuentros, presentación y difusión de proyectos para dicha comunidad. En esta ocasión, en la Freek Session de octubre presenta la RedPanal. RedPanal es un sitio web de música colaborativa, un portal de tipo social y comunitario que funciona como una novedosa herramienta de producción y difusión musical, permitiendo compartir material original libremente.

> Programa de Ayudas a la Creación 2009
> www.redpanal.com
> Blog


PROYECCIONES
Un programa que presenta regularmente vídeos, documentales y películas relacionados con la programación.
Descargar programa de octubre (pdf)

— THE PLAY. Pelin Esmer
3 de octubre, 18.30 horas
Nueve mujeres campesinas que viven en Arslankoy, un pueblo de montaña en el sur de Turquía, pasan sus días trabajando duro en los campos, en la construcción y en el hogar. Para aligerar la carga de la vida cotidiana, estas mujeres se unen con la intención de escribir y realizar una obra de teatro basada en sus propias historias de vida.

> Duración 70’. Documental
> Turco con subtítulos en castellano

— FEMENINO VISUAL 04: LESGAY-LEGAL-LETAL EN INTERMEDIÆ. Toxic Lesbian
16 de octubre, 18.30 h
La pieza de Toxic Lesbian muestra el proceso de creación y reivindicación lesbiana generado a lo largo de cuatro sesiones presenciales y virtuales en Internet, así como tres performances grabadas en vídeo sin público y posteriormente recreadas para su interacción en directo, en torno a la nueva ley de matrimonio homosexual y la adopción.

> Duración 50'. Videocreación documental
> www.youtube.com/TOXICLESBIAN


OPEN-ARSGAMES/MONDOPIXEL - GAME GIRLS RENEGADE
ArsGames y Mondo Pixel

2 de octubre, 19.30 h

Ruth García Martín y Eurídice Cabañes presentan el programa GAME GIRLS RENEGADE. En estos encuentros, presentaciones, ponencias o conversaciones con expertos invitados se tratan diferentes aspectos de los estudios sobre videojuegos: la narratología, los estudios cognitivos, las teorías de la representación y la ludología. OPEN-ARSGAMES/MONDOPIXEL, es actualmente una referencia imprescindible sobre estudios académicos, arte y videojuegos en España. En sus sucesivas ediciones se perfila como un evento nacional especializado en el videojuego como manifestación artística. Una red de nodos de contacto y conocimiento sobre arte y videojuegos.

> arsgames.net
> En streaming desde: www.ustream.tv/channel/arsgames.net-redefining-art-%26-computer-games
> Foro del Proyecto
> Programa de ayudas a la creación 2009


LEGÁZPOLIS
Tamara Arroyo

Hasta el 31 de diciembre

Legázpolis una obra de la artista Tamara Arroyo es el primer proyecto de Mundo Legazpi. Tamara presenta una obra que descubre en Legazpi un particular “país de las maravillas” en el que habitar paisajes de ilusión y trazar un nuevo mapa. El proyecto de Tamara se completa con una instalación en la nave de Intermediae titulada el Strip de Delicias. Como si del Strip de las Vegas se tratase, la instalación está formada por una serie de carteles luminosos que hacen referencia a lugares lejanos. Carteles de locales comerciales que son una forma de visibilidad de las poblaciones inmigrantes en Legazpi.

> www.mundolegazpi.intermediae.es


ESTACIÓN FUTURO: Los sueños euclídeos de Kenta Cho
Prorrogado hasta el 30 de octubre

Espacio dedicado a la experiencia del juego y a la investigación de los procesos lúdicos como actividad creativa y crítica. Una cúpula geodésica inspirada en los diseños de Richard Buckminster Fuller se convierte en una plataforma permeable a través de la cual explorar los territorios del juego. Los sueños euclídeos de Kenta Cho es el título del primer programa para Estación Futuro. Una selección de juegos del desarrollador indie japonés de culto Kenta Cho, comisariada por el artista e investigador cultural Javier Candeira.

> Descarga de juegos


PROCESOS DE ARCHIVO
Hasta diciembre

Work in progress: Vídeo, teatro documental, instalación
Procesos de archivo ensaya formas de abordar la construcción de un archivo en el contexto de una institución concebida a partir de las ideas de proceso y participación. Las propuestas artísticas que forman parte del proyecto son archivos vivos que recogen y dan a conocer la memoria colectiva local, la memoria del propio lugar -de Matadero-, así como las experiencias que han dado cabida a distintos públicos en Intermediæ. Pasado, presente y futuro se combinan en las propuestas que acoge la plataforma Procesos de archivo.

— MUSEUM FUTURES: DISTRIBUTED
Neil Cummings en colaboración con Marysia Lewandowska
Prorrogado hasta el 30 de octubre

— FUTURE ARCHIVE
Manuela Zechner y Valeria Graziano
Punto de acceso en la plataforma Procesos de archivo
www.futurearchive.org

— CORTE ARGANZUELA
Cía Puctum / Proyecto escénico de teatro documental
Instalación en la plataforma Procesos de archivo
www.puctumteatro.com

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INTERMEDIÆ [Creación Contemporánea]

MATADERO MADRID
Paseo de la Chopera, 14. 28045 Madrid
Entrada libre

www.intermediae.es
info@intermediae.es
prensa@intermediae.es

ESPRIT DE CORPS
Otoño 2009

poster-u.jpgBÒLIT, CENTRE D’ART CONTEMPORANI. GIRONA

del 15 de octubre de 2009
al 10 de enero de 2010
www.bolit.cat

La locución esprit de corps se suele utilizar para expresar la conciencia de grupo, la identificación de diversas personas con un colectivo indisociable cuyos componentes actúan movidos por unos fines comunes, unos objetivos que intentan alcanzar sumando las fuerzas individuales para actuar como si fueran un solo cuerpo. De esta forma, se aplica a menudo a situaciones de acción colectiva coral, como los ejércitos o los equipos deportivos o estudiantiles.

Con la programación de otoño de este año hemos querido explorar aquellas manifestaciones en las que una colectividad une esfuerzos de manera que las individualidades se diluyen para alcanzar una meta común. Por un lado, conceptualmente, a través de trabajos artísticos que exploran esta acepción desde una actividad concreta —en este caso, el fútbol y todo lo que puede comportar como acontecimiento social colectivo—; por otro, desde la práctica, a través del trabajo de diversos colectivos de creadores que, además de actuar desde una identidad corporativa, lo hacen a partir del territorio específico del cuerpo, que formulan como esencia, poniendo en relación artes que le son propias, como la danza o la creación escénica, con las artes visuales.

La temporada empieza el 15 de octubre, acogiendo diversas obras premiadas en el Festival VAD, agrupadas bajo el nombre VAD en BÒLIT. Este año, pues, el Festival amplia sus espacios incluyendo, además de la Casa de Cultura y el Centre Cultural la Mercè, el de Bòlit-LaRambla.

Al día siguiente, el viernes 16 de octubre se inaugura la instalación de Mal Pelo REFUGI en Bòlit-SantNicolau. Esta instalación es una adaptación específica de la producción presentada en Arts Santa Mònica de Barcelona.

A finales de este mismo mes, el 28 de octubre, Bòlit acogerá dos obras enmarcadas dentro de Fora de joc (Fuera de juego), una muestra organizada por la l’Associació de Galeries Independents d’Art de Catalunya y que se expandirá por otros centros como la Fundació Sunyol, el Macba y La Panera, y las galerias catalanas ADN Galeria, Alejandro Sales, Estrany-DelaMota, Miguel Marcos, Nogueras-Blanchard, Palma Dotze, ProjecteSD, Sebastià Petit y Toni Tàpies. Dentro de este programa, en Bòlit se presentará La por del porter davant el penal (2001), del artista de Mataró Martí Anson, y No os dejéis consolar (2009), del colectivo madrileño Democracia.

Finalmente, el 26 de noviembre se inaugurará la coproducción con el Temporada Alta. Festival de Tardor de Catalunya – Girona / Salt , 8 parells de botes (2009), del colectivo teatral AREAtangent, con la participación de Marcel·lí Antúnez, Xavi Bobés, Jordi Casanovas, Iker Gómez, Cristina Martín y Raquel Tomàs, entre otros. Una exposición sobre nuevos formatos escénicos y propuestas parateatrales actuales.


VAD en BÒLIT
Del 16 al 25 de octubre de 2009
Bòlit-LaRambla, Dadespai y Niu.
Inauguración: jueves 15 de octubre a las 20.30h

REFUGIO: MAL PELO
Del 17 de octubre de 2009 al 10 de enero de 2010
Bòlit-SantNicolau
Inauguración: viernes 16 de octubre a las 19.30h

FUERA DE JUEGO: MARTÍ ANSON / DEMOCRACIA
Del 29 de octubre al 22 de noviembre de 2009
Bòlit-LaRambla y Dadespai
Inauguración: miércoles 28 de octubre a las 19.30h

8 PARES DE BOTAS: AREAtangent
Del 27 de noviembre al 10 de enero de 2010
Bòlit-LaRambla, Dadespai y Niu
Inauguración: jueves 26 de noviembre a las 19.30h



Organiza                                 Colaboran                                Patrocina                           Con el apoyo de


logosvarios-u.jpg

Octubre 14, 2009

GERARDO VIELBA 1921-1992. RETRATOS CON AIRE Y TIEMPO

vielba-u.jpgDel 15 de octubre al 6 de diciembre de 2009
Comisaria: Mónica Carabias Álvaro

MuVIM
muvim@dival.es
www.muvim.es

El MuVIM expone 87 obras del fotógrafo Gerardo Vielba (Madrid, 1921-1992). Vielba fue fundador de la Escuela de Madrid de fotografía, presidente de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid (1949-1992) y Premio Nacional de las Bellas Artes (1962). Gerardo Vielba cultivó una fotografía en esencia comunicativa y narrativa en torno al ser humano y sus circunstancias, con el noble propósito de retratarlo con aquellos elementos, espacios e individuos que lo definen y acompañan.

Las fotografías de Vielba registran la variabilidad del espacio-tiempo. En ellas se aprecia un absoluto dominio del lenguaje fotográfico que, como en el caso del maestro Henri Cartier-Bresson, coloca en su línea visual: cabeza, corazón y ojos.

El conjunto de imágenes que componen esta retrospectiva comparten con el espectador la complicidad que el artista experimenta al encontrar tras el visor la verdadera esencia del instante. El retrato y la ciudad se filtran una y otra vez en el objetivo de su mirada fotográfica. Retratos espontáneos, contundentes y culturales en sintonía con los producidos por la corriente neorrealista. Retratos familiares, huellas del diario cómplice e íntimo del autor. Fotografías que transmiten felicidad, reposo, sosiego, ternura, amistad, reunión, naturalidad y un absoluto respecto por el arte de la imagen que queda patente en una de sus fotografías más impactantes Pequeño Atleta.

El acento neorrealista se intensifica en sus reportajes callejeros, documentos en los que se nos retrata el devenir cotidiano en la ciudad, en el puerto, en los pueblos. El bullicio de un puesto de flores, el descanso anhelado de la banda de música, el mendigo ausente, la vendedora ambulante, la pescadera, la faena de los marineros, las mujeres comulgando, la celebración de la Semana Santa, un tarde lluviosa en la ciudad, comprando en los almacenes, retocándose el maquillaje en la cafetería, las confidencias de un cura durante el paseo matinal o el barquillero “convertido” eternamente en cocinero. La infancia y la ciudad de París -una de las mayores fuentes de inspiración de todos los tiempos para los creadores Zola, Vuillard, Degas, Eugène Atget…- constituyen sus dos trabajos más personales. Su exploración de la infancia desvela una aguda y misteriosa mirada. Vielba, como los niños, tiene la cualidad natural de convertir en especial lo que para la mayoría se antoja cotidiano. Así como, la virtud de crear imágenes que no dejan nunca de sorprendernos, de emocionarnos. Por otra parte, nos retrata la dinámica de un París cosmopolita y bullicioso. Pasión y amor conviven en estas imágenes de forma equilibrada y como siempre sincera. Fotografías que documentan con cercanía al individuo y con las que experimentamos el placer de la instantánea sin amaneramientos ni artificios; en definitiva, la belleza de la imagen. En cualquiera de estos retratos como en el resto de su trabajo está ausente la voluntad de denuncia. Al igual que otros humanistas como Henri Cartier-Bresson, Robert Doisneau o Willy Ronis lo que importa es el contenido humano, de ahí la dignidad, la confianza y el optimismo con que retrata el ánimo de lo cotidiano y al individuo sin agresión, con respeto, de frente. Estas fotografías -escenas urbanas, imágenes tiernas, optimistas e idealistas- constituyen retazos de la memoria. Un legado impecable para nuestra historia fotográfica de una obra plural, autónoma y siempre independiente.


Otras exposiciones en el MuVIM:
Suma y sigue del diseño en la Comunidad Valenciana (hasta el 29 de noviembre).
La Aventura del Pensamiento (todo el año).


MuVIM.
C/ Quevedo, 10.
Valencia.
Teléfono 96 3883730
muvim@dival.es
www.muvim.es

¡Apúntate a las Actividades INGRÁFICA 09!

ingrafica-u.jpgINGRÁFICA, Segundo Festival Internacional de Grabado Contemporáneo Ciudad de Cuenca

Jornadas Ingráfica
06.11.2009 – 07.11.2009
Escuela de Arte José María Cruz Novillo, Cuenca

Talleres Ingráfica
20.11.2009 – 22.11.2009
Facultad de Bellas Artes de la UCLM, Cuenca

Inscripción en www.ingrafica.org

Cuenca acogerá del 6 de noviembre al 13 de diciembre de 2009 la segunda edición de Ingráfica, Festival Internacional de Grabado Contemporáneo Ciudad de Cuenca, la única cita con el mundo de la obra gráfica y seriada de carácter no comercial que se celebra anualmente en España.

La segunda edición de Ingráfica se articula en torno al tema general “Realidad o ficción” que aunará conceptualmente las propuestas expositivas y permitirá reflexionar a través de ellas sobre el grabado como disciplina artística del siglo XXI.

El programa expositivo se completa con intervenciones urbanas, convocatorias, recorridos guiados y las actividades que a continuación se presentan:


> Jornadas Ingráfica. Presentaciones y debate entre artistas

Las Jornadas Ingráfica dan la palabra a los artistas que participan en la presente edición del festival para debatir y reflexionar en torno a la creación gráfica y el arte múltiple. En intervenciones breves, los artistas presentarán y defenderán sus proyectos creados para Ingráfica 09, para, posteriormente, entrar en un diálogo abierto con el público.

Artistas invitados: Sebastian Moldovan (Rumanía), Twozywo (Polonia), Michael Wegerer (Austria), Matteo Fato (Italia), Rubén Tortosa, Toño Camuñas, PSJM, La Más Bella, Óscar Martínez, Rosell Meseguer, Txema Marivi, Javier Aranguren.

Lugar: Escuela de Arte José María Cruz Novillo. San Pedro, 19. 16001 Cuenca

Fechas: Viernes 6 de noviembre, de 17:00 a 20:00 h. Sábado 7 de noviembre, de 10:30 a 14:00 h.

Matrícula: gratuita, previa inscripción en www.ingrafica.org. Los participantes que acrediten ser estudiantes recibirán gratuitamente un ejemplar del catálogo de Ingráfica 09.

Actividad realizada con la ayuda de

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> Talleres Ingráfica. Fin de semana de Litografía

Ingráfica y la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Castilla-La Mancha dedican el fin de semana del 20 al 22 de noviembre a la litografía. Las profesoras invitadas, Míriam Cantera y Alicia Candiani, enseñarán en dos talleres paralelos técnicas litográficas tradicionales y con planchas de poliéster o aluminio además de la variante de litografía sin agua.

Míriam Cantera (Madrid, 1969), licenciada en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid en la especialidad de Grabado, es la fundadora del taller de grabado madrileño El Mono de la Tinta, un espacio dedicado a la promoción y enseñanza del arte gráfico.

Alicia Candiani (Buenos Aires, 1953), licenciada en Artes con especialidad en gráfica por la Universidad Nacional de Córdoba en Argentina, es la fundadora y actual directora del centro de arte gráfico Proyecto ACE, uno de los espacios de investigación sobre el arte seriado más importante del mundo.

Lugar: Facultad de BBAA de la Universidad de Castilla-La Mancha. Edificio Antonio Saura. Santa Teresa Jornet, s/n. 16071 Cuenca

Fechas: Viernes 20 de noviembre, de 16:00 a 21:00 h. Sábado 21 de noviembre, de 10:00 a 15:00 y de 16:00 a 21:00. Domingo 22 de noviembre, de 10:00 a 15:00 h.

Inscripción: 40 € por taller (30 € para estudiantes). El precio de la matrícula no incluye materiales.

Plazas disponibles: 15 por taller

Promueve

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Más información
info@ingrafica.org
Tel. +0034 91 308 00 49
www.ingrafica.org

Patrocinadores institucionales:
Ayuntamiento de Cuenca
Consorcio de la Ciudad de Cuenca
Cuenca 2016
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Octubre 13, 2009

EN NOMBRE DEL PÚBLICO

protest_is_beautiful_01-u.jpgjueves 29 y viernes 30 de Octubre. 17.00-22.00

www.cendeac.net

Con Dave Beech (artista Freee Art Collective y profesor del Chelsea College of Art and Design) , T.J. Demos (historiador del arte, University College London), Nuria Enguita (historiadora del arte y comisaria), Tone Hansen (artista y conservadora, Henie Onstad Art Centre), Yaiza Hernández (investigadora y directora adjunta del CENDEAC), Jorge Luis Marzo (comisario y profesor en la Elisava-Universitat Pompeu Fabra), Simon Sheikh (comisario y profesor de la Academia de Arte de Malmö).


Ha llegado a parecer natural que las instituciones artísticas se erijan en plataformas privilegiadas desde las que plantear debates cuya aplicación social se extendería mucho más allá de lo que se expone en sus salas. Al mismo tiempo, los museos y centros de arte se integran cada día más en una industria cultural dominada por intereses de mercado y proliferan las voces que parecen reclamar otros criterios de validación. Así, por ejemplo, se multiplican las exposiciones, prácticas artísticas e intentos de diagnosis crítica que apelan a cosas como la “sociabilidad”, la “participación”, la “relacionalidad”, etc.. Se podría pensar que la capacidad de producir públicos (en ocasiones convertidos en objeto de exposición) se ha convertido en un nuevo criterio de validación crítica no sólo para la institución, sino para el arte mismo. De hecho, el arte moderno ha dependido siempre de la constitución especulativa de un “público” potencialmente universal, pero fundamentalmente abstracto, al que se dirige. La posibilidad de pensar dicha abstracción –un público con capacidad de discernimiento y organización propia– es también condición necesaria para legitimar democráticamente al Estado. La versión idealizada de la relación entre estas dos proposiciones podría entender que el arte “apela” a un público frente al que el Estado “responde”. En la práctica, varios intereses (comerciales, partidistas, nacionalistas, turísticos, etc.) complican esta relación, problematizando cualquier reivindicación simplista del espacio institucional del arte como intrínsicamente progresivo.


Más información e inscripciones en www.cendeac.net

Esta actividad enlaza con el grupo de trabajo El/Lo Público www.cendeac.net/gruposdetrabajo/publico

Seminario coorganizado con la Universidad de Murcia, con posibilidad de reconocimiento de créditos de libre configuración de acuerdo con su normativa interna.


(Imagen: Protest is Beautiful. Freee Art Collective)

UN PERRO ANDALUZ. 80 años después

perro-u.jpgHasta el 8 de noviembre en Tabakalera
De martes a domingo 11:00-14:00/17:00-20:00. Entrada libre
Visitas guiadas: 620 676 095

Organizado por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones con la colaboración de Tabakalera

info@tabakalera.eu
www.tabakalera.eu

UN PERRO ANDALUZ. 80 años después es un proyecto que pretende rendir homenaje y mostrar la vigencia de una de las obras más importantes de la historia del cine y más influyentes de la cultura visual contemporánea.

Adoro los sueños, aunque mis sueños sean pesadillas y eso son las más de las veces. Están sembrados de obstáculos que conozco y reconozco. Esta locura por los sueños,que nunca he tratado de explicar, es una de las inclinaciones profundas que me han acercado al surrealismo. Un chien andalou nació de la convergencia de uno de mis sueños con un sueño de Dalí”. Luis Buñuel

Ochenta años después de su estreno en el Studio des Ursulines de París la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), bajo la coordinación del Ministerio de Cultura, recuerda la obra maestra de Luis Buñuel y Salvador Dalí con la exposición Un perro andaluz. 80 años después. La muestra reúne más de un centenar de piezas entre libros, revistas, cartas, carteles, recortes de prensa, fotografías, guiones, dibujos, proyecciones, documentos sonoros, pinturas… que recrean la gestación y realización de la película e ilustran y abordan nuevos aspectos del cortometraje que marco un antes y un después en la Historia Universal del Cine y la Vanguardia europea.

En 1929 Luis Buñuel escribe en colaboración con Salvador Dalí el guión de Un perro andaluz, calificada por muchos como “Obra maestra”, una verdadera joya que supone una auténtica revolución y en la que se reflejan y aglutinan todos los elementos que caracterizan al Surrealismo como movimiento artístico. Pero más allá de su vinculación con el Surrealismo, la película contiene en sí misma un entramado de elementos susceptibles de ser analizados desde una óptica diferente y actual. Lo que hace inédito este proyecto es el estudio individualizado del universo creativo de Un perro andaluz, los temas que aborda, su conexión con la época y su influencia posterior.

Amparo Martínez Herranz, profesora Titular de Historia del Cine en la Universidad de Zaragoza, es la comisaria de esta exposición que pone de manifiesto la singularidad y trascendencia de uno de los mayores hitos de las artes visuales del siglo XX.


TABAKALERA
Duque de Mandas, 52
20012 Donostia – San Sebastián
info@tabakalera.eu
www.tabakalera.eu

Octubre 12, 2009

Fotografía objeto. La superación de la estética del documento

cubierta-s.jpgPresentación del libro de Víctor del Río Fotografía objeto. La superación de la estética del documento

Librería La Central MNCARS, Madrid
Jueves, 15 de octubre a las 19:00 horas.

Intervienen: José Luis Brea, José Gómez Isla y Víctor del Río.

La fotografía ha sido desde su origen fuente de un amplio repertorio de especulaciones y literatura crítica. Sin dejar de ser un objeto cotidiano y artístico, lo cierto es que hay algo en la fotografía que atrae poderosamente a historiadores y críticos de la cultura. Y no es para menos, sobre todo si se tiene en cuenta que las preguntas sobre cómo vemos e interpretamos las fotografías afectan por igual a las imágenes efímeras difundidas por los medios de comunicación y a los formatos cada vez más “sólidos” y presenciales de la fotografía artística. Ante ese contexto, este libro investiga algunas de las razones por las que la fotografía se ha convertido en un campo imprescindible para el análisis de las prácticas artísticas actuales y su relación con el protagonismo sin precedentes de las imágenes en la sociedad de nuestro tiempo. Así lo solicita la proliferación de la fotografía entre tales prácticas, pero sobre todo el hecho de que las teorías que la rodean parecen reproducir algunos de los problemas fundamentales que afectan al arte contemporáneo en su conjunto.

Víctor del Río es profesor de Teoría del Arte Moderno y Contemporáneo en la Universidad de Salamanca. Autor del libro Fotografía objeto. La superación de la estética del documento, y editor de otras obras colectivas. Miembro del consejo de redacción de la revista Papel Alpha. Cuadernos de Fotografía. Crítico de arte en El Cultural del diario El Mundo. Colaborador habitual de revistas especializadas como Lapiz en las que se ha desarrollado su labor ensayística. Ha impartido numerosas conferencias y ha dirigido entre otros el curso “Conciencia histórica y arte contemporáneo” cuya primera edición tuvo lugar durante el mes de mayo de 2009. Ha sido Jefe de Colección y Exposiciones del Museo Patio Herreriano y, anteriormente, Jefe de Investigación y Educación en la misma institución. En sus investigaciones desde la estética y la teoría del arte ha estudiado origen del género documental, la factografía, y los nuevos soportes artísticos.

Algunas reseñas:

Irene Izquierdo en Pliegos de Yuste. Revista de cultura y pensamiento europeos, n. 9-10, 2009.
www.pliegosdeyuste.eu/n9pliegos/pdfs/161.pdf

Blog de José Luis Molinuevo, enero de 2009,
http://joseluismolinuevo.blogspot.com/2009/01/fotografa-objeto.html

Juan Albarrán en Art.es, Internationoal Contemporary Art, n. 30-31, febrero 2009.

Lapiz. Revista internacional de arte, n. 253, mayo de 2009.

Jaime Vindel en ABC. Artes y Letras en Castilla y León, n. 5, junio de 2009.

Matías Costa, Chema Conesa y Luis de las Alas imparten los talleres de fotografía de KREA

foto_prensa_p-u.jpgKREA Expresión Contemporánea continua, como cada otoño, adentrándose en las últimas miradas del mundo de la fotografía.

Lo hace a través de tres talleres que permitirán un contacto directo con profesionales de prestigio internacional y de la muestra ‘Extraños’, trabajo fotográfico de Matías Costa sobre el cambio y la construcción de la identidad.

Más información: www.kreared.com

Tres profesionales de prestigio internacional impartirán tres talleres sobre fotografía:

- ‘Desarrollo completo de un proyecto fotográfico’. Matías Costa. 28, 29 y 30 de octubre.
El taller aportará a los participantes las pautas necesarias para el desarrollo completo de un proceso fotográfico, mediante el análisis de proyectos de referencia y de las diferentes fases que se dan en la elaboración del mismo, entre ellas la cuestión de la mirada personal, la financiación o la preparación de un libro fotográfico.

Matías Costa es un fotógrafo argentino que cuenta con premios como World Press Photo, Leica, Unicef o PhotoEspaña. Costa, que es periodista por la Universidad Complutense de Madrid, ha sido becado por la Fondation Hachette, Fundación La Caixa, Ministerio de Cultura y World Press Photo Fund, entre otros. Tras su colaboración con los periódicos El País y El Mundo, ha formado parte de la Agende VU en París y Panos Picture en Londres. Trabaja en series a largo plazo, que son habitualmente publicadas en medios como The New York Times o Geo. Su obra está presente en colecciones de arte de varios países donde expone habitualmente su trabajo.

- ‘Cómo editar y seleccionar un trabajo fotográfico’. Chema Conesa. 2, 3 y 4 de noviembre.
La idea de este curso es trabajar con el uso y significado de las imágenes que deben ser usadas profesionalmente en diferentes soportes. Todo empieza por la elección y selección de esas imágenes, desde su toma, – la selección del fotógrafo, - hasta su difusión según objetivos comunicadores implícitos.

Chema Conesa fue jefe de fotografía en el semanario El Globo, editor gráfico en El País Semanal, y director de imagen de la revista Yo Dona de El Mundo. Actualmente es subdirector de fotografía del suplemento dominical Magazine. Dirige la colección Photobolsillo, como comisario ha realizado diferentes exposiciones y desde 1993 pertenece al equipo de asesores periféricos de la Fundación World Press Photo de Ámsterdam.

- ‘Taller de iluminación’. Luis de las Alas. 9, 10 y 11 de noviembre.
Taller de retrato e Iluminación. La iluminación se trabajará tanto en interiores como en exteriores con los flashes electrónicos de estudio y con flashes pequeños de cámara de fotos.

Luis de las Alas es fotoperiodista especializado en el retrato editorial. Tras trabajar en El País, fue co-fundador y editor gráfico de la revista Matador. Actualmente colabora para diferentes medios y es fotógrafo de El Mundo y su revista El Magazine.

Los dos últimos talleres tendrán una duración de 9 horas divididas en tres tardes de 16:00 a 19:00, mientras que el primero será de 12 horas en tardes de 16:00 a 20:00. Las personas interesadas pueden preinscribirse hasta quince días antes del comienzo de cada curso en la sede de KREA en Postas 17, en el teléfono 945 150 147 o en info@kreared.com. Posteriormente, y debido a la gran demanda que año tras año han tenido estos talleres, se realizará una selección de los solicitantes a través de su curriculum vitae, portfolio y carta de motivación. El precio de cada taller es de 30 euros – 20 con tarjetas de Caja Vital -.

Muestra de Matías Costa

Dentro de la línea formativa de ‘Itinerarios’, uno de los profesores de los talleres, Matías Costa, mostrará parte de su trabajo del 22 de octubre al 9 de diciembre.

La muestra de fotografías que traerá a Vitoria-Gasteiz retrata la vida de los inmigrantes cuando intentan huir de su país para llegar a un destino mejor para explorar conceptos como el cambio y la construcción de la identidad. Costa es un argentino que llegó a España siendo un niño huyendo de la dictadura. Así, explica que “he pasado mi infancia y parte de mi juventud sin una noción muy clara de mi identidad, procedencia, lugar en el mundo. Con el tiempo, he llegado a comprender que mi identidad no debía encontrarse en un lugar concreto, sino en una especie de limbo, de no-lugar, que era donde yo me había formado como persona”.


Pre-inscripciones:

KREA Expresión Contemporánea. Postas 17. 01004. Vitoria-Gasteiz.

Tel: 945 150 147 | info@kreared.com

Octubre 09, 2009

Bases del concurso para cubrir la plaza de director/a de Hangar
(hasta el 30 de octubre)
Call for applications for the post of director at Hangar
(to 30th October)

hangar2-u.jpgHANGAR
Passatge del Marquès de Santa Isabel, 40
Can Ricart
E-08018 Barcelona

Teléfono: (00) 34 93 308 4041
Fax: +34 93 307 1211
info@hangar.org
http://www.hangar.org





Más información: www.aavc.net/documents/Concurso_Hangar_%20castellano.pdf
English Version: http://www.aavc.net/documents/Call_for_Hangar_director.pdf


Hangar es un centro de producción y de soporte a la creación en las artes visuales generado por los propios artistas. Fue fundado el año 1997 por la Associació d’Artistes Visuals de Catalunya y su función es facilitar los medios técnicos, humanos y económicos para la búsqueda y la producción en las artes visuales, así como fomentar las residencias e intercambios internacionales. El acceso a todos los servicios de Hangar se regula a través de concursos públicos permanentemente abiertos a todos los creadores y la resolución de los cuales se confía a un comité de expertos que se renueva periódicamente.

Cada cuatro años, la Fundació AAVC (la entidad jurídica de Hangar) organiza un concurso para la selección del director/a de Hangar.


Encargo Profesional

El encargo profesional al nuevo director/a de Hangar para el período 2010-2014 es el siguiente:

Optimitzar y ampliar los actuales servicios

Oferta de talleres para artistas o colectivos (estadas largas, cortas o uso temporal de espacios polivalentes. MediaLab con edición de imagen y vídeo. Edición de vídeo profesional. Laboratorio de generación de hardware, software o programación libre. Soporte a la producción. Programa estratégico de residencias e intercambios internacionales. Actividades públicas. Colaboraciones con los otros programas de la AAVC (Formació Contíua per a Artistes Visuals y Hamaca). Reconocimiento de Hangar como un servicio para los artistas gestionado por los propios artistas.

Endurecer las relaciones y el trabajo en red

Con el bario del Pobrenou y de otros contextos. Con el resto de centros y espacios de producción del país organizados a través de xarxaprod.cat. Con los programas de desarrollo del conocimiento y de Internet de 22@Bcn, i2Cat, Anella Cultural, etc. Con el futuro Canòdrom, Centre d’Art Contemporani de Barcelona y otros centros y museos. Con los centros (partners) de producción de artes visuales en el Estado e internacionales.

Realizar el seguimiento de las obras de ampliación y rehabilitación de Hangar en Can Ricart

El período 2010 – 2014 estará muy condicionado por las obras de ampliación y rehabilitación de Hangar que coincidirán en el tiempo con las obras de otras iniciativas ubicadas en el mismo recinto de Can Ricart (Casa de les Llengües, equipamientos sociales, oficinas y residencias, etc.).
A principios de 2010 comenzaran las obras de la FASE 1 de ampliación de Hangar con la rehabilitación de las dos naves adjuntas al edificio actual (que acogerán un plató/espacio polivalente, el medialab, los servicios de producción y las oficinas) y la caseta del guardia (que será una residencia de artistas). La duración de esta fase será de un año y el coste aproximado de 2.300.000 €. Si se consigue financiamiento complementario (2.000.000 €) a principios de 2011 podrán iniciarse las obras de la FASE 2, de rehabilitación del actual edificio de Hangar (que se destinará a talleres de artistas en su totalidad). Eso comportará el traslado temporal de los talleres de artistas a otro edificio (a ser posible en Poblenou mismo). Si no se consigue este financiamiento, habrá que esperar a la inclusión de dicha FASE 2 en el Pla d’Inversions Municipals del 2012-2016. De esta manera, la FASE 2 de obras comenzaría a inicios de 2012 y acabaría al final de ese mismo año. A principios de de 2013 Hangar-Can Ricart estaría a pleno funcionamiento.

Explorar, generar e impulsar nuevos programas de servicios a los artistas visuales

La gestión o cogestión de otros espacios para las artes visuales en el mismo Poblenou, en Barcelona (programa Fàbriques per a la Creació) y en el resto de Catalunya. Poner en marcha un programa de utilización temporal de espacios en desuso para talleres de artistas (Espais Efímers). Generar –en colaboración con xarxaprod.cat- una base de datos sobre residencias, servicios e informaciones útiles para los artistas alrededor del mundo. Definir el rol de Hangar en el programa Catalunya Laboratori, de Recerca, Desenvolupament i Innovació a les Arts Visuals (AAVC). Generar una oferta de Formación Artística complementaria a la enseñanza reglada a través de workshops, talleres, asistencia y prácticas con profesionales. Impulsar debates, discusión y reflexión sobre el arte y sus prácticas. Producción de conocimiento. Abrir todos los servicios y programas a los nuevos perfiles profesionales (híbridos entre creación, gestión, comisariado).

Estructurar un buen equipo técnico

Plenas competencias para dirigir, reorganizar y ampliar el equipo técnico de Hangar y de todos sus servicios actuales o futuros (gestión o cogestión de nuevos centros y programas).

Aumentar los recursos económicos

Aumentar los recursos económicos en los tres aspectos: soporte institucional, patrocinadores/mecenazgo y recursos propios.

Para hacer frente a este encargo la nueva dirección de Hangar contará con el actual equipo de Hangar, conformado por profesionales capacitados y muy motivados y la colaboración, soporte y evaluación del nuevo Patronato de la Fundació AAVC que ha creado un grupo específico de seguimiento.


Bases del concurso

Para cubrir la plaza de director/a de Hangar, el Patronat de la Fundació AAVC convoca el presente concurso regulado por las siguientes bases:

1. Perfil profesional y requisitos
El perfil profesional del director/a de Hangar es el de una persona experta en la gestión cultural, dispuesta a afrontar el Encargo Profesional definido más arriba y con los siguientes requisitos:
- Conocimientos en el campo del arte contemporáneo.
- Experiencia en la gestión de proyectos culturales, relaciones internacionales y comunicación.
- Capacidad de dirigir, trabajar en equipo y delegar funciones.
- Catalán hablado y escrito (o compromiso de aprenderlo en 1 año)
- Inglés hablado y escrito.

2. Condiciones
- Dedicación exclusiva y horario completo.
- Incorporación a 2 de enero de 2010.
- Remuneración de 46.000 euros anuales brutos.
- Contrato laboral de Obra o Servicio de una duración de cuatro años. La continuidad de la relación laboral durante un nuevo plazo de cuatro años (2014-2018) queda supeditada al hecho de volver a presentarse y ganar el siguiente concurso.

3. Solicitudes
Las personas interesadas en participar en este concurso tendrán que entregar la siguiente documentación:
- Una carta de solicitud dirigida a Antoni Abad, presidente de la Fundació AAVC.
- Fotocopia del DNI o pasaporte.
- Currículum vitae.
- Documentación (certificados, textos, publicaciones, etc.) que acrediten su experiencia profesional.
- Un programa de estrategia y actuación a partir del Encargo Profesional con una extensión máxima de 5 páginas. Se valorarán –especialmente- las propuestas innovadoras y de riesgo.
- El Patronato de la Fundació AAVC solicitará la celebración de una entrevista personal con aquellos candidatos que considere oportuno.

4. Información
Se puede ampliar la información en las siguientes direcciones:
Servicios y programas de Hangar:
www.hangar.org
Memorias de actividades de Hangar:
http://www.hangar.org/docs/memorias/
Ampliación y rehabilitación de Hangar:
http://www.hangar.org/docs/Pla_usos_ampliacio
Associació d’Artistes Visuals de Catalunya:
www.aavc.net
Xarxa d’Espais de Producció d’Arts Visuals de Catalunya:
www.xarxaprod.cat
Proyecto “Espais Efímers”:
http://www.aavc.net/documents/espais_efimers.pdf
Catalunya Laboratori: http://www.aavc.net/documents/resum_executiu_catlab.pdf

5. Terminio
La data límite de entrega de solicitudes finaliza el viernes 30 de octubre de 2009. Se admitirán solicitudes enviadas por correo postal siempre que la fecha de sellado sea igual o anterior al 30 de octubre de 2009. Las solicitudes deben entregarse personalmente (hasta las 18h), por correo electrónico o por correo postal a:

“Concurso para la dirección de Hangar”

Brun i Guiu Advocats
Calle Provença 286-288, 2º 2ª
08008 Barcelona.

e-mail: concurshangar@aavc.net

6. Resolución
La resolución de este concurso corresponderá al Patronato de la Fundació AAVC en una reunión que tendrá ligar a finales de noviembre de 2009. El Patronato de la Fundació AAVC podrá declarar desierto este concurso.

Barcelona, 28 de septiembre de 2009


(Imagen: Pedro Pegenaute)

iD Barrio. Creatividad social, acción colectiva y prácticas artísticas. Seminario internacional + taller de proyectos | Calaf y Barcelona

barrio_05_castellano-U.jpgiD Barrio | Calaf
Seminario: 14 y 15 noviembre 2009.
Taller Horitzó TV: 6, 7y 13 noviembre 2009.

iD Barrio | Barcelona
Seminario: 27 - 28 noviembre 2009
Taller KUNSTrePUBLIK : 30 noviembre - 4 diciembre 2009

Más información e inscripciones: http://idensitat.net, idensitat@idensitat.net

iD Barrio es un proyecto vinculado a Idensitat que explora la idea de barrio desde la perspectiva urbana y a través de la relación entre arte, creatividad social y transformación del entorno. Consta de tres partes interrelacionadas: un seminario, un taller y un dispositivo de visualización, comunicación y consulta de proyectos. Este proyecto se desarrollará en Calaf y Barcelona, permitiendo trabajar el tema del barrio desde el contexto de pequeñas y medias ciudades en áreas rurales (Calaf) y en relación con el área urbana (Barcelona).


iD Barrio | Calaf
Seminario: 14 y 15 noviembre 2009
Taller de Horitzó TV: 6, 7y 13 noviembre 2009

iD Barrio | Barcelona
Seminario: 27 - 28 noviembre 2009
Taller de KUNSTrePUBLIK: 30 noviembre - 4 diciembre 2009


iD Barrio | Calaf
Creatividad social, acción colectiva y prácticas artísticas

Seminario: 14 y 15 noviembre 2009.
El seminario que se desarrollará en Calaf quiere analizar la capacidad de transformación urbanística y social de los barrios a partir de la creatividad, la participación y las prácticas artísticas. Se contará con artistas, expertos en procesos de transformación en pequeñas y medianas ciudades y proyectos activos en el entorno local.
Idensitat desarrolla en Calaf, desde hace diez años, proyectos culturales y artísticos que se relacionan con el territorio en su dimensión física y socia. Coincidiendo con el hecho de que Calaf está trabajando en mejorar el casco antiguo, y habiendo logrado esta población ver aprobado su proyecto con la obtención de una de las ayudas que promueve la Llei de Barris (Ley de Barrios que en Catalunya viene concediendo desde hace cinco años ayudas para la mejora de barrios, áreas urbanas y poblaciones que requieren de una atención especial, con el fin de evitar su degradación y mejorar la calidad de vida de sus habitantes http://www10.gencat.net/ptop/AppJava/es/arees/ciutat/barris/index.jsp ), este seminario pondrá en relación temáticas basadas en la transformación urbanística y social y el papel catalizador del arte y la cultura para generar acciones creativas de carácter local abiertas a proyecciones y conexiones externas.

Contenidos y participantes

Creatividad y participación. Proyectos artísticos y culturales que activan prácticas colectivas.
AMASTÉ
[Ricardo Antón, Txelu Balboa, Idoia Azkorra, Frederico Javier Morino, Seba Domato]. Colectivo que trabaja en proyectos participativos en torno a la creatividad.
Josep-Maria Martín. Artista. Sus propuestas contemplan la idea de proceso, investigación, participación, implicación y negociación, haciendo que los agentes identificados para cada caso se conviertan en generadores de un proyecto común.
Casal de Calaf. Sociedad sin ánimo de lucro dedicada a la actividad cultural de Calaf.
Marta Ricart Massip. Licenciada en Arte. Coautora del libro Procesos creativos transformadores. Desarrolla proyectos artísticos de dinamización social en el ámbito rural.

Creatividad y espacio. Cartografiar e intervenir en el territorio.
LUL Landscape Urbanism Labs. Colectivo de arquitectas y urbanistas que impulsan Bat-Yam, Bienal Internacional de Paisaje Urbano en Tel Aviv.
Traces of Autism [Jozua Zaagman, Maartje Dros, Jacqueline Schoemaker]. Colectivo interdisciplinar que trabaja sobre el análisis y cartografía del territorio. Desarrollan para Idensitat el proyecto Rutas del Autismo.
Josep Puigpelat. Presidente de la Coperativa de Agricultores de Calaf y Comarca, COPAC.

Transformación urbana y creatividad. Barrio, ciudad y territorio.
Oriol Nel·lo. Profesor titular de la Universitat Autònoma de Barcelona y Secretario de Planificación Territorial de la Generalitat de Catalunya.
Francesc Muñoz. Geógrafo, professor de la Universitat Autònoma de Barcelona.
Joan Caballol. Teniente alcalde y concejal de Urbanismo de l'Ajuntament de Calaf.
Associació de Veïns i veïnes del barri de les Escodines (Manresa). Proyecto de barrio sostenible, espacio público y urbanismo. Experiencia en el seguimiento de transformaciones urbanísticas.
Gaspar Maza. Antropólogo, profesor de la Universitat Rovira i Virgili de Tarragona.

A quien se dirige: El seminario está dirigido a creadores, educadores, gestores culturales, dinamizadores socioculturales, estudiantes de sociología, antropología, arte, educación, así como a un público que vive y participa en proyectos de barrio.

Taller de Horitzó TV: 6, 7y 13 noviembre 2009.
Televisión local a través de la web. Taller dedicado a aprender tecnologías digitales y audiovisuales con el fin de difundir contenidos a través de la web. El taller es impartido por el colectivo Horitzó TV que ha desarrollado el proyecto Plató Volant en Calaf. Está dirigido a personas interesadas en conocer las nuevas tecnologías y su aplicación para difundir contenidos audiovisuales. El objetivo de este taller es detectar el interés y formar a personas en el medio audiovisual y las tecnologías de difusión a través de Internet, para activar contenidos para un posible canal de televisión local. Dirigido a personas que viven o trabajan en el entorno a Calaf, que estén iniciadas en la navegación por Internet e interesadas en participar en un futuro proyecto colectivo de implementación de un canal de televisión local a través de la web.


iD Barrio | Barcelona
Creatividad social, acción colectiva y prácticas artísticas

Seminario: 27 - 28 noviembre 2009
en Barcelona se realizará un seminario de dos días de duración centrado en el entorno urbano a partir de la creatividad, la participación y las prácticas artísticas. Se pondrá especial énfasis en la gestión de los procesos participativos, las dinámicas de trabajo en entornos locales en relación con procesos y discursos ultralocales. Artistas, agentes culturales, expertos y estudiosos de los procesos de transformación de la ciudad y proyectos activos en barrios específicos confluyen para analizar diferencias y trazar puntos de conexión desde los respectivos campos de acción.

Contenidos y participantes

El contexto local y la dinámica global en el espacio institucional cultural.
Hans D.Christ, Iris Dressler
. Directores del WKV Württembergischer Kunstverein Stuttgart. Han comisariado numerosos proyectos, entre ellos, On Difference. Políticas del espacio acerca de la expropiación y re-apropiación de los espacios de acción social, política y cultural.

Daniel G. Andújar. Artista. Impulsor de numerosos e-proyectos iniciados desde la propuesta colectiva Technologies To The People.
Judi Werthein.
Artista, participó en inSite 05 con el proyecto Brinco, donde confluye la problemática de la inmigración ilegal entre México y Estados Unidos con la creación de una marca de zapatos deportivos para cruzar la frontera.

Mediación creativa y barrio en los procesos de intervención artística
Francesca Comisso.
Comisaria y miembro del colectivo a.titolo. Ha trabajado con artistas y proyectos curatoriales insertos en barrios.
Paola di Bello. Artista, ha trabajado documentando espacios urbanos en las periferias de Milán con una alta presencia de gitanos e inmigrantes no europeos.
Viviana Bravo. Artista. Desarrolla propuestas de arte público que implican una interacción con la ciudad. Actualmente trabaja en el proyecto Unidad Vecinal sobre un barrio específico de Santiago de Chile.

Arquitectura activa. Generar espacios para el intercambio de experiencias.
Basurama.
Colectivo dedicado a la investigación y gestión cultural que ha centrado su área de estudio y actuación en los procesos productivos, la generación de desechos que estos implican y las posibilidades creativas que suscita esta coyuntura contemporánea.
Martin di Peco. Arquitecto. El proyecto colectivo Rallyconurbano se basa en la exploración y experimentación sobre tiempo y espacios públicos periurbanos. Ha trabajado descifrando el paisaje de Buenos Aires habitándolo efímeramente, descubriendo lugares de sorprendente e inesperada singularidad.
Sin|studio (Paula Álvarez, Ana Fernández, José M. Galán]. Arquitectos y editores de la revista Neutra. El trabajo de sin|studio explora formas emergentes de construir los vínculos de la ciudadanía en el espacio urbano, entendiéndolo como lugar dónde la gente se encuentra, se expresa y dónde se ejercen libertades y derechos individuales y colectivos.
Martí Peran. Comisario independiente y profesor de teoría del arte en la Universitat de Barcelona. Recientemente ha impulsado el proyecto Ciutats Ocasionals y comisariado Arquitectures sense lloc (Centre d’Art Santa Mònica).

El barrio, participación y gestión de la diferencia
Gary W. McDonogh
. Antropólogo. Director y profesor del Program in Growth and Structure of Cities. Bryn Mawr Collage, Philadephia.
Fadhila Mammar. Participación y población inmigrada. Universidad Autónoma de Madrid. Servicio de Mediación Intercultural del Ayuntamiento de Madrid.
Jose Luis Oyon. Arquitecto profesor de la Universitat Politècnica de Catalunya. Coordinó con Juan José Gallardo el libro “El corazón rojinegro” sobre los asentamientos de la corona periférica de Barcelona.
Fadhila Mammar. Participación con población inmigrada. Universidad Autónoma de Madrid. Servicio de Mediación Intercultural del Ayuntamiento de Madrid.
Loïc Wacquant. Sociólogo. Autor de los Condenados de la ciudad. Ha analizado los suburbios de Paris y diferentes ciudades americanas. Profesor de sociología en la Universidad de California, Berkeley. [Participa en el seminario con un texto que se distribuirá entre los asistentes].


La dinámica participativa en proyectos de barrio
Barrio de la Florida
(Hospitalet de Llobregat) Asociacionismo e inmigración en un barrio de primera acogida y vivienda temporal.
Barrio Sant Cosme (Prat de Llobregat)

Programación de vídeos sobre temáticas de acción colectiva en el contexto de barrio. A cargo de Manuel Delgado, antropólogo y profesor de la Universitat de Barcelona.

A quien se dirige: El seminario está dirigido a creadores, educadores, gestores culturales, dinamizadores socioculturales, estudiantes de sociología, antropología, arte, educación, así como a un público que vive y participa en proyectos de barrio.

Taller de KUNSTrePUBLIK: 30 noviembre - 4 diciembre 2009
El taller estará dirigido por el colectivo KUNSTrePUBLIK [Markus Lohmann, Harry Sachs, Philip Horst, Daniel Seiple, Matthias Einhoff]. Este colectivo produce proyectos y genera estrategias in situ para espacios públicos no usados y mutables. Promueven trabajos colectivos con habitantes del lugar. En el taller se harán propuestas de trabajo específicas que estarán orientadas a poner en relación la exploración del territorio, el análisis del espacio con el activismo sociocultural y la participación. El taller será de carácter transdisciplinar, combinando personas que trabajan en contextos de barrio con artistas, arquitectos y diseñadores.

Exposición del Dispositivo Itinerante
: 27 noviembre - 8 diciembre 2009.
27 de noviembre Inauguración de la Exposición.
4 de diciembre presentación del proyecto Històries i Llocs de Sans Façon, promovido en colaboración entre Idensitat y Priorat Centre d’Art con la participación de DO Montsant.

Inscripciones
La inscripción en los seminarios y talleres de Calaf y Barcelona es gratuita. Los interesados en participar en el taller impartido por Kunstrepublik en Barcelona o en el taller d’Horizont TV en Calaf deben presentar un texto de motivación y un currículum. Por formalizar la inscripción se deberá enviar un e-mail a idensitat@idensitat.net. El plazo de inscripción finaliza el 31 de octubre. En el caso de los seminarios las plazas son limitadas al aforo. En el caso de los talleres se seleccionará a los participantes según la documentación presentada.

Lugar y fechas
iD Barrio| Calaf

Lugar: Espai HivernacleCultural, c. Francesc Macià, 8. 08280 Calaf
Seminario: 14 i 15 de novembre de 2009.
Taller: 6, 7 i 13 de novembre de 2009.
En Calaf se podrán utilizar las instalaciones del IES Alexandre de Riquer como alojamiento durante el fin de semana del 13 al 15 de noviembre. Deberá solicitarse con antelación.

iD Barrio | Barcelona
Lugar: La Capella. C.Hospital, 56. 08001 Barcelona . Tel 93 442 71 71
Seminario: 27-28 noviembre 2009
Taller: del 30 noviembre al 4 diciembre 2009
Exposición Dispositivo Itinerante: del 26 de noviembre al 8 de diciembre.

iD Barrio | Calaf es una propuesta de IDENSITAT en colaboración con el Ajuntament de Calaf y forma parte del proyecto ARTWORK'09 de la Diputació de Barcelona. Este proyecto está subvencionado por el programa de Projectes Innovadors según la Orden TRE/337/2008, patrocinado por el Servei d'Ocupació de Catalunya i cofinanciado por el Fondo Social Europeo.

iD Barrio | Barcelona es una propuesta de IDENSITAT para La Capella. Ayuntamiento de Barcelona con la colaboración de Goethe Institut de Barcelona.
Dirección de los seminarios: Gaspar Maza, antropólogo, profesor de la Universitat Rovira i Virgili de Tarragona y Ramon Parramon, director de Idensitat y profesor de Elisava.

IDENSITAT es un proyecto de arte que investiga sobre las maneras de incidir en el ámbito del espacio público a través de propuestas creativas en relación al lugar y el territorio desde la dimensión física y social. Constituye una plataforma de producción e investigación en red, en el ámbito de lo artístico, donde experimentar nuevas formas de implicación e interacción en el espacio social. Desde hace 10 años desarrolla proyectos artísticos en Calaf y actualmente trabaja en varios contextos urbanos. Los proyectos desarrollados en los talleres formarán parte del archivo de Idensitat con la voluntad de encontrar mecanismos de producción para aquellos que se ajusten a dinámicas específicas vinculadas al contexto local.

IDENSITAT está impulsado por Ayuntamiento de Calaf, Ayuntamiento de Manresa, Departamento de Cultura y Medios de comunicación de la Generalitat de Catalunya y Diputación de Barcelona. Desarrolla proyectos compartidos con Can Xalant, Centre de Creació i Pensament Contemporani de Mataró, Priorat Centre d’Art, Ayuntamiento del Prado de Llobregat, Consonni (Sondika), La Capella (Barcelona) y Hangar (Barcelona). Forma parte de la red de espacios de producción Xarxaprod.

Octubre 08, 2009

Premio de Pintura Internacional Guasch Coranty 2010

w3artbanner-u.jpgLa Fundación Guasch Coranty, convoca el segundo Premio de Pintura Internacional.

www.guaschcoranty.com

La Fundación Guasch Coranty abre la convocatoria del Premio de Pintura Internacional dirigido a artistas profesionales que hayan finalizado sus estudios en escuelas superiores y facultades de Bellas Artes con el objetivo de promover y difundir la creación pictórica más innovadora a escala internacional, entendida como una disciplina abierta expandida hacia nuevos soportes. Se valorarán tanto la calidad técnica como la calidad conceptual de la obra, en relación con los nuevos lenguajes del arte contemporáneo.

Se otorgará un primer premio de 25.000 €, que no podrá dividirse ni ser declarado desierto, y dos menciones de 8.000 €.

Los artistas seleccionados recibirán una ayuda de 600 € y participarán en una exposición colectiva.

Fechas de entrega de la documentación: del 16 al 27 de noviembre de 2009
Dirección: Pau Gargallo 4 / 08028 Barcelona


Para más información:
www.guaschcoranty.com / premifguasch@ub.edu
Tel: 93 403 40 66 / 628 293 797


Para descargar las bases:
http://www.guaschcoranty.com/premio_internacional.htm

ABIGAIL LAZKOZ Y JAVI SOTO EN SALA REKALDE

Totheriver3-U.jpgAbigail Lazkoz
Máquinas Extraordinarias.

Del 8 de octubre de 2009 al 31 de enero de 2010

sala rekalde
Alameda de Recalde, 30
Bilbao 48009
www.salarekalde.bizkaia.net

La SALA REKALDE presenta Máquinas extraordinarias, una exposición individual de la artista bilbaína, afincada en Nueva York, Abigail Lazkoz (Bilbao, 1972).

Se trata de una instalación diseñada específicamente para la sala principal y formada por un conjunto de dibujos monumentales en blanco y negro, tanto exentos como en pared, una serie de estructuras tridimensionales que se despliegan sobre el espacio expositivo creando distintas estancias, y un vídeo de animación que remite a los orígenes del cine animado para poner de relieve la expresión del dibujo a través del movimiento.


Máquinas extraordinarias se configura como un “paisaje de batalla” desarrollado en diferentes estadios. Todos los elementos articulan un recorrido narrativo posible que trata sobre la guerra y la destrucción, no sólo como referencias recurrentes desde su propia literalidad sino también como metáforas de otro tipo de conflictos más cotidianos.

A partir de una composición pictórica en apariencia sencilla, los dibujos se erigen como los elementos fundamentales que marcan el ritmo formal y conceptual de la muestra. Son dibujos que invitan al espectador a sumergirse en la riqueza simbólica de sus detalles, en la propia estructura pictórica del trazo y en la desnudez del gesto para profundizar en cuestiones universales como la muerte y la devastación.

Es evidente la tentativa de la artista de ocupar la totalidad del espacio expositivo partiendo de la materialidad misma del dibujo. La exposición funciona así como una suerte de reordenación de los elementos fundamentales utilizados por la artista, primeramente en los dibujos y después sobre el propio espacio expositivo.

En definitiva, se trata de una forma constructiva de expandir el dibujo sobre la totalidad del ámbito expositivo. El resultado es una reconciliación entre figuración y abstracción en la que la estructura narrativa de los dibujos se entrelaza con las formas constructivas que los componen. Una serie de formas gestálticas, casi totémicas, conviven así con la riqueza e idiosincrasia de los referentes narrativos de las obras en dibujo.

La exposición Máquinas extraordinarias es deudora de una serie anterior titulada Historias de guerra que he oído (2004). Esta serie, compuesta por seis dibujos sobre papel, algunos realizados posteriormente sobre muro y de dimensiones mucho mayores, abordaba la construcción de la memoria colectiva a través de las experiencias vividas. Cada dibujo desarrollaba una idea concreta puesta en relación con la transmisión oral, la construcción de la memoria y cómo la identidad individual se construye sobre las historias que cada persona recibe. La serie utilizaba también la guerra como telón de fondo narrativo para reflexionar sobre los condicionantes históricos que acaban dando un carácter concreto a cada generación.

El título de la exposición está tomado de una canción de la compositora americana Fiona Apple cuyo estribillo viene a decir lo siguiente: Trátame con amabilidad, trátame con frialdad; me lo tomaré de la mejor forma posible; soy una máquina extraordinaria… Con esa frase Abigail Lazkoz quiere subrayar una fortaleza personal irreductible, capaz de crecer tanto a partir de lo bueno como de lo malo. Una declaración de esperanza, en cierto modo, frente a una realidad de conflicto permanente como es la de nuestra sociedad contemporánea.


Abigail Lazkoz: su obra

Para Abigail Lazkoz la fuerza estética y conceptual del dibujo y de la pintura reside en concebir ambos lenguajes como laboratorios de la imaginación. Es decir, se posiciona ante el lenguaje pictórico reivindicando su capacidad demiúrgica para producir nuevas formas posibles de entender el mundo más allá de su sola representación fiel. Esto se hace evidente en el dibujo a través del propio gesto desnudo de la línea negra sobre un fondo blanco. Tal gesto sencillo, desprovisto de todo ornamento, otorga al artista una libertad absoluta a la hora de proponer nuevas posibilidades de expresión ante la realidad.

Se trata al mismo tiempo de un proceso de aprendizaje que parte de las propias posibilidades formales del recurso de la huella negra sobre el blanco. Una referencia que relaciona el dibujo con los orígenes de la escritura.

Lazkoz suele definir su lenguaje pictórico como aquel desprovisto de toda expresión gestual. Su apuesta se fundamenta en la línea tensa y cero gestual, que en último término problematiza la pintura desde una economía reducida de los medios empleados. Dicha reducción de los recursos necesarios en el momento de producir la obra le otorga una autosuficiencia y movilidad que en último término son liberadoras de su práctica artística.

El dibujo en Abigail Lazkoz va más allá de la construcción de escenarios posibles. Sus últimos trabajos dan prueba de un interés minucioso por la construcción de un vocabulario específico basado en la sobriedad de la materia del dibujo. Una forma de enfatizar el lenguaje pictórico y crear referencias y elementos que se relacionan entre sí estructu-rados en una compleja sintaxis.


Abigail Lazkoz: datos biográficos y premios

Abigail Lazkoz nació en 1972 en Bilbao y vive y trabaja en Nueva York.
En 2006 fue ganadora del premio Gure Artea del Gobierno Vasco, en 2005 obtuvo el Primer premio de ERTIBIL, certamen de Artes Plásticas del Departamento de Cultura de la Diputación Foral de Bizkaia y en 2001 disfruto de la Beca para la creación artística del mismo departamento.

Abigail Lazkoz: exposiciones

Ha realizado numerosas exposiciones individuales, entre las que destacan:
Shuffle, Espai 13, Fundación Joan Miró, Barcelona (2009); Desastres naturales, Centre d’Art La Panera, Lérida (2007); Esconde la mano, Laboratorio 987, MUSAC, León (2005); War Stories I Have Heard, Momenta Art Brooklyn, Nueva York (2004); Abi Lazkoz – Zeichnungen, Werkraum Modula Buchholz, Denklingen, Múnich (2003); Humus, La Casa Encendida, Madrid (2003); Welcome Drawings, Galerie Abel, Raum für neue Kunst, Berlín (2002); y Dibujos de bienvenida, Fundación BilbaoArte, Bilbao (2001).
Entre sus participaciones más recientes en exposiciones colectivas figuran: 25 obras, 17 artistas, 4 relatos, Centre d’Art La Panera, Lérida (2009); Biennale internationale d’art contemporain d’Alger, Argel (2009); From Brooklyn with Love, Parker’s Box, Brooklyn, Nueva York (2008); Bilder in Folge, Kunstmuseum Stuttgart (2008); Chacun à son goût, Guggenheim Museoa, Bilbao (2007); Street Modernism, Mama Showroom, Rótterdam (2007); Deus ex machina, Market Gallery, Glasgow (2006); A Picturesque View, Monya Rowe Gallery, Nueva York (2006); Greater New York, PS1-MoMA, Nueva York (2005); The Gift, Queens Museum of Art, Nueva York (2005); Mientras tanto en otro lugar…, sala rekalde, Bilbao (2004); Internal Excess, Selections Fall 2003, The Drawing Art Center, Nueva York (2003).

Publicación

Con motivo de esta exposición la SALA REKALDE publica un Catálogo en el que se recoge la producción más reciente de Abigail Lazkoz y se documenta el desarrollo creativo de la nueva instalación.
El volumen cuenta con un amplio texto de la historiadora Iria Candela y con una conversación entre la artista y la comisaria de la muestra, Leire Vergara.
El diseño es de Albert Folch Studio y lleva fotografías de la obra realizadas por Begoña Zubero.


EL GABINETE ABSTRACTO

El Gabinente Abstracto de la SALA REKALDE acoge desde el 8 de diciembre de 2009 al 31 de enero del 2010 la exposición del artista asturiano Javier Soto Euforias y Demonias.

La obra de Javier Soto (St. Gallen, 1975) explora el lenguaje pictórico desde formatos como el dibujo, el collage, la pintura sobre lienzo e incluso el mural. Sus piezas se configuran a partir de procesos de trabajo que se alimentan de contextos y referencias vitales cercanas al artista.

La pintura de Soto debe entenderse en su medio natural, es decir, puesta en relación con la estructura de las series que compone el artista y con la fuerza que dichas agrupaciones generan, traducida en una explosión de relaciones semánticas y líneas narrativas que acaban entrelazándose.

La exposición

Euforias y Demonias ofrece en El Gabinete Abstracto una amplia selección de trabajos realizados entre 2007 y 2009. Es un conjunto de obra producida a lo largo de dos épocas de transición para el artista: su estancia temporal en la ciudad de Los Ángeles y su reciente traslado de Bilbao a Navia (Asturias), la ciudad de su infancia. Estos momentos vitales del artista quedan reflejados en dos grupos diferentes.

El primero, producido en Los Ángeles en 2007, presenta un conjunto de acuarelas sobre tela y papel que combinan la sutileza de esta técnica pictórica con otro tipo de gestos brutos, tales como la incorporación esporádica de imágenes-collage. Los “paisajes” representados parecen estar en ocasiones velados. Se trata de un imaginario fantasmagórico que, para el artista, representa un espacio interior psicológico difícil de delimitar.

El segundo grupo, producido en Navia entre 2008 y 2009, comprende una serie de acrílicos sobre lienzo y madera que comparten un procedimiento pictórico común, basado en la acumulación de capas de pintura que afloran sobre una superficie un tanto borrosa. Un efecto debido no tanto a una posible saturación de la imagen sino, por el contrario, a un vacío intencionado, a un cúmulo de rectificaciones y trazos borrados. Los cuadros recopilan reliquias y retazos de algo que podríamos denominar naturalezas muertas.

Completa la exposición un mural realizado ex profeso dentro del espacio expositivo de la sala.

Comisaria: Leire Vergara


Visitas guiadas
La sala rekalde ha organizado un programa de visitas guiadas gratuitas a las exposiciones todos los jueves a las 19:00h. Las personas interesadas pueden acercarse a la sala 5 minutos antes de la visita. Para más información o concertar visitas para grupos, llamar al 94 406 8532/ 8707, o bien por correo electrónico en la dirección salarekalde@bizkaia.net


Para más información:
Prensa
Tel. 94 406 8707
Fax. 94 406 8754
salarekalde@bizkaia.net

Horarios:
De martes a sábados: de 11:00h a 14:00h y de 17:00h a 20:30 h
Domingos y festivos: de 11:00h a 14:00h
Lunes cerrado

Entrada gratuita

(Abigail Lazkoz To the river 3, 2008. Tinta pigmentada sobre papel. 76 x 56 cm Fotografía: Begoña Zubero)

Octubre 07, 2009

Máster Universitario en Arte Contemporáneo, tú título OFICIAL al 0% de interés.

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MIRAR LA GUERRA. IMÁGENES, ARTE Y ESTUDIOS VISUALES EN EL CA2M CENTRO DE ARTE DOS DE MAYO

ÁlvaroYbarra-u.jpgComenzará el 14 de octubre hasta el 17 de noviembre
Todos los miércoles a las 18.30 h.

MIRAR LA GUERRA. IMÁGENES, ARTE Y ESTUDIOS VISUALES EN EL CA2M CENTRO DE ARTE DOS DE MAYO
CA2M Centro de Arte Dos de Mayo
Avda de la Constitución, 23
Móstoles, Madrid
www.madrid.org/ca2m

La libre y abundante circulación de imágenes es una evidencia en nuestra sociedad del conocimiento. Las imágenes de guerra, “imágenes del acontecimiento”, son las que miramos quizás con más interés, pero no están exentas de problemas. Desde el momento en que son tomadas hasta el momento de su recepción, estas imágenes muchas veces errantes, son, al mismo tiempo, herederas de un imaginario occidental secular y continuadoras en la formación del que ahora compartimos, muchas veces “en superficie”.

El programa se organiza en torno a tres bloques temáticos: “Las imágenes toman posición”, “El tráfico del dolor” y “Imagen, imaginario y memoria” y contará con la participación de profesionales de de distintos ámbitos: los fotoperiodistas Álvaro Ybarra, Mikel Ayestarán, David Beriain y Sergio Caro; Aurora Fernández Polanco y Yayo aznar, ambas profesoras de Historia del Arte; Mª. Jesús de Domingo, Jefe del Departamento de Educación del MNCARS; y los artistas Fernando Baños, y Lara García Leyne.


En la tradición de las Universidades Populares

Mirar la guerra pertenece a una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcados dentro de la tradición de las universidades populares especialmente dirigidas al público joven y adulto. En estos cursos se abordan de forma clara y directa algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual.

Estas actividades están estructuradas en dos partes: una primera consistente en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda que le sigue en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra: la escucha y el diálogo como acciones transformadoras; el arte como un espacio para el encuentro y el desarrollo de actitudes críticas frente a la realidad impuesta.

El curso es gratuito y los interesados pueden inscribirse en educación.ca2m@madrid.org, en el teléfono: 912760204 o en la recepción del CA2M (Avda. de la Constitución, 23, Móstoles). Se hará entrega de certificado a los participantes en todo el curso

Más información: www.madrid.org/ca2m


DIRECCIÓN
CA2M Centro de Arte Dos de Mayo
Avda de la Constitución, 23
Móstoles, Madrid
centrodeartedosdemayo@madrid.org

HORARIO
De martes a domingo: de 11:00 a 21:00 horas
Lunes: cerrado

INDICACIONES DE ACCESO
Metro: L12 Pradillo
Cercanías: C5 Móstoles (23 minutos desde Embajadores)
www.madrid.org/centrodeartedosdemayo/el_centro/ubicacion.html

ENTRADA GRATUITA


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(Imagen: Álvaro Ybarra, Civil asesinado por las milicias, El Congo, 2008)

Octubre 06, 2009

LIF. Libertad, Igualdad, Fraternidad

LIF-u.jpgSala de exposiciones Alcalá 31
Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid

Inauguración: 7 de octubre a las 20:00 horas
Entrada gratuita
Actividades paralelas: visitas guiadas, taller, mesa redonda y diálogo (ver sección actividades)
www.madrid.org
www.secc.es

Artistas: Antoni Abad, Jean-Michel Alberola, Elisabeth Ballet, Christian Boltanski, José Manuel Broto, Jean-Marc Bustamante, Daniel Canogar, Dionisio Cañas, Rui Chafes, Chema Cobo, Carlos Edmundo de Ory, Ninar Esber, Joan Fontcuberta, Luis Gordillo, Cristina Iglesias, Cristina Lucas, Annette Messager, François Morellet, Jean-Luc Moulène, Antoni Muntadas, Francis Naranjo, Marina Núñez, Bruno Peinado, Gonçalo Pena, Jaume Plensa, Bernardí Roig, Fernando Sánchez Castillo, Alain Séchas, Bruno Serralongue, Niele Toroni, Tatiana Trouvé, Eulàlia Valldosera y Yan Pei-Ming.


Con motivo del Bicentenario de la Guerra de la Independencia, la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) y la Comunidad de Madrid han organizado la exposición LIBERTAD IGUALDAD FRATERNIDAD, que se presentará el próximo 7 de octubre de 2009 en el histórico edificio de la Sala Alcalá 31.

Con el comisariado de la española Isabel Durán y el francés Bernard Marcadé, se ha invitado a 15 artistas españoles, 14 franceses y 2 portugueses a presentar una obra de arte que plantee la vigencia y el estado de desarrollo actual de estos tres ideales de convivencia de la sociedad moderna nacidos al calor de la Revolución francesa en 1789.

Liberté, Égalite, Fraternité, lemas que con el tiempo se convertirían en la divisa nacional de Francia, siguen siendo todavía hoy la expresión de un ideal político, moral y humano. Un ideal aún no alcanzado. En este caso es el arte el que toma la palabra como uno de los ámbitos más intensos de expresión y enriquecimiento humano.

Es importante llamar la atención sobre el hecho de que el título de la muestra está en español, algo que no es meramente una traducción. En Francia estas tres palabras han cobrado una vida oficial, su presencia está vinculada a la bandera, a todos los documentos que representan al estado… En español pierden ese carácter convirtiéndose plenamente en ellas mismas, en su historia y significado hoy.

Francia y España, España y Francia, antiguos contendientes, hoy hermanos. La participación en la muestra de dos artistas portugueses supone un guiño, un ajuste necesario con la historia ya que Portugal fue un país también hermano en aquellos acontecimientos y en la actualidad.

A este encuentro de artistas plásticos se han unido dos poetas: Carlos Edmundo de Ory y Dionisio Cañas. La imagen poética que plantean es elocuente y aporta a LIBERTAD IGUALDAD FRATERNIDAD una carga de sentido intenso que humaniza y trasciende más, si cabe, los propios conceptos.

El resultado a la vista está: LIF es un conjunto de propuestas nada optimistas. Más de doscientos años después aquellos ideales no están logrados, no existe la libertad plena, no nacemos todos iguales y el sentimiento fraterno es excepcional. Pero la sociedad ha avanzado, los derechos del hombre están cada vez más presentes en las leyes, las personas somos más conscientes de lo que significan y, sobre todo, seguimos teniendo la ilusión de construir un mundo mejor.


Organiza: La Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), bajo la coordinación del Ministerio de Cultura, la Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid y la colaboración de la Embajada de Francia en España, con motivo del Bicentenario de la Guerra de la Independencia.

Comisarios: Isabel Durán y Bernard Marcadé.

Catálogo: Publicación trilingüe (español / inglés / francés).

Dirección:
Sala de Exposiciones Alcalá 31
Calle Alcalá 31. Madrid
www.madrid.org

Horario:
De martes a sábado: de 11.00 h. a 20.30 h.
Domingos y festivos: de 11.00 h. a 14.00 h.
Lunes: cerrado

Actividades:
Visitas guiadas
- Sábados y domingos mañanas: 12:00 h. y 13:00 h.
- Sábados tarde: 18:00 h. y 19:00 h.

¿Documentos?
Taller de creación con Jean-Luc Moulène

CA2M Centro de Arte Dos de Mayo
Avda. Constitución, 23. Móstoles (Madrid)
Fechas del 4 al 6 de noviembre de 2009
Horario: de 10 a 14 horas
Dirigido a estudiantes, artistas y profesionales relacionados con el arte.
Inscripción gratuita en educacion.ca2m@madrid.org hasta el 28 de octubre
Descargar formulario de inscripción en www.madrid.org/ca2m


Mesa Redonda: Libertad, Igualdad, Fraternidad: un encuentro artístico hispano-francés
Institut Français de Madrid - Teatro
C/ Marqués de la Ensenada, 10. Madrid
Fecha: jueves 8 de octubre a las 20h
Participantes: Bernard Marcadé e Isabel Durán, comisarios y los artistas Alain Séchas, Bruno Serralongue, Francis Naranjo y Marina Núñez.


Diálogo entre Jean-Luc Moulène y Cristina Lucas en torno a la exposición LIF
Institut Français de Madrid - Mediateca
C/ Marqués de la Ensenada, 12. Madrid
Fecha: jueves 5 de noviembre a las 20h


Organizan:

organizan-u6.jpg


Colabora:

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Octubre 05, 2009

AUTO. SUEÑO Y MATERIA EN EL CA2M CENTRO DE ARTE DOS DE MAYO

CA2M-u80.jpg9 de octubre de 2009 al 10 de enero de 2010
Inauguración jueves 8 de octubre a las 20:00 h.

Coproducida por : CA2M Centro de Arte Dos de Mayo y Laboral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón
www.madrid.org/ca2m

Auto. Sueño y materia analiza la presencia del automóvil en el arte contemporáneo, o de un modo más preciso, la relación entre la cultura del coche y la creación artística durante las últimas décadas a través de más de un centenar de obras de 60 artistas diferentes. El fuerte potencial simbólico del automóvil, capaz de ejemplificar, sintetizar o vehicular discursos complejos sobre la realidad de cada momento, sigue despertando hoy el interés de décadas anteriores. Es en este interés y en sus resultados a lo largo de los últimos años donde se configura el contenido de esta exposición. El punto de partida son los años 80, un periodo a lo largo del cual la lectura del coche desde el campo artístico ha sido adquiriendo tanta densidad y complejidad como perspectiva crítica y distanciada acidez. El automóvil ha sido y continua siendo uno de los medios más eficaces de encarnación material de los sueños; ahora los artistas sobre la realidad de dichos sueños.

COMISARIO: Alberto Martín

ARTISTAS: Roy Arden, Eric Aupol, Yael Bartana, Manolo Bautista, Michele Bazzana, Hans Op de Beeck, Valérie Belin, Rut Blees Luxemburg, Étienne Bossut, Frank Breuer, Michel de Broin, Alain Bublex, June-Bum Park, Edward Burtynsky, Andrew Bush, Hervé Coqueret, Stéphane Couturier, Félix Curto, Stephen Dean, Jeremy Dickinson, Juan Fernández, Sylvie Fleury, Alicia Framis, Juan del Junco, Pannos Kokkinias, Annika Larsson, Miki Leal, Zilla Leutenegger, Juan López, Maider López, Chip Lord, Thom Merrick, Vik Muniz, Ahmet Ö_üt, Julian Opie, Sven Pählsson, Miguel Palma, Jesús Palomino, Panamarenko, Tobias Rehberger, Pedro Reyes, Betsabeé Romero, Samuel Rousseau, Bruno Rousseaud, Michel Samuels, Corinna Schnitt, Franck Scurti, Jim Shaw, Roman Signer, Dirk Skreber, Amy Stein, Thomas Struth, Xavier Veilhan, Kelley Walker, Koen Wastjin, Rhonda Weppler & Trevor Mahovsky, Paloma Wilson – Ryckman, Erwin Wurm.


Actividades paralelas:
Ciclo de cine. Road Movies. Viernes del 23 octubre al 18 diciembre 20.30 h
Taller para jóvenes. My first car. Sábados 11.30 y 16.30 h
Formación del profesorado. Visita coloquio a la exposición. 22 de octubre 18.30 h
Educación Secundaria. My first car. Visita taller. Martes y jueves 11.00 h
Visitas guiadas miércoles, viernes y sábados 18:30 h
Visitas guiadas temáticas. Auto/Out of the way. Posiciones feministas para una visita. Domingo 12.30 h
Visitas guiadas para grupos con cita previa en educacion.ca2m@madrid.org

Más información: www.madrid.org/ca2m

DIRECCIÓN
CA2M Centro de Arte Dos de Mayo
Avda de la Constitución, 23
Móstoles, Madrid
centrodeartedosdemayo@madrid.org

HORARIO
De martes a domingo: de 11:00 a 21:00 horas
Lunes: cerrado

INDICACIONES DE ACCESO
Metro: L12 Pradillo
Cercanías: C5 Móstoles (23 minutos desde Embajadores)
www.madrid.org/centrodeartedosdemayo/el_centro/ubicacion.html

ENTRADA GRATUITA


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(Imagen: AUTO - Erwin Wurm, I love my time, I don't like my time, 2003)

Octubre 01, 2009

CaixaForum (Barcelona). Canal Mediateca / Conciertos

caixaforum-uuu.jpgCaixaForum
Av. Marqués de Comillas, 6-8
08038 Barcelona
Actividades de la Obra Social “la Caixa”
Entrada gratuita. Abierto todos los días


www.laCaixa.es/ObraSocial

Lluís Escartín (1999-2009)
Documentales tan evocadores como intrigantes

DEL 21 DE SEPTIEMBRE AL 21 DE NOVIEMBRE

“Si existe el paraíso, está allí.
Si existen las criaturas de Dios, son ellas.
Pero ¿existe el paraíso?
Es la pregunta que se hace el mar
Mientras sigue el ritmo de las criaturas de Dios”.
Tabu – Mana (2008, Lluís Escartín Lara)

La obra de Lluís Escartín se mueve paralela al mundo de las referencias, de las cinefilias, de los juegos metalingüísticos y de las relaciones intertextuales que invaden buena parte de la producción contemporánea. Falta de referencias y conexiones estables que coloca siempre su obra al borde del abismo: no hay respuesta a las tendencias, ni siquiera a las minoritarias. Y así cada nueva pieza supone un nuevo reto para el espectador. La sensación es la de tener que comenzar siempre de cero para construir eso que se ha llamado espectador modelo. El videoasta no facilita procesos de identificación autoral y rompe cualquier circularidad endogámica. Para el público perezoso resulta un gran inconveniente, para el público inquieto, el mejor de los desafíos. Por eso, la obra de Lluís Escartín Lara no hay que verla, hay que volver a verla, por que sólo en los sucesivos visionados se le permite al espectador habitarla.

Josetxo Cerdán


Obra videográfica

CAMINO DE LAS ABEJAS

(Path of the Bees. México, 1999, 30’, Maya con subtítulos en castellano, DV NTSC)

“La Selva Lacandona vive en el corazón de los Hach Winick, gente verdadera, en Maya, Ellos pertenecen a la selva, la selva vive en ellos”.

Path of the Bees demuestra, con su inquietud etnográfica, un punto de vista ortodoxo en la puesta en escena y en el resultado final. El modo en que retrata las personas autóctonas de la selva de Chiapas, prescindiendo de la voz en off explicativa y dejándose llevar por una narración visual hecha de detalles; hace que documente con perseverancia la vegetación del lugar, las construcciones, los gestos y las miradas de quienes lo habitan. Albert Alcoz, BLOGS & DOCS

MOHAVE CRUISING

(USA / España, 2000, 13’, inglés con subtítulos en castellano, DV NTSC)

Este es el recuerdo de un viaje desde el corazón de un desierto habitado. Gente sobrecogida por el color de las nubes, agujeros en el cielo hacia otro sitio. Un vehículo poco adecuado para el lugar rueda hacia el rumbo de las emociones desatadas: la experiencia antes del ciclón. Joan Leandre, Observatori de Vídeo No Identificat (OVNI)

AMOR

(Israel / España, 2001, 27’, inglés con subtítulos en castellano, DV)

Amor muestra el encuentro del realizador con un soldado de élite israelí, Ahim Navad. La pieza sólo muestra imágenes del propio Ahim Navad durante la grabación y siempre con el sonido sincrónico. Aparentemente Amor sería una entrevista con Ahim Navad, pero al no separar imagen y sonido, se convierte en algo muy diferente. Lluís Escartín Lara realiza en tiempo real lo que en televisión serían insertos de partes del cuerpo del soldado (panorámicas por su cuerpo, planos detalle de sus manos, etc.) para ocultar el montaje del audio. Mientras la cámara realiza esos no-insertos, Ahim Navad habla, se interrumpe, duda, vuelve a arrancar…, y el tiempo pasa. Lo que en la entrevista televisiva sirve para borrar cualquier marca personal, casi podríamos decir que de humanidad, aquí sirve para acentuarlas, para ponerlas al descubierto. Y al poner el acento en esa cuestión humana, destaca también la condición de artefacto mediático, no tanto de la pieza que estamos viendo (que también), como de las entrevistas y los reportajes que invaden nuestra vida a través de unos informativos tan asépticos y pulidos que al lado de Amor parecen obras de ciencia ficción. Josexto Cerdán, REVISTA PAUSA

TEXAS SUNRISE / AMANECER EN TEXAS

(Amanecer en Texas, USA / España, 17’, 2002, inglés con subtítulos en castellano, DV NTSC)

Texas Sunrise se presenta como una elegía al paisaje del sur-oeste norteamericano, un montaje de imágenes de ritmos cambiantes vertebrado por la palabra apasionada de un hombre invisible, del cual sólo sabremos, al final, que se nombra Johnson Frisco. Su ligereza sobre la tierra convierte la obra en un road movie indirecto. Pero Frisco es un anarquista deísta de izquierdas, un fantasma de las carreteras y de los trenes de mercancías. Inspirándose en la devota actitud indígena hacia la tierra y su manejo respetuoso de los recursos naturales, denuncia la codicia, la propiedad, el dinero, y el miedoso conformismo de un pueblo americano que no posee más que la ilusión de libertad. Antes de colaborar con la equivalencia que percibe entre burocracia, militarismo y fascismo, enuncia el NO magnífico de la única libertad que queda. Nos conmina a "no tomar nada de ellos... no darles nada... no contarles nada", a desaparecer de las pantallas del sistema. Como lo ha hecho él, que algunos tacharían de pobre vagabundo, pero que vive como un rico porque vive en la independencia (la que perdieron los apaches cuando se acogieron a la ayuda estatal): la independencia de un "anarquista funcional". Evitando las grandes ciudades, la cámara de Escartín viaja como lo hace Frisco, contemplativamente, a veces deprisa, por un campo semi-civilizado regado de cadáveres de máquinas y cicatrizado por esfuerzos y empresas vanas. Lorna Scott, MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA (MCARS)

TERRA INCOGNITA

(Terra Incognita, Catalunya, 24’, 2005, catalán con subtítulos en castellano, DV)

Terra Incognita nos enseña la tierra del Penedés, que adquiere de tan poco connotada una belleza extrañísima. Escartín nos muestra las cosas transformadas por su visión inspirada. Esto es la magia videográfica, una virtud rara y bien difícil. Además del campo, en Terra Incognita hay los personajes que forman parte de él, campesinos que cuentan historias de campesinos, que adquieren dimensiones desproporcionadas y aun así, sencillísimas. Según su visión, los surcos de los cultivos nos remiten al sustrato ancestral del que todos venimos…Uno de los campesinos de Terra Incognita recuerda que antes, en el campo, todos cantaban y silbaban. Estos silbidos y cantos que no estan en la cinta, los oímos a lo lejos por la magia antes mencionada y que no proviene del campesino, sino de Lluís Escartín. Carles Hac Mor, AVUI

NESCAFÉ – DAKAR

(Mauritania / Senegal / España, 30’, 2007, mandinga, wolof, inglés, francés con subtítulos en castellano, DV)

Nescafé-Dakar arranca con un plano que es como una nota perdida: un viaje en automóvil por una carretera que cruza perpendicularmente el desierto. Pero conviene no equivocarse: ese plano es realmente un acorde de final. Esta vez, el coche (una ambulancia) no conduce al cineasta más allá del horizonte, sino que le lleva al hospital de Dakar, después de haber sufrido, junto a su amigo Cesare Costanzo, un grave accidente. El viaje ha terminado. A partir de ahí comienza la historia del cineasta herido o de cómo un director se gana el derecho a filmar África. Carlos Muguiro, PUNTO DE VISTA

TABU MANA

(Polinesia y sus islas / España, 31’, 2009, inglés y tahitiano con subtítulos en castellano, DV)

Llevo 20 años filmando en culturas no occidentales y tienen algo en común. En la Polinesia, como en muchos lugares que todavía no han sido totalmente devorados por la avaricia, se le da mucha importancia a las energías espirituales, que en polinesio le llaman Maná. El Maná para los polinesios es algo vital, poderoso. Tabú es también una palabra polinesia y quiere decir prohibido. El colonialismo francés les ha prohibido su lengua, su religión, su cultura y siguen prohibiéndoles cosas y destruyendo a cambio de progreso y dinero, pero todavía queda algo, una fuerza femenina, telúrica, que la iglesia Católica arrebató a nuestros tatarabuelos hace mucho tiempo y que nosotros ya ni sabemos lo que es. Lluís Escartín Lara



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Entrada libre



Sábado 10 de octubre l 21.00 h
FESTIVAL LEM 2009
En colaboración con Gràcia Territori Sonor

Música improvisada
Banda de improvisadores de Barcelona

La escena de improvisadores en Barcelona es una de las más interesantes de Europa. Libre improvisación instintiva y en movimiento

Juan Crek, voz y efectos
Tino Regueira, guitarra eléctrica
Ignacio Lois, guitarra eléctrica
Marc Egea, viola de rueda y duduk-tárogáto
Frances Barlett, violoncel
Tom Chant, saxo soprano y clarinete baijo
Olga Ábalos, saxo alto
Sisu Coromina, saxo tenor
John Williams, saxo barítono
Alain Lebrun, trombón y tuba
Quicu Samsó, batería
Eduard Altaba, contrabajo
Xavier García, contrabajo

Dirección: Pablo Rega
Coordinación: Serapi Soler

La escena de improvisadores en Barcelona es una de las más interesantes de Europa. Libre improvisación instintiva y en movimiento

Precio: 4,00 €


Sábado 31 de octubre l 21.00 h
Música banghra
Achanak

Música electrizante llevada de la India al Reino Unido, transformada por la tercera generación surasiática

Precio: 4,00 €



Venta de entradas
En ServiCaixa y en CaixaForum, de lunes a domingo 10.00 a 20.00 h
Las entradas de las nuestras actividades adquiridas a través de ServiCaixa están exentas de comisión
Descuento: Adquisición de entradas con cualquier tarjeta de “la Caixa”: 50% LKXA, Club Estrella, Carné Joven i Carné +25: 50%
Usuarios con carné de la Mediateca entrada gratuita


CaixaForum Barcelona
Avenida Marquès de Comillas, 6-8
08038 Barcelona

Horario:
De lunes a domingo, de 10 a 20 h
Sábados, de 10 a 22 h

Entrada gratuita
Servicio de Información
Obra Social Fundación ”la Caixa”
Tel: 902 22 30 40
De lunes a domingo, de 9 a 20 h
www.laCaixa.es/obrasocial

OCTUBRE 2009 / MEDIALAB-PRADO

demo_drama_faces_02-u.jpgMedialab-Prado
Espacio de cultura digital
Plaza de las Letras · C/ Alameda, 15
28014 Madrid
Entrada gratuita
info.m@medialab-prado.es
www.medialab-prado.es

ENCUENTROS AVLAB: EXPERIMENTACIÓN SONORA Y VISUAL

Los encuentros AVLAB son reuniones mensuales entre gente con intereses afines en los campos de la música experimental, electrónica, electroacústica, arte sonoro, dispositivos interactivos y en general el procesado de audio y vídeo en directo. Surgen con la idea de ofrecer un lugar físico donde poder compartir conocimientos, críticas y opiniones acerca del proceso creativo en estos ámbitos.

17 octubre / 19:00h
EL ESCENARIO AUMENTADO

Presentado por David Rodríguez en el marco del taller de producción escénica Helloworld! [+info]

· Buscando aberraciones
Proyecto que explora las posibilidades plásticas del agua en sus distintos estados bajo la incidencia de luz. Los materiales son luz + agua + entorno recogedor de imágenes, para hacer visible, con recursos poco sofisticados, el componente más abundante de la superficie en el ambiente que nos rodea, y buscar “aberraciones” dentro de él.

De Mónica Bujalance, Óscar Sáinz y Lucía Domínguez.

· Sonoescénica: Teatro sonoro y realidad recortada
Instalación en la que se explora la limitación sensorial y cognitiva a través de un sistema de “realidad recortada” en el que el usuario, a través de unos auriculares inalámbricos y mediante un sistema de seguimiento, recibe una realidad sonora particular según su posición y orientación, mientras que el resto de los sentidos le transmiten una visión esquemática de la realidad.

Desarrollo técnico: Yago Torroja, Jorge Cano, Enrique Esteban. Desarrollo escénico y narrativo: Arantxa Iglesias, Manel Barriere. Colaboración: Juan Fabián.

· Versión_Beta
Puesta en escena basada en la ilusión óptica y el vídeo en tiempo real. Una idea sobre la capacidad de interferir en lo que vemos, y desde allí contar un historia tomada al azar. Sólo se trata de un argumento que puede encajar, sin relación emocional.

Idea e intérprete: David Rodríguez. Colaboran: Guillermo Gago y Esther del Pino. Texto: Wikipedia. Apoya Teatro Pradillo y Medialab Prado. Influencias teatrales contemporáneas: Robert Lepage, Sonia Gómez, Sergi Faüstino, M. Depauwn & B. Van Hoestengberghe y Big Art Group.


TALLERES

HELLOWORLD!: CREACIÓN ESCÉNICA CONTEMPORÁNEA Y NUEVAS TECNOLOGÍAS
15 al 18 octubre y 10 al 13 diciembre

Taller de producción de espectáculos de pequeño formato centrados en la aplicación del trabajo experimental y creativo con tecnologías digitales al ámbito de la performance contemporánea. [+info]

Dirigido por David Rodríguez. Profesores: David Rodríguez, Jorge Cano y Óscar Villegas. Invitados: Zachary Lieberman y Marcel.li Antúnez
Convocatoria abierta para colaboradores.

15 octubre / 19:30h
Conferencia de Zachary Lieberman: Unexpected: live performance, technology and the risk of something (or everything going wrong). ie, learning love chance

El artista Zachary Lieberman (EEUU) usa la tecnología de forma lúdica y enigmática para explorar la naturaleza de la comunicación y la delicada frontera entre lo visible y lo invisible. Sus performances, instalaciones y trabajos on-line investigan el input gestual, la extensión del cuerpo y la respuesta cinética. Ha sido nominado all Wired Magazine's Artist of the Year Award y ha recibido el Award of Distinction de arte interactivo en el Festival Ars Electronica 2006. Desde hace años lleva mostrando sus trabajos con gran éxito de público en numerosas exposiciones internacionales.

PLAYLAB: EXPERIMENTACIÓN CON VIDEOJUEGOS
El taller-laboratorio PlayLab es un espacio para la creación, la difusión, el aprendizaje y la discusión a través de los videojuegos. De esta forma se plantea una próxima convocatoria de proyectos en la que el videojuego sea protagonista de diversas maneras (Machinima, Videoinstalación, Performance, Geogames, Audiogames...).
PlayLab es una iniciativa de ArsGames y Medialab-Prado con el patrocinio de Medialab-Prado y Sony PlayStation®

23 octubre / 19:00h
Conferencia sobre programación de videojuegos en software libre, con Jaume Castells.

Todos los viernes / 17:00h
Reuniones semanales

VIERNES OPENLAB
Todos los viernes / 19:00h

Espacio abierto de encuentro y experimentación con software y electrónica.


CONFERENCIAS: LOS JUEVES DE MEDIALAB-PRADO

1 octubre / 18:00h
Presentación de los proyectos desarrollados en el taller Colaboratorio (LPCI) Laboratorio de Proyectos Colaborativos Multidisciplinares de la Universidad de Salamanca. [+info]

15 octubre / 19:30h
Conferencia del artista y performer Zachary Lieberman (ver arriba Talleres > Helloworld!)

22 octubre / 19:00h
Presentación de RedPanal: Comunidad de música libre y colaborativa

RedPanal es un sitio web de música colaborativa. Un portal social y comunitario que funciona como una novedosa herramienta de producción y difusión musical, permitiendo compartir material original libremente. Un espacio que ayuda a explorar e interactuar con músicos, obras, sonidos, instrumentos y géneros de todo el mundo, pudiendo reciclar y/o modificar el material sonoro parcial o totalmente para generar nuevas obras. RedPanal es una nueva forma de hacer música colectiva y colaborativamente.
Organiza: Embajada de Argentina en España.

29 octubre / 19:00h
Sesión de trabajo del Laboratorio del Procomún


ENCUENTROS

7, 8 y 9 octubre
SOFTWARE LIBRE Y SISTEMAS DE ARCHIVO COMPARTIDO EN INSTITUCIONES CULTURALES

El motivo de estos encuentros es reunir a diferentes instituciones culturales y desarrolladores de software para compartir recursos y conocimientos en relación a la problemática del archivo y el acceso digital de contenidos culturales, con el fin de dar respuesta a las necesidades de las entidades con vocación de servicio público. El objetivo más inmediato consiste en la creación de un sistema o plataforma que permita compartir contenidos producidos por las diferentes entidades culturales, de manera que los usuarios puedan acceder a ellos y descargarlos de manera sencilla, libre y gratuita. [+info]


CONVOCATORIAS ABIERTAS

VISUALIZAR'09: DATOS PÚBLICOS, DATOS EN PÚBLICO
Convocatoria para proyectos, comunicaciones y colaboradores

Taller-seminario internacional sobre visualización de datos del 12 al 27 noviembre
Cierre de la convocatoria: 5 octubre
Convocatoria para colaboradores: 16 octubre al 11 noviembre
Seminario: 12 y 13 noviembre
Dirigido por José Luis de Vicente. Profesores del taller: Ben Cerveny (Stamen), Aaron Koblin y Manuel Lima. Con el apoyo de Bestiario. Colabora: Open Knowledge Foundation.
Esta nueva edición estará dedicada a reflexionar sobre la visualización de estructuras de datos en los procesos públicos de decisión y gobernanza. [+info]
Proyecto financiado por la Fundación Española para la Ciencia y la Tecnología - Ministerio de Ciencia e Innovación.


HELLOWORLD! CREACIÓN ESCÉNICA Y NUEVAS TECNOLOGÍAS
Convocatoria para colaboradores

Convocatoria para participar como colaborador en el desarrollo de los proyectos seleccionados para el taller Helloworld!, que se celebra en dos sesiones (15-18 octubre y 10-13 diciembre). El objetivo es la creación de una plataforma de producción de proyectos de pequeño formato para teatro contemporáneo con la que explorar las posibilidades de relacionar y fomentar la creación escénica con los modos de producción de los talleres colaborativos. [+info]


CURSOS Y OTRAS ACTIVIDADES

13 octubre / 18:00h
DrupalMad. Reunión mensual de una comunidad local de desarrolladores de Drupal, un sistema de gestión de contenidos para sitios web. [+info]

28 octubre / 18:00h
Drupal: Curso de introducción a la gestión de contenidos con software libre. Sesiones mensuales. Esta sesión está dedicada al módulo Vistas (Views), que proporciona un método flexible para los diseñadores del site de Drupal para controlar cómo se presentan las listas y tablas de contenidos. Asistencia gratuita sin inscripción. Organizado e impartido por Documentados. [+info]

Todos los días / 20:30h a 24:00h
PLAZANIMADA.
Todos los días desde el anochecer hasta medianoche, los dibujos enviados por los usuarios a través de la web son proyectados en el espacio físico de la Plaza de Las Letras, creando una ilusión de un graffitti efímero hecho de luz. Plazanimada es una instalación interactiva que superpone la red y la calle, ofreciendo una plataforma abierta para la expresión pública en la ciudad a través de http://plazanimada.es

Proyecto creado por Steven Pickles, Juan Fabián, Enrique Esteban y Martín Nadal.


Más información
http://medialab-prado.es
info.m@medialab-prado.es



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(Imagen Demodrama - Faces, proyecto de Enrique Esteban García, Patricia Esteban García e Ismael García Abad para Helloworld!)