El miércoles 20 de septiembre comienza el ciclo Samuel Beckett con una presentación a cargo de sus comisarios, Breixo Viejo y DAvid Cortés, que se celebrará a las 20 horas en el Salón de actos del Edificio Sabatini. Además, se proyectará el Programa 1 del ciclo.

Con la imagen de un ojo abriéndose empieza Film. Este fotograma podría ser considerado como la manifestación más decisiva de la voluntad de Samuel Beckett por indagar sobre los fundamentos de la creación audiovisual. La imagen de este ojo será también la primera que verá el público de Samuel Becket. Obra para cine y televisión. En el año de la celebración del centenario de su nacimiento, el ciclo quiere reivindicar la creación audiovisual de Beckett, seguramente oscurecida por la popularidad alcanzada por su obra narrativa y teatral. Esta injusta marginación quizás podría ser explicada porque nos encontramos con uno de los autores que se ha enfrentado con mayor radicalidad a los desafíos de la creación audiovisual.

Samuel Beckett. Obra para cine y televisión se encuadra dentro de las retrospectivas monográficas sobre realizadores y artistas que el Museo ha producido en los últimos años como Ulrike Ottinger, Stan Brakhage, Chip Lorp y Peggy Ahwesh. Al programar estas muestras audiovisuales, la intención es presentar el mundo personalizado y la visión del universo del artista de acuerdo con su punto de vista y sensibilidad.

Las 21 obras que se incluyen en este ciclo se sitúan en un dominio exclusivamente visual y sonoro: la persecución y el asedio de la cámara en Film y Eh Joe, el vertiginoso torrente vocal de la boca suspendida en el vacío de Not I, o los condenados a una eterna combinatoria en el cuadrilátero de Quad, son algunos ejemplos que, aún compartiendo rasgos con los seres que habitan su trilogía novelesca o su obra escénica, llevan todavía más lejos la presencia de un diálogo que cuestiona la posibilidad misma del diálogo. Esta exploración de los límites de la expresión implica a su vez una reflexión sobre el estatuto de la imagen y su función en los medios que la transmiten: por eso la obra audiovisual de Beckett parece doblemente reveladora.

Las primeras sesiones del ciclo están dedicadas a las piezas dirigidas por el propio autor. La programación se completa con las versiones televisivas, autorizadas por el autor, de dos obras teatrales, Footfalls y Krapp's Last Tape; con un documental sobre la realización y el estreno de Rockaby, y con algunos cortometrajes que integran el polémico Beckett on Film Project.

Dentro del ciclo, además, se celebrarán dos conferencias y un concierto.

Programa 1
Miércoles 20 de septiembre, 20 h.
Sábado 30 de septiembre, 20 h.

Samuel Beckett / Alan Schneider: Film. 1965, 35mm, b/n, sonido, 22’.
Cortesía Evergreen Review, Nueva York, y Filmoteca Española, Madrid.
Rodada en Nueva York en verano de 1964, Film es la única obra de Beckett escrita expresamente para el medio cinematográfico. Fue producida por el editor Barney Rosset, dirigida por Alan Schneider (en estrecha colaboración con el propio Beckett) y protagonizada por el célebre actor de cine mudo Buster Keaton, ya entonces septuagenario, y que moriría justo un año después del estreno de la película en 1965. A partir de la máxima filosófica del obispo irlandés George Berkeley Esse est percipi [Ser es ser percibido], Film muestra el proceso por el cual un personaje en perpetua huida, denominado O (Object-Objeto), pretende anular todo tipo de percepción exterior, ya sea humana, animal o divina, sin poder finalmente lograrlo. Tras distintos intentos de negar la posibilidad de ser visto por los demás, O se confonta con su perseguidor, E (Eye-Ojo), que no resulta sino otra forma de su propio yo. Como señaló Beckett en las notas del guión, “la búsqueda del no-ser mediante la huida de la percepción ajena fracasa debido a la imposibilidad de escapar a la autopercepción”. El cortometraje obtuvo una excelente acogida crítica y recibió distintos premios en los festivales de Venecia, Oberhausen y Tours.

Samuel Beckett: He Joe. 1966, DVD, b/n, v.o.s., 29’.
Cortesía SWR Media, Stuttgart, y Suhrkamp Verlag, Francfort.
La cámara como maquinaria de asedio visual, esencial a la continua persecución de Film, adquiere en la primera pieza televisiva de Beckett un nuevo planteamiento. Joe, un hombre solo en una habitación vacía, escucha una inmaterializada voz femenina que le exhorta y recrimina. En su monólogo, puesto que Joe se limita a guardar silencio durante toda la obra, la voz se burla de la situación actual de éste y le reprocha la muerte de una mujer que se ha suicidado. En estricta coordinación a esa acusación y acoso verbal, la cámara se aproxima, inexorable, a la figura, en una única toma que parte de un plano general de la habitación para concluir en un primerísimo primer plano del rostro de Joe. Beckett indicó así la relación entre la voz femenina y el personaje: “La voz susurra en él realmente. Él la oye. Sólo si ella vive puede él tener el deseo de matarla. Ella está muerta, pero vive en él. Esa es la obsesión: matar las voces, que no puede matar”. He Joe es la versión en lengua alemana del guión original (Eh Joe) escrito en inglés, y supuso la colaboración inicial de Beckett con la Süddeutscher Rundfunk.

Larry Sacharow/John Reilly/Melissa Shaw-Smith: Not I. 1989, DVD, b/n, v.o.s., 13’.
Cortesía Global Village, Warwick, Nueva York.
La boca de mujer suspendida en mitad de la oscuridad de la versión televisiva de Not I es una de las plasmaciones extremas del afán de depuración que domina la poética beckettiana, a la vez que un radical ejemplo de cómo Beckett se enfrenta e indaga en las peculiaridades de cada medio. Si en la representación teatral la boca descorporeizada aparecía casi perdida en el escenario, acompañada de una figura que actuaba como oyente, en la versión concebida para la televisión Beckett propone un plano corto de la boca, la muestra flotando en el negro de la pantalla, y acentúa así su irreal autonomía con un recurso que paradójicamente también enfatiza la fisicidad del órgano. Los labios conservan su primigenia condición, pero devienen asimismo esfínter y vagina, en un constante, paroxístico e incontenible movimiento –auténtico prestissimo con interrupciones desesperadas de risas y gritos–, impelido por el torrente vocal de una “boca incandescente” que habla de sí misma en tercera persona, y que reiteradamente renuncia y rechaza, con violencia, su identidad: “¿Qué?...¿Quién?...¡No!...¡Ella!...”. En la producción estadounidense de 1989 se mantienen con meticulosa fidelidad las indicaciones que el autor había fijado en la versión realizada en 1977 para la BBC.

Programa 2
Jueves 21 de septiembre, 20 h.
Miércoles 4 de octubre, 20 h.

Durante dos décadas, entre 1966 y 1986, Beckett colaboró con la Süddeutscher Rundfunk de Stuttgart en un total de seis producciones televisivas. Las condiciones de trabajo, con amplios periodos para los ensayos, y la profesionalidad de los técnicos y actores siempre fueron alabadas por el autor, que logró así aproximarse lo más estrictamente posible –aún en su siempre insatisfecho afán de perfección– a unas concepciones que exigían la máxima precisión.

Samuel Beckett: Geister-trio. 1977, DVD, b/n, v.o.s, 20’.
Cortesía SWR Media, Stuttgart, y Suhrkamp Verlag, Francfort.“Trabajando en el primer cadáver de una obra para televisión. Todos los viejos fantasmas. Godot y Eh Joe llevados al infinito. Sólo falta traerlo a la vida”. La obra a la que se refiere Beckett se convertirá en Ghost Trio, utilizando el apelativo por el que es conocido el Trío para piano y cuerdas op. 70 nº 1 de Beethoven, cuyo movimiento central, Largo, es uno de los elementos principales de la construcción televisiva. Beckett vuelve a plantear la espera, como en su célebre Waiting for Godot, en el centro de una estructura absolutamente esencializada, donde la voz femenina, el anciano en el interior de un cubículo reducido a una rígida geometría y la música de Beethoven se ajustan como módulos de esa irresolución que un niño, fantasmal mensajero, anuncia al final de la obra.

Samuel Beckett: …nur noch Gewölk… 1977, DVD, b/n, v.o.s., 17’.
Cortesía SWR Media, Stuttgart, y Suhrkamp Verlag, Francfort.
Un poema del también irlandés William Butler Yeats es la referencia principal –incluyendo su título ... but the clouds... en la redacción original– de una obra que parece cifrar la pérdida de lo amado, el progresivo desvanecimiento del recuerdo y la imposibilidad de una plena recuperación. Un potente foco de luz acota un espacio circular rodeado de tinieblas. Una figura masculina entra y sale de él, se detiene unos segundos o lo atraviesa con rapidez, casi como un autómata que siguiera en diferido las instrucciones de su propia voz. Ésta, omnipresente, se dedica asimismo con sus palabras a convocar otra presencia, la de un flotante rostro femenino que siempre está en trance de desaparecer, sin llegar a lograr una apariencia plena: transposición visual del verso de Yeats “la muerte del brillo de unos ojos que una vez nos quitaron el aliento”.

Samuel Beckett: Quadrat 1+2. 1981, DVD, color y b/n, sonido, 15’.
Cortesía SWR Media, Stuttgart, y Suhrkamp Verlag, Francfort.
No es casual que durante el rodaje de la pieza Beckett confesara al cámara de la SDR su cada vez más íntima desconfianza en las palabras. En Quadrat 1+2 la palabra queda completamente abolida. Cuatro figuras, bajo el anonimato de chilabas de distintos colores, aparecen sucesivamente y recorren los lados y las diagonales de un cuadrado. El sonido de cuatro instrumentos de percusión les acompaña y caracteriza. El circuito y la estricta combinatoria de secuencias que deben cumplir les impiden el encuentro y les obliga a evitar el centro del cuadrado como “zona peligrosa”. Coreografía infernal y eterna, como su segunda sección –en blanco y negro y con unos seres fatigados que arrastran los pies– se encarga de corroborar.

Samuel Beckett: Nacht und Träume. 1983. DVD, b/n, sonido, 11’.
Cortesía SWR Media, Stuttgart, y Suhrkamp Verlag, Francfort.
Ya casi una pintura. En el conjunto de las obras televisivas de Beckett, Nacht und Träume es la que más se aproxima a una imagen pura, y también donde se transparenta con más intensidad la admiración de Beckett por los maestros antiguos, de Caravaggio a Rembrandt: figura duplicada a sí misma en su propio sueño y que recibe cuidados de unas espectrales manos. Singular dispositivo de consuelo, iniciado y concluido con la música del lied de Schubert del que recoge el título, y que contrasta con los dispositivos de condenación (Quadrat 1+2) o de punición (Was Wo) que lo rodean cronológicamente.

Samuel Beckett: Was Wo. 1986, DVD, b/n, v.o.s., 16’.
Cortesía SWR Media, Stuttgart, y Suhrkamp Verlag, Francfort.
Beckett extrema el proceso de eliminación en la segunda de sus adaptaciones televisivas, tras Not I, realizadas a partir de creaciones inicialmente concebidas para el teatro. El rostro es lo único que aquí se mantiene de los personajes. Un gran rostro borroso a la izquierda de la pantalla controla la curiosa –entre risible, trágica y siniestra– mecánica de aparición y desaparición de los tres pequeños rostros que se alinean en el margen inferior. Las órdenes del primero, en un interrogatorio que reclama la sucesiva tortura de aquellos, organizan un proceso situado al borde mismo de la extinción. “Es invierno. Sin viaje” supone la alusión al ciclo de Schubert que prepara la postrera enunciación de unas máscaras ya mortuorias: “Desconecto”.

Programa 3
Viernes 22 de septiembre, 20 h.
Miércoles 18 de octubre, 20 h.

Walter Asmus: Eh Joe. 1988, DVD, b/n, v.o.s., 20’.
Cortesía Digital Classics, Londres, y The Estate of Samuel Beckett, Londres.
Un año antes de la muerte de Beckett, el director alemán Walter Asmus, que había sido el asistente del escritor en numerosos montajes, realiza una nueva producción en inglés de Eh Joe destinada, por expreso deseo de Beckett, a registrar la interpretación de la actriz británica Billie Whitelaw como la voz que acecha a Joe (ver prog.1).

Stan Gontarski/John Reilly/Melissa Shaw-Smith: What Where. 1988, DVD, b/n, v.o.s., 7’22’’.
Cortesía Global Village, Warwick, Nueva York.
Uno de los escasos documentos cinematográficos que recogen al propio Beckett es aquel en el que visiona, analiza y supervisa la versión estadounidense de una pieza que, en su traducción alemana (como Was Wo, ver prog.2), él mismo había dirigido dos años antes.

Walter Asmus: Footfalls. 1988, DVD, b/n, v.o.s., 31’.
Cortesía Digital Classics, Londres, y The Estate of Samuel Beckett, Londres.
El caso de una joven paciente “que nunca había nacido verdaderamente”, tal y como fue narrado por C. G. Jung en una conferencia a la que asistió Beckett en 1935, dejó una profunda impresión en el escritor, hasta el punto de convertirse en la imagen matriz de la obra Footfalls, escrita cuatro décadas después: extraña condición de una figura femenina que camina infatigablemente de un lado a otro, con metronómica precisión –siendo ella misma metrónomo que mide con sus pasos audibles un espacio vacío y frío–, mientras dialoga con la voz de su madre. A pesar de su presencia física, la figura, encerrada sobre sí misma, con los brazos cruzados sobre el pecho, no parece sin embargo poseer mayor consistencia que la presencia exclusivamente sonora de aquella. Las irresueltas ambigüedades entre la aparente realidad de las dos mujeres y de sus relatos intensifican su carácter espectral. Walter Asmus, que había presenciado en Berlín la estricta preparación de la pieza por parte de Beckett, dirigió a la actriz que la había estrenado, Billie Whitelaw, en una versión aprobada por el autor.

Programa 4
Sábado 23 de septiembre, 20 h.
Viernes 6 de octubre, 20 h.

Chris Hegedus/D. A. Pennebaker: Rockaby. 1981, Betacam SP, color, v.o.s., 60’.
Cortesía Pennebaker Hegedus Films, Nueva York.
La palabra que titula esta breve pieza, escrita en 1980, hace referencia tanto a la canción o nana para dormir a un niño como al acto de mecer o balanceo constante que suele acompañarlo. Beckett altera poderosamente su significado más convencional pero conserva sus mecanismos. Una mujer, prematuramente envejecida, vestida con un traje negro, cabellos canosos despeinados sobre un rostro demacrado, lívido e inexpresivo, se balancea suavemente en una mecedora, siguiendo un movimiento acompasado a una voz femenina grabada –¿la suya?–, en una incesante, equívoca y desoladora letanía que incluye, casi a su término, una abrupta afirmación: “Jodida vida”. La voz sólo se interrumpe en tres ocasiones. Aquellas en las que la mujer en la mecedora, rodeada de oscuridad, emite una única palabra, la que había iniciado la obra: un “más” que reclama y reactiva de nuevo el movimiento y el discurso, hasta la extinción final de ambos, señalada por la inclinación de la cabeza del personaje. Recibido por Beckett con un comentario conciso, pero extraordinariamente aprobatorio dadas sus reticencias a este tipo de trabajos (“me gustó la película”), el documental de Hegedus y Pennebaker recoge los encuentros, ensayos y conversaciones de los intérpretes, la actriz Billie Whitelaw y el director Alan Schneider, en torno a Rockaby, así como la grabación íntegra del estreno, que tuvo lugar en el Festival de Búfalo en 1981.

Programa 5
Jueves 28 de septiembre, 20 h.
Miércoles 11 de octubre, 20 h.

Alan Schneider: Krapp’s Last Tape. 1971, Betacam SP, b/n, v.o.s, 54’.
Cortesía Pennebaker Hegedus Films, Nueva York.
Entre el extenso catálogo de recursos a través de los que Beckett elabora esas alteridades o escisiones que afectan a la identidad de sus personajes, quizá el utilizado en Krapp´s Last Tape sea el que posea una eficacia más sencilla. El día de su 69 cumpleaños, Krapp escucha las cintas magnetofónicas donde ha ido recogiendo sus reflexiones en distintos periodos de su vida. Krapp dialoga así con aquellos otros “yo” que fue en su juventud y madurez: reniega, se mofa, ríe despectivo, se complace en el sarcasmo, imita su voz con burlesca dicción. Ni siquiera los afanes intelectuales o creadores quedan a salvo del feroz desmantelamiento. Tan sólo el recuerdo de un encuentro sexual parece volver a despertar su interés. A través de la continuada manipulación del magnetófono –interrumpiendo, rebobinando, acelerando la cinta–, la linealidad del tiempo existencial se colapsa y deteriora. La singular fuerza cómica y grotesca de la escritura de Beckett alcanza en Krapp´s Last Tape una de sus formulaciones ejemplares. Krapp, y las anotaciones escénicas así lo subrayan, es lo más parecido a un sórdido payaso. La perfecta homofonía de su nombre con la palabra inglesa crap (mierda) tampoco podría pasar inadvertida. Y esa dimensión grotesca es la que exalta, irreverente y excesiva, la actuación del actor irlandés Jack MacGowran, dirigido por Alan Schneider, quien fue asesorado en esta ocasión por Beckett.

Programa 6
Viernes 29 de septiembre, 20 h.
Sábado 7 de octubre, 20 h.

The Beckett on Film Project. 2001, DVD, v.o.s.
Cortesía Blue Angel Films, Dublín.
La iniciativa de Michael Colgan, director artístico del Gate Theatre de Dublín, en colaboración con el productor Alan Moloney, de realizar versiones cinematográficas de la totalidad de las creaciones dramáticas de Beckett se concretó en el año 2002 con el ambicioso proyecto que reunía las 19 obras teatrales bajo el título genérico de Beckett on Film. Concebido con el deseo de difundir la obra de Beckett entre un público más amplio que el especializado, Colgan reclamó la colaboración de actores, directores y artistas célebres en la industria cultural, junto a otros nombres tradicionalmente asociados al universo beckettiano. Aunque Beckett nunca hubiera aprobado la propuesta, ya que rechazó durante su vida numerosas ofertas similares debido a sus reticencias a trasladar sus obras de un medio a otro, el conjunto de Beckett on Film ofrece un interesante resultado más allá de sus irregularidades. La presente selección de las versiones, que se mueven entre la deriva espectacular y la estricta observancia de las indicaciones originales, entre el manejo de la forma cinematográfica dominante y la experimentación, entre la afirmación del escenario teatral y el uso de efectos especiales, conforma un contrapunto a las realizaciones del propio autor.

Enda Hughes: Act without Words II. 2001, DVD, color, sonido, 10’.
El interés de Beckett por los actores cómicos del cine mudo se transmite en una pieza para dos mimos. Rutina de las actividades cotidianas profundamente inquietada por gags y por el contrastado tempo –uno es rápido y eficaz y el otro es lento y torpe– que marca sus movimientos.

Kieron Walsh: Rough for Theatre I. 2001, DVD, color, v.o.s., 17’.
Entre las ruinas se produce el encuentro de un ciego y de un paralítico. La atrocidad de las carencias y de los recuerdos obliga a que cualquier intento de aproximación resulte en un recelo violento y amenazante.

Anthony Minghella: Play. 2001, DVD, color, v.o.s., 15’.
Un continuum de tres voces. Los personajes, asomando apenas su cabeza del interior de unas urnas, son sometidos a un obsesivo interrogatorio por la cámara, que los asedia con frenética indistinción. Cada uno de sus veloces discursos –que narran las triviales vicisitudes de un triángulo amoroso– es permanentemente interrumpido, pero también perfectamente coordinado con el siguiente, para crear un único vector sonoro.

John Crowley: Come and Go. 2001, DVD, color, v.o.s., 8’.
Una perfecta simetría y una combinatoria integral organizan el vaivén de tres mujeres sentadas en un banco. Alternativamente, una de ellas abandona el escenario, lo que es aprovechado por las otras dos para susurrarse un secreto acerca de la ausente. Aunque este nunca es audible para el espectador, la reacción de los rostros parece señalar un carácter fatal.

Damien Hirst: Breath. 2001, DVD, color, sonido, 45”.
Al límite del silencio: una respiración atraviesa un paisaje de basura.

Charles Garrad: That Time. 2001, DVD, color, v.o.s., 19’.
Reducida a la mera función de oyente, una cabeza flota en la oscuridad. Una misma voz, procedente de tres lugares distintos, la alcanza. Los lugares, las historias y los detalles de una vida –situada en un pasado ya definitivo que el recurrente “aquella vez” del título ratifica– se suceden ante la atenta escucha.

David Mamet: Catastrophe. 2001, DVD, color, v.o.s., 6’.
El funcionamiento y las convenciones teatrales como un instrumental totalitario. El director de escena y su ayudante someten con pulcra frialdad a la figura protagonista, mero testigo mudo de su anulación. Dos de los principales nombres del teatro británico, el actor John Gielgud, en la que fue su última actuación, y el dramaturgo Harold Pinter, declarado admirador de la obra de Beckett, intervienen en ella.

Concierto: Thomas Köner
Miércoles 27 de septiembre, 20 h.

El artista alemán Thomas Köner es uno de los artistas electrónicos más respetados de la actualidad, gracias a su constante búsqueda de nuevas intersecciones entre sonido, imagen y arte digital. Atrás queda su ya legendaria aventura techno como Porter Ricks, con discos en Chain Reaction y Force Inc. Más recientemente, su decantación por lo visual le ha deparado los premios más prestigiosos (Ars Electronica, Transmediale, ARCO, etc.). El 27 de septiembre nos presentará la pieza Imagination Morte Imaginez, dentro del ciclo Samuel Beckett. Obra para Cine y Televisión organizado por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Departamento de Audiovisuales).
Köner rendirá homenaje a uno de sus autores favoritos con una pieza sonora y visual única, haciendo uso del texto de Beckett Imagination Morte Imaginez. A lo largo de los años, la investigación artística desarrollada por Thomas Köner le ha conducido a las áridas tierras de los sonidos, las palabras y las vistas en estado de descomposición o súbita desaparición. La poesía de su trabajo se apoya en la experiencia del tiempo y de las condiciones humanas básicas. Creando un entorno de escucha multicanal, acompañado de videoproyecciones que iluminan el espacio de Imagination Morte Imaginez, Köner invita a la audiencia a sumergirse en un paisaje imaginario definido por movimientos espaciales de luz blanca y oscuridad. Silencio y ruido colisionan en un encuentro con el altamente condensado universo literario de Samuel Beckett.
Thomas Köner concibió esta pieza como un trabajo producido por la radio alemana WDR, en una serie de eventos que tuvieron lugar en el Museum of Applied Arts, Colonia.

Conferencia: Claudia Lenssen
Jueves 5 de octubre, 20 h.

Claudia Lenssen es historiadora y crítica de cine. Es autora de dos libros "Der Tschechow-Clan" (2001) y "Blaue Augen, blauer Fleck. Kino im Wandel von der Diva zum Girlie" (1998), y de los artículos "Sex ist kein Spass", sobre el cine de Catherine Breillat, y "From Hitler to Hepburn: A Discussion of Women's Film Production and Reception", jpublicado en New German Critique.

Conferencia: Walter Asmus
Jueves 19 de octubre, 20 h.

Walter Asmus, director teatral y profesor de la Hochschule für Musik und Theater de Hannover, es uno de los más reputados intérpretes de la obra de Samuel Beckett a nivel internacional. Amigo y colaborador personal del escritor, inició su relación con él a mediados de 1970 con el montaje de "Esperando a Godot" en Berlín y poco después colaboró en las distintas producciones televisivas que Beckett realizó para la SDR.

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