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THAT’S NOT ENTERTAINMENT! El cine responde al cine6 de junio// 28 de julio. ESP 5.
La muestra “That´s not entertainment¡ El cine responde al cine” la componen las siguientes piezas:
Proyección de un minuto de duración de la obra “The Big Swallow”, de James A. Williamsom (1.901) que se proyecta sobre una cortina. En la cinta el espectador es engullido por el protagonista de la filmación.
Se trata de un video de Luis Cerveró, Andrés Hispano y Antoni Pinent de seis minutos de duración que narra la renovación que ha sufrido el cine para seguir captando la atención del espectador a lo largo de los años.
La pieza se compone de dos filmes que indagan sobre la manipulación artística sobre la película cinematográfica; “Luz, manos, acción¡. Maestros y procesos” (2006. 20’ ) e “Impresiones en la alta atmósfera” (Jose Antonio Sistiaga. 1988-89. 7’). La pieza se completa con dos mesas de luz donde se expone el material original que aparece en las proyecciones y que permiten acercarse a un cine hecho sin cámara, trabajando directamente sobre la película. El cine no depende sólo de lo que se filma. La película también es un soporte físico sobre el que podemos actuar con las manos, pintando, rayándola, pegándole pequeños objetos, etc. Este proceso aporta al cine una dimensión doméstica, artística y orgánica que contrasta con el mito del cine como “fábrica de sueños”, en que son imprescindibles actores, historias, decorados, técnicos y grandes presupuestos.
Pieza compuesta por el filme “Arnulf Rainer”, obra clave de las denominadas películas métricas de Peter Kubelka, en que el cine se convierte en una experiencia de luz, sonido y silencio, que remite al origen de su propia naturaleza. La exposición ofrece esta película como experiencia plástica, puesto que Kubelka permite ver el filme de 35 mm colgado en la pared, como si se tratara de una partitura o un cuadro abstracto. El autor montaba estas películas-cuadro sin mesa de montaje, alternando blancos y negros con una periodicidad determinada para construir formas. Existe un cine que investiga la forma en que funciona su propio dispositivo técnico y la física perceptiva del espectador. Es un cine que prescinde de historias y cuyo protagonista podríamos decir que es la luz. Este cine se fundamenta en la simple alternancia de fotogramas opacos y transparentes para devolvernos a la propia esencia del cine, que sólo puede hacer visible lo que oculta parcialmente. Este cine sin argumento reivindica, también, una apreciación plástica y experiencial equivalente a la que reconocemos en la pintura o la música.
Pieza compuesta por textos procedentes de los guiones de “La societé du spectacle” (1973) e “In girum imus nocte et consumimur igni” (1978), de Guy Debord. Filósofo, escritor y cineasta francés, Debord fue miembro de la Internacional Letrista, del grupo radical de postguerra Socialismo o barbarie y principal teórico y fundador de la Internacional Situacionista. En términos generales, las teorías de Debord intentaron explicar el debilitamiento de las capacidades espirituales en el curso de la modernización de las esferas tanto privadas como públicas de la vida cotidiana por las fuerzas del capitalismo de mercado durante la modernización de Europa tras la Segunda Guerra Mundial. Los sentimientos de alienación, postuló Debord, podían ser explicados por las fuerzas invasivas del 'espectáculo' - la naturaleza seductiva del capitalismo consumista. Los análisis de Debord aplicaron la crítica de comercialización de Karl Marx y Georg Lukács a lo que superficialmente se llama 'los media' y proclamó que la alienación era más que una descripción emotiva: el resultado provocado históricamente por el capitalismo. La Internacional Situacionista intentó crear una serie de estrategias que se acercaban directamente a Dadá y el surrealismo.
Tres piezas compuestas por fragmentos de “This Side of Paradise” (1999. 35’), de Jonas Mekas; “News from Home” (1977. 85’. 16 mm), de Chantal Akerman y “Frank Film” (1973. 9’. 16mm), de Caroline Mouris y Frank Mouris. Quizá la práctica cinematográfica más revolucionaria y más simple es aquella que toma la cámara para hablar de uno mismo, para mostrar el mundo y el entorno inmediato, ya sea como un ejercicio de realismo directo, ya sea como subjetivismo radical. Los formatos “no profesionales”, 16 mm y Súper-8 especialmente, permitieron convertir el cine en una herramienta documental en la que el tema podía ser el propio autor, su entorno o sus lugares internos. El artista, el aficionado y el documentalista devolvían al cine un potencial ya ejercido por la fotografía: el relato subjetivo de nuestras vidas e impresiones a partir de registros espontáneos y directos. Varios autores como Joseph Cornell, Mathias Müller o Jean-Luc Godard muestran las posibilidades creativas surgidas de la apropiación como recurso creativo. Las imágenes y secuencias existentes se convierten en utensilios en manos de autores capaces de hacer con ellas cosas nuevas, suyas, con frecuencia irónicas. Esta forma de reciclaje entiende el cine como un legado común y sus imágenes, reconocibles o no, como fragmentos esparcidos por nuestra memoria, a punto de ser recuperados de la misma forma que una palabra o un objeto encontrado se incorporan a un poema o a una escultura. Pieza integrada por fragmentos de “Children Trilogy” (1938), de Joseph Cornell; “Home Stories” (1990), de Mathias Müller (Bielefeld, Alemania, 1961) y “L’origine du XXIème siècle”, de Jean-Luc Godard (París, 1930). Vídeo, color. CONTANDO CON SU CREDULIDAD Dos pantallas dialogan con fragmentos de infames falsos documentos que son respondidos por falsos documentales. Fragmentos de: “Californian Election News”, 1934. Anónimo; “The Spaghetti Tree”, 1957. Anónimo; Duración total: 26’
Audiovisual proyectado en varias pantallas que se centra en el uso de imágenes provocativas y tabúes. Algunos autores presentes: Jean Genet, Kenneth Ager, Georges Franju, Kurt Kren, Andy Warhol. Se compone de fragmentos de: “Le sang des bêtes”. 1949. Gorges Franju (Fougères, Francia, 1912 –1987) ; “Tribunal Russell”. 1967. Anónimo; “Necrology”. 1969-70. Standish Lawder (Estados Unidos); “Fireworks”. 1947. Kenneth Anger (Santa Mónica, Estados Unidos, 1930); “Un chant d’amour”. 1950. Jean Genet (Paris, 1910 – Paris, 1986) ; “Scorpio Rising”. 1963. Kenneth Anger (Santa Mónica, Estados Unidos, 1930); “6/64 Mamma und Papa”. 1964. Kurt Kren (Viena, 1929 – Viena, 1998). Con la intervención de Otto Mühl y “16/67: 20. SEPTEMBER”. 1967. Kurt Kren (Viena, 1929 – Viena, 1998). Con la colaboración y la intervención de Günter Brus.
Fragmento de 40’’ de la película “L’espectador”. 1967. Carles Santos (Vinaròs, Castelló, 1940). Vídeo, muda, b/n, original en 16 mm. Sobre una pantalla blanca se proyecta la sombra de una persona que simboliza el espectador de las salas de cine. La ubicación de la pieza, justo antes de salir de la sala, hace que el espectador de la exposición se sienta identificado con el personaje protagonista de la proyección, ambos situados al otro lado del espectáculo y dentro de el al mismo tiempo.
Enviado el 18 de Junio. Página principal ... |
